Orientador: Carlos Eduardo Jordão Machado / Banca: Francisco Cabral Alambert Júnior / Banca: Gustavo Henrique Dionisio / Resumo: Este trabalho aborda o diálogo entre o crítico de arte Mário Pedrosa e o escultor estadunidense Alexander Calder enquanto fonte de informações estéticas para artistas do chamado projeto construtivo brasileiro. A postura de Pedrosa como organizador da cultura ganhou outro patamar quando ele inicia um programa em defesa da inserção da arte abstrata na lógica artística nacional. Isso só foi possível ao crítico a partir de seu contato com a obra de Alexander Calder que, por sua vez, inaugurou uma estética inovadora na escultura. Unindo postulados da engenharia mecânica e sua grande inspiração circense, Calder deu origem a obras de natureza móvel: os móbiles e com eles reformulou o próprio conceito de escultura. Essas novas possibilidades plásticas apontadas por Calder foram responsáveis por muitas das inovações artísticas no Brasil, pois elas trouxeram a Pedrosa um expressivo alargamento de horizontes para com o fenômeno artístico, sendo desencadeador direto de sua ação como crítico e mentor de uma geração de jovens e brilhantes artistas do Neoconcretismo / Abstract: Our work treats the dialogue between the art critic Mário Pedrosa and the north-American sculptor Alexander Calder while source of esthetic information to artist of the Brazilian constructive project. Mário Pedrosa‟s as culture organizer gain another level when he starts a program in defense of abstract art and its insertion in the Brazilian‟s artistic logic. This was possible to the critic only after his contact with Alexander Calder‟s workmanship that, by his turn, started a pioneer esthetic in sculpture. Joining postulates of mechanics engineering and his great inspiration on circus, Calder gave origin of mobiles sculptures and it reformulates the concepts of sculpture. These new possibilities pointed by Calder was responsible for many of the artistic innovations in Brazil, because they brought to Pedrosa a expressive widening of horizons with the artistic phenomenon, being directly responsible by his action wile critic and mentor of the brilliant and young artists generation of Neoconcretism / Mestre

Orientador: Percival Tirapeli / Banca: José Leonardo do Nascimento / Banca: Ana Maria Nogueira / Resumo: A presente pesquisa justifica-se pela escassez de estudos contrapondo as práticas artísticas dos cinéticos venezuelanos às dos concretos paulistas, ainda que os dois movimentos tenham sido contemporâneos e influenciado fortemente a produção artística em seus respectivos países. A pesquisa foi feita por meio de levantamento bibliográfico, trabalhos acadêmicos, artigos e catálogos de exposições relacionadas ao tema. Foi elaborada de forma comparativa, buscando identificar fontes de referência e bibliografia específica com o objetivo de estabelecer as influências construtivas européias pertinentes à produção da arte concreta no Brasil e à arte cinética na Venezuela durante a década de 1950. Assim, são exploradas as similaridades entre os movimentos, partindo-se, para tanto, de suas raízes construtivas, para chegar às suas respectivas particularidades. Delimita-se o escopo da presente pesquisa à obra de três artistas de cada movimento e suas respectivas produções no período em questão. São eles: Luiz Sacilotto, Judith Lauand e Geraldo de Barros, no que tange aos concretos, e Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez e Alejandro Otero em relação aos cinéticos. Apresenta-se o surgimento do concretismo em São Paulo, em volta do Grupo Ruptura sob forte influência das ideias construtivistas defendidas por Waldemar Cordeiro e das tendências abstracionistas no Brasil à época. Paralelamente, explora-se o impacto do grupo Los Disidientes, articulado por Otero e suas repercussões na obra de Soto e Cruz-Diez, bem como o contexto venezuelano desde a ocasião do Manifesto Los Disidentes (1950) até a adoção da abstração no país. Examina-se a convergência dos artistas em Paris durante os anos 1950, o que possibilitou o intercâmbio das experiências de Alejandro Otero, Carlos Cruz-Diez e Jesús Rafael Soto. Da mesma... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract:This research is justified by the lack of studies comparing the kinetics artistics practices of Venezuela and concrete practices from São Paulo. This work was made through research of bibliography, academic papers, articles and exhibitions catalogues related to the theme. It has been done in a comparative manner aiming to identify references and specific bibliographies with the purpose of establishing the constructive European influences related to the production of a concrete art in Brazil and a kInetic art in Venezuela in the 1950s. Therefore, it explores the movement similarities from their constructive roots to their respective particularities. The scope of this research is limited to the work of three artists of each movement and to their respective productions during the period in question. They are: Luiz Sacilotto, Judith Lauand and Geraldo de Barros for the concretes; and Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez and Alejandro Otero for the kinetics. There is a discussion about the origin of the concrete movement in São Paulo, around the Ruptura Group, under the influence of the constructivist ideas championed by Waldemar Cordeiro and the abstract tendencies in Brazil at the time. It is also presented the impact of Los Disidientes Group articulated by Otero and its repercussion in the work of Soto and Cruz-Diez, in addition to the Venezuelan context since of the release of Manifesto Los Disidientes (1950) until the adoption of abstraction in the country. The research also analyses the convergence of the artists in Paris during the 1950s which enable the experience interchange between Alejandro Otero, Carlos Cruz-Diez e Jesús Rafael Soto. In the same way, there will be a discussion about the limitations of the adoption of the abstract geometrical language as the way through modernization and rationality which characterizes and... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Orientador: Livre-Docente Omar Khouri / Banca: Loris Graldi Rampazzo / Banca: Neiva Pitta Kadotta / Resumo: O artista consciente do seu papel na sociedade - na qual vive e produz - pode e deve ser o primeiro crítico de suas obras. A análise de sua própria práxis, inserida no panorama artístico contemporâneo e, ao mesmo tempo dialogando com o legado da visualidade na pintura, contribui para a elaboração desta reflexão: as técnicas e os temas, os materiais e suportes adotados, refletem as suas escolhas, os processos e os procedimentos a sua poética. A reflexão resultante da compilação de teorias da arte pertinentes ao objeto também buscou nos discursos dos artistas - correspondência , notas, depoimentos e escritos em geral - as bases par s sua elaboração. Escolhidos por afinidade de gosto ou estilo, artistas como Cézanne, Van Gogh, Gauguin e Matisse - além dos brasileiros Rubens Gerchman e João Câmara - têm seus escritos e reflexões sustentado e elucidando suas poéticas. A crítica - neste caso, a autocritica - é apresentada como uma parte integrante da obra de arte comparada numa metáfora ao toque final dado pelo artista numa pintura: a demão de verniz. / Abstract: The artist conscious of his role in the society - in which he lives and produces - can and must be the first critic of his artistic works. The analysis of the praxis that is inserted lin the contemporary artistic scene and, at the same and at the time, dialoguing with the legacy of the visuality in the painting contibutes to the elaboration from this reflexion the tecniques and the themes, the materials and adopted supports, reflect their choices, the processses and procedures; its poetic. The reflection, resulting from the theories compilation of the art pertinent at the object, also looked for in the artists discourse - correspondences, notes, depositions and writings in general - the bases for its elaboration. Chosen by afinity or style artists like Cézanne, Van Gogh, Gauguin and Matisse - beyond the brazilians Rubens Gerchman and João Câmara - have their writings and reflections sustainning and elucidating their poetics. The critic - in this case, the self-criticism - is presented as an integral part of the art work, compared in a metaphor to the final touch given by the artist in a painting the varnish coating. / Mestre

Orientador: Aniceh Farah Neves / Banca: Roberto Alcarria do Nascimento / Banca: Janira Fainer Bastos / Resumo: Concretismo foi um movimento vanguardista que abrangeu as artes plásticas, a arquitetura, a música, a poesia, o design. Os artistas que formaram o grupo concretista paulista Ruptura, em 1952, concebiam a arte como projeto, como idéia racional e propunham objetos múltiplos contrapondo-se à noção de obra única. Preocupavam-se com a função social do artista, a questão da reprodução da arte para todos e ansiavam por intervir no centro da produção industrial. Geraldo Barros foi um concretista que buscou a integração funcional da arte ao cotidiano por meio do design. A participação na indústria moveleira Unilabor, a partir de 1954, denota seu compromisso com essa idéia. O percurso de Barros - pintor, fotógrafo e design - permite caracterizá-lo como artista múltiplo. Esta pesaquisa, no entando, se delimita a sua produção no período compreendido entre o final dos anos 40 e meados dos anos 60. Seu objetivo é evidenciar os pressupostos sociais e racionais do Concretismo sobre a produção plástica e a metodologia de projeto de Geraldo Barros enquanto design de móveis. O estudo teve como fio condutor a linguagem geométrica das vanguardas do primeiro vintênio do século XX e a produção artística do Concretismo brasileiro, cujo processo de criação está objetiva e filosoficamente embasado na geometria. A proposta aspira a uma contribuição bibliográfica sobre o assunto, acrescentando uma maneira a mais de olhar o design / Abstract: The Concretism was a vanguard movement that covered the arts, architecture, music, poetry, design. The artists who formed the group Ruptura in 1952, conceived of art as design, as rational idea and proposed multiple objects in opposition to the concept of a single work. Worried about the social role of the artist, the question of the reproduction of art of all and were eager to intervence in the center of industrial production. Geraldo Barros was a concrete sought the functional integration of art to everyday life through design. Participation in the furniture industry Unilabor, from 1954, reflects his commitment to this idea. The route of Barros - painter, photographer and designer - to characterize it as multiple artist. This research, however, is framed for its production in the period between the late 40th and mid '60s. Your intention is to show the social and rational assumptions of the Concretismo on the artistic production and design methodology Geraldo de Barros as a furniture designer. The study was lead by the geometric language of the vanguards ocurred in the first twenty years of century XX and the artistic production of Concretismo Brazilian, whose creation process is objective and philosophically grounded in geometry. The proposal aims to a contribution of literature on the subject, adding one more way of looking at the design / Mestre

Orientador: Clice de Toledo Sanjar Mazzilli / Resumo: o presente trabalho propõe um olhar diferente para estudos já existentes sobre tipografia: além da linguagem técnica dos designers, há idéia da percepção estética do uso da tipografia presente em veículos de comunicação visual impressa selecionando-se catálogos de informativos culturais. O recorte final foi a escolha de catálogos de exposições ocorridas na Pinacoteca do Estado de São Paulo, a partir do ano 2000. Os catálogos selecionados foram divididos em quatro grupos, estes com características visuais reconhecidas na análise individual e também comparando-se como grupo. Apresentam-se também dados histórico e técnico sobre origens e aplicações recomendadas de fonte tipográficas, bem como um panorama da evolução da tipografia no século XX. / Abstract: This work proposes a different look in already researches about typography: also whit designer's techical language, there is an esthetic perception idea in typography use as saw as press media, visual communication- choosing cultural publications press media. The final selection was the choise of press cultural informatives publications of expositions occured at Pinacoteca do Estado de São Paulo, after the 2000 year. The publications selected was arranged in four groups, visually knowing by individual analysis and comparing like other pieces as group. It also presents, historical and technical dates about the beggining and recommended applicances for typography fonts, as well as an evolution viewing of typography in 20th century. / Mestre

Orientador: Lóris Graldi Rampazzo / Resumo: Esta dissertação teve por objetivo a discussão sobre o ato criador em Hélio Oiticica (1937-1980) e o legado da Antropofagia em sua obra no contexto cultural brasileiro das décadas de 1960 e 1970. Ampliar a compreensão das idéias das vanguardas Construtivistas dentro do Movimento Neoconcreto e seus desdobramentos nas proporções de Hélio, em especial a questão da participação do espectador; o sentido da coletividade de prazer, e lazer e da relação arte é vida. Investigar o comportamento de Oiticica frente ao mundo das artes sua posição política e ética, a aproximação de sua atitude criadora com o de outros artistas de sua geracão, e o contato com a marginalidade, para uma compreensão de sua presença diante do contexto histórico e cultural em que atuava. E ainda discutir o conceito de antiarte desenvolvido por Hélio, seu processo de desestatização por uma ética do ato criador da relação entre o artista e o espectador. Investigando se Oiticica chegou a criar uma antiarte genuinamente brasileira, sem submissão periférica e como isso se deu naquele momento histórico. Desenvolver leituras e aproximações sobre a atividade de Hélio Oiticica dentro do cenário brasileiro e mundial, de sua poética experimental para um aprofundamento das questões da arte de vanguarda brasileira, em busca de sua participação na historia das artes visuais e da cultura do Brasil. / Abstract: This text has the main purpose to deepen the quarrel on the creative act in the Hélio Oiticica (1937-1980) and the lagacy of Anthropophagy in the brazilian cultural context of the decades of 1960 to 1970. To inside extend the understanding of the ideas of the Constructivist vanguards of the neo-concrete movement and its unfoldings in the Hélio proposals, special the question of the participation of the spectator; the direction of collective, pleasure and leisure and the relation art and life. To investigate the behavior of Oiticica front the world of the arts, its position politics and ethics, the a of approach of this creative attitude with the one of other artists of its generation, the contact with the marginality for an understanding of its presence ahead of the historical and cultural context where is acted. And still, to argue the concept of anti-art developed by Hélio, its breaking with the aesthetic for ethics of the creative act, the relation between the artist and spectador. Investiganting in Oiticica it arrived to creat a original brazilian antiart, without peripheral submission and this if it gave at that historical moment. To inside develop readings and approaches on the activity of Oiticica of the brazilian and word-wide cultural scene, of its poetical experimental one for a deepening of the question of the art of brazilian vanguard, in search of an interpretation of its participation in the history of the visual arts and the culture in Brazil. / Mestre

Orientador: José Leonardo do Nascimento / Banca: Pelópidas Cypriano de Oliveira / Banca: Claudete Ribeiro / Resumo: Trata-se da percepção urbana, arte e cultura, valores estéticos, da cidade de São Paulo, como espaço visual, tendo como objetivo mais próximo, no ambiente urbano, a torre de antena da rádio e televisão Cultura e o bairro do Sumaré. Fiz pesquisa bibliográfica em livros, revistas especializadas, jornais , documentos de órgãos públicos e internet. Percorri a área a pé, com a imagem aérea e mapa, realizando levantamento fotográfico. Desenvolvi croquis com registros das visitas e elaborei mapas para o local. O objetivo da pesquisa é a elaboração de leituras urbanas, interpretações de dados visuais citadinos, inéditas e ou diferentes daquelas prescritas, indicadas ou sugeridas pelo sistema vigente. A legibilidade não é a única característica de uma cidade bela, porém, ela adquire relevância quando se observam arredores na escala urbana de tamanho, tempo e complexidade. / Abstract: This work is related to urban perception, art and culture, of the São Paulo city as visual space. In the urban environment, the tower of TV cultura and Sumare's neighborhood are the nearest object. I did bibliografic research using books, specialized magazines, newspapers, oficial documents and internet. I walked by the local with view image and map, making photographs. I made sktches registering the visits and I also drew local maps. I intend to develop the capacity for making urbans lectures, news of different interpretations of urban visual aspects, suggest by current system. Legibility is not the unique characteristic of a city, but ir has its relevance when it deals with areas in urbans cale of size, time and complexity. / Mestre

Orientador: Luiza Helena da Silva Christov / Resumo: O objetivo da presente pesquisa é explicitar o quanto a ilustração colabora para a formação visual dos pequenos leitores e descobrir o valor estético da linguagem imagem no livro infantil. O tema é relevante tanto para a arte como também para a educação. Alguns questionamentos em minha pesquisa: Qual a relação que as crianças têm com a ilustração? Como determinada imagem pode sensibilizar o olhar infantil? A ilustração pode ampliar os horizontes da percepção? O quanto esta linguagem ajuda o leitor a fruir e conhecer as linguagens visuais? Após o levantamento bibliográfico especializado, elenco como alguns autores visualizam a ilustração e qual a sua importância ao longo do tempo, situando-se historicamente e culturalmente, no Brasil e no mundo. Descrevo como ela aparece nos livros ilustrados, e o diálogo que tem como o texto verbal. A partir do discurso desses autores, procuro embasar hipótese de que a ilustração desempenha um papel importante no aprendizado e na formação de fruidores da linguagem visual. Rui de Oliveira e Donis A. Dondis defendem a idéia de educar e sensibilizar o olhar das crianças, e por isso são usados como referência teórica. Com base no conceito de Vygostky sobre criatividade, justifico a relevância dessa pesquisa e formulo uma possível abordagem teórica para investigar a relação que ocorre na leitura das ilustração pela criança e seu aprendizado e a facilidade para ler/ entender outras imagens da sua realidade. Para entender as ilustrações, é preciso observar suas especificidades. Em aspectos formais destaco como é desenvolvida, suas pricipais características e técnicas usadas. Como fundamento temos Arnheim, Luis Camargo e Faria, que dão amplos conceitos para a análise e compreensão de aspectos formais de imagens e da ilustração, especificamente. Na sequência, busco a visão de pessoas que de alguma maneira estão ligadas às ilustrações do livro de literatura infantil. / Abstract: The focus of the research is to turn clear how importat the ilustration is to collaborate with the formation of the small readers and the image language aesthetic value in the child book. The topic is relevant to the art as well as it is to education. Some questions in my research: What relationship do children have to such illustration? How persuasive an image is to catch the eyes of a child? Is the illustration able to broaden the horizons of their perception? How much does this language can help the reader to enjoy and know the visul language? After a apecialized bibliographical survey, the cast of some authors visualized the illustration as well as its importance through years placing it, historically and culturally in Brazil and allover the world. I describe how it's shown in the ilustrated books, and the dialogue it has with the verbal texts. From the speech of these authors, I intend to establish my hypothesis that the illustration develops an important role in the learning and formation of the possessors of the visual language. Rui de Oliveira and Doins sustain the idea of educating and turning sensible the eyes of the children, and because of this, they are known as theoretical references. On base of Vygostky's conception about creativity, I focus the relevance of this research and formulate a possible theoretical approch to investigate the relation which happens among the reading ofthe illustration by the children and their learning and the facility to read and understand other images of their reality. To understand the illustration, it is necessary to observe specificity. In formal aspects, I highlight their main characteristics and the use of technical role models. We have Arnhhein, Luis Camargo and Faria which give wide specifically conceptions to the analysis and comprehension of formal aspects of the image and illustration. / Mestre

Orientador: Geralda Mendes Ferreira Silva Dalglish / Banca: Dilma de Melo Silva / Banca: José Leonardo do Nascimento / Banca: Milton Terumitsu Sogabe / Banca: Cláudia Fazzolari / Resumo: Esta dissertação trata da coleção de mates burilados, que constitui parte do acervo do Memorial da América Latina, no Pavilhão da Criatividade, em São Paulo, que estiveram expostos ao público, entre os anos de 2005 e 2009. Os estudos desenvolvidos sobre os mates burilados são para valorizar a cabaça como jóia ou livro circular, considerada patrimônio cultural peruano por representar a mais antiga tradição artística nesse suporte natural. O estudo do fruto cabaça, cuia ou mate, considera toda a sua potencialidade material e como suporte artístico tradicional e contemporâneo, nas mais diversas expressões de arte latinoamericanas. São abordados os fenômenos materiais e naturais deste fruto, buscando compreender a diversidade de suas espécies, as conexões com as civilizações e os desdobramentos de sua representação simbólica. A poética será o elo e elemento de fruição, nas relações entre as sociedades e suas tradições culturais. Desvelará e aproximará as mais variadas expressões artísticas, em diferentes períodos, revelando parte da história e meios de expressão de sociedades latinoamericanas. O estudo envolve a análise de três exposições de arte editadas na Argentina, Brasil e Peru, cujo foco é o fruto. Os artistas destacados são Mestre Didi, Walter Smetak, Catin Nardi, Gina Celeghini, Miguel Chikaoka, Marepe, Saint Clair Cemim, Os Gemeos e Victor Delfin. O mate é aqui apresentado como patrimônio cultural dos países do Cone Sul e Peru, por ser um fruto original, tradicional, popular, mestiço e, portanto, sua cultura é elemento de inclusão e integração dos povos latinoamericanos / Resumen: Este trabajo es el estudio de la colección de mates burilados, que constituye parte del acervo del Memorial de la América Latina, en el Pabellón de la Creatividad, en Sao Paulo, que fueron exhibidos al público entre los años de 2005 al 2009. Los estudios desarrollados sobre los mates burilados son para la valoración de la calabaza como una joya o un libro circular, considerada patrimonio cultural peruano por representar la más antigua tradición artística en ese soporte natural. El estudio del fruto seco calabaza o mate, considera toda su potencialidad material y como soporte artístico tradicional y contemporáneo en las más diversas expresiones de arte latinoamericanas. Son abordados los fenómenos materiales y naturales de ese fruto, buscando comprender la diversidad de sus especies, las conexiones con las civilizaciones y los desdoblamientos de su representación simbólica. La poética del fruto es el hilo de unión y elemento de fruición en las relaciones entre la sociedad y las diversas tradiciones culturales. Descubrirá y aproximará las más variadas expresiones artísticas en distintos periodos, revelando parte de la historia y medios de vida de las sociedades latinoamericanas. El estudio envuelve el análisis de tres exhibiciones de arte editadas en Argentina, Brasil y Perú, cuyo mote central es el fruto. Los artistas contemporáneos destacados son Mestre Didi, Walter Smetak, Catin Nardi, Gina Celeghini, Miguel Chikaoka, Marepe, Saint Clair Cemim, Os Gemeos e Victor Delfin. El mate es presentado como patrimonio cultural de los países del Cono Sur y del Perú, por ser un fruto original, tradicional, popular, mestizo y, por lo tanto su cultura es elemento de inclusión e integración de los pueblos latinoamericanos / Abstract: The study is about "mate burilado" - the engraved or etched gourd collection from Peru, which is part of the patrimony of the Latin American Memorial exhibited in the Creativity Pavilion in São Paulo, from 2005 to 2009. The study about this art form serve to value the gourds as jewels or circular books as they are considered Peruvian cultural patrimony by representing the oldest artistic tradition using this natural support of art. The studies about gourds and mates, consider all the material potentiality of the fruit, as well as their use in various Latin American traditional and contemporary art expressions. In this study material and natural phenomena will be considered to comprehend the diversity of species, connections with the civilizations and the unfolding of their symbolic representation. The poetics of the gourds is the link and element for fruition in the relationship between the societies and their many cultural traditions. The piece of art is the tool used to unveil and approach the various art expressions throughout different periods of history and means of living of Brazilian and Latin American societies. Thus this essay involves the analysis of three art exhibitions in Argentine, Brazil and Peru, where the fruit is the main element. Some contemporary artists are made salient, namely Mestre Didi, Walter Smetak, Catin Nardi, Gina Celeghini, Miguel Chikaoka, Marepe, Saint Clair Cemim, Os Gemeos and Victor Delfin. The mate will be presented as part of the cultural patrimony of countries forming the south of Latin America and of Peru, because it is primitive, traditional, popular, "mestizo" and its culture is one of the elements, for inclusion and integration, of the Latin American people and their art / Mestre

Orientador: Álvaro Luiz Hattnher / Banca: Maria de Lurdes Ortiz Gandini Baldan / Banca: Diana Junkes Martha Toneto / Resumo: Antônio de Alcântara Machado e Norman Rockwell são figuras representativas da produção artística das sociedades em que viveram. Machado engajou-se no modernismo brasileiro e inovou a narrativa do conto. Já Rockwell representou a cultura norte-americana por quase todo o século XX, sem utilizar, contudo, formas tão inovadoras como fez Alcântara. Esta dissertação de mestrado pretende analisar a existência de relações formais e temáticas entre os autores, ainda que haja poucas ligações artísticas, sociais ou econômicas entre eles. Valendo-se da teoria da intermidialidade e das funções da linguagem de Jakobson, busca-se estruturar um quadro comparativo e aumentar as possibilidades de leituras relativas a cultura e literatura expostas em parte da obra de Alcântara Machado e da de Norman Rockwell / Abstract: Antônio de Alcântara Machado and Norman Rockwell were representative figures when we think about Brazilian and American artistic production. Machado was engaged in the Brazilian modernism and innovated the narrative structure of short-stories. Rockwell, on the other hand, represented the American culture on his canvases for almost the entire twentieth century, without using, however, the same innovative way of production as Alcântara did. This dissertation aims to analyze the existence of formal and thematic links between those artists, even with few artistic, social or economic connection between them. Drawing on the theories about Intermidiality and Jakobson's functions of language, our intent is to structure a comparative panel and to increase the possibilities of readings related to culture and literature exhibited in the artistic production by Alcântara Machado and Normal Rockwell / Mestre