Os cortes de Gordon Matta-Clark: um ritual de destruição e reconstrução da arquitetura parte de uma indagação sobre um elemento na confluência com as artes visuais: o corte. O conceito de corte desdobra-se nas várias etapas desse trabalho transformando-se em um conceito operatório, que se reflete nas obras do artista norte-americano Gordon Matta-Clark (1943-1978). Assim se estabelece um diálogo sinestésico entre Arquitetura e Arte no próprio campo da arquitetura. A tese tem por hipótese o corte como princípio revelador da espessura interior para o pensamento da arquitetura e da arte. Os cortes realizados por Matta-Clark se afirmam em diferentes meios: no desenho, no edifício, na fotografia e no trabalho interminável da fotografia. A pesquisa toma sua última manifestação artística denominada Circus-Caribbean Orange (1978) como objeto central para explicar a poética do corte na sua obra – cortes, buracos, escavações. Assim, a sua produção é considerada aqui como um processo que se expande no tempo, permitindo uma abordagem que a encara em permanente estado de questionamento. Do interior dos próprios processos que transparecem nos documentos utilizados e deixados pelo artista se estabelece um modo de leitura e de reflexão que se constitui em um sistema de rede de múltiplas conexões com diferentes áreas do conhecimento. / The cuts of Gordon Matta-Clark: a ritual of destruction and rebuild of architecture searches an answer to the investigation about an element on the confluence with the visual arts: the cut. The concept of cut unfolds in the many phases of this work changing into an operatory concept that rebounds in the works of the North- American artist Gordon Matta-Clark (1943-1978). Thereby a synesthetic dialogue is established between Architecture and Art in the very field of architecture. The thesis has as hypothesis the cut that is the revealing principle of the interior thickness for the thinking of architecture and art. The cuts made by Matta-Clark stand on different means: on design, on building, on photography and on the never ending work of photography. The research takes its last artistic manifestation designed Circus-Caribbean Orange (1978 ) as the central purpose to explain the poetics of cut on his work – cuts, holes, excavations. Thus, his production is here considered as a process that is expanded in time, permitting an approach that faces it as a permanent state of questioning. From the interior of the processes that appear in the documents used and left by the artist, a way of reading and reflection is established constituting a net system of multiple connections with different areas of knowledge.

Este trabalho investiga a obra de Christiano de la Paix Gelbert, arquiteto que trabalhou na Prefeitura Municipal de Porto Alegre de 1925 a 1953. Contratado como desenhista, logo ascendeu à desenhista-chefe e, em 1932, foi promovido a arquiteto-chefe da Diretoria de Obras. Gelbert se manteve no comando das obras públicas municipais até 1953, quando se aposentou. Seus 28 anos de atividade coincidiram com um período de intensa atuação do poder público municipal na construção da cidade, na qual o escritório por ele comandado projetou e construiu hospitais, hidráulicas, pontes, praças, escadarias, terminais de transporte, pavilhões de exposição, estádios e outros edifícios públicos. Gelbert foi o arquiteto responsável pelo projeto do Plano Geral e dos principais pavilhões da Exposição do Centenário Farroupilha de 1935. O trabalho efetua uma revisão bibliográfica do tema, combinada com investigação original em arquivos sobre a pessoa e obra de Gelbert. Na sequência, são analisadas suas obras mais significativas, buscando identificar a sua inserção no panorama local e em contextos mais amplos da arquitetura. O registro e análise da obra do arquiteto salvaguarda uma parte significativa da história da arquitetura pública gaúcha produzida na primeira metade do século XX. / The dissertation studies the work of Christiano de la Paix Gelbert, an architect who worked in the Public Works of Porto Alegre's city government from 1925 to 1953. Hired as a draftsman, he was soon promoted to higher positions, becoming principal architect of public works in 1932. Gelbert remained in such position until his retirement. His 28 years of activity happened in a time of great public efforts in renewing the city, in which the city administration office, guided by him, designed and built hospitals, water treatment facilities, bridges, public gardens, bus and tramway stations, exhibition halls, sports stadiums and other public buildings. Gelbert was also the main designer of the Farroupilha Centennial Fair in 1935. The dissertation makes a bibliographic review of the subject, combined with original investigation in archives about the person and work of Gelbert. This is followed by an analysis of the main works of the architect, aiming at defining his role in the local context and the relation of his contribution with broader spheres in the field of architecture. The documentation and analysis of his work helps to preserve an important part of the history of the public architecture Rio Grande do Sul in the first half of the 20th century.

Este estudo investiga a arquitetura produzida pelo poder público do Rio Grande do Sul durante os primeiros anos da República em Porto Alegre, através das obras do arquiteto Affonso Hebert. Com formação na Europa, Hebert ingressou na Secretaria de Obras Públicas como desenhista, ainda durante o Império, e teve a oportunidade de chefiar a Diretoria de Obras Públicas do Estado sob o comando de diferentes governantes. Neste período, Hebert deu às suas obras uma identidade própria, inspirada na arquitetura eclética européia e principalmente na Paris da Belle Époque. O ponto de partida deste trabalho foi uma revisão bibliográfica cuidadosa, combinada com investigação em arquivos e relatórios sobre as obras produzidas por Hebert durante sua estada na Secretaria de Obras Públicas. Em seguida, foram buscadas, junto aos descendentes do arquiteto, informações sobre sua formação e sobre as possíveis referências utilizadas por ele em seus projetos. Posteriormente, foram feitas análises das obras por ele realizadas, buscando identificar a sua inserção no panorama local e em contextos mais amplos da arquitetura do início da era republicana. O panorama analítico de sua produção visa constituir uma contribuição à tarefa de identificar e interpretar a produção arquitetônica gaúcha nos primórdios do século XX. / This dissertation investigates the work done by the architect Affonso Hebert in the capital city of Porto Alegre. Hebert was head of the office of public works of the state of Rio Grande do Sul, southern Brazil, during the first decades of the republican regime. Educated in Europe, Hebert began his public carreer as a draftsman during the Imperial period. Later, he directed the office of public works under the command of many presidents of the state. During his term, Hebert designed in a singular form, inspired in European eclecticism, and particularly in the architecture of Paris in the Belle Époque. This dissertation has started with a thorough bibliographic review, combined with archival investigation related to the works made by Hebert in his stay at the office of public works. Further information was obtained with the descendants of the architect. This stage was followed by a formal investigation of the projects and buildings designed by Hebert, which also tried to frame his work in the local and extra-local contexts at that time. The outline of the architect's work intends to make a meaningful contribution to the understanding of the architecture of Rio Grande do Sul in the beginning of the 20th century.

Este trabalho pretende contribuir para o estudo da arquitetura moderna através da análise interpretativa da obra do arquiteto uruguaio Román Fresnedo Siri. O recorte temporal da investigação, de 1938 a 1971 delimita o período de obras de reconhecimento nacional e internacional do arquiteto. Para isso, apresenta-se inicialmente a formação do arquiteto e o contexto histórico latino-americano do período abordado. A primeira parte da análise dos projetos envolve as obras datadas de 1938 e 1946 localizadas no Uruguai. Esta produção marca a gênese da obra de Fresnedo, ainda vinculada ao Art Déco. O segundo momento deste trabalho trata sobre a atuação do arquiteto em Porto Alegre, apresentando dois exemplares de excelência executados na década de 1950. Esta fase afirma o auge da sua produção arquitetônica vinculada às bases modernistas e à escola carioca brasileira. O período final, de 1956 a 1971, define a fase de internacionalização do arquiteto abrangendo projetos realizados em diversos países: Uruguai, Brasil e Estados Unidos. Fresnedo cria um estilo próprio, no qual se encontram temas recorrentes que são identificados e explanados ao longo do desenvolvimento do trabalho. Procura-se relacionar estas características à arquitetura moderna, bem como às vertentes uruguaia e brasileira da época, buscando comprovar a originalidade da obra Fresnedo dentro do quadro da arquitetura no século XX. / This dissertation analises modern architecture in southern Latin America through the work of Román Fresnedo Siri, an uruguayan architect. The period covered (1938-1971) corresponds to the national and later international acknowledgement of his works. Firstly, the dissertation presents the education of the architect and his historical context. The examination of works starts with the period from 1938 to 1946, comprising buildings and projects in Uruguay. Such works reveal the beginnings of Fresnedo´s carreer, marked by Art Déco influences. The second period (1947-1955) covers two important works done in Porto Alegre, Brazil, which express the apex of the architect´s activity. In them, Fresnedo demonstrates his commitment to modern architecture and his appreciation of Brazilian modernism. The final period covers the years between 1956 to 1971, dealing with commissions in Uruguay, Brazil and the United States. The dissertation demonstrates that Fresnedo defines a particular approach to architecture, revealed in the analisis of individual buildings. The text intends to relate these individual features with international modernism and also its Uruguayan and Brazilian versions, in order to prove the originality of Fresnedo´s work in the context of XX century architecture.

A presente tese tem como finalidade interpretar, criticamente, a obra escrita publicada do arquiteto Lucio Costa e investigar, como foco principal, as razões da tradição em relação ao papel crucial que o precedente assume em sua concepção arquitetônica. Para complementar as constatações, fez-se necessário analisar alguns projetos de sua autoria que continham memoriais descritivos, objetivando reconhecer a indissociabilidade entre pensamento e prática projetual em Lucio Costa. Seu trabalho escrito publicado é reconhecido por vários autores como de grande importância no contexto da inserção da arquitetura moderna no Brasil. Dessa maneira, seus textos se tornaram um marco de fundamentação teórica para a prática projetual e influenciaram diversos arquitetos que atuaram no período compreendido, aproximadamente, entre as décadas de trinta e sessenta, no País. Lucio Costa teve um papel singular nesse contexto de grandes mudanças na sociedade advindas da revolução industrial e, como consequência da mesma, o desenvolvimento de novas tecnologias construtivas. A relevância de sua atuação está, precisamente, por fundamentar suas obras (escritas e projetuais) em precedentes, já que a tendência internacional foi romper com o passado e criar obras inéditas. A tese, portanto, analisa criticamente a complexidade de seu pensamento, influenciado por fontes diversas, estruturadas em pólos opostos, através de conceitos designados por Costa entre “verdades” e “falsidades”, em relação às suas razões da tradição e o fundamental papel que o precedente adquire em sua concepção arquitetônica. A pergunta da tese é a seguinte: Quais as razões da tradição no fundamental papel que o precedente assume na concepção arquitetônica de Lucio Costa? Desse modo, este trabalho tornou-se um desafio no sentido de tentar elucidar os vários questionamentos que esse assunto provoca. Assim, a resposta para a pergunta de tese está calcada na hipótese, também, estruturada em pólos opostos, quais sejam: Entre “evolução x revolução”, entre um pensamento que se estrutura em um momento de crise e ruptura, mas que, em Costa, percebem-se indícios de razões fundamentadas na busca de conciliações, em que o precedente parece assumir esse papel, através de uma atitude de criar elos, manter permanências, naquilo que Costa considera verdadeiro, com essência, longe da superficialidade de algumas tendências mais radicais no momento de sua atuação em que prevaleceram atitudes de rompimento com o passado, Costa apresenta um pensamento enraizado em um processo de aceitação da inexorável evolução e não de revolução, ruptura com tudo que precedeu; Entre “verdade construtiva x intenção plástica”, há evidências sobre as possíveis razões que Costa tentará apresentar sobre a interdependência entre construção e forma plástica resultante, ao distinguir o “verdadeiro estilo” do “falso estilo”, cuja função do “verdadeiro estilo”, além de conciliar o momento de crise, seria fundamentar a criação arquitetônica na busca de uma arquitetura de excelência (verdadeira arquitetura), baseada no estudo de precedentes (verdadeiros estilos) que, imprescindivelmente, possuam essa interdependência relacionada à “verdade construtiva”. Nesse ponto, observam-se argumentos baseados na razão e na emoção de Costa, quando o autor acrescenta a esses precedentes outros atributos que, para serem considerados verdadeiros, também devem possuir uma “intenção plástica” em sua essência compositiva e a indagação gerada por essa constatação está precisamente no fato que como se determina a qualidade dessa intenção para poder validar suas verdades?; Entre “razão x emoção”, que são os indícios que levam a verificar certos equívocos em suas argumentações teóricas, pois quando Costa apresenta os seus argumentos sobre a “verdade construtiva”, tais argumentos são passíveis de serem comprovados racionalmente, portanto, estariam ligados à razão. Porém, quando o mesmo tenta explicar a expressão “intenção plástica”, abre oportunidades para questionamentos, pois seus argumentos começam a se estruturar na seara da irracionalidade, que dependem da emoção de quem interpretará a obra de arte. Nessa última constatação, verifica-se que entre razão e emoção, sob pólos opostos, que estruturaram o pensamento de Costa sobre o papel do precedente na sua concepção arquitetônica, seriam possivelmente as razões da tradição. / This thesis aims to elaborate a critical interpretation of the written work published by architect Lucio Costa. The main focus of this study is to investigate the reasons of the tradition regarding the crucial role that the precedent assumes in his architectural conception. To complement the observations, it was necessary to analyze some projects of his own, which contained descriptive memorials, aiming to recognize the indissolubility between thinking and projectual practice in Lucio Costa. His published written work is recognized by several authors as of great importance in the context of insertion of the modern architecture in Brazil. Thus, his texts have become a reference in theoretical foundation for projectual practice, and they influenced several architects who worked in the country during the period corresponding approximately between the thirties and the sixties. Lucio Costa had a relevant and remarkable role in this context of great changes in society brought by the industrial revolution, and as a result of it, promoting the development of new constructive technologies, for precisely basing his works (written and projectual), in precedents, since the international tendency was to break up with the past and create original works. Therefore, the thesis critically analyzes the complexity of his thinking, which was influenced by varied sources, structured in opposite poles, through concepts and pre-concepts classified by Costa as “truths” and “untruths”, respectively, concerning his reasons of the traditions and the fundamental role that the precedent acquires in his architectural conception. The thesis question is the following: What are the reasons of the tradition in the fundamental role that the precedent assumes in Lucio Costa’s architectural conception? Thereby, this work has become a challenge in the sense of attempting to elucidate the several questions this issue raises. Thus, the answer to the thesis question is based on the hypothesis, also structured in opposite poles, which are as follows: Between “evolution x revolution”, between a thinking that is structured in a moment of crisis and rupture, but that in Costa, indications of reasons are perceived which are based on the search for conciliations in which the precedent seems to assume this role through an attitude of creating links, maintaining permanences, in what Costa considers true, in essence, and away from the superficiality of some tendencies which were more radical in the period of his working when revolutionary attitudes prevailed, Costa presents a thinking rooted in a process of acceptance of the relentless evolution, and not of revolution, rupture with everything that preceded; Between “constructive truth x plastic intention”, there is evidence about the possible reasons that Costa will attempt to present about the interdependence between construction and resulting plastic form, by distinguishing the “true style” from the “false style”, whose function of the “true style”, besides conciliating the moment of crisis, would be to underlie the architectural creation searching for an architecture of excellence (true architecture), based on the study of precedents (true styles), which essentially possess this interdependence related to the “constructive truth”, where at this point, arguments based on the reason and on the emotion of Costa are observed, when the author adds to these precedents other attributes, which to be considered true, should also possess a “plastic intention” in their composition essence, and the inquiry generated by this observation is precisely in the fact that how the quality of this intention is determined so as to validate their truths?; Between “reason x emotion”, which are the indications that lead to verifying certain misunderstandings in his theoretical argumentations, because when Costa presents his arguments about the “constructive truth”, such arguments are doable of being proved rationally, therefore, they would be linked to reason. However, when he attempts to explain the expression “plastic intention”, he opens opportunities for questionings, since his arguments start to structure themselves in the field of irrationality, which depend on the emotion of whom will interpret the work of art. Regarding this latter observation, it is verified that between reason and emotion, in opposite poles, which structure Costa’s thinking about the role of the precedent in his architectural conception, they would possibly be the reasons of the reasons of the tradition.

O desconhecimento, por parte da comunidade em geral, Portoalegrense e Rio Grandense sobre quem foi o Engenheiro-Arquiteto Manoel Itaqui e qual foi a sua contribuição para a arquitetura da Capital Gaúcha, devido à pouca informação existente, é o motivo principal deste trabalho que procura demonstrar sua trajetória, sem ser uma biografia, tomando como ponto de partida o surgimento do sobrenome “Itaqui”, passando por sua formação, até a produção de seus projetos e obras que encontram-se ligados à própria História da Capital e da formação da Universidade Federal do Rio Grande do Sul. A análise de sua arquitetura, feita prédio a prédio, evidencia a sua evolução que inicia, nos primeiros anos do século XX, com o estilo “Art Nouveau” e vai sendo alterada com o passar do tempo até culminar com uma obra de engenharia, seu último projeto, pelo qual é mais conhecido, do Viaduto Otávio Rocha. Busca-se assim, colocar em evidência o elenco de sua produção intelectual para a Capital, em sua suposta totalidade, dar-lhe o devido reconhecimento e torná-lo mais conhecido pela comunidade, não só acadêmica como em geral.

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Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro Tecnológico, Programa de Pós-Graduação em Arquitetura e Urbanismo, Florianópolis, 2012 / Made available in DSpace on 2013-06-25T19:44:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 313387.pdf: 4857753 bytes, checksum: 1bc85341c4a56df0d713bedfff5173c8 (MD5) / O processo de criação na arquitetura sempre foi e ainda é um assunto bastante discutido entre os profissionais e docentes. Isso porque a arquitetura também pode ser enquadrada na área das artes e com isso, tende-se a considerar seu processo criativo como algo similar ao ato de criação artística. Nas artes o fenômeno de criação tem uma natureza inerente onde prevalecem categorias psicológicas de conceito bastante impreciso, como talento, inspiração, imaginação. Esta pesquisa pretende analisar como o elemento ideia pode surgir dentro do processo criativo, analisando os conceitos existentes para formular diretrizes metodológicas do ensino de projeto. Para gerar novas ideias e solucionar um problema de projeto a mente precisa acumular novas observações, vivenciar novas experiências e adquirir novos conhecimentos. Isso é o que se pode chamar de repertório pessoal, ou seja, a bagagem emocional, cultural e técnica adquirida ao longo da vida pessoal e acadêmica. Para alimentar este repertório as pesquisas e estudos de caso auxiliam bastante, isso significa que ao iniciar a resolução de um problema de projeto é fundamental a análise de casos parecidos com o problema levantado e assim forçar a mente a fazer relações de semelhança e de contradição, gerando novas informações e imagens que ficarão gravadas na mente do projetista. Este trabalho analisa como o repertório pessoal e as imagens referenciais podem auxiliar na geração de ideias novas durante o processo criativo, demonstrando que é possível incluir métodos que se utilizem desses elementos. A aplicação dos mesmos no exercício de criação auxilia na resolução de projetos encontrando soluções mais ousadas e criativas, fugindo das ideias velhas e convencionais. É possível desenvolver uma metodologia de projeto que incentive o aumento do repertório pessoal estimulando as experiências de vida, o interesse pela cultura geral, através de viagens e estudos. Isso porque durante o processo criativo a memória se envolve com a imaginação promovendo relações de semelhança e de associação de ideias.<br> / Abstract : The creating process of architecture has always been and still is a much debated subject among professionals and teachers. The reason is that architecture can also be enclosed in the arts area and therewith, people tend to consider their creative process as something similar to the act of artistic creation. In arts, the phenomenon of creation has an inherent nature of psychological categories, in which inaccurate concepts such as talent, inspiration and imagination prevail. This research aims to examine how the element idea may arise within the creative process, analyzing the existing concepts to formulate methodological guidelines for the process of project instruction. To generate new ideas and solve a design problem, the mind needs to add new observations, new experiences and acquire new knowledge. This may be called personal repertoire, ie the emotional, cultural and technical baggage gained throughout the personal and academic life. To feed this repertoire, research and case studies bring great aid, meaning that when you start solving a design problem it is fundamental to analyse other cases with analogous problems and thus force the mind to make similar and contradictional relationships, to generate new information and images that will be etched in the designer's mind. This paper examines how the personal directory and reference images can assist in generating new ideas during the creative process, indicating that it is possible to include methods that use these elements. The application of the same concepts helps in projects resolution and also find bolder and creative solutions, escaping from old and conventional ideas. You can develop a design methodology that encourages increased personal repertoire by stimulating life experiences and interest in the general culture through travel and study. This happens because during the creative process memory engages with the imagination, promoting relations of similarity and association of ideas.

Os cortes de Gordon Matta-Clark: um ritual de destruição e reconstrução da arquitetura parte de uma indagação sobre um elemento na confluência com as artes visuais: o corte. O conceito de corte desdobra-se nas várias etapas desse trabalho transformando-se em um conceito operatório, que se reflete nas obras do artista norte-americano Gordon Matta-Clark (1943-1978). Assim se estabelece um diálogo sinestésico entre Arquitetura e Arte no próprio campo da arquitetura. A tese tem por hipótese o corte como princípio revelador da espessura interior para o pensamento da arquitetura e da arte. Os cortes realizados por Matta-Clark se afirmam em diferentes meios: no desenho, no edifício, na fotografia e no trabalho interminável da fotografia. A pesquisa toma sua última manifestação artística denominada Circus-Caribbean Orange (1978) como objeto central para explicar a poética do corte na sua obra – cortes, buracos, escavações. Assim, a sua produção é considerada aqui como um processo que se expande no tempo, permitindo uma abordagem que a encara em permanente estado de questionamento. Do interior dos próprios processos que transparecem nos documentos utilizados e deixados pelo artista se estabelece um modo de leitura e de reflexão que se constitui em um sistema de rede de múltiplas conexões com diferentes áreas do conhecimento. / The cuts of Gordon Matta-Clark: a ritual of destruction and rebuild of architecture searches an answer to the investigation about an element on the confluence with the visual arts: the cut. The concept of cut unfolds in the many phases of this work changing into an operatory concept that rebounds in the works of the North- American artist Gordon Matta-Clark (1943-1978). Thereby a synesthetic dialogue is established between Architecture and Art in the very field of architecture. The thesis has as hypothesis the cut that is the revealing principle of the interior thickness for the thinking of architecture and art. The cuts made by Matta-Clark stand on different means: on design, on building, on photography and on the never ending work of photography. The research takes its last artistic manifestation designed Circus-Caribbean Orange (1978 ) as the central purpose to explain the poetics of cut on his work – cuts, holes, excavations. Thus, his production is here considered as a process that is expanded in time, permitting an approach that faces it as a permanent state of questioning. From the interior of the processes that appear in the documents used and left by the artist, a way of reading and reflection is established constituting a net system of multiple connections with different areas of knowledge.

O desconhecimento, por parte da comunidade em geral, Portoalegrense e Rio Grandense sobre quem foi o Engenheiro-Arquiteto Manoel Itaqui e qual foi a sua contribuição para a arquitetura da Capital Gaúcha, devido à pouca informação existente, é o motivo principal deste trabalho que procura demonstrar sua trajetória, sem ser uma biografia, tomando como ponto de partida o surgimento do sobrenome “Itaqui”, passando por sua formação, até a produção de seus projetos e obras que encontram-se ligados à própria História da Capital e da formação da Universidade Federal do Rio Grande do Sul. A análise de sua arquitetura, feita prédio a prédio, evidencia a sua evolução que inicia, nos primeiros anos do século XX, com o estilo “Art Nouveau” e vai sendo alterada com o passar do tempo até culminar com uma obra de engenharia, seu último projeto, pelo qual é mais conhecido, do Viaduto Otávio Rocha. Busca-se assim, colocar em evidência o elenco de sua produção intelectual para a Capital, em sua suposta totalidade, dar-lhe o devido reconhecimento e torná-lo mais conhecido pela comunidade, não só acadêmica como em geral.