Notre étude consiste en une recherche longitudinale pour laquelle une cohorte d’élèves a étésuivie depuis la Grande Section de l’école maternelle française (élèves de 5-6 ans) jusqu’au CoursÉlémentaire 1re année de l’école élémentaire française (élèves de 7-8 ans) dans des situationsordinaires de classe. À ces niveaux scolaires, l’un des principaux objectifs du curriculum estl’apprentissage de la lecture.Nous considérons que l’élève construit les compétences de lecture à acquérir, i.e. lescompétences caractérisant son développement potentiel, en s’appuyant sur les compétencescaractérisant son développement actuel (Vygotski, 1934/1997). Lorsqu’il apprend à lire, l’élève a à sadisposition des moyens sémiotiques relatifs à la connaissance des objets et leurs usages, ainsi qu’auxgestes et leur signification (Moro & Rodríguez, 2005), ce que nous appelons globalement lamatérialité. En conséquence, dans cette recherche, nous faisons l’hypothèse que ces premièreshabiletés relatives à la matérialité, constituent une ressource dans les situations d’enseignementapprentissagede la lecture.Nous réalisons une étude de cas dont le recueil des données, à caractère ethnographique, estconstitué de moments de classe enregistrés en vidéo, et ce, quatre fois par année scolaire. Ces douzeenregistrements vidéo sont complétés par deux entretiens semi-directifs et un entretien d’autoconfrontation; ils sont aussi mis en lien avec les Instructions officielles (programmes scolaires).L’analyse est à la fois macrogénétique et microgénétique. Pour chaque observation, concernantl’analyse macrogénétique, nous réalisons le synopsis à partir duquel nous sélectionnons des épisodessignificatifs porteurs de matérialité. Les épisodes significatifs sont constitués des événementsremarquables dont les analyses microgénétiques nécessitent l’utilisation d’outils, à savoir lestableaux des matérialités et les photogrammes.Notre étude montre que la matérialité permet aux élèves de devenir lecteurs et que les formes decette matérialité changent en fonction de l’avancée des acquisitions des élèves et des dimensions dela lecture (code et compréhension) à apprendre. / Our research consists of a longitudinal study in which one group of pupils in ordinary classroomsituations has been followed from the top level of French pre-elementary school (5- to 6 year-oldpupils) to the second level of French primary school (7- to 8 year-old pupils). For these three schoolgrades, one of the main objectives in the curriculum is learning to read.We consider that pupils build their new reading skills, i.e. the skills characterizing their potentialdevelopment, by relying on skills characterizing their actual development (Vygotski, 1934/1997).When learning to read, pupils yet have at their disposal semiotic abilities related to knowledge bothof material objects and their uses, and of basic gestures and their meaning (Moro & Rodríguez,2005), all of this we sum up under the term of materiality. Consequently, in our research, we makethe hypothesis that the children’s basic abilities related to materiality constitute a resource inteaching-learning situations.We have chosen to carry out a case study. The data collected consist of videos of class sequencescarried out four times a year for three years. These twelve videos are supplemented by two semistructuredinterviews with the teacher, one “self-confronting” interview in which the teacher isbrought to discuss her actions and by the analysis of the ministry’s school curricula. Our analysis isboth macrogenetic and microgenetic. For each teaching sequence, on the level of macrogeneticanalysis, we have made up the synopsis from which we have selected significant episodes in terms ofmateriality. The significant episodes are composed of remarkable events the microgenetic analysis ofwhich requires the use of tools such as materiality boards and photograms.Our study shows that materiality enables pupils to develop reading skills and that the forms thatmateriality takes on change according to the pupils’ acquisition progress and the aspects of reading(code and comprehension) still to be learned.

La thèse étudie la question du rapport à la matière des artistes britanniques et de leurs critiques à différentes étapes de la fin du dix-huitième siècle au début du vingtième siècle. Au coeur de ce travail de recherche se trouve la notion de texture, pensée comme outil critique renvoyant à la fois à la surface peinte des oeuvres et à leur iconographie. La thèse démontre que la matérialité apparaît comme une dimension fondamentale de ce qui fait la spécificité de la peinture britannique. La notion de texture, conçue comme concept plastique plus qu'essentialiste, permet de rendre compte de certaines tendances persistantes qui structurent la création artistique, la pensée théorique et le débat critique en Grande Bretagne. Sur la période observée, nombreux sont les artistes qui s'attachent à faire sentir la vérité des phénomènes naturels et le vernaculaire dans leur tangibilité. Aussi, l'approche profondément concrète de la nature (humaine et végétale) par les peintres britanniques rend compte du rapport direct qui s'opère dans leur peinture entre matière observée et matière représentée. La conscience des matériaux et du matériel, telle que la révèle le discours critique, est au centre des problématiques du champ artistique en Grande Bretagne. En historicisant ce rapport à la matière, il s'agit d'inscrire la question de la texture dans un contexte épistémologique — qui lie création artistique et empirisme — et dans un rapport, excentrique, à la modernité. Cet angle d'approche permet de relier différentes périodes trop souvent perçues comme étanches et en ce sens de porter un regard nouveau sur l'art britannique / This dissertation looks at how the meaning of the painted surface engaged artists and critics in contemporary discourses at different stages between the late eighteenth century and early twentieth century. At the heart of this research project is the notion of texture, thought of as a critical tool, referring both to the painted surfaces of artworks and to their iconography.This dissertation demonstrates that the concept of materiality is a productive optic through which the history of British art can be read. The notion of texture, conceived as a plastic concept rather than an essentialist one, allows for the identification of persistent tendencies structuring artistic creation, theoretical thinking and critical debates in Great Britain. In the period under focus, there are numerous artists who consistently try to capture the truth of natural phenomena and the tangibility of the vernacular. Thus, British painter's profoundly concrete approach to nature (human or topographical) testifies to the direct links which are created in their paintings between observed and represented matter. The consciousness of materials and of materiality, as revealed by critical discourses, is at the centre of artistic debates in Great Britain. By historicizing the approach to matter, I situate the question of texture in an epistemological context linking artistic creation to empiricism. Considered in this way, texture takes on an eccentric relationship to modernity. This prism of study allows me to link different periods too often perceived as watertight and therefore to offer a new outlook on British art.

Le présent mémoire est formé de trois parties. La première consiste en un récit intitulé Tout l'hiver. Il raconte l'histoire d'une jeune femme qui se retrouve, malgré elle, responsable de sa mère mourante et d'un amoureux dépressif, alors qu'elle-même vit chaque jour avec une douleur intense et constante. Elle appréhende cette tâche dont elle ne se sent pas capable, mais en viendra plutôt à veiller deux absences, dans l'attente d'un dénouement. La deuxième partie se consacre à l'analyse des romans Infrarouge de Nancy Huston (2010) et Les cheveux mouillés de Patrick Nicol (2011) et, en s'aidant notamment des théories de la psychologie narrative, de l'intersubjectivité et de l'empathie narrative, tâche de démontrer trois choses : d’abord, que l’identité et le rapport au monde des personnages des deux romans procèdent largement du récit; ensuite, qu’une tension entre sens et expérience s’y manifeste, notamment par l’entremise des corps; finalement, que ladite tension participe du surgissement au cœur même du texte d’une certaine matérialité. La troisième partie, écrite sous forme d'essai réflexif sur le processus de création, discute, en regard des conclusions de l'analyse des romans de Huston et Nicol, des enjeux relatifs à l'écriture de la douleur.

Le son est souvent qualifié de postmoderne, dans la mesure où les installations sonores associent son et visuels, enfreignant ainsi le principe de la séparation des genres qui constitue l'un des fondements de l'art moderniste. Cependant, dans de nombreux cas, le son manifeste une matérialité et des fonctionnalités relevant du moderne. Cela est vrai dans l'architecture, où l'on retrouve la notion de son moderne associée aux techniques d'isolation sonore pratiquées dans les immeubles modernes des premières décennies du XXème siècle. Ces techniques ont donné lieu à un son qui incarnait l'idée d'efficacité et qui soulignait la maîtrise technique de l'homme sur son environnement physique - autant de caractéristiques de la culture moderne. Il existe d'autres situations dans lesquelles se manifeste le son moderne. L'installation associant le son et les visuels peut dans certains cas être qualifiée de moderne, et dans le cas d'œuvres sonores portant sur les notions de temps et d'espace, nous avons pu identifier une conception de la spatio-temporalité tout à fait moderne. Ce sont autant de domaines qui permettent de déceler l'empreinte du moderne non encore révélée. Car si le récit du moderne dans son ensemble a été raconté de nombreuses fois, ce n'est pas le cas de l'histoire peu connue, mais tout aussi mouvementée, du son moderne - une histoire qui permet de revenir sur la question du moderne, et de révéler son actualité. / Sound installations are generally classified as postmodern: by associating sound and visuals, they infringe the principle of the separation of the genres typifying modernist art. Yet sound can nonetheless manifest a materiality and functionality that tie in with modem ideals. ln architecture for instance, we can identify the notion of modem sound in the context of the soundproofing techniques employed in modernist buildings in the early 20th century. These techniques gave rise to a sound that epitomized the modern idea of efficiency: stripped of any extraneous elements, it encouraged efficient behaviour among its listeners, while underscoring man's technical mastery over his physical environment - yet another modem trait. The notion of modem sound also manifests itself in other situations: certain installation associating sound and visuals can be described as modem, while many sound works addressing the notions of space and time testify to a modem concept of spatio-temporality. The story of modernist has been told many times, but yet to be told is the equally eventful story of modem sound - a narrative that revisits the question of modernism and underscores its relevance today.

This dissertation examines the representation of aesthetic objects in contemporary Francophone literature and cinema, with special attention to Francophone African countries, particularly Senegal and Mauritius, and their diasporas. I focus on a range of objects, such as photos, the camera, paintings, personal accessories, and the body, which, I argue, function as a metaphor for the creative process. These ‘objects’ have a deep link with the character’s inner life and enable a process of healing and remembering. Chapter 1 explores the representations of the female body in Ananda Devi, Magali Marson, and Isabelle Boni-Claverie, and how it becomes an artistic ‘map’ where characters renegotiate their sexuality, thus renewing notions of gender, pleasure and power dynamics. In chapter 2, drawing on the metaphor of the body as a creative space, I investigate the problematics of belonging, gaze and characters’ relation to the Other in the films The Cathedral (2006) by Harrikrishna Ananden and Tey (2016) by Alain Gomis, and in the novel Infrarouge (2010) by Nancy Huston. Chapter 3 explores what Walter Benjamin defined as ‘historical objects,’ respectively in Moufida Tlatli’s La saison des hommes (2001), Amatal Sewothul’s Made in Mauritius (2012) and Khaled Osman’s La colombe et le moineau (2016), which revisit concepts of History, national identities and gender dynamics. My last and forth chapter analyzes the representation of dead, fragmented and unidentified bodies-objects as a metaphor and a medium for representing migration crisis in contemporary Francophone and Italian novels and visual texts, such as Les Irréguliers (2016) by Patrick Autréaux, Ceux du large (2018) by Ananda Devi, Terraferma (2011) by Emanuele Crialese, Les fantômes de la mer (2016) by Bruce Clarke and The mapping journey project (2011) by Bouchra Khalili, among others. Revisiting the notion of the object itself, which becomes both a subject and content of the artistic process in the texts analyzed, my dissertation explores anew the representations of bodies, memories, displacements and borders, be they geographical, social or textual. My conclusion reflects on the aesthetic process that these objects generate as materializations of memories, identities, and H/histories.

Dans l’œuvre de Jean Genet (1910-1986), la question de l’écriture, qui est celle de la littérarité, est indissociable d’une réflexion sur le politique et l’éthique. Un des aspects les plus remarquables de son écriture est justement la façon dont il montre leur imbrication. C’est cette double dimension qui est prise en compte ici : il s’agit donc de s’interroger sur les rapports du littéraire au politique et à l’éthique à partir de l’inscription de l’Histoire dans l’ensemble de son œuvre. L’interrogation de départ concerne évidemment les relations de l’écriture de Genet à la mémoire et à l’Histoire, et les articulations ou désarticulations qu’elle met en œuvre. Ces questions ne sont pas séparables d’une critique de la distinction entre le public, le privé et l’intime, qui traverse l’ensemble de son travail. Si selon lui, l’écriture doit faire « œuvre de vie », comment le pourrait-elle sans se restreindre aux conventions qui régissent chaque acte en le classant dans un de ces domaines ? Mais la question centrale est celle de l’événement. Pour Genet, en effet, il ne suffit pas de commémorer le passé. Il essaie alors de trouver une écriture qui, tout en conservant la trace de la souffrance, puisse produire un effet, se constituer en événement. La réflexion dans son œuvre sur ce que l’on pourrait appeler les « politiques de la mémoire » nous porte à étudier également les notions de trace, de matérialité et de performativité dans leur relation au problème de la précarité du vivant. / In the work of Jean Genet (1910-1986), the question of writing – which is that of literariness - is indissociable from political and ethical reflection. One of the most remarkable aspects of Genet’s writing is the way in contends with the imbrication between these two kinds of reflection. This double dimension is addressed here from the vantage point of History as inscribed in Genet’s oeuvre, and through an interrogation into the rapport between the literary on the one hand and the political and ethical on the other. The first interrogation concerns the relation of Genet’s writing to memory and History, and the articulations and disarticulations this entails. These questions are inseparable from a critique of the distinction between the public and the private or intimate, which traverses the whole of Genet’s work. For Genet, writing must be the « work of life », yet how can it without restraining itself to conventions that regu! late each act in classifying it within one of its domains? Indeed, the central question that is raised here is that of the Event. For Genet, it is not enough to commemorate the past. He searches for a writing that conserves the trace of suffering, whilst producing an effect, and thus constituting itself in the Event. His reflection on what might be called the “politics of memory” compels us to examine the notions of trace, materiality, and performativity as they regard the precarity of the living.

Comment certaines pratiques illégales peuvent-elles se pérenniser ? La littérature en comportement du consommateur s’est jusqu’ici principalement intéressée aux processus d’intégration des pratiques de consommation marginales, illégitimes ou illicites. La question de la pérennisation de ces pratiques, de leur maintien dans le temps voir de leur permanence reste en revanche peu étudiée. Ce travail de recherche mobilise une approche néo-institutionnelle en vue de comprendre comment une pratique illégale de consommation peut se pérenniser via un travail institutionnel mené par des consommateurs ordinaires; il vise, de façon plus spécifique, à comprendre le rôle que tient la matérialité dans ce travail de maintien d’une pratique. Au terme d’une analyse compréhensive de la pratique du téléchargement illégal en France de 2008 à 2013 mobilisant des entretiens semi-directifs et des données secondaires, nous montrons comment des artefacts habilitants modèlent la pratique de téléchargement illégal et façonnent la consommation de contenus piratés. Plus précisément, nos résultats montrent que les artefacts technologiques permettent de déconnecter sanction et pratique illégale, rendant par là possible l’institutionnalisation de la pratique. Cette recherche permet, par effet miroir, de comprendre le rôle de la matérialité dans la déstabilisation d’un ordre institutionnel existant et identifie un certain nombre de pistes d’évolution quant à la construction de l’offre légale de contenus culturels dématérialisés. / How are some illegal practices sustained? Prior studies have depicted how marginal, illegitimate or illicit practices could be integrated to the market. However, their sustainability is understudied in consumer research.Drawing on Neo Institutional Theory, our main purpose in this research is to understand how ordinary consumers and materiality through institutional work sustain an illegal practice. By examining the case of illegal downloading in France from 2008 to 2013, and a qualitative method, based on interviews and secondary data, we show how artefacts are enabling the illegal practice and shape the consumption of pirated content.Results expose how an illegal practice is institutionalized through materiality. Our main contribution is to bring an understanding on how materiality may destabilize an institutional order. We offer also some managerial implications regarding the legal offer of digitalized contents.

Pour le sculpteur le rôle du dessin consiste, souvent, en l’élaboration d’esquisses qui préfigurent le travail tridimensionnel ultérieur. Mais le dessin ne se limite pas uniquement à cette fonction préparatoire au processus de création en sculpture. Quelle est alors l’incidence du dessin dans le travail d’un sculpteur ? C’est par une analyse de leurs modes opératoires que nous étudierons l’œuvre de différents sculpteurs-dessinateurs ainsi que d’autres artistes qui pratiquent le dessin dans une œuvre tridimensionnelle. Au risque de sembler intemporelle, cette approche «poïétique» tentera d’identifier différents usages du dessin dans les démarches de sculpteurs, qu’il s’agisse d’exploration, de documentation ou de préfiguration, mais aussi du dessin dans l’espace ou comme voie parallèle au travail de sculpture. Le dessin ne serait-il pas finalement l’essence même du travail de sculpteur, comme une pratique dématérialisée de la sculpture ? Cette recherche s’appuie aussi sur l’explicitation de mon travail personnel de sculpteur et elle nourrit une réflexion sur l’accompagnement d’étudiants, sur l’usage qu’ils peuvent avoir du dessin dans leur processus d’apprentissage. / For any sculptor, drawing often consists in making some preparatory sketches that prefigure the later three-dimensional work. However, drawing is not limited only to this preparatory function of the process of creation when sculpting. What is then the incidence of drawing on the work of the sculptor? We will study the work of different sculptors-draftsmen through the analysis of their operational modes, together with the work of other artists who practice drawing while doing the three-dimensional work. Even if it may seem timeless, this “poietic” approach will try to identify different uses of drawing in the sculptor’s methods, either exploration, documentation, prefiguration, drawing in space or as a parallel path to the sculptural work. Isn’t it drawing the very essence of the sculptor’s work, as a dematerialized practice of sculpting? This research is also based on the explicitation of my work as a sculptor and nourishes some reflection on the accompaniment to students and the application of the drawing stage in their learning processes. / Para el escultor el dibujo consiste a menudo en la elaboración de bocetos preparatorios que prefiguran el trabajo tridimensional posterior. Pero, el dibujo no se limita únicamente a esta función preparatoria del proceso de creación en escultura. ¿Cuál es entonces la incidencia del dibujo en el trabajo del escultor? Estudiaremos la obra de diferentes escultores dibujantes por medio de análisis de sus modos operacionales. También la obra de otros artistas que practican el dibujo en una obra tridimensional. Aún si puede parecer intemporal, este enfoque “poiético” intentará identificar diferentes usos del dibujo en los métodos de escultores, ya sea de exploración, de documentación o de prefiguración, como de dibujo en el espacio o como vía paralela al trabajo de escultura. ¿No será el dibujo finalmente la esencia misma del trabajo de escultor, como una práctica desmaterializada de la escultura? Esta investigación se apoya además en la explicitación de mi trabajo como escultor y nutre una reflexión sobre el acompañamiento de estudiantes y la aplicación del dibujo en sus procesos de aprendizaje.

Les premiers romans de John Dos Passos s’inscrivent dans le courant moderniste et sont caractérisés par une organisation originale des mots sur la page. Le texte n’est pas un bloc monolothique mais il est découpé en sections et ponctué d’épigraphes. Il contient également une multitude de collages présentés dans des styles et des polices variés. Cette observation est le point de départ de cette étude qui propose d’analyser la matérialité du texte dans les premiers romans de John Dos Passos, Manhattan Transfer et la trilogie USA, publiés entre 1925 et 1938. Ces ouvrages interrogent le regard du lecteur sur le texte, en montrant ce qui est placé devant, autour de l’oeil de celui qui regarde. Ils invitent le lecteur à prendre conscience de ce qui influence sa vision. Le roman exhibe son armature et ses divers seuils, laissant soin à celui qui lit de poursuivre ou non sa lecture, de revenir en arrière et de faire les liens entre les différentes zones de texte. Le roman expose son mode de fabrication, soulignant qu’il est le produit d’un réagencement de textes antérieurs. Cette armature visible est autant faite de pleins que de vides et reflète la tension entre l’ambition de tout dire, tout contenir et la reconnaissance de la difficulté même de raconter. Le jeu avec les espaces blancs, la ponctuation et les indications phonétiques renforcent la dimension écrite du texte tout en essayant de de le faire sortir hors de la page et de résister à toute clôture. / The early novels of John Dos Passos are part of the modernist literary movement. They are characterized by an original organization of the words on the page. The text is no longer a monolithic block, but is divided into sections and its separations are highlighted by a vast paratext. It also contains a variety of collages presented in various styles and in different fonts. These observations are the starting point of this research, which focuses on the materiality of the text in the early novels of John Dos Passos, Manhattan Transfer and the trilogy USA, published between 1925 and 1938. These novels question the gaze of the reader on the text, showing what is placed in front of and around the eye of the observer. The reader becomes aware of what influences his vision. The novel displays its internal structure and various thresholds, allowing the reader to continue or to stop reading, to go backwards and to create connections between the different sections of the text. The novel displays how it has been constructed, highlighting that it is the product of the rearrangement of previous texts. This visible internal structure is also built out of gaps and empty spaces. It reflects the tension between the ambition to be exhaustive, to contain everything and to acknowledge the difficulty to tell a story. The interplay with the blank space on the page, the use of punctuation and phonetic indicators reinforce the written aspect of the text, while at the same time making the words stand off the page and resistant to closure.

Alors que l'évolution des pratiques de fabrication numérique dans les champs de l'art, de l'architecture et du design semble pointer vers l'émergence d'une « nouvelle matérialité », marquée par les développements contemporains de la robotique, de la computation et des sciences des matériaux, les discours entourant l'usage des machines à commande numérique restent trop souvent dominés par une compréhension passive de l'idée de matière. Cette thèse se propose d'actualiser la vision des rapports entre conception numérique et matérialité, en développant des schémas productifs ouverts à l'expression de formes d'agentivité matérielle. Cherchant à dépasser l'articulation prescriptive traditionnelle entre conception et fabrication, elle défend l'idée d'une redistribution de l'autorité vers un réseau d'acteurs productifs autonomes. L'argument développé vise avant tout à mettre à jour des méthodologies pratiques ainsi qu'un cadre conceptuel partageables, susceptibles d'être réinvestis par d'autres praticiens. Cinq expérimentations pratiques, reliées par leurs usages prospectifs de la programmation et de la fabrication numérique, en constituent l'ossature empirique. Mobilisant des auteurs comme Gilbert Simondon et Andrew Pickering, le travail de conceptualisation réalisé permet d'opérer un retour réflexif sur ces expériences, et d'en situer les enjeux au regard d'un certain nombre de précédents historiques, tels ceux de la production numérique non standard et de la cybernétique. / Recent developments in digital fabrication practices across the fields of art, architecture and design have inspired the notion of a “new materiality” — a rethinking of our relationship to the physical world in light of the ever-increasing convergence between robotics, computation and materials science. Yet, the very use of computer-controlled machinery remains, more often than not, envisioned in terms of a passive understanding of matter. This thesis aims at offering an updated vision of the relationship between materiality and design, by developing new production schemes allowing for an expression of material agency. Criticizing the traditional idea of a prescriptive, deterministic link between design and fabrication, the proposed argument reframes authority as a shared resource, spread through a network of productive and autonomous agents. The thesis' main outcomes consist in a set of practical methodologies as well as an encompassing conceptual framework, which may both be reinvested by other practitioners. Informed by and grounded in practice, the research builds on five experiments, adopting a prospective approach towards programming and digital fabrication. Drawing on authors like Gilbert Simondon and Andrew Pickering, the accompanying conceptualization allows for a reflexive discussion of the thesis' practical developments, while situating them in respect to such historical precedents as non standard production and cybernetics.