Ma réflexion est basée sur les nouveaux problèmes des vêtements dans une société post-moderne notamment en utilisant les notions du collage, d'assemblage, du patchwork, du montage, de la récupération, du recyclage et du métissage des genres, des époques, des cultures, des styles, des matières, des couleurs, des formes dans la mode vestimentaire. L'objet de ma recherche est axé sur l'assemblage de la nouvelle esthétique des modes d'assemblage cousus et non cousus et l'étude des bouleversements esthétiques générés par l'intégration de l'art du patchwork et du collage sur la voie vestimentaire à partir de mixage des matériaux empruntés de la vie courante. Il s'agirait d'investir les fonctionnements d'une esthétique de reconstruction et de déconstruction dans les œuvres collagistes et voir la nouvelle identité de la Haute Couture métissée qui a bouleversé les rapports traditionnels entre le créateur, l'œuvre, les techniques et le coupé cousu. / My thinking is based on emerging clothes in a post-modem society using the concepts of collage, assemblage, patchwork, installation, recovery, recycling and mixing of genres, eras, cultures, styles, materials, colors, shapes in fashion clothing. The purpose of my research is focused on the assembly of the new aesthetic modes of assembly and not stitched sewn and study of aesthetic upheavals generated by the integration of the art of patchwork and collage on track dress from mixing of materials borrowed from everyday life. It would invest the workings of an aesthetic reconstruction and deconstruction in collage works and see the new identity of the Haute Couture mixed that changed the traditional relationship between the creator, the work, techniques and cut and sewn.

Cette thèse en arts plastiques s'appuie sur les œuvres d'artistes palestiniens contemporains (Mona Hatoum, Taysir Batnijl, Ruia Halawani, Emily Jacir, Laila Shawa), ainsi que sur une pratique personnelle, pour interroger le concept de frontière. Une telle lecture se fait à travers un événement historique majeur : la Nakba. Elle démontre l'hypothèse selon laquelle l'expulsion des Palestiniens de leurs terres a fait émerger, dans les travaux des artistes, une nouvelle forme de frontière. La première partie présente les différents dispositifs de la frontière (vidéosurveillance. miradors, mur, checkpoints) qui imprègnent la création contemporaine et témoignent d'une souffrance qui laisse sa trace dans le paysage, par l'intermédiaire de la mémoire conçue comme un point d'ancrage dans le passé pour mieux comprendre le présent. La deuxième partie, axée sur la mémoire de la Nakba, que nous appelons « mémoire collective expulsée », permet une relecture de cette frontière du point de vue de l'art - grâce auquel la douleur de l'exilé se transforme en force créatrice. Nous aboutissons ainsi, dans un troisième temps, à l'« identité-résilience» qui traduit, chez les artistes palestiniens, leur survie par l'art à l'issue d'une prise de conscience du déracinement originel lié à la e; noyade» de leur patrie et de ses frontières. La frontière devient une blessure inscrite dans le passé sous laquelle l'histoire, la mémoire et l'identité se stratifient, dessinant les contours de nos propres travaux et des œuvres étudiées. Notre thèse, c'est que la Nakba est une fissure qui s'enracine viscéralement dans l'artiste et évolue avec son œuvre pour donner naissance à la « frontière-diaclase », / This PhD dissertation in the field of visual arts builds on the artworks of contemporary Palestinian artists (Mona Hatoum, Taysir Batniji, Ruia Halawani, Emily Jacir, Laila Shawa) as well as on a personal practice, in order to question the border as a concept. The approach chosen draws upon a major historical event: the Nakba. It alms to demonstrate the hypothesis according to which the eviction of Palestinians from their land has allowed their different arts to express a new form of border. Part l exposes the multiple dimensions of the border (video monitoring, watchtowers, wall, checkpoints) which nurture the contemporary creation, while unveiling the trace of a suffering left in the landscape through memory. Memory is conceived as an anchor in the past, for a better understanding of the present. Part II of the dissertation centers on the Nakba as an "expelled collective memory" and provides a retrospective reading of borders, seen through art. By the medium of art, the pain of the exiled becomes his creative power. Hence part III focuses on the "resilience-identity" which expresses the survival of Palestinian artists after a realization of the original uprooting due to the "drowning" of their homeland and its borders. Borders become a wound in the past under which can be found memory, history and identity, which serve the understanding of both my personal work and the pieces studied. The thesis purports to show that the Nakba appears as a fissure deeply rooted in the artist's being and evolving with his work, eventually giving birth to "joint border".

La base de données est un outil omniprésent dans nos vies, qui est impliquée dans un grand nombre de nos activités quotidiennes. Conçue comme système technique destiné à rendre la gastion des informations plus efficace, et comme support de stockage privilégié, la base de données, avec son utilisation dans de multiples contextes, a acquis une importance dont les implications esthétiques et politiques vont au-delà des questions techniques.La recherche à la fois théorique et pratique étudie la base de données comme un moyen expressif et poétique de création, et met en évidence ses caractères spécifiques, notamment la discrédisation des données et leur mise en relation flexible. Le terme d'aura utilisé par Walter Benjamin pour analyser les transformations de l'expérience esthétique engendrées par la rationalité industrielle et la technique à la fin du dix-neuvième siècle, est reconsidérée afin de formuler une poétique de la base de données. La partie pratique de notre recherche comporte deux projets interactifs fondés sur les principes poétiques élaborés au cours de cette thèse. / Database are ubiquitous in our lives and play an important rôle in many aspects of our daily activities. Conceived as a technical support to facilitate the efficient management of information and as the preferred means of storage, the database has gained a level of importance with aesthetic and political implications that go far beyond purely technical questions.Both theorical and practical in its approach, our research investigates the database as a means of expressive and poetic creation and reveals its specific character, in particular the discretization of data and the establishment of flexible relationships between them. In order to develop a poetics of the database we will reconsider the term « aura », which was utilized by walter Benjamin to analyse the transformations of the nature of aesthetic experience brought about by industrial rationalisation and technology at the end of the nineteenth century. The practical part of our research consists of two interactive projects based on the poetic principles elaborated in context of this dissertation.

Cette thèse a ses origines dans notre pratique artistique et se caractérise par la curiosité inlassable envers le rapport entre l'art et la technologie numérique. Son idée fondamentale est d'examiner les possibilités offertes par l'intelligence artificielle dans le contexte de l'art. L'hypothèse de cette recherche est que les œuvres d'art dotées d'intelligence artificielle présentent une problématique commune et identifiable dans le panorama général des œuvres numériques. Notre but est de comprendre comment la notion d'intelligence est mise en œuvre dans certains projets d'art, et de quelle manière les techniques d'intelligence artificielle enrichissent du point de vue conceptuel et formel les productions artistiques actuelles. Nous proposons d'abord une étude sur l'art assisté pal l'ordinateur, ses principales définitions et tendances actuelles. Puis, nous développons une définition de l'œuvre d'art dotée d'intelligence artificielle. Ensuite, nous présentons nos projets artistiques et leurs problématiques respectives.Dans le cadre de cette thèse. nous avons développé deux projets qui investissent une réflexion artistique sur le langage naturel comme interface de la communication homme-machine, aussi bien que sur les notions d'automate et d'agent intelligent considérés dans le contexte de l'art numérique. / This thesis finds its origins in the way we are making art, and it is marked by our unflagging interest in the relationship between art and digital technology. Its primary idea consists in examining the possibilities offered by artificial intelligence in the context of art. The hypothesis of this study suggests that artworks endowed with artificial intelligence present a type of problematic that is common and identifiable in the general landscape of computer works of art. Our aim is to understand how the notion of intelligence is evoked by the behavior of certain artworks, and in what way current art productions are enriched from a conceptual and formal point of view, by techniques of artificial intelligence. At first we propose a study about the computer art main definitions and current trends. Next, we develop a definition of artworks endowed with artificial intelligence. Then, we present our artistic projects and their respective problematic. As part of this dissertation we have developed two projects that engage in an artistic reflection on natural language as a interface of the communication between man and machine, as well as on the notion of automaton and intelligent agents in the context of computer art.

Cette thèse interroge une expérience individuelle de pratiques artistiques effectuées dans le contexte géographique de l'île de la Martinique. Pour celui qui le vit, l'exil offre la possibilité d'adopter des points de vue distanciés tout en conservant l'implication dans les problématiques les plus actuelles et les plus universelles. Ce travail questionne les relations entre la création artistique et ce qui semble la nier, à savoir tous les phénomènes désastreux. En art, la mise en œuvre peut être comprise comme le montage d'un assemblage. L'artiste relie des fragments entre eux pour composer des objets qui ne constituent ni une unité ni un enchevêtrement hasardeux, mais plutôt des structures ouvertes et instables cultivant l'indétermination. Adoptant cette conception que l'art et la vie sont indissociables, l'approche développée dans ce texte explore les liens entre l'idée d'assemblage d'éléments disparates et les questions soulevées par les relations entre l'individu et les contextes ou encore entre les singularités et les communautés. Le désir de créer persiste malgré la perspective incontournable du désastre. Envisagée sous cet angle, la pratique artistique peut se concevoir comme un rituel de résistance. / This thesis examines a personal experience of artistic practices realised in the geographical context of the island of Martinique. For the one who lives it, the exile offers the possibility of adopting viewpoints distanced while retaining involvement in the most current and most universal problems. This work questions the relationship between artistic creation and what seems to deny it, namely all the disastrous phenomena. In art, the implementation can be understood as the setting of an assembly. The artist connects fragments together to compose objects that are neither a unit nor a hazardous entanglement, but rather an open and unstable structure cultivating indeterminacy. Adopting this conception that art and life are inseparable, this work explores the links between the idea of assembly of disparate elements and issues raised by the relationship between the individual and the contexts or between singularities and communities. The desire to create persists despite the unavoidable prospect of disaster. Seen from this angle, the artistic practice can be understood as a resistance ritual.

Cette thèse de doctorat en arts plastiques étudie la constellation. se situe dans une société contemporaine, où s'opère un tournant spatial, que ce soit en arts ou dans d'autres disciplines. est le creuset d'une réflexion transversale. ouverte aux articulations entre des pratiques et des disciplines. à partir des travaux artistiques de la doctorante et ceux de Bouchra Khalili, Bernard Heidsieck, Fabrice Hyber, Christophe Tarkos… associés aux perspectives écologiques menées par Tim Ingold, Philippe Descola, J. J. Gibson… cette thèse en arts plastiques analyse une écologie de l'art au fonctionnement constellatoire. au travers de cinq cahiers. dont trois cahiers principaux, cartographier–bâtir–chercher. territoires d'exploration. pour chercher à faire émerger des questions écologiques sur les pratiques artistiques ex : comment une association entre Fernand Deligny, Bouchra Khalili et David Antin permet de saisir une expérience cartographique à l’échelle écologique ? cette thèse en arts plastiques propose une circulation par notions écologiques. – #usages, #interactions, #échelle… – permettant de déterritorialiser des pratiques. d'exposer et mettre à l’épreuve des contaminations, jonctions ou transmissions. / This PhD thesis focuses on the constellation. originates in a contemporary society where a spatial corner arises, whether it be in arts or in any other disciplines. is the area of a cross-disciplinary thought. open to interactions between practices and disciplines. based upon on the work of the PhD student and those of Bouchra Khalili, Bernard Heidsieck, Fabrice Hyber, Christophe Tarkos… linked to the ecological theoretical perspectives carried by Tim Ingold, Philippe Descola, J. J. Gibson… this thesis in art analyses an ecology of art of the functioning of constellation. through five notebooks. of which three main notebooks, cartographier–bâtir–chercher. areas of exploration. in order to make ecological matters about artistic practices emerge. e.g : how does the link between Fernand Deligny, Bouchra Khalili and David enable us to understand a cartographic experience on an ecological scale ? this thesis in art offers a circulation via ecological notions. – #usages, #interactions, #scale… – enabling to deterritorialise practices. to expose and to put to the test contaminations, junctions or transmissions.

Elaboré dans les premières décennies du XIIe siècle, le tympan central du portail de la nef de Vézelay est l’un des témoins privilégiés du renouveau iconographique que connaît l’art roman entre la fin du XIe et le début du XIIe siècle. Maintes fois étudiée, son iconographie demeure pourtant énigmatique par la rareté de son thème – la Pentecôte – et plus encore ses scènes périphériques, portant l’image des peuples de la terre. C’est à ce motif, dans sa relation au contexte qui l’environne, que cette étude est dédiée. Le premier chapitre envisage les circonstances historiques, intellectuelles et monumentales qui ont vues l’élaboration d’un tel programme, lequel se révèle fortement ancré dans le renouveau que connaît la communauté au XIe siècle. Le second chapitre, consacré à l’iconographie tympanale, en livre l’étude matérielle et descriptive avant de la replacer au sein de la tradition iconographique de la Pentecôte. Une analyse qui démontre combien le tympan, nonobstant sa rareté, se conforme aux principes de cette tradition. Le dernier chapitre, enfin, aborde le motif des peuples de la terre. Il en livre tout d’abord une définition affinée par l’analyse générale de ses formes et traditions iconographiques, littéraires et conceptuelles depuis l’antiquité. Révélant une prédilection pour le champ ornemental et divertissant au Moyen Âge, le motif accède, au tympan, à une valeur symbolique et sémantique rare propre au cadre religieux au sein duquel il prend place. Objet de curiosité et image d’altérité, il fonctionne ici tel un point d’entrée pour le fidèle, autant qu’il unifie l’iconographie tympanale et renforce les notions inhérentes au thème de la Pentecôte / Designed in the early decades of the twelfth century, the central tympanum of the the nave portal of Vezelay is one of the privileged witnesses of the iconographic revival of Romanesque art between the late eleventh and early twelfth century. Repeatedly studied, its iconography yet remains enigmatic by the rarity of its theme – the Pentecost – and more, by its peripheral scènes, bearing the image of the peoples of the earth. It is to this pattern, in its relation to its surrouding context, that this study is dedicated. The first chapter considers the historicals, intellectuals and monumentals circumstances that have witnessed the development of such a program, which reveals deep roots in the revival the community knew in the eleventh century. The second chapter, devoted to the tympanum’s iconography, perfoms its descriptive and material study before replacing it in the iconographic tradition of Pentecost. An analysis which demonstrates how the tympanum, despite its rarity, is consistent with the principles of this tradition. Finally, the last chapter discusses the pattern of the peoples of the earth. It first delivers a refined definition through the general analysis of its iconographics, literaries and conceptuals forms and traditions since antiquity. Revealing a predilection for the decorative and entertaining fields in the Middle Ages, the tympanum’s pattern accesses a rare symbolic and semantic value peculiar to the religious framework within which it takes place. Object of curiosity and image of otherness, it works here as an entry point for the worshippers, as well as it unifies the tympanum’s iconography and strengthens inherents concepts to the theme of Pentecost.

Cette thèse envisage le phénomène du livre d’artiste tel qu’il se développe dans sa relation à la notion et à la pratique d’exposition depuis les années 1960. L’exposition est ici considérée selon un double point de vue : d’une part comme le dispositif institutionnel le plus courant de manifestation de l’art ; d’autre part comme une fonction se rapportant à la visibilité des oeuvres. Il apparaît alors que les livres et les éditions d’artistes peuvent s’appréhender entre pratiques alternatives à l’exposition et pratiques d’exposition alternatives. Pratiques d’exposition alternatives dans la mesure où le livre et l’imprimé sont potentiellement des modes de visibilité de l’art ; pratiques alternatives à l’exposition parce que ce moyen de visibilité est très différent de ce que l’on nomme usuellement une exposition. À travers l’étude de cette tension dialectique entre l’édition et l’exposition, il s’agit de préciser quelle est l’économie artistique et quelles sont les conditions de réception esthétique que proposent les livres et les éditions d’artistes, et ainsi de comprendre en quel sens et à l’égard de quelles normes ou de quelles instances ils ont une valeur dite « alternative ». De la sorte, il est également question de la place qu’occupentles livres d’artistes dans le système de l’art contemporain et des effets qu’ils exercent sur celui-ci / This thesis considers the phenomenon of the artist’s book as it develops in its relation to the concept and to the practice of exhibition since the 1960s. The exhibition is considered here in a double perspective: on the one hand as the most common institutional apparatus for the manifestation of art, and secondly as a function related to the visibility of the artworks.It further appears that artists’ books and artists’ publications can be grasped inbetween alternative practices to exhibition and alternative exhibition practices. Alternative exhibition practices insofar as book and printed mater are potential modes of visibility of art ; alternatives practices to exhibition because this way of visibility is very different from what we usually call an exhibition.Through the study of this dialectical tension between publishing and exhibition, we aim to clarify what are the economics of art and the conditions of aesthetic reception that books and artists’ publications offer; thus we aim to understand in what sense and with respect to which norms or instances they have what one may call an “alternative” value. From this perspective, this thesis is also about the place of artists’ books in the system of contemporary art and the effects they have on it

Le présent travail vise à établir comment l’artiste français Bertrand Lavier (1949) définit et exprime le réel dans son travail. Il s’agit aussi de fournir une réponse historique et critique à l’une des thématiques-clés de l’histoire de l’art contemporain, le rapprochement entre l’art et la vie. Ainsi, nous avons abordé les séries créées par l’artiste depuis la fin des années 1960 à nos jours, d’où émergent des interrogations récurrentes : l’ontologie de la représentation, le problème de la définition de la peinture ou la sculpture, que l’artiste s’emploie à rebâtir. Il y effectue également une critique systématique du langage en tant que constituant fiable du réel, relevant ses limites, amorçant ainsi un divorce avec l’art conceptuel, paradigme dominant de l’époque, et une conversion à la volonté de rematérialisation de l’art, redonnant une bonne place à l’esthétique, au sensible, et à l’instinct, après le règne du cérébral et de l’immatériel. Ensuite, cherchant à contextualiser son travail, nous avons établi une chronologie précise de la formation de Lavier, avant de le confronter à deux grandes figures de l’histoire du siècle, chacune ayant développé une idée précise des rapports de l’art au réel, Duchamp et Warhol, ceci à fin de nous donner des éléments de réponses quant à la place historique du travail de Lavier quant à cette problématique. Enfin, nous avons associé Lavier à deux pensées, le postmodernisme et la philosophie de Nietzsche, afin d’éclairer sa vision relative et morcelée du réel, vu comme amoral et subjectif, et d’expliquer la nécessité de le réorganiser esthétiquement, actant l’art comme remède au réel chaotique et réenchantement du quotidien. / This study aims to establish how French artist Bertrand Lavier (1949) defines and expresses reality in his work. In addition, we wanted to provide a historical and critical answer to a key problematic of contemporary art's history, the link between art and life. First, we dealt with several Lavier's series, from the late 1960s till nowadays, from which emerge recurring topics : representation ontology, the problem of paintings and sculptures definition, which the artist employs himself to rebuilt. Furthermore, he also makes a methodical critic of language as a reliable component of reality, pointing its limits and flaws, acting his divorce with then dominant conceptual art, converting himself to the rematerilization of art, bringing back aesthetics, perception and instinct, after the reign of immateriality and intellectualism. Then, trying to contextualize his work, we established a detailed chronology of the artist's education, before confronting him with two 20th Century key figures, both having developed a strong vision of connections between art and reality, Duchamp and Warhol, in order to precise the historical place of Lavier's work regarding this topic. Eventually, we linked Lavier to two thinkings, Postmodernism and Nietzsche's philosophy, allowing us to shade light on his vision of a relative and fragmented reality, seen as amoral and subjective, and to explain the necessity of its aesthetical reorganization, presenting art as the remedy of a chaotic reality, and the everydays re-enchantement.

Afin d'en faire l'expérience, cette thèse explore l'idée d'un espace dit pliable. en tant que « structure modulable comme capture de moment ». L'espace conçu à travers une œuvre n'est pas uniquement envisagé comme le milieu à trois dimensions dans lequel le spectateur se déplace, mais comme l'événement qui interroge et réaffirme sa spatialité. Sans cesse en mouvement parce que pliable sait-on précisément où il se rencontre? Où il se plie et se déplie? Dans le cadre de ma pratique artistique, en développant l'idée d'un Espace Pliable, ces réalisations - à déployer et ployer. à plier et déplier - interrogent aussi bien le volume du point de vue de son extension que le « champ de la sculpture» en expansion. À l'aide d'un corpus d'œuvres allant principalement des années 1960 à nos jours, la thèse liée à ce travail entend repérer et analyser une partie des différentes relations spatiales et temporelles à l'œuvre. Convoquant des artistes tels que Robert Morris, Franz Erhard Walther ou encore Hans-Walter Müller, architecte, l'enjeu de cette recherche est d'étudier l'espace du point de vue de ses particularités plastiques, afin de reconsidérer principalement l'expérience que nous en faisons. Au plus près d'une pratique sculpturale, ces installations entre visible et invisible, matériel et immatériel, ne semblent « capturer» rien d'autre que de l' « espace ». Fortes de l'analyse deleuzienne du pli comme système dynamique - puisque pliable - une fois à l'intérieur de mes sculptures cubiques, celles-ci deviennent un témoin du temps que le spectateur leur donne. / In order to have the experience of it, this thesis explores the idea of what's called Foldable Space, meaning a "modulable structure as captured time". Space represented through an artwork, is not only considered as a three-dimensional environment that the spectator moves through, but as an event which questions and reaffirms its spatiality. Constantly moving, because foldable, do we know precisely where the encounter happens? Where it folds and unfolds? As part of my art practice, developing the idea of a Foldable Space, these works made to be unfurled and bent, folded and unfolded, question both the volume from the perspective of its extension and the expanding "field of sculpture". Using a corpus of works mainly from the 1960s to the present day, the thesis linked to this artwork intends to identify and analyse some of the different spatial and temporal relationships at work. Summoning artists such as Robert Morris, Franz Erhard Walther or the architect Hans-Walter Müller, the imperative of this research is to study space in regard to its sculptural and aesthetic characteristics, mainly in order to reconsider our experience of this space. Very nearly a sculptural practice, these installations between visible and invisible, tangible and intangible, seem "to capture" nothing but "space". Supported by Deleuze's analysis of the fold as a dynamic system - because foldable - once inside one of my cubic sculptures, the sculpture becomes a witness of the time the spectator spends with it.