O presente trabalho se propõe a traçar um retrato da linguagem estética e instrumental do compositor e violonista Sérgio Assad (1952). Tal investigação será feita através da contextualização de sua produção através de um relato bibliográfico, da análise de umas de suas obras mais representativas, Aquarelle, escrita para violão solo com um comentário sobre o restante da sua produção. Visto que o compositor pesquisado ainda se encontra em atividade e possui uma vasta produção de música de câmara e como arranjador, este trabalho se propõe a delimitar o escopo à suas composições originais para violão solo. / This work has the objective of researching the instrumental and aesthetic language of guitarist composer Sérgio Assad (1952). Such investigation will be conducted through a biographical portrait of the composer, an analysis of one of his most important works, Aquarelle, for solo guitar and a commentary about his works for the instrument. Knowing that the composer is still active and has a large body of chamber music and arrangements, this work will focus on his production of original compositions for solo guitar.

A presente tese de doutoramento é uma continuação do nosso trabalho de mestrado finalizado em 2012 e dá sequência à análise do ciclo de nove peças para piano Prole do Bebê No 2, composto por Villa-Lobos em 1921. No mestrado foram investigadas três peças: A Baratinha de Papel, O Gatinho de Papelão e O Passarinho de Pano. Para a tese, voltamos a atenção para as demais obras: O Camundongo de Massa, O Cachorrinho de Borracha, O Cavalinho de Pau, O Boizinho de Chumbo, O Ursozinho de Algodão e o Lobozinho de Vidro. Concebido por um compositor orientado pela necessidade de revogar as amarras da música vigente no Rio de Janeiro do início do século XX, tributária a uma estética europeia que aprisionava o discurso musical, o ciclo é resultado de um processo dialético prefigurado na confluência de forças manifestas na tradição expressa no cancioneiro nacional e no modernismo de matiz primitivista que aflorava como movimento cultural no país. Por conta da considerável complexidade do conteúdo musical bem como por afinidade à nossa dissertação de mestrado, adotamos uma estratégia de análise ponto-a-ponto com o intuito de descrever e diagnosticar a totalidade os eventos, assim vislumbrando a possibilidade de integração de cada segmento à macroestrutura da obra à qual se vincula e, por conseguinte, de avaliação do projeto compositivo do ciclo como um todo. Essa escolha demandou o uso de múltiplas ferramentas e estratégias de análise sendo que algumas serão detalhadas no primeiro capítulo da tese: teoria dos conjuntos, teoria neorriemanniana, relações de superfície (intervalos, motivos e contornos melódicos), relações de simetria, análise fraseológica e uma avaliação das interações entre teclas pretas e brancas do piano. Ao final, concluímos tratar-se de um conjunto idealizado a partir de elementos e melodias da tradição musical brasileira elaborados por meio de estratégias de composição características do pós-tonalismo, uma combinação de procedimentos que produziu um repertório extremamente particular e expressivo, alinhando Villa-Lobos e sua música com o projeto modernista europeu protagonizado por personalidades como Igor Stravinsky e Béla Bartók. / This PhD thesis is a continuation of our master\'s work completed in 2012 and proceed to the analysis of the nine-piece piano cycle Prole do Bebê No 2, composed by Villa-Lobos in 1921. During the master\'s, three pieces were analyzed: A Baratinha de Papel, O Gatinho de Papelão e O Passarinho de Pano. For this thesis we focused on the remaining six: O Camundongo de Massa, O Cachorrinho de Borracha, O Cavalinho de Pau, O Boizinho de Chumbo, O Ursozinho de Algodão e O Lobozinho de Vidro. The cycle is the musical product of a composer oriented by the need to revoke the constraints of music at the beginning of the 20th century in Rio de Janeiro, tributary to a European aesthetic that imprisoned the musical discourse. From a different point of view, the cycle is the result of a dialectical process foreshadowed in the confluence of manifest forces between the national music tradition and the primitivist modernism that emerged as a cultural movement in the country. Due to the considerable complexity of the musical content as well as affinity to our master\'s thesis, we adopted a point-by-point analysis strategy. The purpose is to fully describe and diagnose all musical events thus visualizing the possibility of integration of each segment to the macrostructure of the work to which it is indexed and, therefore, the evaluation of the compositional project as a whole. This choice required the use of multiple tools and analytical strategies, some of which will be detailed in the first chapter of the thesis: Set Theory, Neo- Riemannian Theory, surface relations (intervals, motifs and melodic contour), symmetry relations, musical phrasing analysis and an evaluation of the interaction between black and white piano keys. At the end, we conclude that it is a set of pieces based on elements and melodies of the Brazilian musical tradition elaborated through compositional strategies characteristic of post-tonalism. A special combination of procedures that produced an extremely particular and expressive repertoire, aligning Villa-Lobos and his music with the European modernist project represented by personalities as Igor Stravinsky and Béla Bartók.

Este trabalho focaliza as Canções de Amor de Cláudio Santoro, ciclo composto entre 1957 e 1960, sobre poemas de Vinícius de Moraes. Serão abordados os processos composicionais mais característicos dessas obras em análises individuais, bem como identificadas as relações dessas peças com a produção musical brasileira dos anos em que foram escritas. Nesse contexto, incluem-se possíveis aproximações com a linguagem da bossa-nova. / This work focuses on Claudio Santoros Canções de Amor (Love Songs), a cycle composed between 1957 and 1960 over poems by Vinícius de Moraes. The compositional procedures which are most common to these works will be studied through individual analysis, as well as the connections between such works and the musical production in Brazil during the years they were written. In this context, possible approaches to the Bossa Nova style will be included.

Partindo inicialmente da proposta de se estender a um repertório não-ocidental o corpus do modelo analítico desenvolvido na dissertação de mestrado Análise do discurso musical: uma abordagem semiótica, a tese de doutorado O Sentido na Música: semiotização de estruturas paradigmáticas e sintagmáticas na geração de sentido musical termina por se debruçar sobre as relações semi-simbólicas que organizam e estruturam as diferentes instâncias de produção de sentido na música e na canção. A partir de uma semiotização da métrica greco-latina, desenvolve uma estratégia sintética de abordagem das instâncias rítmica (plano da expressão) e tensiva (plano do conteúdo) na música. A partir da análise comparativa de três versões da canção egípcia ya garat al-wadi, identifica como principais diferenciais entre a música ocidental e árabe-mediterrânea a utilização por parte desta das configurações melismáticas enquanto estratégia de estruturação melódica e o emprego da estruturação intervalar em detrimento do pensamento motívico que caracteriza o idioma musical ocidental. Também a partir daí verifica-se a insuficiência do modelo de aspectualizações modulatórias de Greimas e Fontanille, todas de caráter linear, e propõe-se os fundamentos para um estudo das modulações cíclicas, divididas em circulares (convergentes, associadas ao efeito de sentido de realização) e espirais (divergentes, associadas à potencialização). As modulações cíclicas mostram sua eficiência enquanto ferramentas metodológicas ao serem capazes de abordar sinteticamente fenômenos gerativos comuns tanto à simplicidade da música mântrica quanto à complexidade das grandes composições sinfônicas. Por fim, ao examinar a questão da influência moura sobre a música tradicional nordestina, chega-se a um estudo da semiotização das estruturas rímicas do plano de expressão verbal capaz de subsumir o conjunto de relações semi-simbólicas que organizam e inter-relacionam sincreticamente os planos de expressão e conteúdo das instâncias verbal e musical na canção. / The thesis Meaning in Music: semiotization of paradigmatic and synthagmatic structures in the production of musical sense was firstly conceived as an extension of a previous work, Musical Analysis: a semiotical approach. Its main target was to verify the efficiency of the previously developed model when applied to a non-western repertory. Eventually, the research was redirected towards the study of the semi-symbolic relations which ultimately orchestrate and organize the production of meaning in the various instances of the musical discourse. A new rhythmical approach was developed based on the Greek-roman theory on metric, and its advantages with respect to an orthodox consideration of duration noted in western musical writing were largely proved. The first piece of non-western repertory to be analyzed was the Egyptian song ya garat al-wadi. Three different versions were compared so that the essence of Eastern-Mediterranean music was found, and it was summarized in two main principles: the melismatic organization of melody and the absence of motivical structures were the semiotization of intervals themselves prevails. Also, the propositions on modulatory aspects by Greimas and Fontanille were considered insufficient to deal with the cyclical modulations that are extremely frequent in Eastern music. A new approach on cyclical modulations was thus proposed, discussing its two main possibilities: convergent or circular modulations, associated with the effect of realization, and divergent or spiral modulations, related with greimasian concept of potentialization. Finally, the focus was directed towards the presence of moor influence on Brazilian traditional music. Although consistent historical or analytical proof was not found, the chapter abandoned its previous diachronical approach to dive into a synchronic investigation on the semiotizatin of rhyme and its effects on the semi-symbolic relations which regulate the balance between verbal and musical instances in songs, thus establishing the basis to a new synchretic approach to the study of songs.

O presente trabalho tem como proposta apresentar elementos e figuras de retórica inseridas na música de André da Silva Gomes, ou seja, os mecanismos adotados pelo autor nas estruturas de sua obra, primeiramente partindo de investigações dos contextos históricos de épocas anteriores e de seus contemporâneos, passando pelos importantes tratadistas e compositores que estudaram e a utilizaram, sua origem, sistematização e seu ápice no Barroco e possíveis aplicações no Classicismo. Da mesma forma, na dissertação se encontrará uma observação minuciosa sobre a relação texto-música, tomando por base algumas obras compostas por Silva Gomes. Em síntese, através de análises das partituras do compositor luso-brasileiro, mostraremos a utilização da retórica como elo entre a eloquência e persuasão por via de um discurso altamente planejado, organizado, desenvolvido em seus ofertórios e que seu conhecimento retórico se alinha ao saber da época. / This paper aims to present elements and rhetorical figures inserted in the music of André da Silva Gomes, in other words, the mechanisms adopted by the author in the structures of his work, starting from investigations of the historical contexts of earlier times and his contemporaries, then important writers and composers who had studied and used it, its origin, organization and its apex in the Baroque, and also the possible application in the Classicism. Likewise, in the dissertation it is going to be found a detailed observation on the relationship text-music, based on some works composed by Silva Gomes. In summary, through analysis of the scores of the composer Luso-Brazilian, we will show the use of rhetoric as a link between eloquence and persuasion by means of a speech highly planned, organized and developed in his offertories which his rhetorical knowledge aligns with the knowledge of that time.

Este trabalho consiste na análise de três peças que se utilizam da citação musical de maneiras distintas. Ele é, portanto, um estudo a respeito da utilização da citação musical na linguagem musical erudita e suas implicações a partir do século XX. Nossa estratégia consistiu inicialmente em definirmos melhor nosso campo de estudos por meio da observação das especificidades da citação na linguagem musical. A partir daí, são propostos três tipos de citação que serão avaliados nas três peças principais que compõe este trabalho, a citação alusiva, a citação temática, e a citação em colagens. Alguns exemplos musicais que se enquadrariam nos respectivos tipos de citação são elencados com o objetivo de ilustra-los. A seguir, damos continuidade ao trabalho através da investigação da situação da música ocidental a partir do século XX, destacando a forma como o recurso à citação musical se insere neste contexto. Então, partimos para a análise das peças. A primeira peça se chama Phorion, do compositor Lukas Foss, e é um exemplo de utilização da citação em colagens; a segunda é a peça Dream-Images do ciclo Makrokosmos de George Crumb, que contém uma citação alusiva; e a última é o Prelúdio para piano de Willy Corrêa de Oliveira que se utiliza da citação temática. Desta maneira, pretendemos mostrar não apenas algumas formas de utilização da citação musical a partir do século XX, mas sua relevância no contexto artístico atual. / The present work consists of the analysis of three pieces that make use of musical quotations in different ways. It is therefore a study regarding the use of musical quotation in classical music language and its implications from the twentieth century on. Firstly we define our field of study through an examination of the characteristics of quotation in musical language. At this point, we propose three types of musical quotation that will be evaluated in the three main pieces analyzed in this work, allusive quotation, thematic quotation and quotation in collages. Some examples of music that would fit in these types of quotation are listed in order to illustrate them. Next, we continue the work through the investigation of Western music situation from the twentieth century on, emphasizing how the use of musical quotation is related with this context. After that, we proceed to the analysis of the pieces. The first piece is called Phorion, by the composer Lukas Foss, and is an example of the use of quotation in collages, the second piece is called Dream Images from the cycle Makrokosmos by George Crumb, which contains an allusive quotation, and the last piece is the Piano Prelude by Willy Correa de Oliveira who uses the thematic quotation. Our primary goal is not just showing a few uses of musical quotation from the twentieth century on, but to assess its relevance in the present artistic scenery.

Esta dissertação pretende, por meio da análise musical, trazer à luz os processos composicionais envolvidos na elaboração das peças O Passarinho de Pano, A Baratinha de Papel e o Gatinho de Papelão, integrantes da suíte Prole do Bebê No 2 de Heitor Villa-Lobos. Produzida na fase modernista do compositor, a obra foi fundamentalmente criada em direção à sua emancipação em relação aos processos tradicionais de composição vigentes no Brasil do início do século XX, em especial no Rio de Janeiro. As nove peças para piano solo integralizam uma coleção de elevado grau de dificuldade de execução e de complexidade estrutural, constituindo-se em constante fonte de inspiração para questões voltadas para a análise, para a interpretação musical e sua inter-relação. / This dissertation aims, through musical analysis, bring to light the compositional processes involved in the elaboration of the pieces O Passarinho de Pano (The Little Cloth Bird), A Baratinha de Papel (The Little Paper Bug) and O Gatinho de Papelão (The Little Cardboard Cat) from the Prole do Bebê No. 2 (Baby\'s Family) suite by Heitor Villa-Lobos. Produced during his modernist phase, the work was created primarily toward his emancipation from the traditional processes of composition prevailing in the early twentieth century, specially in Rio de Janeiro. The nine solo piano pieces integrates a collection with high level difficulty of execution and structural complexity, constituting a constant source of inspiration for questions related to the analysis, to musical interpretation and their interrelationship.

Este trabalho estuda a obra de Itamar Assumpção, investigando os principais procedimentos de composição musical utilizados, bem como a relação que possuem com suas vivências pessoais de aprendizagem musical e teatral. Sua obra promove algumas sínteses de materiais musicais e poéticos da tradição popular brasileira e internacional, referencias que são reelaboradas no processo de criação de suas canções. São demonstradas e analisadas a confluência e a atrelagem que existe entre a ação da performance e oito matrizes composicionais identificadas ao longo das diferentes fases de sua obra. / This paper studies the music of Itamar Assumpção, exploring not only the compositional procedures employed, but also their relation to the artist\'s musical and theatrical life experiences. Assumpção\'s work harmonizes musical and poetic material from the Brazilian and international popular tradition, a synthesis that is reconstructed in the process of songwriting. This paper demonstrates and analyzes the confluence and interconnection between the act of performance and eight compositional structures identified throughout different phases of his work.

Em observação à existência de obras de Stravinsky influenciadas pela música popular americana (incluindo Ragtime for Eleven Instruments, Preludium for Jazz Ensemble, Tango e Ebony Concerto) esta tese investiga processos identitários através dos quais o compositor fora possivelmente interpelado pela ideia do popular enquanto ponto de partida para situacionais possibilidades estéticas modernistas. Explora também tópicos da teoria hipertextual conforme proposta por Genette (1982), a fim de examinar a presença de transposições hipertextuais em empréstimos de ragtime realizados por Stravinsky. Por fim, realiza revisão de aspectos pertinentes a correntes teóricas no âmbito da relação entre alturas (SCHENKER, 1906, 1910, 1922, 1935; LERDAHL, 2001; STRAUS, 2014), de textura, densidade e movimento musical (BERRY, 1987), da repetição (FERRAZ, 1998) e da sucessão ordenada (HORLACHER, 2011); e da potencialidade projetiva (HASTY, 1997), com o propósito de apurar traços da articulação destas questões em processos composicionais de Stravinsky, com ênfase nas obras acima referidas. Os resultados obtidos por este trabalho apontam que os empréstimos de \"popular\" articulados por transposições hipertextuais atuam enquanto ponto de partida para criação de obras inéditas, as quais são estruturadas através de múltiplos centros de altura principal, níveis de prolongamento, blocos simultâneos e paralelismos. / Considering Stravinsky\'s American popular music inflected works (including Ragtime for Eleven Instruments, Preludium for Jazz Ensemble, Tango and Ebony Concerto), the present thesis aims to investigate identity processes through which Stravinsky was possibly challenged by the popular as a starting point for occasional modernist aesthetic possibilities. It also explores hypertextual theory topics as proposed by Genette (1982), in order to examine issues related to hypertextual transpositions in Stravinsky\'s ragtime borrowings. Finally, it carries out a review of theoretical trends relevant aspects, concearning pitch relations (SCHENKER, 1906, 1910, 1922, 1935 and LERDAHL, 2001); texture, density and musical movement (BERRY, 1987); repetition (FERRAZ, 1998); ordered succession (HORLACHER, 2011); and projective potentiality (HASTY, 1997), with the purpose of ascertaining traces of the articulation of these issues into Stravinsky\'s compositional processes. The results obtained by this work point out that the popular borrowings articulated by hypertextual transpositions act as a starting point for the creation of new works, which are structured through multiple pitch centers, levels of the basic space, simultaneous blocks and parallelism.

O discurso musical, entre o final do século XVI e início do XIX, era constituído por elementos retóricos, aliados à organização e a disposição fundamentados na eloquência e persuasão, consequentes de uma transmissão escolástica decorrida desde a Idade Média e no Renascimento, conferindo certo grau de excelência às músicas produzidas tanto na Europa como no Brasil. Tal processo é fruto de contextos histórico-sociais ocorridos desde a Antiguidade, relacionados às obras de tratadistas, pensadores e compositores formando, dessa forma, a base necessária para a concepção estrutural de uma música. Com o propósito de compreender em quais caminhos percorreram esses ensinamentos, a musicologia em meados da década de 1960, iniciou inúmeras pesquisas as quais contribuíram para o desenvolvimento de novos meios analíticos, com o objetivo de clarificar a relação entre música e afeto. Apesar desse crescente interesse, no ambiente luso-brasileiro, os estudos sobre a retórica musical ainda estão em fase inicial, entretanto, procurando desenvolver metodologias mais apropriadas para o entendimento de sua adequação e concepção sistemática, constituídas estruturalmente na música vigente do período investigado. Por esse motivo, essa tese tem por objetivo examinar o uso da retórica na música colonial brasileira, bem como verificar os estudos de caso acerca dessa utilização. Em outras palavras, averiguar o emprego de elementos retóricos em Manoel Dias de Oliveira, José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita, André da Silva Gomes e José Maurício Nunes Garcia, utilizando-se de ferramentas analíticas relacionadas ao texto sacro e harmonia, as quais se mostram necessárias à compreensão da linguagem retórica nas obras desses mestres da composição. / The Musical discourse, between the late sixteenth and early nineteenth centuries, consisted of rhetorical elements, coupled with organization and layout based on eloquence and persuasion, consequent of a scholastic transmission elapsed since the Middle Ages and the Renaissance, conferring a certain degree of excellence to songs produced both in Europe and in Brazil. This process is the result of historical and social contexts which have occurred since Antiquity, it is related to the work of scholars, thinkers and writers, thus forming the basis for the structural design of a music. The musicology in the mid -1960s, with the purpose to understand the ways these teachings unfold, initiated many studies that contributed to the development of new analytical means, intended to clarify the relationship between music and affect. Despite this growing interest in the Luso-Brazilian environment, the studies on musical rhetoric are still in the initiate stage, however, they are seeking to develop the most appropriate methodologies for understanding their suitability and systematic design, which are structurally composed on the music of the current period investigated. Due to that fact, this thesis aims to examine the use of rhetoric in Brazilian Colonial Music and verify the case studies about such use as well. In other words, its objective is to ascertain the use of rhetorical elements in Manoel Dias de Oliveira, José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita, André da Silva Gomes and José Maurício Nunes Garcia, using analytical tools related to the sacred text and harmony, which are necessary for the understanding of rhetorical language in the works of these masters of composition.