Thesis (M.F.A.)--Rochester Institute of Technology, 2007. / Typescript. Includes bibliographical references (leaves 37-38).

Thesis (Ph. D.)--Binghamton University, State University of New York, 2006. / Includes bibliographical references (leaves 300-321).

Der Begriff des »Fake« meint eine mimetische Nachahmung eines anderen Kunstwerks, die im Gegensatz zur Fälschung selbst auf ihren gefälschten Charakter hinweist. Eine Künstlerin reproduzierte Fotografien von Walker Evans; diese eigenen Fotografien präsentierte sie auf ähnliche Weise wie das Vorbild; der Titel, »Sherrie Levine After Walker Evans«, weist die Arbeit als Aneignung aus, die die gewandelten kontextuellen und konzeptuellen Bedingungen des identischen Bilds reflektiert. Das Fake zielt demnach mittels einer genauen Bilduntersuchung auf einen kunsthistorischen Erkenntnisprozeß: Die Reproduktion wird nicht mehr moralisch als Fälschung verurteilt, sondern das Fake wird als Kritik der Institution der Kunst und ihrer Ideologie des Originals betrachtet. Das erste Kapitel widmet sich den neuen künstlerischen Strategien zu Anfang der 1970er Jahre und diskursanalytisch der historischen Fälschungsliteratur, dem Verhältnis von Original und Fälschung, um in Abgrenzung davon den Begriff »Fake« einzuführen. Im zweiten Kapitel werden sieben ausgewählte Beispiele von Fakes auf ihre konzeptuelle Formation hin untersucht. Im letzten Kapitel werden die weitreichenden Konsequenzen dargelegt, die das Fake für die Bild- und Kunsttheorie im Verhältnis zu gesellschaftlichen Entwicklungen bedeutet. / The concept of Fake describes a mimetic imitation of another work of art which, in contrast to forgery, hints at its faked nature. A female artist reproduced photographs by Walker Evans and presented these photographs like the original; the title, "Sherrie Levine After Walker Evans" identifies the work as an appropriation which reflects the contextually and conceptually changed conditions of the identical image. Accordingly, the fake aims at an art historical cognitive process by means of an exact examination of the respective artwork: The reproduction is no longer morally condemned as forgery, but the fake is regarded as criticism of the institution of art and its ideology of the orginal. The first chapter deals with the new artistic strategies at the beginning of the 1970s and, in a discursive analysis, the historical literature of Fake as well as with the relation of orginal and forgery in distinction to the concept of "Fake". In the second chapter seven examples of Fake are examined for their conceptual formation. The third and last chapter is a description of the far reaching consequences of Fake for image and art theory in relation to social developments.

Plongé dans une fiction littéraire, le lecteur peut faire l'expérience de sensations somesthésiques. Cette expérience, que nous appelons « lecture empathique », est l'objet de cette thèse. Il est difficile de l'expliquer à l'aide des théories de la lecture et de l'interprétation qui ignorent le rôle du biologique dans les processus de construction de la signification. C'est pourquoi nous proposons d'adopter une approche neuroesthétique dans laquelle le sens émerge de l'interrelation entre la cognition et la sensori-motricité que reconnaissent de nombreux philosophes, neurologues et psychologues contemporains. Cette approche interdisciplinaire constitue un des apports scientifiques de cette thèse, laquelle confronte la pensée littéraire et sémiotique à la complexité d'une réalité empirique ne cadrant pas toujours avec ses théories. À travers cette confrontation, ainsi que par l'analyse d'un corpus réunissant quatre auteurs américains contemporains, la lecture empathique apparaît comme un phénomène dont les aspects varient en fonction des caractéristiques formelles des œuvres qui la suscitent, des prédispositions physiologiques et psychologiques du lecteur, ainsi que du contexte de lecture. Il faut ainsi concevoir la lecture empathique comme un ensemble de pratiques qui s'étendent d'une lecture presque hallucinatoire, où le lecteur s'immerge complètement dans l'univers fictionnel et fait l'expérience étonnante de sensations fantômes, jusqu'à une mobilisation inconsciente du sensori-moteur dans le traitement sémantique du langage écrit. Cette mobilisation inconsciente forme la version faible, diffuse et générale de la lecture empathique. Elle s'explique par le fait que, si l'on en croit les chercheurs défendant une conception incarnée de la cognition, la compréhension d'un concept - et à plus forte raison d'un concept mis en scène dans un récit - implique l'activation de simulations neuronales sensori-motrices. Mais comment passe-t-on de ces simulations inconscientes à l'expérience de sensations fantômes, vécues par un corps hybride faisant interface entre le sémiotique et le somatique? Parce que les sensations peuvent advenir à la conscience sans stimulus en provenance du système nerveux périphérique, il est possible de concevoir que le lecteur empathique puisse entrer en résonance avec les formes sensorielles véhiculées par un texte littéraire. L'intensité de cette expérience empathique dépend notamment du niveau d'implication psychique du lecteur dans cette fiction, de sa capacité et de son désir de s'abandonner au texte, à sa voix et à ses images. Le texte doit, de son côté, créer ce désir puis guider le lecteur à travers un langage riche en sensations. C'est ce qu'accomplit le roman autobiographique de James Frey, A Million Little Pieces. Cette œuvre produit l'équivalent littéraire de la réception des body genres cinématographiques où le corps du spectateur reproduit de manière presque involontaire l'état sensoriel du personnage qu'il contemple. Si la narration de A Million Little Pieces favorise, à travers son expression presque onomatopoiétique de la douleur, une expérience somesthésique de la fiction, le roman Guide, de Dennis Cooper, pousse le lecteur vers un rapport intellectuel et optique (non haptique) aux corps érotiques ou souffrants de ses personnages. De même, et contrairement à sa nouvelle Guts qui met en place une didactique somesthésique efficace, les romans Survivor et Choke, de Chuck Palahniuk, se prêtent mal à la lecture empathique. Pourtant, la perspective d'une littérature capable de toucher physiquement son lecteur apparaît, dans ces œuvres, comme une force capable de contrer la dissolution postmodeme du sens et de la sensation. La perspective de la lecture empathique, et plus généralement celle d'une littérature physicaliste, revêt donc chez Palahniuk un caractère politique. Ce caractère devient métaphysique dans House of Leaves, de Mark Z. Danielewski, un roman que dynamise la possibilité d'une incarnation corporelle de la fiction, incarnation menaçante (puisque prenant la forme d'un monstre métaleptique) qu'il promet à son lecteur en échange de son investissement interprétatif. En mettant l'accent sur l'expérience de ces œuvres littéraires plutôt que sur leur interprétation, le modèle de la lecture empathique développé dans cette thèse permet de repenser la question de leur valeur artistique en termes de puissance sensorielle plutôt que de stimulation cognitive ou d'innovation formelle et générique. Ce modèle fait donc plus que de décrire un phénomène : il revalorise l'effet sensoriel et l'immersion fictionnelle, dessinant ainsi le projet d'une technique de lecture qui vise à intensifier la participation corporelle du lecteur dans son expérience de la fiction littéraire. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Théorie de la lecture, Neurologie et littérature, Théorie de la fiction, Littérature américaine contemporaine, Cognition incarnée, Empathie, Simulation, Immersion

This thesis presents the shortcomings of the Fair Use exemption within the Copyright Act through an in depth analysis of the recent Shepard Fairey v. Associated Press surrounding the well-regarded Hope Poster. The thesis critiques the unpredictability of the law, the copyright holder’s growing sense of monopolized ownership over her or his work, the complex facets of art that are overlooked in the court’s legal analysis, and finally, the social justice implications of the Copyright Act. The thesis argues that Fair Use should make room for appropriation art, otherwise successful and progressive artists, such as Shepard Fairey, will be discouraged from creating.

Thesis (M.V.A.)--University of Sydney, 2008. / "Printmedia"--T.p. Submitted in fulfilment of the requirements for the degree of Master of Visual Arts to the Sydney College of the Arts. Degree awarded 2008; thesis submitted 2007. Includes bibliographical references. Also available in print form.

My doctoral thesis is comprised of two bodies of research: two artworks taking the form of installations (videos, audio recordings, textiles, texts), which will be exhibited for viva. Femme Fabrications, 2016, is made from research into the American artist Joseph Cornell's (1903-1972) source materials held in the Smithsonian American Art Museum alongside research on Jean Wilkinson's 1977 book Flower Fabrications. A series of textile works encased in silk lined boxes trace my step-by-step construction of a rose from organdie. The floral emblem of the white rose (dried), 'death is preferable to a loss of innocence' , becomes an editing device, which I use to consider a number of possible recipients for the rose, such as Cornell himself. Spoken word audio recordings, which ruminate on how his sexuality pertain to the criteria of the rose are edited together with home-camcorder video footage of the house that Cornell lived in for most of his life - the house he made the entirety of his artworks within. Central to The Cesspool of Rapture, 2017, are moving-image studies of zippers, stains, rips, abrasions, openings, and closings in a series of dresses made by the American couturier Charles James (1906-1978). These videos register and move through the material research, the garments, at alternating speeds. The changing speed is registered in sound by clicks synced to each individual frame. It is at times violent and at other times tentative and gentle as the uncovering of the damage to the dresses unfolds. Audio recordings of James explicating his interests in eroticism and sexuality persistently interject the footage. This work includes the installation of a series of reconstructions of James's 1932 Taxi dress. Its black linen body is reconfigured and abstracted as the splayed design makes unfinished seams and unzipped zippers visible. In each artwork I configure viewing and consuming as a mode of authorship. I show how these diverse processes of identification become authored acts. When drawn into intimate relation with the leftover material of these historical authors, my contamination proves deviant: I gain possession of the capacity to speak for them, to expose, idolise, misrepresent, and fictionalise them. My thesis is composed of this group of methodologies, which were found and developed within the production of the artworks.

Cette thèse en histoire de l’art propose une relecture anthropologique des deux principaux écrits de J.-J. Winckelmann (1717-1768), Réflexions sur l’imitation des œuvres grecques en peinture et en sculpture (1755) et Histoire de l’art dans l’Antiquité (1764). Elle cherche à déplacer les centres de gravité théoriques (le beau, l’imitation, le sublime, « la grandeur sereine »…) retenus par l’historiographie classique afin de mettre en évidence les finalités imaginaires de l'entreprise winckelmanienne. Celles-ci vont transformer l'art grec en objet de désir et le soumettre à une double appropriation : l'appropriation du corps charnel de l'éphèbe grec et l'appropriation d'une culture antique offrant à la Kultur allemande la possibilité de rivaliser avec la civilisation française. Si l’Apollon du Belvédère vérifie le désir d’un corps fantasmé, le Laocoon devient le manifeste d'un désir de « culture ». Il s'agira de montrer que ces visées imaginaires de Winckelmann ne relèvent pas du seul désir idiosyncrasique. Non seulement elles mettent en forme les attentes de toute une génération (celle de Herder, Lessing, Goethe...) mais en plus elle convoque cette science propre au XVIIIe siècle, que l’on appelle déjà l’anthropologie, qui prétend étudier l'être humain aussi bien dans ses aspects physiques (anatomie, pathologie, physiologie...) que culturels (l’histoire des origines, la climatologie, la philosophie politique...). Ainsi les références scientifiques s'engouffrent dans la description de la nudité des corps, dans laquelle Winckelmann fait palpiter les chairs de marbre, relève les mutilations, les points délicieux ou obscènes dans un regard à la fois clinique et amoureux. De même, son exploration de la Grèce antique, qui vise la fondation d'une mémoire culturelle, mêle étroitement un sentiment de tragique et une érudition d'archéologue et d'antiquaire sans pareil. Au-delà du corpus winckelmannien, cette relecture pose des questions à la pratique de l’« anthropologie visuelle » (A. Warburg, G. Didi-Huberman, H. Belting…) qui tout en prétendant renouveler en profondeur les objets et les méthodes de l'histoire de l’art classique laisse intact le fondateur de la discipline et sa définition apollinienne de l'art grec. Il s'agira pour nous, au contraire, de montrer qu'un métissage de contenus traverse de part en part les écrits de Winckelmann et se trouve au fondement de son esthétique. Sa conception du temps et de l’histoire, par exemple, à mille lieux de la thèse humaniste de l’historia magistra, est hantée par le deuil d’un « passé antique mort à tout jamais » et ne cesse de différer le présent d'avec lui-même. Cette lecture mélancolique de l'antiquité, qui multiplie les représentations spectrales, offre une réconciliation inattendue entre l’histoire de l’art et l’anthropologie visuelle. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Winckelmann, art, histoire, historiographie, anthropologie, antiquité, Grèce, visuel.

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-26T02:09:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gorino_VitorHugo_D.pdf: 11718785 bytes, checksum: e51fc99d7027464b8bea5a8af7ad9e28 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: O presente trabalho analisa a produção litográfica de Darel Valença Lins (1924 -) e Lotus Lobo (1948 - ) das décadas de 1970 e 1980. Estes artistas desempenharam papeis de destaque na produção e no fomento da litografia artística no Brasil a partir de contextos e referenciais distintos, no Rio de Janeiro e em Minas Gerais, respectivamente. Suas produções autorais apresentam novas direções ao passo que incorporam imagens apropriadas em suas gravuras e, ao mesmo tempo trabalham com novas soluções processuais para as impressões, de forma que suas obras enquadrem-se dentro do grupo de artistas que investigam a gravura como meio expressivo ambivalente, caracterizado pela reprodução e pela multiplicação da imagem. Suas litografias se apresentam de tal forma, que reajustam e recompõem as imagens apropriadas recodificando-as, gerando uma nova construção na qual o registro original não mais as representa, mas também não se apaga por completo, semelhantemente ao que fazem os processos cognitivos de memória / Abstract: This work analyses the artwork of Darel Valença Lins (1924 -) and Lotus Lobo (1948- ) through the 1970's and 1980's. These artists played top roles in the artistic application and teaching of the lithographic printing process in Brazil, specifically in Rio de Janeiro and Minas Gerais respectively. Their personal work show new artistic investigation, placing them among the group of artists that investigate their medium technically and conceptually / Doutorado / Artes Visuais / Doutor em Artes Visuais

In this mini-dissertation the ongoing battle between the self and late-capitalist society is explored as a theoretical response to the notion of the fragmented subject in relation to postmodernism. Frederic Jameson links the schizophrenic subject and postmodern culture explicitly to societal changes in Western economies: this author's tradition outlines a main part of my theoretical stance within this mini-dissertation. Jameson, decisive in his criticism of current popular culture that has formed as a result of postmodernism, conveys a key dystopic viewpoint in his association of schizophrenia with postmodernism and late-capitalism. This sentiment is echoed in this mini-dissertation, as it is my belief that capitalist consumption habits and pastiche are interrelated in current popular visual culture, simulating a schizoid experience which consumers in turn mirror when formulating a sense of self. An essentially fragmented (postmodern) viewpoint with regard to postmodern visual culture is argued, and is aligned with Jameson's perspective on how subjects form identities within late capitalism, with pastiche and consumption labelled as the main causes of the contemporary societal problem of fragmentation. The main contention of the study is thus that contemporary consumption practices, through the stylistic acceptance of pastiche, are the current causes of fragmentation within the self. This naturalisation of postmodern montage and pastiche, in my opinion, effectively disorientates consumers, as similar techniques that are adopted in consumer culture are applied to identity formation, thus contributing to a sense of egolessness, a key characteristic of schizophrenia. Focus is placed on visual examples that highlight postmodern techniques of nostalgic image recycling, aligned to similar postmodern identity models, with parallels drawn between the fragmenting individual and the consuming individual. As exceedingly discontinuous processes of change occur through capitalist consumption habits that are emblematic characteristics of the postmodern condition, it is thus my belief that current postmodern visual culture contributes to an overall fragmented experience of the individual, where consumer practices are negatively affecting identity construction, and thus spurring on further cultural fragmentation and social disintegration. Copyright / Dissertation (MA)--University of Pretoria, 2008. / Visual Arts / unrestricted