L’hypotypose doit être comprise comme un procédé discursif qui exploite le discours, le récit comme la description en vue de « mettre sous les yeux » un fait ou une scène décrite. Tout comme dans un rêve, le sujet locuteur doit être en mesure de dérouler la scène dans une certaine « passivité » qui ne permettra pas de l’influencer. L’effet qu’une hypotypose doit nécessairement produire pour sa consécration en dépend dans la mesure où la sidération du destinataire devient grande lorsqu’il se rend compte de la vraisemblance du fait hypotypotique et de sa convenance. En conséquence, devra donc être bannis de l’hypotypose, tout commentaire, toute appréciation, toute modification et même toute organisation de son discursif. Dans un autre sens, si l’hypotypose se modèle sur le discours, le récit et la description, force est de constater qu’elle se démarque foncièrement de la configuration classique de ces modalités discursives. Il arrive des fois qu’elle les combine pour devenir un discursif hybride. Dans ce cas, il faut noter qu’une modalité discursive principale conduit l’hypotypose et qu’à celle-ci viennent s’ajouter les autres. Les sources de l’hypotypose demeurent principalement le présent, ce que Gustave Guillaume (1993) appelle « époque présente » et qui englobe les temps déictiques ; et une modalité de connexion paratactique au sein des séquences descriptives hypotypotiques auxquelles s’ajoutent ce que Catherine Fromilhague appelle les « opérateurs de figurativité » (introducteurs d’hypotypose). Ce sont des formules d’injonction qui invitent à voir, à entendre ce qui se développe dans l’hypotypose. Elle se cerne dans un texte de par sa structure homogène que mettent en relief ces sources. C’est en cela qu’Henri Morier parle de la « loi du contraste ». Le discursif hypotypotique se conçoit donc comme un moment particulier dans un texte. Il permet le développement in actu d’un fait, d’une scène au regard des moyens qu’elle mobilise. / The hypotypose must be understood as a discursive process which uses the speech, the story and the description to show a fact or a scene described. Just like in a dream, the speaker subject must be able to present the scene in a certain "passivity" that will not allow to influence it. The effect that a hypotypose must necessarily produce to be recognized depends on how big the "sideration" of the addressee get when he realizes the likelihood of the hypotypotique and its convenience. As a result, all the comments, all the discretions, all the changes and even all the organization of the discursive should be banished from the hypotypose. In another sense, if the hypotypose is shaped on the speech, on the story and on the description, it must be considered that it differs substantially from the classical configuration of these discursive procedures. Sometimes it even happens that it combines these procedures to become a hybrid discursive. In this case, it should be noticed that a main discursive mode lead the hypotypose and that the others are added to this first one. The hypotypose sources remain primarily the present those that Gustave Guillaume (1993) calls "present time" and that include the deictic times; a modality of paratactique connection inside the hypotypotique descriptive sequences to which are added those that Catherine Fromilhague calls the "figurativité operators" (hypotypose introducteurs). These are injunction formulas that invite you to see and understand what is developed in the hypotypose. It is defined in a text by its homogeneous structure that highlight its sources. It’s there that Henri Morier speaks of "the law of contrast". The hypotypotique discursive is therefore designed as a particular moment in a text. It allows the development in actu of an event or a scene in the ways in which it engages.

Théâtre et philosophie présentent au long de leur histoire des modes d’interaction divers. L’approche privilégiée est ici l’analyse de la querelle qui opposa, au Ve siècle av. J.-C. en Grèce, deux de leurs représentants : Aristophane et Platon. Une analyse des œuvres qui véhiculent leurs attaques respectives permet de dégager les enjeux de cet affrontement ainsi que d’en mesurer la portée. Depuis cette perspective, la notion de mimèsis apparaît mise en jeu : terme d’origine théâtrale et portant essentiellement le sens du « jeu » de l’acteur, la mimèsis est utilisée par Platon comme l’argument majeur de sa critique de la poésie, autant que comme point d’articulation entre les deux mondes de son ontologie. La seconde partie de notre entreprise est consacrée à l’étude de l’élaboration platonicienne de ce concept dans la République. Cette synthèse est également opérée sur un plan littéraire par le dialogue en tant que forme d’écriture à la croisée entre philosophie et théâtre, que l’on aborde à travers l’étude des dialogues de Platon de ce double point de vue. On parvient ainsi à montrer, à partir des éléments analysés, qu’au cœur de l’opposition entre philosophie et théâtre s’ancre une liaison profonde, dont la nature contradictoire n’aura cessé de se manifester par la suite à travers le problème philosophique et le paradigme théâtral de la représentation. / Theatre and philosophy present diverse modes of interaction throughout their history. In order to interrogate their relationship, this investigation will focus on the analysis of the quarrel which, in the fifth century B.C. in Greece, opposes two of their representatives, Aristophanes and Plato. An analysis of the works that launch their respective attacks will enable us to reveal the stakes of this confrontation, as well as to evaluate their impact. From this perspective, the notion of mimèsis appears at stake but also « at play » – hence, it is en jeu: term of theatrical origins which essentially contains the meaning of the actor’s « play », mimèsis comprises not only the central argument of Plato’s critique of poetry, but furthermore, the articulation point between the two worlds of his ontology. The second part of our research is dedicated to the study of Plato’s elaboration of this concept in the Republic. This synthesis is also operated on a literal level by the dialogue as a writing form at a crossroads between philosophy and theatre, which we will approach through the examination of Plato’s dialogues from this double point of view. Taken together the different elements of our analysis reveal that, at the heart of their opposition, lies a deep bound whose contradictory nature has not ceased to manifest itself in the philosophical problem and the theatrical paradigm of representation.

L'objectif de cette thèse est étudier la caractère monobloc de la théorie du récit de Paul Ricœur. Elle comporte trois séries de questions. D’abord, il s'agira de savoir quelles sont les connotations du terme « récit » dans les travaux de Ricœur. Il sera ensuite nécessaire d'identifier les problèmes majeurs et les caractéristiques de l'étude de la théorie du récit. Si l'on considère la « médiation » comme sa caractéristique la plus importante, alors nous aurons également définir la « médiation » quant à son mécanisme de fonctionnement et quant à son fondement théorique. Enfin, il faudra élucider le rôle joué par la théorie du récit dans la pensée herméneutique de Ricœur. Cette thèse tente de répondre aux questions mentionnées ci-dessus à l'aide d'une méthodologie d'analyse qualitative complète qui examine minutieusement les textes et les mots clés spécifiques dans une perspective comparative basée sur des ressources herméneutiques analytiques. Cette thèse se compose de quatre parties. Le chapitre 1 traite de la théorie du discours de Ricœur, qui sert de base théorique permettant une vision holistique de l'objet de recherche. Le chapitre 2 présente la structure de base de la théorie du récit de Ricœur, i.e. le «cercle narratif» comprenant trois étapes de la mimèsis. Les chapitres 3 et 4 vont respectivement aborder les deux problèmes majeurs de cette théorie, à savoir temporalité et subjectivité. Le chapitre 4 illustre la catégorie d'identification narrative concernant antécédents, connotation, et caractéristiques. Finalement, l'auteur arrive à la conclusion que la caractéristique de médiation de la théorie du récit de Ricœur sont étroitement liés à son affirmation du « détour herméneutique ». En somme, par son examen de la structure fondamentale du récit et les relations dialectiques entre la narrativité, la temporalité et l’ipséité, cette thèse se propose de prouver le rôle médiateur que la théorie du récit de Ricœur joue dans son système herméneutique. / This goal of this thesis is to investigate Ricoeur’s narrative theory as a whole. It has respectively the following four sets of questions as its research tasks. Firstly, what are the connotations of the notion of “narrative” in Ricoeur’s works? Secondly, what are the major problematics and features of Ricoeur’s narrative theory studies? Thirdly, if we consider “mediation” as its most outstanding characteristic, then shall we also define “mediation” regarding its function mechanism and theoretical foundation? At last, what role does narrative theory play in Ricoeur’s system of hermeneutic thoughts? This thesis attempts to answer the above-listed questions with the methodology of comprehensive, qualitative analysis that scrutinizes specific texts and keywords in a comparative perspective based on the hermeneutic analytical resources.This thesis consists of four parts. Chapter 1 discusses Ricoeur’s theory of discourse, which serves as the theoretical framework that enables a holistic view of the research object. Chapter 2 presents the basic structure of Ricoeur’s narrative theory, i.e. the “narrative circle” consisting of three stages of mimesis, in a comparison with “mimēsis” and “muthos” in Aristotle’s Poetics. Chapter 3 and Chapter 4 respectively address the two major problems of this theory, i.e. temporality and subjectivity. The theoretical central core of this thesis lies on Chapter 3. Chapter 4 illustrates the notion of “narrative identity” regarding its background, connotation, and characteristics. Finally, the author concludes that Ricoeur’s narrative theory function as a mediating force in such a way that corresponds with his assertion of “hermeneutic detour”. To sum up, by examining the fundamental structure of narratives, the dialecticism between narrativity and temporality and that between narrativity and selfhood, this thesis demonstrates the mediating role that Ricoeur’s narrative theory plays in his hermeneutical thought system.

Le sujet central de cette recherche est une investigation sur le statut de la fiction dans le théâtre occidental contemporain. En ligne avec les transformations sociales de son temps, les contours du théâtre ont perdu de leur netteté. En ce moment de mise en question radicale, la permanence, la mutation ou la disparition de la fiction est l’une des caractéristiques principales pour la reconfiguration de l’art théâtral. En diagnostiquant l’environnement de méfiance par rapport aux méthodes et résultats de la représentation, nous avons étudié ce nouveau lieu qu’occupe, ou peut occuper, la fiction théâtrale. Par le débat théorique et par l’analyse des expériences théâtrales des trois dernières décennies, nous avons identifié une préoccupation avec le réel et avec l’innovation formelle qui ne sont pas incompatibles avec un projet théâtral critique. / The main subject of this research is the investigation on the role of fiction in western contemporary theatre. In line with the social changes of our times, theatre has lost its clear definition. At a time of radical questioning, the mutation or disappearance of fiction is central in the discussions around the definition of theatrical art. To understand an environment of disbelief in methods and results of representation, we research into a potential new place that theatrical fiction occupies [or can occupy]. Through the theoretical debate and analysis of theatrical experiences of last the three decades, we identify a concern with the real, and formal innovations that are not incompatible with a critical theatrical project.

Ce travail présente la manière dont William Faulkner réfléchit la fonction identitaire de la narration dans plusieurs de ses romans : The Sound and the Fury, As I lay Dying, Light in August, Absalom, Absalom! et Requiem for a Nun. L’appartenance des personnages du corpus au Sud des États-Unis exacerbe leur faille constitutive, qu’ils cherchent alors à compenser par la médiation du récit. Cette thèse étudie, à travers le prisme de la théorie de la mimèsis de Paul Ricœur, comment ces personnages configurent leur temps vécu et se projettent mimétiquement dans leur récit afin de procéder à une herméneutique de soi et atteindre ainsi l’appropriation de soi qu’ils recherchent. Cependant, les narrateurs sont tous saisis d’un élan déconstructeur qui met en lumière l’irrésolution du langage grâce auquel ils essayent de se créer une identité de substitution. Ils prennent alors conscience que le langage se dissémine et que la présence qu’ils tentent de faire advenir se dérobe dès qu’elle apparaît. / This dissertation studies the issue of identity in several of William Faulkner’s novels (The Sound and the Fury, As I Lay Dying, Light in August, Absalom, Absalom! and Requiem for a Nun) and how characters attempt to retrieve a sense of self through narration. The characters’ belonging to the American South exacerbates their inner gap, which they then try to fill thanks to their story-telling. This study examines, through the prism of Ricoeur’s theory of mimesis, how these characters configure their world of action and project themselves mimetically into their narratives so as to achieve self-understanding through a hermeneutical process. However, the narrators under study are overwhelmed with a deconstructive impetus which sheds light on the indecisiveness of the language thanks to which they are trying to create a substitute identity. They thus become aware that language disseminates itself and that the presence they are attempting to create gives way as soon as it appears.

Ce travail de thèse, inscrit entre littérature comparée, théâtre et philosophie, est fondé sur l'analyse d'une notion polysémique : la mimèsis. Il s'agit en effet d'étudier le traitement de cette notion dans le corpus philosophique de Lacoue-Labarthe et de trouver là un point de départ pour l'analyse de ses textes littéraires (Phrase, L'''Allégorie'' et Préface à la Disparition). La première partie est consacrée à une mise au point philosophique dont le but est de situer la pensée de la mimèsis de Lacoue-Labarthe par rapport à la philosophie grecque (Platon, Aristote) et allemande (de Winckelmann à Heidegger, en passant par Schiller, Hölderlin, le romantisme ou Hegel). Nous observons ainsi combien, dépassant une interprétation productive (la Darstellung) ou passive (la Nachahmung) de la mimèsis, Lacoue-Labarthe propose de voir la représentation littéraire et théâtrale comme le produit d'un « mime de rien », où « rien » est compris comme ce qui échappe à toute représentation possible. Les deuxième et troisième parties approfondissent la manière dont ce « rien » trouve un écho dans ses textes littéraires. Plusieurs analyses formelles sont alors menées : influence de la traduction sur la versification du texte poétique et théâtral, développements sur l'esthétique du sublime qui guide l'auteur, évocation des rapports de ses textes avec les pratiques de la musique, de l'opéra et de l'oratorio, mise en rapport, enfin, de son écriture, avec le genre de la « biographie » littéraire et artistique. / This literary, theatrical and philosophical work is founded on the analysis of a polysemous concept : the mimèsis. In this phd, we try to study the treatment of this concept in the philosophical corpus of Lacoue-Labarthe and to see the links between his philosophy and his literary texts : Phrase, L' « Allegorie » and Préface à la Disparition). The firts part is devoted to a philosophical approche. We try to understand the formation of Lacoue-Labarthe's thought compared to Greeks (Plato, Aristote) and Germans (Winckelmann, Heidegger, Schiller, Hölderlin, romanticism and Hegel). Exceeding a productive (Darstellung) and a passivates (Nachahmung) interpretation of the mimèsis, Lacoue-Labarthe proposes to see the literary and theatrical representation like the product of a « mime de rien » (« mimes of nothing »), where « nothing » is understood as what escapes any possible representation. Several formal analyses are then explore : influence of the translation on the versification, description of the sublime esthetics of Lacoue-Labarthe, links between Lacoue-Labarthe's texts and music, opera or oratorio, links between « writing » and « biography ».

Les discussions sur l’éthique de la santé mentale se concentrent généralement sur des sujets comme la confidentialité ou les conflits d’intérêt. Certaines formes de thérapie donnent cependant lieu à des situations plus particulières. C’est le cas de la thérapie psychodynamique et des considérations éthiques soulevées par les processus de transfert et de contre-transfert. En raison du peu de recherche sur ce sujet, l’approche de l’analyse documentaire critique, une méthode qualitative, fut sélectionnée. Ce projet vise à établir l’apport de la médecine narrative et plus spécifiquement du concept de représentation pour analyser les aspects éthiques du transfert et du contre-transfert. À cette fin, ces processus sont étudiés en détail et les diverses stratégies proposées aux thérapeutes pour maintenir une relation éthique avec leurs patients sont recensées. Popularisés principalement par Rita Charon, la médecine narrative et ses principaux composants, dont la représentation, sont ensuite présentés. De plus, la mimèsis étant à la base de la représentation, les travaux de Paul Ricœur sur le sujet sont discutés. Le dernier chapitre de ce mémoire, qui constitue la partie analytique du projet, prend la forme d’un exercice inductif évaluant l’apport de la médecine narrative pour analyser les aspects éthiques du transfert et du contre-transfert. / Articles on the ethics of mental health often discuss confidentiality or conflicts of interest. However, certain types of therapy give rise to more specific ethical concerns. This is the case for psychodynamic therapy and the ethical considerations brought up by the processes of transference and countertransference. Due to the paucity of research on the topic, this study uses the critical analysis approach, a qualitative method. This project aims to establish what narrative medicine and more specifically the concept of representation can bring to the reflection about the ethical aspects of transference and countertransference. To this end, these processes are studied in detail and the various strategies suggested to therapists to maintain an ethical relationship with their patients are reviewed. Narrative medicine and its principal components (including representation), popularized mostly by Rita Charon, are then presented. As this concept is at the root of representation, Paul Ricœur’s work on mimesis is subsequently discussed. The last chapter of this thesis, the analytical part of the project, is an inductive exercise evaluating the utility of narrative medicine in studying the ethical aspects of transference and countertransference.

Les discussions sur l’éthique de la santé mentale se concentrent généralement sur des sujets comme la confidentialité ou les conflits d’intérêt. Certaines formes de thérapie donnent cependant lieu à des situations plus particulières. C’est le cas de la thérapie psychodynamique et des considérations éthiques soulevées par les processus de transfert et de contre-transfert. En raison du peu de recherche sur ce sujet, l’approche de l’analyse documentaire critique, une méthode qualitative, fut sélectionnée. Ce projet vise à établir l’apport de la médecine narrative et plus spécifiquement du concept de représentation pour analyser les aspects éthiques du transfert et du contre-transfert. À cette fin, ces processus sont étudiés en détail et les diverses stratégies proposées aux thérapeutes pour maintenir une relation éthique avec leurs patients sont recensées. Popularisés principalement par Rita Charon, la médecine narrative et ses principaux composants, dont la représentation, sont ensuite présentés. De plus, la mimèsis étant à la base de la représentation, les travaux de Paul Ricœur sur le sujet sont discutés. Le dernier chapitre de ce mémoire, qui constitue la partie analytique du projet, prend la forme d’un exercice inductif évaluant l’apport de la médecine narrative pour analyser les aspects éthiques du transfert et du contre-transfert. / Articles on the ethics of mental health often discuss confidentiality or conflicts of interest. However, certain types of therapy give rise to more specific ethical concerns. This is the case for psychodynamic therapy and the ethical considerations brought up by the processes of transference and countertransference. Due to the paucity of research on the topic, this study uses the critical analysis approach, a qualitative method. This project aims to establish what narrative medicine and more specifically the concept of representation can bring to the reflection about the ethical aspects of transference and countertransference. To this end, these processes are studied in detail and the various strategies suggested to therapists to maintain an ethical relationship with their patients are reviewed. Narrative medicine and its principal components (including representation), popularized mostly by Rita Charon, are then presented. As this concept is at the root of representation, Paul Ricœur’s work on mimesis is subsequently discussed. The last chapter of this thesis, the analytical part of the project, is an inductive exercise evaluating the utility of narrative medicine in studying the ethical aspects of transference and countertransference.

L’art symboliste pictural ou théâtral qui s’est développé à la fin du dix-neuvième siècle est habité par le sacré, que celui-ci se manifeste sous la forme du spirituel, du religieux ou sous toute autre forme (spiritisme, occultisme, mysticisme). Quelle que soit sa forme, le sacré est pour tous les symbolistes lié à l’art. Leurs recherches formelles, multiples et variées, tendent toutes à faire surgir l’invisible du visible. Or toutes voient l’émergence, dans les œuvres, de la représentation de la femme, qui dès lors devient intimement liée au «symbolisme». En véhiculant le sacré, la femme devient le symbole des idées des artistes sur leur art, voire le symbole du rapport de l’artiste à son art. Ainsi la thèse étudie la femme dans son rapport aux idées et à l’esthétique propres à chaque artiste, dans son interrelation avec l’art et le sacré et les études détaillées des œuvres dramatiques et picturales visent à montrer la variété et la complexité de ses représentations. En même temps, cette recherche est une étude d’ensemble concernant les relations entre le théâtre et la peinture dans la période fin-de-siècle, abordées non pas de l’extérieur, mais de l’intérieur (c’est-à-dire par les caractéristiques propres des œuvres), dans le cadre de la théorie de l’image ouverte, telle qu’elle a été développée par Georges Didi-Huberman. Finalement, que la forme d’expression artistique soit celle de l’art dramatique ou celle de l’art pictural, la femme n’est dans les œuvres que la manifestation d’une réflexion esthétique qui est aussi une réflexion philosophique, elle est le lieu de rencontre entre le Moi et l’Autre à partir duquel s’origine l’œuvre. / Symbolist art, be it pictorial or theatrical, which developed in the late nineteenth century was filled with sacredness, whatever its form: spiritual, religious or any other (spiritualism, occultism, mysticism). However in all its forms, sacredness is for all symbolists linked to Art. Formal research by symbolists, which is numerous and diverse, all tends to make the invisible visible. However all symbolists formal research saw in the works the emergence of the representation of women, which therefore becomes intimately linked to the "symbolism". By conveying sacredness, woman becomes the symbol of the ideas of the artists on their Art; even the symbol of the relationship of the artist to his Art. Thus this thesis studies woman in its relationship to the ideas and aesthetics of each artist, in its interrelationship with Art and the sacredness. The detailed studies of drama and paintings aim to show the variety and complexity of its representations. At the same time, this research is a global study on the relationship between theatre and painting in the end-of-century period, approached not from outside but from within (i.e. by the characteristics of works), as part of the theory of the open image developed by Georges Didi-Huberman. Finally, whatever the form of artistic expression – drama or painting – woman is only in the works, the manifestation of aesthetic reflection that is also a philosophical reflection, situated at the crossroads between the Ego and the Other, from which the work originates.

Dans sa provenance platonicienne, l’idéal de l’incarnation de l’Idée doit à la fois affronter des individualités (pré)déterminées et qualitativement différentes (le pluralisme) – qui sont répétitions et répétées elles-mêmes. Il doit devenir le vouloir-dire de la personne qui s’efforce de mettre en œuvre ce dernier et qui cherche à franchir les limites ontologiques de la représentation. Cependant, l’irréalisabilité de la pure répétition du vouloir-dire – ou de n’importe quel « sujet » – atteste de la présence absente du même dans le processus de sa mise en œuvre ; la répétition est toujours déjà répétition différenciatrice, son acte même toujours susceptible d’être perçu comme mimétique en pratique. Lorsque nous « créons », nous cherchons une différence absolue (singularisation) tout en visant l’universalité du vouloir-dire, l’Univocité. Autrement dit, c’est l’inévitabilité de la répétition différenciatrice (« nouveauté ») qui se répète et tend vers un dernier résultat censé être absolument univoque et intersubjectivement compris et jugé. Cette inévitabilité signifie-t-elle une (ou la dernière) impasse théorique – une « fin » – insurmontable ? Comment les artistes, les historiens d’art et les philosophes s’y prennent-ils ? Entre l’origine et le futur de l’art, quelle puissance de la répétition devrait-on y chercher pour ne plus répéter « une répétition pour toute » ? / From its Platonic source, the ideal of embodiment of Idea must face individualities which are (pre)determined and qualitatively different – and are themselves repetitions repeated. It must become “what-is-wanted-to-be-said” or “meaning” (“vouloir-dire”) of the person who endeavors to realize it and to attempt to exceed the ontological limits of representation. Meanwhile, the unrealizability of pure repetition of the “vouloir-dire” – like any other “subject matter” – testifies to the absent presence of the same in the process of its realization; each and every repetition is always already a differential repetition, and its act itself always susceptible to be taken as mimetic in practice. When we “create”, we search for the absolute difference (singularization) while aiming at a universality of the “vouloir-dire”, Univocity. Put another way, it is the inevitability of the differential repetition (“newness”) that repeats itself and moves towards the last outcome that is meant to be unique in itself and intersubjectively understood and judged. Does this inevitability point towards a (or the last) insurmountable theoretical stalemate – “an end”? How do artists, art-historians, and philosophers deal with this problem? Between the origin and the future of art, what sort of force of repetition do we have to look for in order to finally no longer repeat “one repetition for all”?