Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:28Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-04-18Bitstream added on 2014-06-13T19:07:57Z : No. of bitstreams: 1 bernardo_hc_me_ia.pdf: 1271100 bytes, checksum: 787e33b25fef0c883188ab5733ff59f5 (MD5) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / The main objective of this research is the analysis of the work Café of 1935 by Cândido Portinari, as well as their preparatory studies. During the construction of this research project realized the need to insert the derivations of the work dating from 1934 – 1938 of Café, these works introduced in preparatory drawings, panels and frescoes, each within the context of social history in the painter Portinari in the 30’s. These parties have completed the importance of the whole and vice versa, in view of the dialectical relations of the subject and object which resulted in the creation of the artistic object through the social context that influenced the development of the artist.Contributed to the preparation of the content of this survey the history of blacks and immigrants in the coffee culture in the direct relationship of these characters with the work, because it is through them that Portinari demonstrated a social concern.Another important aspect is the iconography and sociological aspects of art Portinari pointing to the field of understanding the meaning work, the national and universal historical events that permeated Café and modernism in and outside of Brazil and its social repercussions.In the field of Gestalt theory, the search will be contemplated with the interpretation noting the contents of Café shape while reading ability / O objetivo principal dessa pesquisa é a análise da obra Café de 1935 de Cândido Portinari, bem como seus estudos preparatórios. Durante a construção deste projeto de pesquisa percebi a necessidade de inserir as derivações da obra que datam de 1934 – 1938 de Café, obras estas introduzidas em desenhos preparatórios, painéis e afrescos, cada uma dentro do contexto histórico social do pintor Portinari marcados na década de trinta. Essas partes completaram a importância do todo e vice-versa, tendo em vista as relações dialéticas do sujeito e objeto que implicaram na criação do objeto artístico por meio do contexto social que influenciaram a elaboração do artista. Contribuíram para a elaboração do conteúdo desta pesquisa a história dos negros e imigrantes na cultura do café, na relação direta destes personagens com a obra, pois são por meio deles que Portinari demonstrou uma preocupação social. Outro aspecto relevante é a iconografia e aspectos sociológicos da arte Portinari que apontam para o campo do entendimento do significado da obra, os acontecimentos históricos universais e nacionais que permearam Café e o modernismo dentro e fora do Brasil e suas repercussões sociais. No campo da teoria da Gestalt, a pesquisa será contemplada com a interpretação de Café ressaltando os conteúdos da forma enquanto possibilidade de leitura

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007Bitstream added on 2014-06-13T18:49:21Z : No. of bitstreams: 1 maluf_mp_me_ia.pdf: 609021 bytes, checksum: 6493c387f0acaf156451aa9e87ea41d2 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Esta dissertação teve por objetivo a discussão sobre o ato criador em Hélio Oiticica (1937-1980) e o legado da Antropofagia em sua obra no contexto cultural brasileiro das décadas de 1960 e 1970. Ampliar a compreensão das idéias das vanguardas Construtivistas dentro do Movimento Neoconcreto e seus desdobramentos nas proporções de Hélio, em especial a questão da participação do espectador; o sentido da coletividade de prazer, e lazer e da relação arte é vida. Investigar o comportamento de Oiticica frente ao mundo das artes sua posição política e ética, a aproximação de sua atitude criadora com o de outros artistas de sua geracão, e o contato com a marginalidade, para uma compreensão de sua presença diante do contexto histórico e cultural em que atuava. E ainda discutir o conceito de antiarte desenvolvido por Hélio, seu processo de desestatização por uma ética do ato criador da relação entre o artista e o espectador. Investigando se Oiticica chegou a criar uma antiarte genuinamente brasileira, sem submissão periférica e como isso se deu naquele momento histórico. Desenvolver leituras e aproximações sobre a atividade de Hélio Oiticica dentro do cenário brasileiro e mundial, de sua poética experimental para um aprofundamento das questões da arte de vanguarda brasileira, em busca de sua participação na historia das artes visuais e da cultura do Brasil. / This text has the main purpose to deepen the quarrel on the creative act in the Hélio Oiticica (1937-1980) and the lagacy of Anthropophagy in the brazilian cultural context of the decades of 1960 to 1970. To inside extend the understanding of the ideas of the Constructivist vanguards of the neo-concrete movement and its unfoldings in the Hélio proposals, special the question of the participation of the spectator; the direction of collective, pleasure and leisure and the relation art and life. To investigate the behavior of Oiticica front the world of the arts, its position politics and ethics, the a of approach of this creative attitude with the one of other artists of its generation, the contact with the marginality for an understanding of its presence ahead of the historical and cultural context where is acted. And still, to argue the concept of anti-art developed by Hélio, its breaking with the aesthetic for ethics of the creative act, the relation between the artist and spectador. Investiganting in Oiticica it arrived to creat a original brazilian antiart, without peripheral submission and this if it gave at that historical moment. To inside develop readings and approaches on the activity of Oiticica of the brazilian and word-wide cultural scene, of its poetical experimental one for a deepening of the question of the art of brazilian vanguard, in search of an interpretation of its participation in the history of the visual arts and the culture in Brazil.

O objetivo deste trabalho é avaliar os diversos modos pelos quais o movimento surrealista foi percebido por artistas e escritores modernistas, entre as décadas de 1920 e 1940. Parte-se inicialmente da apresentação e discussão de documentos e bibliografia a respeito do discurso surrealista sobre arte e sua importância no contexto do movimento. Em seguida, com base em uma seleção de obras de artistas nacionais (Tarsila do Amaral, Cícero Dias, Ismael Nery, Jorge de Lima e Flávio de Carvalho), assim como de um conjunto de documentos (artigos, cartas, manifestos) produzidos no Brasil no período abordado, são analisadas as aproximações e distanciamentos entre os movimentos brasileiro e francês. Procurando evitar tanto um cotejamento mecânico, quanto a rotulação das obras analisadas como \"surrealistas\", empreende-se essa análise sem deixar de se discutir a inserção de cada artista no contexto dos debates artísticos e intelectuais nacionais do período. A partir dessa perspectiva metodológica, é possível observar como o eventual interesse de cada um pelo surrealismo surge mediado por outros, ligados àqueles debates. Desse modo, busca-se salientar a singularidade desse interesse e da forma objetiva que assumiu na produção de cada artista. / This work intends to survey the different ways by which the surrealist movement was perceived by Brazilian modernist artists and writers, between the 1920s and 1940s. It starts with a presentation and discussion of documents and bibliography about the surrealist discourse on art and its relevance in the context of the movement. Afterwards, based on a selection of works by five Brazilian artists (Tarsila do Amaral, Cícero Dias, Ismael Nery, Jorge de Lima and Flávio de Carvalho) together with a set of documents (articles, letters, manifestoes) produced in Brazil during the period studied, it analyses the approaches and detachments between the Brazilian and French movements. In order to avoid either a simplistic confrontation or labeling the works discussed \"surrealists\", the analysis is made without putting aside a discussion about the insertion of each artist in the context of artistic and intellectual local debates in the period. From this methodological perspective, it is possible to observe how the potential interest in the surrealism expressed by each artist appears mediated by other interests, affined to those debates. Thereby it underlines the singularity of that interest and the objective form it has assumed in the production of each artist

Por meio da organização e análise da crítica dispersa de Lourival Gomes Machado, textos em sua maioria pertencentes ao acervo do crítico, esta tese parte do pressuposto de que, para Gomes Machado, há uma arte brasileira autêntica, que se forma no século XVIII, sob o signo do barroco, e se estende até início de 1960, com a abstração expressiva, apresentando um interrompimento devido à implantação da Academia de Belas Artes, durante o século XIX. Nos anos 1940, apesar das preocupações do crítico envolverem sobretudo o modernismo brasileiro e a abstração aparecer apenas timidamente, no período de sua crítica madura, entre 1950 e início de 1960, passa a dedicar mais atenção à arte abstrata chegando, no fim desse período, a entender a abstração expressiva como vertente mais significativa, tanto da produção brasileira como internacional. Mário de Andrade era referência intelectual de destaque para Gomes Machado e ambos estavam em busca do que entendiam ser a configuração de uma arte propriamente brasileira. Para Andrade, a arte brasileira deveria carregar índices da natureza humana brasileira. Na crítica de Gomes Machado, a relação entre forma e lugar torna-se mais complexa, fazendo com que aquilo que antes transparecia na arte figurativa de deformação expressiva, relativa ao olhar de Andrade, passe a habitar a abstração não-geométrica, ou seja, a \"arte brasileira\" passa a ser caracterizada por formas, e não assuntos, que dizem respeito à mentalidade brasileira. Diante disso, optou-se por uma interpretação do pensamento crítico de Gomes Machado a partir de três momentos fundamentais de sua produção - modernismo, barroco e abstração expressiva -, cujos artigos revelam os contornos expressivos de sua concepção de \"arte brasileira\". / Through the organization and analysis of Lourival Gomes Machado\'s dispersed critical production, texts mostly belonging to the critic\'s personal archive, this thesis understands that, to Gomes Machado, there is an authentic Brazilian art, formed in the eighteenth century, under the sign of the Baroque, and which extends itself until early 1960, with informalism, presenting an interruption due to the implementation of the Academy of Fine Arts, during the nineteenth century. In the 1940s, despite the critic being mainly involved with Brazilian modernism and having abstraction appear only timidly, in the period of his mature critique between 1950 and early 1960, he devotes more attention to abstract art, understanding expressive abstraction as the most significant aspect of both Brazilian and international production. Mário de Andrade was an important intellectual reference to Gomes Machado and both sought to understand the configuration of an authentic Brazilian art. To Andrade, Brazilian art should carry aspects of Brazilian human nature. In Gomes Machado\'s critique, the relationship between form and space becomes more complex, so that what appeared in figurative art of expressive deformation - characteristic of Andrade\'s vision -, continues to inhabit non-geometric abstraction. In other words, \"Brazilian art\" becomes characterized by forms, and not themes that concern Brazilian mentality. Therefore, Gomes Machado\'s critical thinking was analyzed from three key moments of his production - modernism, baroque and expressive abstraction. His articles reveal the contours of his expressive conception of \"Brazilian art\".

RESUMO De saída, uma pergunta: como, eventualmente, a arte brasifeira de vanguarda reagiu - em termos estéticos e ideológicos - frente às contradições culturais dos ditos "anos de chumbo" do regime militar? Partindo dessa questão inicial, esta tese procurou desenvolver todo o tempo a idéia de que não é ausente de sentidos históricos a notável coincidência cronológica que existe entre os primeiros anos de vigência do Ato Institucional n° 05 (c. 1969-1973) e o surgimento de uma produção artística conceituai ou conceitualista, ela mesma voltada a problematizar a relação entre arte e realidade - aí incluídas, claro, tanto a "realidade" fenoménica quanto a social. Assim, buscando caracterizar as principais intenções estéticoideológicas do conceitualismo no Brasil e visando a interpretação conjunta daquilo a que o crítico Frederico Morais batizou, já na época, de "contra-arte" ou "arte de guerrilha", esta pesquisa optou pela análise de algumas obras-chave dos artistas Antonio Manuel, Cildo Meireles e Artur Barrio. palavras-chave: arte brasileira, arte conceituai, conceitualismo, arte e política, arte de guerrilha, Antonio Manuel, Artur Barrio, Cildo Meireles, Frederico Morais

Orientador: Percival Tirapeli / Banca: Claudete Ribeiro / Banca: Márcio da Graça / Resumo: O objetivo principal dessa pesquisa é a análise da obra Café de 1935 de Cândido Portinari, bem como seus estudos preparatórios. Durante a construção deste projeto de pesquisa percebi a necessidade de inserir as derivações da obra que datam de 1934 - 1938 de Café, obras estas introduzidas em desenhos preparatórios, painéis e afrescos, cada uma dentro do contexto histórico social do pintor Portinari marcados na década de trinta. Essas partes completaram a importância do todo e vice-versa, tendo em vista as relações dialéticas do sujeito e objeto que implicaram na criação do objeto artístico por meio do contexto social que influenciaram a elaboração do artista. Contribuíram para a elaboração do conteúdo desta pesquisa a história dos negros e imigrantes na cultura do café, na relação direta destes personagens com a obra, pois são por meio deles que Portinari demonstrou uma preocupação social. Outro aspecto relevante é a iconografia e aspectos sociológicos da arte Portinari que apontam para o campo do entendimento do significado da obra, os acontecimentos históricos universais e nacionais que permearam Café e o modernismo dentro e fora do Brasil e suas repercussões sociais. No campo da teoria da Gestalt, a pesquisa será contemplada com a interpretação de Café ressaltando os conteúdos da forma enquanto possibilidade de leitura / Abstract:The main objective of this research is the analysis of the work Café of 1935 by Cândido Portinari, as well as their preparatory studies. During the construction of this research project realized the need to insert the derivations of the work dating from 1934 - 1938 of Café, these works introduced in preparatory drawings, panels and frescoes, each within the context of social history in the painter Portinari in the 30's. These parties have completed the importance of the whole and vice versa, in view of the dialectical relations of the subject and object which resulted in the creation of the artistic object through the social context that influenced the development of the artist.Contributed to the preparation of the content of this survey the history of blacks and immigrants in the coffee culture in the direct relationship of these characters with the work, because it is through them that Portinari demonstrated a social concern.Another important aspect is the iconography and sociological aspects of art Portinari pointing to the field of understanding the meaning work, the national and universal historical events that permeated Café and modernism in and outside of Brazil and its social repercussions.In the field of Gestalt theory, the search will be contemplated with the interpretation noting the contents of Café shape while reading ability / Mestre

A proposta desta dissertação é investigar o trabalho artístico de Tarsila do Amaral, sua obra plástica como também sua obra escrita. Esta pesquisa se propõe a compreender de que maneira sua pintura, elaborada como um desenho, com cores delimitadas por fios e imagens geometrizadas adquire uma dependência a uma narrativa de cunho literário. Tarsila do Amaral, pintora modernista, parece organizar os espaços em suas pinturas ao construir linhas, elaboradas cuidadosamente, imprimindo um aspecto aparentemente cerebral ao seu trabalho. Assim, partindo dessas duas formas de arte, imagem e texto, que dialogam entre si na obra da pintora, surgiu a necessidade de escrever a dissertação em forma de crônica. Ao longo da pesquisa este gênero literário demonstrou ser a forma mais adequada para lidar com o objeto de estudo, pois, escrever crônicas tendo como ponto de partida os quadros e textos de Tarsila do Amaral permitiu um olhar mais detalhado e demorado sobre sua obra, possibilitando também lidar com todos os aspectos de sua vida que tangenciaram sua arte. Parece importante perceber as influências estrangeiras em sua formação como pintora e sua busca por uma identidade como artista. Ressaltando o aspecto lúdico de sua obra, as crônicas a seguir buscam compreender como uma pintura racional pode gerar um resultado próximo a uma imagem infantil, especialmente no período Pau-Brasil. Já na fase Antropofágica, o foco de estudo se concentrou na tela Abaporu, em sua elaboração, inspiração e desdobramentos como movimento literário e artístico. Assim, vinte e uma crônicas proporcionam um panorama de aspectos relevantes na obra de Tarsila do Amaral desde o início de seus estudos de desenho até o período em que já recebia o devido reconhecimento por sua obra artística / The proposal of this dissertation is to investigate the artistic work of Tarsila do Amaral, both her plastic and written workmanship. This research intends to understand how her painting, elaborated as a drawing, with colors delimited by lines and geometrized images, acquires a dependence on a narrative of literary matrix. Tarsila do Amaral, modernist painter, seems to organize the spaces in her paintings when constructing lines, carefully elaborated, printing a cerebral aspect to her work. Therefore, from these two forms of art, image and text, which dialogue between them in the workmanship of the painter, the necessity of writing a dissertation in the chronicle form came out. This literary genre demonstrated to be the form that best adjusted to handle the study object throughout the research, thus writing chronicles having as a starting point Tarsila do Amarals pictures and texts allowed a more detailed and detained look at her workmanship, also making possible to treat all aspects of her life that touched her art. It seems important to realize the foreign influences on her formation as a painter and her search for an identity as an artist. Emphasizing the ludic aspect of her workmanship, the following chronicles seek to understand how a rational painting can produce a result close to a childish image, especially in the Pau-Brasil period. In the Anthropophagic phase, the focus of the study was especially concentrated on the Abaporu screen, on its elaboration, inspiration and unfoldings as literary and artistic movement. Accordingly, twenty one chronicles provide a panorama of the relevant aspects in the workmanship of Tarsila do Amaral since the beginning of her drawing studies until the period in which she has already received the right acknowledgment of her artistic work

Made available in DSpace on 2013-08-07T18:59:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000447924-Texto+Parcial-0.pdf: 4596406 bytes, checksum: 0fa06bcf623fb7b9ecbd94d32c4e2b81 (MD5) Previous issue date: 2013 / This work aims to analyzes the LP Clara Crocodilo, Arrigo Barnabé (1980). The LP, which marked the called Vanguard Paulista, brings tales to music with serial techniques, chronicling the daily lives of lonely and insecure urban characters. The work is evaluated on his creative process, considering the trajectory of Arrigo Barnabé and the historical context of development of the eight compositions that make up this album. This study is a dialogue between history and music. The analysis includes poetic and musical texts in search of connections to the contingent of social change in Brazil between 1970 and 1980 decades. / O trabalho busca analisar o LP Clara Crocodilo, de Arrigo Barnabé (1980). O LP, que marcou a chamada Vanguarda Paulista, traz contos musicados com técnicas seriais, narrando o cotidiano de personagens urbanos solitários e inseguros. A obra é avaliada em seu processo de criação, considerando a trajetória de Arrigo Barnabé e o contexto histórico de elaboração das oito composições que fazem parte deste álbum. O estudo é um diálogo entre história e música. A análise contempla textos poético e musical em busca de conexões com o contingente de mudanças sociais no Brasil entre 1970 e 1980.

Nesta pesquisa propõe-se o debate sobre aspectos da experimentação em artes visuais pautado no papel do autor e nos discursos traçados pelas relações de identidade e alteridade na arte contemporânea. O retorno à ideia do artista como autor e a individualização dos critérios artísticos ao longo do século XX e XXI tornam-se fundamentais para discutir visualidades em busca de redefinições a respeito das formas de protagonismos no cenário artístico como é o caso de produções associadas diretamente ao epíteto arte afro-brasileira, no sentido em que se refere a produções múltiplas em temas, linguagens, discursos e estratégias de leituras. Traça-se um breve panorama sobre uma cena de autoria negra e seus trânsitos em espaços institucionais nas últimas décadas. Além de apresentar um recorte que considera a leitura da própria pesquisa poética visual. Tem-se como interesse, refletir sobre a construção de epistemologias a partir do debate de gênero e artefato na arte contemporânea. Assim, destacam-se nesta discussão os trabalhos de Rosana Paulino, Sonia Gomes e Lidia Lisboa. O artefato aparece nesta escrita como performance e método: escrita contranarrativa, memória e gesto político. Apresenta a problemática nos lugares de fricção em relação às terminologias instauradas, às condutas poéticas e éticas na arte contemporânea e suas epistemologias. Qual a relevância em sinalizar a origem étnica de uma autoria numa dada forma poética dentro de um contexto histórico e político? Quais movimentos na confuguração de um discurso visual implicam na construção de uma leitura sobre gênero? Quais gestos operativos sinalizam essa condição? De qual maneira nós construímos os nossos olhares e nossas perspectivas nesta encruzilhada sobre a ideia de histórias pessoais e universalidades, microestruturas e macroestruturas? Quando estas autorias falam por si? Qual o lugar possível de legitimidade delas? Quais são as estratégias possíveis de reescritas de contranarrativas? / In this research is proposed a discussion about aspects of experimentation in the visual arts based on the role of the author and in the discourses traced by the relations of identity and otherness in contemporary art. The return to the idea of the artist as na author and the individualization of the artistic criteria along the XX and XXI century become fundamental to discuss the visualities in search of redefinitions about the forms of prominences in the artistic scene as is the case of the productions associated directly to the epithet Afro-Brazilian art, referring to a multiple authorship and its transits in institutional spaces in the last decades is presented. Besides to presenting a clipping that considers the Reading of the own poetic visual research. We have as na interest, to reflect on the construction of epistemologies from the debate of genre and artifact in contemporary art. Thus, the work of Rosana Paulino, Sonia Gomes and Lidia Lisboa stands out in this discussion. The artifact appears in this writing as a performance and method: the counternarrative writing, memory and political motion. It presentes the problematic in the places of epistemologies. What is the relevance of signal the ethnic origino f na author in a certain poetic form within a historical and political contexto? Which movements in the configuration of a visual discourse imply in the construction of a Reading abourt genre? What operative gestures signal this condition? How do we constructo our views and our perspectives at this crossroads about the idea of personal histories and universals, microstructures and macro-structures? When do these authors speak for themselves? What is their possible place of legitimacy? What are the possible rewriting strategies of conter-narratives?

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T23:24:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Aulicino_MarcosRodrigues_D.pdf: 15911172 bytes, checksum: 8124a26b658fbd60458e9edd916d0e4e (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: O trabalho analisa as ¿paisagens imaginantes¿ de Alberto da Veiga Guignard, verificando a sua importância a partir dos anos 90 e, principalmente, no contexto de sua produção. A proposta é compreender esse conjunto de obras tanto em sua qualidade plástica quanto contextual, dialogando com as observações da época e a crítica mais recente. Assim, a presente tese inicia com um panorama do contexto intelectual do Rio de Janeiro no período em que Guignard viveu nesta cidade (1929-1943), com o círculo de literatos em torno do pintor Ismael Nery e sua influência sobre parte da produção de Guignard até 1934, bem como as conceituações teóricas, estéticas e ideológicas do Movimento Modernista Brasileiro, na discussão em torno das idéias de Mário de Andrade, Oswald de Andrade e Graça Aranha e em suas indicações de possíveis soluções plásticas e temáticas para as artes visuais. Depois, a partir dos ¿retratos populares¿ de Guignard, verifica como a sua produção se posiciona em relação à proposta de construção da identidade brasílica, investigando o desenvolvimento das idéias nacionalistas em Mário de Andrade e suas opções artísticas como crítico de arte e, principalmente, observando a sua recepção à obra de Guignard. Encontra-se também o posicionamento da crítica brasileira dos anos 80 e 90, que impôs novos parâmetros com a revisão do modernismo e buscou recolocar a obra de Guignard a partir de outros critérios valorativos, os quais, em grande parte, são emprestados de modelos utilizados para demarcar os limites estéticos das vanguardas européias e norte-americana que, confrontados à pintura de Guignard, revelam-se inadequados, ao menos quando entendidos como unívocos. As ¿paisagens¿ são, dessa forma, indicadas como a parte da produção do artista onde se dá o encontro das chaves interpretativas mencionadas, suas soluções plásticas em conluio com o pensamento estético e as tensões ideológicas. A ¿paisagem¿ constitui-se como um tema onde tem lugar a continuidade de uma caracterização nacional, numa elaboração de espacialidade específica, inerente à sua pintura. Visando investigar essas afirmações, há um capítulo especialmente dedicado à análise do conteúdo plástico no desenvolvimento das paisagens de Guignard, a partir de suas ¿vistas¿ e o processo de elaboração de suas características espaciais: enquadramento, posicionamento do espectador à distância e deslocamento da profundidade em planos paralelos. Por fim, a pesquisa apresenta o processo de imaginação da paisagem, base de constituição da poética de Guignard: no cruzamento de uma espacialidade que tende cada vez mais à verticalização dentro do plano pictórico e um universo temático derivado da busca pela identidade brasílica. Processo esse que se desdobra invertendo a direção do olhar, interiorizando os conteúdos e produzindo cenários da intimidade / Abstract: The work analyzes the ¿imaginary landscapes¿ of Alberto da Veiga Guignard, examining their importance from the nineties on, and mainly in the context of his production. The proposal is to understand his works as a whole in their plastic and contextual qualities, dialoguing with the observations of the time and the most recent critic. Thus, the present thesis begins with a panorama of the intellectual context of Rio de Janeiro in the period when Guignard lived in this city (1929-1943), with a circle of writers orbiting around painter Ismael Nery and his influence on part of Guignard¿s production up to 1934, as well as, the theoretical, aesthetic and ideological concepts of the Brazilian Modernist Movement, in the debate of ideas exposed by Mário de Andrade, Oswald de Andrade and Graça Aranha and in the indications of possible plastic and thematic solutions for the visual arts. Then, from the ¿popular portraits¿ of Guignard, this thesis verifies how his production is positioned in relation to the proposal of construction of the ¿brasílica¿ identity, investigating the development of the nationalist ideas of Mário de Andrade and his artistic options as art critic and, mainly, observing his acceptance of the work of Guignard. It is also mentioned, the positioning of the Brazilian critic in the 80s and 90s, which imposed new parameters with the revision of the modernism and tried to contemplate the work of Guignard on basis of new criteria, that were borrowed from models used to demarcate the aesthetic limits of the European and North American vanguards, that when confronted with the painting of Guignard, proved to be inadequate, at least when understood as univocal. The ¿landscapes¿ are, in this way, described as the part of the artist's production where there is the encounter of the mentioned interpretative keys, their plastic solutions along with the aesthetic thought and the ideological tensions. The ¿landscape¿ is the constitution of a theme where there is room for continuity of a national characterization, in an elaboration of specific space approach, inherent to his painting. With the idea of investigating these statements, there is a chapter especially dedicated to the analysis of the plastic content in the development of the landscapes of Guignard, starting from his ¿views¿ and the process of elaboration of his space characteristics: framing, positioning of the spectator from the distance and displacement of the depth in parallel plans. Finally, the research presents the process of imagination of the landscape, base of Guignard¿s poetics: in the crossing of a space approach that tends more and more to the verticalism inside of the pictorial plan and a derived thematic universe of the search for the ¿brasílica¿ identity. A process that unfolds itself inverting the direction of the glance, internalizing the contents and producing sceneries of intimacy / Doutorado / Doutor em Artes