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Orientador: Luciano Migliaccio / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-21T23:16:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Thimotheo_JuamCarlos_M.pdf: 3918794 bytes, checksum: 0027f74c833500262a6aa9085473c429 (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: Esta dissertação aborda o processo elaboração e compreensão das artes na Minas Colonial mediante a interpretação da iconografia elaborada por um de seus maiores representantes: Manoel da Costa Athayde. Elencando como fontes principais o retrato do Irmão Lourenço e a Ceia, ambas as pinturas do Santuário do Caraça, MG, visamos identificar, através das apropriações e escolhas promovidas por Athayde, como se configuraria um momento histórico de mudanças estruturais no campo da produção das artes durante o início do XIX / Abstract: This thesis discusses the making process and understanding of the arts in Colonial Minas through an interpretation of the iconography developed by one of its greatest names: Manoel da Costa Athayde. Using as main sources the portrait of Brother Lawrence and the Supper, both paintings of Caraça Sanctuary, in Minas Gerais, we aim to identify, through the choices and appropriations made by Athayde, how a historic moment was setting itself through structural changes in the production field of the arts during the beginning of the eighteenth century / Mestrado / Historia / Mestre em História

Orientador: Pedro Paulo de Abreu Funari / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-03T16:39:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_MarthaMariadeCastroe_M.pdf: 11579750 bytes, checksum: d71233971d323699dd6e2762c662073a (MD5) Previous issue date: 2002 / Résumé: Dans une premiere classification de l'art rupestre de Minas Gerais, la plupart des ensembles graphiques du Nord de cet état ont été inclus dans la Tradition São Francisco. Trois moments successifs de cette Tradition ont été identifié dans la valée de la riviere du Peruaçu: les styles Januária, Caboclo et Rezar. Une variation régionale a éte reconnue dans la valée de la riviere Cochá - le facies Montalvânia. La reprise des recherches dans les anées 90 a permis d' identifier des nouveaux ensembles graphiques, aussi bien que reconnaitre des différences considérables entre les manifestations rupestres des vallées des rivieres du Peruaçu et du Cochá. Celá amena a discuter le statut du facies Montalvânia dans Ia Tradition São Francisco. Preciser et, si possible, comprendre les ressemblances et les différences entre les themes gravés et peints du facies Montalvânia et les graphismes de la Tradition São Francisco est devenu un des objectifs des recherches dans la région. Ce Mémoire analyse les gravures de l'Abri du Posseidon (commune de Juvenila, vallée du Cochá) au Nord de l'État de Minas Gerais. Les principales caracteristiques de son art rupestre sont: l' emphase donnée à la gravure, la présence de themes emblématiques (armes, empreites de «pieds» et de «chéloniens»), ainsi que des formes originales de jouer avec les figures et de renforcer visuellement l' association entre certains themes par des élements graphiques de liaison; les élements de demarcation des surfaces; le passages d'un theme à l'autre par moyen de figures composites. L'originalité de l'ensemble graphique analysé (qui comporte presque 5000 figures) permet de le différencier des autres manifestations rupestres de la région, y compris de la Tradition São Francisco. L' ensamble, non plus considéré comme un fàcies, mais donc comme une unité stylisque à part entiere, qui s'insere au milieu de la séquence - chrono-stylistique du nord de l'État de Minas Gerais: le Complex Montalvânia, qui, dans certains sites, se manifest égalemente par la peinture / Resumo: Em prévia classificação da arte rupestre de Minas Gerais, a maioria dos conjuntos gráficos do norte de Minas foi incluída na Tradição São Francisco, sendo identificados três momentos sucessivos no Vale do Rio Peruaçu: os estilos Januária, Caboclo e Rezar. Uma variação regional foi reconhecida no Vale do Cochá - a fácies Montalvânia. A continuidade das pesquisas nos anos 90 permitiu identificar novos conjuntos gráficos, bem como reconhecer diferenças significativas entre as manifestações rupestres dos Vales do Peruaçu e do Cochá. Como conseqüência, o estatuto da fácies Montalvânia na Tradição São Francisco passa a ser questionado. Precisar e, se possível, explicar semelhanças e diferenças entre temas gravados e pintados da fácies Montalvânia e grafismos da Tradição São Francisco constituíram-se objetivos da pesquisa na região. A presente dissertação analisa os grafismos do Abrigo do Posseidon, localizado no município de Juvenila, Vale do Rio Cochá, Norte do Estado de Minas Gerais. As principais características dessas manifestações rupestres são: predominância da técnica de gravura; temática figurativa emblemática (armas, representações de "pés" e de "quelônios"), assim como formas originais de jogo com as figuras, reforçando visualmente as associações entre temas por meio dos elementos gráficos de ligação, elementos de delimitação dos espaços pictográficos e a passagem de um tema a outro por meio de figuras compósitas. A originalidade dos grafismos analisados (quase 5000 figuras) permitiu sua diferenciação das demais manifestações rupestres, aí incluída a Tradição São Francisco. O conjunto, portanto, não mais considerado como fácies, passa a ser reconhecido como Unidade Estilística independente e inserida na seqüência crono-estilística do Norte de Minas: o Complexo Montalvânia, que em alguns sítios se manifesta também por pinturas / Mestrado / Historia da Arte / Mestre em História

Orientador : Nelson Alfredo Aguilar / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-03T22:43:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Nunes_FabricioVaz_M.pdf: 3121137 bytes, checksum: 0453d8c594d4fb0812fb7d4a981e0594 (MD5) Previous issue date: 2004 / Resumo: Este trabalho analisa a transformação da produção artística e teórica de Waldemar Cordeiro (1925-1973) na sua passagem da arte concreta dita ¿histórica¿, desenvolvida em São Paulo na década de 1950, para as novas formulações na década de 1960, com as suas experimentações com o informal e as assemblages da ¿arte concreta semântica¿ ou ¿popcreto¿ / Abstract: This work analyses the transformations in the production both visual and theoretical of Waldemar Cordeiro (1925-1973), in his transition from the so-called ¿historical¿ concrete art, which took place in São Paulo, Brazil, during the 1950s, to the new formulations in the 1960s, with its experimentations with informal art and assemblages in the ¿semantic concrete art¿, also called ¿popcrete¿ / Mestrado / Historia da Arte e da Cultura / Mestre em História

Esta dissertação tem como objeto o programa de exposições intitulado Panorama da Arte Brasileira, criado pelo Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM SP) em 1969 após a transferência de seu acervo para a Universidade de São Paulo. O Panorama tinha como objetivo restabelecer a programação e, ao mesmo tempo, gerar um novo acervo para a instituição por meio da aquisição e da doação de obras a cada edição. A importância do Panorama para o reerguimento do museu e para a renovação de sua relação com o meio cultural justifica a pertinência deste estudo. Tomando como principal material de análise os textos curatoriais, discute-se como as premissas do programa, fundamentadas nos termos panorama, arte brasileira e atual, provocaram respostas distintas por parte dos curadores convidados ao longo dos anos. Parte-se da hipótese de que teria havido uma mudança de paradigma, iniciada em meados da década de 1990, que se consolidaria na virada dos anos 2000, quando o programa passa a ser curado por profissionais sem relação institucional com o MAM SP. A pesquisa aponta que ao longo desse período os discursos curatoriais tornaram-se autorreferentes e que a ideia de atual deixou de se relacionar aos trabalhos expostos e passou a materializar não só um pensamento crítico sobre eles, mas também uma reflexão mais ampla sobre a arte contemporânea brasileira e sua relação com a tradição modernista. Por fim, foi possível concluir que, a partir dos anos 2000, a problematização de uma espécie de mito de origem da arte contemporânea brasileira tornou-se recorrente no Panorama da Arte Brasileira e que os discursos curatoriais passaram a adotar o modernismo como o principal parâmetro para se pensar as características do que seria, ou no que se diferenciava, a arte nacional. / The focus of this dissertation is the program of exhibitions entitled Panorama da Arte Brasileira (Panorama of Brazilian Art) created by the São Paulo Museum of Modern Art (MAM SP) in 1969, after its collection was transferred to the University of São Paulo. The objective of the Panorama was to reestablish the program and, at the same time, create a new collection for the institution through acquisitions and donations of works to each edition. The importance of the Panorama to the reemergence of the museum and the renewal of its relationship with the cultural milieu justifies the focus of this study. Analyzing primarily curatorial texts, the study discusses how the premises of the program, founded on the terms panorama, Brazilian art and current, resulted in different responses from the guest curators over the years. It is based on the theory that there has been a change in paradigm, which began in the mid-1990s, and consolidated at the turn of the millennium, when the program began to be curated without an institutional relationship with MAM SP. The study shows that over this period the curatorial discourse became increasingly self-referencing and that the idea of current was no longer related to the works on exhibit and began to manifest, not only critical thought about them, but also a broader reflection on contemporary Brazilian art and its relationship with the modernist tradition. Finally, it was possible to conclude that, starting in the 2000s, questions surrounding a myth of origin of Brazilian contemporary art became recurrent in the Panorama of Brazilian Art and that the curatorial discourse began to adopt Modernism as the main parameter when considering the characteristics of what is national art.

Esta dissertação tem como objeto o programa de exposições intitulado Panorama da Arte Brasileira, criado pelo Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM SP) em 1969 após a transferência de seu acervo para a Universidade de São Paulo. O Panorama tinha como objetivo restabelecer a programação e, ao mesmo tempo, gerar um novo acervo para a instituição por meio da aquisição e da doação de obras a cada edição. A importância do Panorama para o reerguimento do museu e para a renovação de sua relação com o meio cultural justifica a pertinência deste estudo. Tomando como principal material de análise os textos curatoriais, discute-se como as premissas do programa, fundamentadas nos termos panorama, arte brasileira e atual, provocaram respostas distintas por parte dos curadores convidados ao longo dos anos. Parte-se da hipótese de que teria havido uma mudança de paradigma, iniciada em meados da década de 1990, que se consolidaria na virada dos anos 2000, quando o programa passa a ser curado por profissionais sem relação institucional com o MAM SP. A pesquisa aponta que ao longo desse período os discursos curatoriais tornaram-se autorreferentes e que a ideia de atual deixou de se relacionar aos trabalhos expostos e passou a materializar não só um pensamento crítico sobre eles, mas também uma reflexão mais ampla sobre a arte contemporânea brasileira e sua relação com a tradição modernista. Por fim, foi possível concluir que, a partir dos anos 2000, a problematização de uma espécie de mito de origem da arte contemporânea brasileira tornou-se recorrente no Panorama da Arte Brasileira e que os discursos curatoriais passaram a adotar o modernismo como o principal parâmetro para se pensar as características do que seria, ou no que se diferenciava, a arte nacional. / The focus of this dissertation is the program of exhibitions entitled Panorama da Arte Brasileira (Panorama of Brazilian Art) created by the São Paulo Museum of Modern Art (MAM SP) in 1969, after its collection was transferred to the University of São Paulo. The objective of the Panorama was to reestablish the program and, at the same time, create a new collection for the institution through acquisitions and donations of works to each edition. The importance of the Panorama to the reemergence of the museum and the renewal of its relationship with the cultural milieu justifies the focus of this study. Analyzing primarily curatorial texts, the study discusses how the premises of the program, founded on the terms panorama, Brazilian art and current, resulted in different responses from the guest curators over the years. It is based on the theory that there has been a change in paradigm, which began in the mid-1990s, and consolidated at the turn of the millennium, when the program began to be curated without an institutional relationship with MAM SP. The study shows that over this period the curatorial discourse became increasingly self-referencing and that the idea of current was no longer related to the works on exhibit and began to manifest, not only critical thought about them, but also a broader reflection on contemporary Brazilian art and its relationship with the modernist tradition. Finally, it was possible to conclude that, starting in the 2000s, questions surrounding a myth of origin of Brazilian contemporary art became recurrent in the Panorama of Brazilian Art and that the curatorial discourse began to adopt Modernism as the main parameter when considering the characteristics of what is national art.

Orientador: Percival Tirapeli / Banca: Alcindo Moreira Filho / Banca: Elaine da Graça de Paula Caramella / Resumo: Na história da colonização brasileira, a produção de imagens sagradas representou um importante papel didático no processo de ensino e conversão religiosa do território conquistado, sobretudo incentivado nas oficinas conventuais jesuíticas, beneditinas, franciscanas e carmelitas. No planalto de Piratininga, as pioneiras relações sociais estabelecidas por meio de laços matrimoniais entre tupis e portugueses foram de encontro à secular sociedade paraguaia formada por espanhóis e guaranis, gerando uma mescla de culturas que resultaram na idéia de sertão: local onde a miscigenação e liberdade fugiram de tratados ibéricos e controles metropolitanos. Pelos velhos caminhos indígenas Peabirus, os bandeirantes paulistas avançaram no interior do continente em busca de riquezas, levando consigo suas experiências e retornando com a prata de Potosí e mão de obra missioneira. No meio deste caminho estava Santana de Parnaíba e a arte do primeiro grande artista brasileiro: Frei Agostinho de Jesus. Residindo no Mosteiro dos Beneditinos desta localidade a partir de 1643 transforma o panorama cultural do Brasil, um significativo momento das artes plásticas nacionais. Em Parnaíba, o mestre encontrou uma sociedade original, miscigenada, criando obras-primas, testemunhos da arte sacra paulista, berço da identidade nacional. A série de imagens em terracota desenvolvidas nesta região integra umas das primeiras tradições brasileiras de escultura religiosa somando contribuições de artistas como Frei Agostinho da Piedade, Mestre de Angra dos Reis e entalhadores missioneiros. A partir desse evento forma-se um conjunto de santeiros que seguirão estéticas eruditas e populares formando a Escola Cultural do Vale do Rio Tietê e Paraíba do Sul. Toda essa agitação social irá acompanhar os pioneiros no processo de expansão do país rumo a Minas Gerais, Mato Grosso e Goiás... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The production of sacred images played important role for the teaching process and religious conversion for the history of the Brazilian colonization. Jesuits, Benedictines, Franciscans and Carmelites, had encouraged the production of sacred images in their handcrafts spaces. At the Piratininga plateau, the first social relationships have been born through marriages between Tupis and Portugueses. The opposite of the secular Paraguayan society, made up of Spanish and Guaranis. These relationships, turned into a mix of cultures resulting in an idea of backwoods: miscegenation and freedom, ran away from Iberic control. The pioneers from São Paulo "paulistas" used the old indigenas ways, looking for wealth. They returned to the silver of Potosi, bringing their experience and missionary labor. Through the middle of the way, in Santana de Parnaíba, was Frar Agostinho de Jesus, the first, and most important Brazilian artist. From 1643, Frar Agostinho living with the Benedictines transformed the culture of Brazil, into a significant moment of national art. In Parnaíba, the master found an original and mixed society, creating masterpieces, standarts of sacred art in São Paulo, birth of national identity. The series of images in terracotta developed in this region includes one of the first Brazilian traditions of religious sculpture by adding contributions from artists such as Frar Agostinho da Piedade, Master of Angra dos Reis and carvers missionaries. This event result in the foundation of the important "The School Culture of the Tietê and Paraíba do Sul River Valley". All this unrest will follow the pioneers in the expansion of the country towards Minas Gerais, Mato Grosso and Goiás... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Por meio da organização e análise da crítica dispersa de Lourival Gomes Machado, textos em sua maioria pertencentes ao acervo do crítico, esta tese parte do pressuposto de que, para Gomes Machado, há uma arte brasileira autêntica, que se forma no século XVIII, sob o signo do barroco, e se estende até início de 1960, com a abstração expressiva, apresentando um interrompimento devido à implantação da Academia de Belas Artes, durante o século XIX. Nos anos 1940, apesar das preocupações do crítico envolverem sobretudo o modernismo brasileiro e a abstração aparecer apenas timidamente, no período de sua crítica madura, entre 1950 e início de 1960, passa a dedicar mais atenção à arte abstrata chegando, no fim desse período, a entender a abstração expressiva como vertente mais significativa, tanto da produção brasileira como internacional. Mário de Andrade era referência intelectual de destaque para Gomes Machado e ambos estavam em busca do que entendiam ser a configuração de uma arte propriamente brasileira. Para Andrade, a arte brasileira deveria carregar índices da natureza humana brasileira. Na crítica de Gomes Machado, a relação entre forma e lugar torna-se mais complexa, fazendo com que aquilo que antes transparecia na arte figurativa de deformação expressiva, relativa ao olhar de Andrade, passe a habitar a abstração não-geométrica, ou seja, a \"arte brasileira\" passa a ser caracterizada por formas, e não assuntos, que dizem respeito à mentalidade brasileira. Diante disso, optou-se por uma interpretação do pensamento crítico de Gomes Machado a partir de três momentos fundamentais de sua produção - modernismo, barroco e abstração expressiva -, cujos artigos revelam os contornos expressivos de sua concepção de \"arte brasileira\". / Through the organization and analysis of Lourival Gomes Machado\'s dispersed critical production, texts mostly belonging to the critic\'s personal archive, this thesis understands that, to Gomes Machado, there is an authentic Brazilian art, formed in the eighteenth century, under the sign of the Baroque, and which extends itself until early 1960, with informalism, presenting an interruption due to the implementation of the Academy of Fine Arts, during the nineteenth century. In the 1940s, despite the critic being mainly involved with Brazilian modernism and having abstraction appear only timidly, in the period of his mature critique between 1950 and early 1960, he devotes more attention to abstract art, understanding expressive abstraction as the most significant aspect of both Brazilian and international production. Mário de Andrade was an important intellectual reference to Gomes Machado and both sought to understand the configuration of an authentic Brazilian art. To Andrade, Brazilian art should carry aspects of Brazilian human nature. In Gomes Machado\'s critique, the relationship between form and space becomes more complex, so that what appeared in figurative art of expressive deformation - characteristic of Andrade\'s vision -, continues to inhabit non-geometric abstraction. In other words, \"Brazilian art\" becomes characterized by forms, and not themes that concern Brazilian mentality. Therefore, Gomes Machado\'s critical thinking was analyzed from three key moments of his production - modernism, baroque and expressive abstraction. His articles reveal the contours of his expressive conception of \"Brazilian art\".

O objetivo deste trabalho é avaliar os diversos modos pelos quais o movimento surrealista foi percebido por artistas e escritores modernistas, entre as décadas de 1920 e 1940. Parte-se inicialmente da apresentação e discussão de documentos e bibliografia a respeito do discurso surrealista sobre arte e sua importância no contexto do movimento. Em seguida, com base em uma seleção de obras de artistas nacionais (Tarsila do Amaral, Cícero Dias, Ismael Nery, Jorge de Lima e Flávio de Carvalho), assim como de um conjunto de documentos (artigos, cartas, manifestos) produzidos no Brasil no período abordado, são analisadas as aproximações e distanciamentos entre os movimentos brasileiro e francês. Procurando evitar tanto um cotejamento mecânico, quanto a rotulação das obras analisadas como \"surrealistas\", empreende-se essa análise sem deixar de se discutir a inserção de cada artista no contexto dos debates artísticos e intelectuais nacionais do período. A partir dessa perspectiva metodológica, é possível observar como o eventual interesse de cada um pelo surrealismo surge mediado por outros, ligados àqueles debates. Desse modo, busca-se salientar a singularidade desse interesse e da forma objetiva que assumiu na produção de cada artista. / This work intends to survey the different ways by which the surrealist movement was perceived by Brazilian modernist artists and writers, between the 1920s and 1940s. It starts with a presentation and discussion of documents and bibliography about the surrealist discourse on art and its relevance in the context of the movement. Afterwards, based on a selection of works by five Brazilian artists (Tarsila do Amaral, Cícero Dias, Ismael Nery, Jorge de Lima and Flávio de Carvalho) together with a set of documents (articles, letters, manifestoes) produced in Brazil during the period studied, it analyses the approaches and detachments between the Brazilian and French movements. In order to avoid either a simplistic confrontation or labeling the works discussed \"surrealists\", the analysis is made without putting aside a discussion about the insertion of each artist in the context of artistic and intellectual local debates in the period. From this methodological perspective, it is possible to observe how the potential interest in the surrealism expressed by each artist appears mediated by other interests, affined to those debates. Thereby it underlines the singularity of that interest and the objective form it has assumed in the production of each artist

O contato ocidental com outras sociedades sempre estimulou uma produção imagética interessada em retratar esse outro e, no caso dos povos originários do que hoje é o território brasileiro, esses sempre serviram como tema a uma série de representações muito variadas, conforme os padrões culturais e o pensamento da época de sua produção. Entretanto, nas artes do século XX, a imagem do índio começa a mudar de maneira significativa. Dentre as décadas de 1970 e 1980, mudanças na produção artística são observáveis e novos conteúdos começam a ser privilegiados ao mesmo tempo em que chama a atenção a ascensão de pautas indígenas, dentre outras do contexto político específico dessas décadas. O presente trabalho parte do reconhecimento de uma mudança no tratamento de povos indígenas na arte enquanto um tema. Tenta avaliar as potencialidades interpretativas no uso desse tema, de onde parte esse interesse e como pensar o lugar que o artista passa a ocupar ao falar desses povos. Diante de outros problemas diagnosticados no tocante a arte e povos indígenas, a pesquisa também delineará outros debates envolvendo essas categorias que têm chamado a atenção da historiografia da arte nos últimos tempos. / The western contact with other societies has always motivated the creation of pieces dedicated to portrait the other. Concerning the original inhabitants from what today is known as the brazilian territory, they have always appeared in a variety of images, portraited according to the thinking and cultural standards of the time these same images were made. However, in the 20th century art, the portrait of indigenous people changes significantly. Between 1970 and 1980, Brazilian art goes through noticeable changes and new contents take place at the same time the country watches the rise of the debate about indigenous peoples rights all inside the very specific political context of these decades. The present work comes from the assumption that indiginous people have always been a subject in art, but aims to undersand the many ways artists refer to this subject, where the interest on indigenous people comes from and what the role of the artist is when talking about these peoples. Other problems have been noticed concerning art and indigienous people, therefore, the present work will also map some other matters surronding these categories that have been recently debated by art history.