Cette étude que j'ai intitulé «Œuvre monstre, une création informe» s'inscrit dans une recherche dans l'art contemporain sur des phénomènes plastiques liés à l'idée de l'extrême. Ils restent tributaires d'une théorie de la forme vers celle de l'informe et d'une grande plasticité que rehaussent mes œuvres personnelles, mélangeant de façon heureuse la sculpture traditionnelle et le numérique. Or, associer l'image numérique, l'argile et la vidéo au sujet du monstre était une manière de toucher au plus profond des œuvres cruelles et informes, de ressemblances déchirantes et déchirées. La forme monstrueuse n'est donc pas réduite à une simple signification consciente, elle transcrit un discours univoque et le monstre devient alors le concept par excellence dans ma pratique plastique. L'œuvre devient de l'ordre de "monstrum", l'image est d'essence "monstrative". Chaque image, telle qu'elle soit, numérique, photographique ou vidéographique est une monstrance. La sculpture serait la représentation du corps déchu, ou de l'image de la mort, qui surgit dans le miroir de Narcisse qui n'a plus rien à faire de la ressemblance, donnant un reflet qui appréhende le masque de Méduse. Cette recherche qui s'attache à l'informe, débusque les mythes sous des pratiques violentes et accidentées, appuyée par une recherche théorique qui s'est développée notamment autour de la pensée de Georges Bataille, ainsi que des anthropologues et de la phénoménologie, et par leurs pensées, l'œuvre ramène les différentes expériences d'extrême, d'excès, et de perte, à la dimension du sacrifice. / This study I entitled "Monster Work, a Formless Creation" is to be inscribed within a contemporary art research that deals with the idea of the extreme in relation to plastic phenomena, for the latter depend on the theory of form and on a great plasticity enhanced by personal creations that happily melt traditional sculptures with digital technology. As a matter of fact, combining the digital image, the clay and the video, with the monster, was a way to reach what is profound within formless and cruel works of art that are of painful and torn resemblances. The monstrous form is, thus, not reduced to a simple conscious significance, it transcribes an unambiguous discourse and the monster becomes the concept, par excellence, of my plastic practice. The work of art becomes connected to the "monstrum" and the image is inherently endowed with a visual power (in French "monstrative"). Every image, be it digital, photographic or video graphic is a monstrance. Sculpture would be the representation of the fallen body or the image of death that appears in Narcissus Mirror and that is no longer related to any form of resemblance, showing a reflection that grasps the Mask of Medusa. This research that is focusing on formlessness serves to dispel the myths under violent and rugged practices supported by a theoretical research based on the philosophy of Georges Bataille as well as that of anthropologists and phenomenologists, and through their thoughts, the work brings the different experiences of extremes, excess and loss to the dimension of sacrifice.

La matière est la cellule fondamentale de la création. Elle est présente sous diverses formes et densités. Parfois souple, d'autres fois solides, elle est aussi réelle et irréelle. La dualité de son identité fait de sa nature un facteur propice à l'expression de l'art. Dans l'Interprétation de la Nature (Interprétation of Nature), l'élément visible mais aussi invisible subit le cycle de la vie qui dans un espace spatiotemporelle change, le fait naître de renaître. Dans ce contexte, mon étude porte sur l'être et le devenir. Le développement de la cellule primaire, sa croissance, sa formation, sa maturation, sa disparition et sa re-création. L'expérience de l'objet est variable selon l'espace. L'espace qui entoure le spectateur peut être la cause du changement, et modifier l'oeuvre. La situation n'est pas dépendante du créateur mais interactive avec le spectateur qui entretient un rapport ambigu. de possesseur-possédé. / Material is the fundamental cell of creation. It appears under different shapes and densities. Its dual identity turns its nature into an appropriate factor in the expression of art. In the Interpretation of Nature, visible as well as invisible elements undergo the existential cycle which, within a spatiotemporal framework, breathes endless life into it. In this context, my study revolves around being and becoming, that is, the development of primary cell, its growth, formation, maturation, demise and re-creation. The experience of the objects varies according to space. The space surrounding the viewer might be the cause of change and might even modify the artwork. The situation does not just rely on the creator but interacts with the viewer in an ambiguous relation where the possessor becomes possessed.

Une absence d'oeuvres d'art des médias en Islande au tournant du siècle dernier, qu'elles soient électroniques ou numériques, a initié cette recherche. Elle a incité l'auteur à entreprendre une analyse de l'histoire des arts plastiques du pays au moment où il était en train de devenir indépendant du Danemark. Cette période est marquée par une quête identitaire, où la définition de la particularité culturelle a dominé le discours sur l'art. En plaçant l'art du passé dans le contexte de la colonie, et l'art moderne dans celui de la lutte pour l'indépendance, il devient possible de montrer que l'absence des arts des médias peut être expliquée par le contexte postcolonial de l'après-guerre. Elle montre finalement comment l'isolement des artistes a été brisé dans ce contexte. Pour finir elle examine comment le pouvoir politique et les institutions culturelles ont réagi à la globalisation des technologies électroniques et numériques qui ont contribué à changer la création et la pratique artistique. / A lack of media art in Iceland at the turn of last century, whether electronic or digital, initiated this research. The deficiency encouraged the author to undertake analysis of the history of art in Iceland, at a time when it was becoming independent from Denmark. This period is characterized by the nation's quest of identity, where the definition of cultural particularity dominated the discourse on art. By placing the art of the past in the context of the colony, and modern art in that of the struggle for independence, it is possible to show that the lack of media arts can be explained by the postcolonial situation after the war. Finally, it shows how the isolation of artists was broken in this context. To conclude it examines how the political and cultural institutions have reacted to the globalization of electronic and digital technology that has contributed to change the artistic creation and practices.

Faire émerger les similitudes, les connivences entre matière et esprit, établir une passerelle entre les civilisations est le dessein de cette thèse. Notre culture contemporaine est construite sur des ruines, celles des différentes civilisations qui nous ont précédé et aussi celles du chaos provoqué par la guerre mondiale du milieu du vingtième siècle. Ceci a fait naître un culte de la mémoire et un art délibérément tourné vers le souvenir, que l'on retrouve chez les principaux sculpteurs intervenants d l'art contemporain. Dans une première partie, ayant fait ce constat, j'explore les limites de ces territoires dont nous avons hérité, et qui sont le ferment de mon approche conceptrice. Je refais donc le chemin qui m'a amené à développer des projets personnels en tant que sculpteur, celui des carrières. L'attraction de la matière marbre et du blanc devient le pivot de ma démarche, l'espace, son ancrage. Dans une deuxième partie, j'ai abordé les moyens mis en œuvre par les artistes plasticiens comme par moi-même pour se réapproprier les territoires oubliés ou les friches de notre quotidien, le nomadisme de l'œuvre qui se lie à différents supports, réels ou virtuels. Enfin est apparue dans cette recherche une donnée nouvelle, celle de l'écriture. J'ai pris conscience du rôle important de la littérature dans ma relation à l'œuvre, mais aussi comment l'écriture s'impose aujourd'hui dans l'art contemporain et dans mes propres réalisations. / To bring to the foreground the similarities, the complicities between material and spirit, to establish a footbridge between civilizations is the intention of this thesis. Our contemporary culture is built on ruins, those of the various civilizations who preceded us and also those of the chaos caused by the world war of the middle of the twentieth century. This created a cult of the memory and the art deliberately turned to the souvenir that we find in the work of the principal sculptors in contemporary art. In the first part, having made this report, I investigate the limits of these territories from which we inherited, and which are the ferment of my approach as a designer. I thus retry the way which brought me to develop personal projects as a sculptor, that of quarries. The attraction of the marble material and of the white becomes the pivot of my approach, the space, its anchoring. In the second part, I approach the means implemented by the visual artists, whom like me, re-appropriate the forgotten territories or the fallow lands of our everyday life, the nomadism of the work which is bound in various supports, real or virtual. Finally I discover in this research a new idea, that of the writing. I become aware of the important role of the literature in relation to my work but also how the writing is imperative in the contemporary art and in my own realizations today.

Ce travail met en œuvre un processus d'effacement de la figuration par la lumière, mais également par l'utilisation du blanc en tant que matière. La forme devient fantomatique, apparaît en filigrane, et disparaît aux confins de la représentation. Cette recherche se déploie à travers une installation plastique qui invite le spectateur à une lecture visuelle en épaisseur. Il s'agit de mettre en lumière par diffraction quelques figures prélevées dans l'Apocalypse de Saint Jean. J'ai ainsi imaginé de prendre appui sur ce texte fondateur. Tel le parergon Derridien, il lui a servi de cadre et de cartouche pour définir à la fois un lieu et proposer le chemin qui mène au dévoilement. C'est au dessin effacé par le geste peint et qui retourne à la blancheur, que j'ai confié cette mission, pour traduire la fragilité de la condition humaine. La représentation qui se retire laisse l'incertain de la vision d'imprimer dans un point par point. A l'horizon de cette quête, née de la lecture du texte et de son écriture plastique, se révèle enfin un visage. Un visage d'humanité alternant entre les dualités multiples de l'existence. Ce travail est un chemin vers l'effacement, vers le retrait. Il se veut un en deçà qui rencontre un au-delà. / This work sets up a fading process in figuration with the use of light but also white as matter. Form becomes phantasmal appears as filigree and disappears in the confines of representation. This research is deployed via a plastic art installation which invites the spectator to experience an in-depth interpretation. Figures taken from the Apocalypse of Saint John are illuminated by diffraction. I thus used this mythical text as a support for the project like Jacques Derrida's parergon, where he used it as a framework and cartouche to define both a place and a pathway which leads to a revelation. It is the blotted out painted drawing reverting to whiteness, which serves this purpose in order to interpret the fragility of human condition. The representation which fades reveals an uncertain vision expressed in a point by point. The end result of this quest born from a reading of the scripture and the artist's gesture is ultimately, a face -a face expressing humanity, alternating between the multiple dualities of existence. This work is a pathway towards the fading withdrawal of an image. It aims to be this side which encounters the beyond.

Cette recherche est une exploration, par la pratique, de la notion d'ordre dans le rapport à l'objet. Comment organisons-nous la perception de quelque chose pour le comprendre? Le statut des objets change en fonction de leur contexte mais aussi du regard que l'on porte sur eux. Mais comme leur sens premier leur reste toujours plus ou moins attaché ils en prirent une certaine ambiguïté, non seulement quant à leur identité mais aussi quant à leur statut. Où les classer? A quelle place, ordre mais aussi hiérarchie les ranger dans notre organisation du monde ? Cette recherche à la fois artistique et théorique, concerne les modalités du regard porté sur un objet banal dès lors que sa place dans la hiérarchisation sociale n'est plus assurée par sa fonctionnalité. / This research is an exploration, through practice, of the notion of order in its relation to the obiect. How do we organize the perception of something in order to understand it ?The status of objects changes depending on their context but also on the look that you cast on them. But as their primitive sense still remains more or Jess attached to them. they out of this fact some ambiguity. not only as to their identity but also as to their status. Where to file them? ln which place - order being also hierarchy - shall we store them in our organization of the world ?This research, both artistic and theoretical, is concerned with the terms of our outlook on everyday objects, as long as their place in the social hierarchy is not ensured by their functionality.

La précarité aujourd’hui prend de plus en plus de place dans notre vie quotidienne. Elle place celui ou celle qui la subit dans un état incertain, une situation instable ou un temps indéterminé. Aujourd’hui, de nombreux artistes s’intéressent à des espaces touchés par cette précarité, comme les bidonvilles, les camps de migrants, les favelas, etc., en les considérant comme lieu d’expérimentation artistique. Quel est le sens de telles actions artistiques autour, dans et à partir de ces espaces, surtout quand il s’agit de collaboration directe avec ses habitants ? Dans quelle éthique la relation entre l’artiste et ces personnes doit-elle s’envisager lors de la construction d’un travail collaboratif ? Les réponses à ces questions sont proposées à travers une analyse d’oeuvres d’artistes qui ont rencontré cette population et travaillé auprès d’elle, ainsi que par la mise en place de certaines de mes créations artistiques. La première partie de cette thèse dessine les contours du concept de « précarité », en le situant dans des espaces qui permettent de l’appréhender. La deuxième se concentre sur mon expérience auprès des personnes migrantes habitant dans les camps de Calais, ainsi que sur une analyse d’autres travaux artistiques comme ceux de l’artiste Monica Nador, réalisés dans des favelas au Brésil, afin de voir comment l’art permet de créer de la rencontre, d’engendrer du lien social autant que collectif auprès des personnes rencontrées. La dernière partie traite du concept de frontière sous ses différents aspects, et envisage les interventions artistiques permettant des perceptions différentes de la frontière. La thèse se clôt sur la manière dont les actions artistiques peuvent renouveler notre représentation des espaces précaires et de ceux qui les occupent. Par ailleurs, l’impact de la précarité sur les productions artistiques conduit à une autre manière de concevoir la posture de l’artiste quand son art est déplacé dans un terrain d’expérimentation non institutionnel. / Precarity takes more and more place in our life nowadays. It conditions the person who undergoes it in an uncertain state, an unstable situation or an indefinite time. Many artists are interested today in spaces affected by this precarious situation, such as shantytowns, migrant camps, favelas, etc., as a place for artistic experimentation. What is the meaning of artistic actions performed in, from and around these spaces, especially those involving a direct collaboration with itsinhabitants ? What is the ethics in relationship between the artist and these people when building a collaborative work ? I tried to find answers for these questions in this thesis, through the analysis of work of artists who met these people and worked with them, as well as through some of my artistic creations. The first part of this thesis draws the outlines of the concept of « precariousness », situating it in spaces that allow to comprehend it. The second focuses on my experience with migrant people living in the Calais camps, as well as an analysis of other artistic works such as those of Monica Nador, made in Brazil’s favelas, in order to see how art could make it possible to create encounters, to generate social and collective links between people in these places. The last part deals with the concept of border in its various aspects, and considers the artistic interventions allowing different perceptions of the border. The thesis concludes with the way that artistic actions could renew our representation of precarious spaces and those who occupy them. Moreover, the impact of precariousness on artistic productions leads to another way of conceiving the artist’s posture when his art is carried out into a non-institutional field of experimentation.

Comme toute civilisation, l'Occident médiéval confère au tombeau un sens particulier. Basée sur les dessins de la collection Gaignières, l'étude sérielle de plus de 1500 monuments funéraires permet d'explorer la construction et les usages de cette image-objet entre le XIIe et le XVe siècle. En combinant les méthodes quantitative et qualitative, l'analyse fait ressortir de ce corpus hétérogène des structures et des dynamiques qui opposent deux approches monumentales du tombeau : une approche verticale qui implique l'usage de structures en élévation et de la statuaire, et une approche horizontale qui concerne spécifiquement les dalles funéraires. Cette bipolarisation est socialement déterminée. Les tombeaux verticaux sont privilégiés par la haute hiérarchie ecclésiastique et laïque et les tombeaux horizontaux par le reste des clercs et des aristocrates, ainsi que par les bourgeois. En plus de refléter et de reproduire la hiérarchie sociale, une telle répartition des tombeaux renvoie à deux types de constructions mémorielles. En s'imposant physiquement dans l'espace ecclésial et en refoulant les références à la mort, les tombeaux verticaux participent surtout à une commémoration rétrospective du défunt dont les finalités sont temporelles (identité et légitimation sociale). En entretenant avec le lieu de la tombe un rapport direct et évocateur, les tombeaux horizontaux répondent davantage aux besoins d'une commémoration prospective, orientée vers le salut de l'âme. Ces tendances commémoratives ne s'excluent pas mutuellement mais constituent, en définitive, les deux pôles entre lesquels se développe la variété formelle et iconographique des tombeaux. / As with all civilizations, the Medieval West gave a specific meaning to the funeral monument. Based on drawings from the Gaignières Collection, the serial study of over 1500 tombs helps to explore the construction and uses of this particular « image-object » between the 12th and 15th century. By combining quantitative and qualitative methods which help reveal the structures and dynamics of the documents, the analysis identifies two ways of approaching the tomb as monument : a vertical approach characterized by the use of elevated structures and statues, and a horizontal approach entirely associated with funeral slabs. The bipolarization is socially determined. Vertical tombs are favored by the upper echelons of the religious and lay hierarchies, while horizontal tombs are used by the remaining clerics and aristocrats as well as by the burghers. In addition to reflecting and reproducing the social hierarchy, these tendencies express two types of memorial constructions. By physically imposing themselves in church space et by avoiding direct references to death, vertical monuments mostly answer to a retrospective commemoration by which the glorified memory of the deceased serves temporal ends (i.e. social identity and legitimacy). By maintaining a close and suggestive relation with the site and content of the tomb, horizontal monuments favor a prospective commemoration orientated towards the soul's salvation. Far from being mutually exclusive, these two types of commemoration rather constitute the poles between which the Medieval tomb expresses its formal and iconographic diversity.

L'objectif de cette thèse est de montrer comment les créateurs des spots publicitaires en Tunisie de 1994 jusqu'à 2007 ont cherché à créer une nouvelle identité artistique transnationale. Et cela suite aux mutations culturelles et sociologiques connues dans ce pays ces dernières années. Dans un premier temps, il me sera primordial d'exposer les différents facteurs identitaires, sociaux, historiques, politiques, communicationnels ... qui ont poussé les créateurs locaux à cette quête inévitable. Dans un second temps, et dans le cadre d'une analyse exhaustive des spots publicitaires, je vérifierai d'abord les résultats auxquels je suis parvenue dans la première partie. Mais, j'essayerai également de montrer la façon avec laquelle les concepteurs ont pu faire une réconciliation avec l'identité arabo-islamique, mémoire des ancêtres des tunisiens et d'une certaine identité moderne, s'inspirant considérablement de la culture globale; tel que le recours aux nouvelles images qui ont permis aux publicitaires de donner une nouvelle apparence à plusieurs codes stéréotypés. Finalement, dans la troisième partie, j'essayerai d'évaluer l'efficacité de cette communication. J'étudierai l'impact de cette nouvelle image publicitaire afin d'en déduire l'action de cette approche artistique récente. / The aim of this thesis is to show how creative commercials in Tunisia from 1994 to 2007 sought to create a new transnational artistic identity. And that following the cultural and sociological mutations known in this country in recent years. At first, I will outline the various key elements of identity, social, historical, political, communicational ... which led local designers to this inevitable quest. In a second time, and as part of a comprehensive analysis of advertising spots, I will check first the results that I achieved in the first part. But I also try to show the way in which the designers have made a reconciliation with the Arab-Islamic identity, memory of' tunisian ancestors and some modern identity, inspired greatly from the global culture, as the use of new images that have allowed advertisers to give a new look to several codes stereotyped. Finally, in the third part, 1 will try to evaluate the effectiveness of this communication. I study the impact of this new advertising image in order to deduce the action of this recent artistic approach.

Cette thèse, "Création à partir de l'impact", nous propose une réflexion élaborée à partir d'un point de vue pratique, sur l'effet créatif qu'engendre l'impact dans l'art du 20éme siècle jusqu'à aujourd'hui. L'impact sur la matière agit comme un agent de transformation qui mène à une redécouverte du matériau, permettant ainsi une relation intrinsèque avec la matière. C'est avec le regard intérieur de l'artiste que l'auteur nous fait découvrir son propre processus créatif développé à partir de l'impact. L'impact est une transmission d'énergie qui mène au-delà des choses matérielles, il est ce par quoi l'artiste peut entendre les résonances venues de l'intérieur, comme une nouvelle identité à découvrir. L'impact devient ainsi, une façon de passer de l'extérieur vers l'intérieur. Il permet de dépasser l' aspect visuel et matériel des choses pour en découvrir l'essence même. Nous y voyons comment certains événements de l'histoire ont créé des impacts, provoquant des réactions stimulant la créativité des artistes. Les impacts venus de partout, engendrent des transformations de la matière, de la pensée humaine et de la vie elle-même. L'œuvre d'art s'érige comme un phare à la mémoire et à la pensée de l'homme, une métaphore de l'énergie de la vie qui évolue. / Entitled "Creation from the impact", this thesis is intended to open up a reflection from a practical point of view on the creative effect provided by the impact on twentieth century art and beyond. Impact on matter works as a transformation agent; it leads to rediscover the material, allowing then an intrinsic relationship with matter. It is with the internal gaze of the artist that the author is willing to make discover her own creative process rooted in impact. Impact is an energy flow which leads beyond material things; through it the artist is able to hear the echo coming from the inside, as a new identity to be discovered. Impact becomes then a way leading from the outside to the inside. The visual and material aspects are overstepped in order to discover the very essence of things. One can understand how certain historical events have produced impacts and subsequently reactions stimulating the artists' creativity. Coming from everywhere, impacts tend to transform matter, human thinking and even life itself. The work of art rises as a light illuminating human memory and thinking, as a metaphor of the energy of the life process.