Made available in DSpace on 2016-08-26T15:19:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_7756_tudo junto_parabliotecadisserta.pdf: 19503946 bytes, checksum: 58c08647ed269918e266223b23e13ec3 (MD5) Previous issue date: 2014-05-26 / A presente pesquisa tem como objetivo discutir os conceitos de tautologia e política a partir da produção artística conceitual dos anos 1960/70, principalmente a vertente analítico-linguística anglosaxã e o conceitualismo político-ideológico latinoamericano. Nesse eixo, contrapondo demarcações historiográficas canônicas, como aquelas estipuladas por Simón Marchán Fiz e Mari Carmen Ramírez, discute-se a possibilidade de coexistência de aspectos analíticos e contextuais em ambas as produções, tanto na arte conceitual norte-americana e inglesa quanto no conceitualismo latino-americano. Invertendo posições, o estudo apresenta a partir do artista norte-americano Joseph Kosuth a atividade autorreflexiva como um componente político, uma política da arte segundo Jacques Rancière. Considerando esta proximidade, traça-se a inversa, via Hannah Arendt: a existência tautológica do político. Também apresenta e analisa a partir das considerações do artista uruguaio Luis Camnitzer aspectos políticos ideológicos da produção artística latino-americana averiguando igualmente nesta produção rasgos autorreflexivos próprios do pensamento analítico tautológico. Concomitantemente, esta dissertação reflete sobre obras de ambas as produções (do norte e do sul) que utilizam como ferramenta artística a linguagem (escrita ou falada) e os diversos meios de comunicação como modos de exposição. Assim, o trabalho desenvolvido aponta a partir de coordenadas estabelecidas por diversos produtores, entre outros, Seth Siegelaub, Art & Language, Jorge Glusberg e Camnitzer para a sobreposição entre prática e teoria, para a redefinição de fazeres criativos e ativismo político. Fluxos estes compartilhados por esta empreitada dissertativa considerando os escritos sobre arte como arte e vice-versa. Palavras-chave: Arte conceitual. Conceitualismo latinoamericano. Tautologia

Made available in DSpace on 2016-08-26T15:18:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_3717_Texto.pdf: 1573401 bytes, checksum: 796a0244de0f127890e09ab8d9fb8511 (MD5) Previous issue date: 2009-12-14 / O presente estudo tem como objeto de investigação a produção do artista plástico brasileiro Cildo Meireles. Analisa alguns de seus trabalhos localizados nos anos de 1960 e 1970 e a série Objetos Semânticos, produzida na década de 1980. Discute a existência de um trânsito do artista pela arte conceitual, no qual problematiza o campo da arte e produz obras envolvidas com questões do contexto político-social local, reveladoras de um acento ideológico em seu percurso pelo conceitual. Investiga, nesse transitar, as apropriações do artista de objetos do dia a dia e sua articulação a palavra. Na formação do par objeto e linguagem analisa como Meireles estreita seu trabalho com a realidade e com a cultura, distanciando-se das operações conceituais analíticas da primeira produção conceitual americana e britânica. Destaca como recorre à palavra para construir um território amplo para o envolvimento do público com suas obras, em que a inserção da arte no cotidiano se faz uma de suas estratégias mais marcantes. No emprego da linguagem pelo artista, estuda como ela potencializa a tendência de engendrar desvios em sua poética, na qual investiga a falibilidade do que parece determinado e oferece ao público um espaço de fruição repleto de desdobramentos e desmontes de expectativas. Palavras-chave: Cildo Meireles. Pós-modernidade. Arte conceitual. Objeto e linguagem. Arte e vida.

Submitted by Erika Demachki (erikademachki@gmail.com) on 2017-05-04T17:30:26Z No. of bitstreams: 2 Tese - Armando de Aguiar Guedes Coelho - 2015.pdf: 5019388 bytes, checksum: c729701d41dbfbb4021256f3523c3bf6 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-05-05T12:51:29Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Tese - Armando de Aguiar Guedes Coelho - 2015.pdf: 5019388 bytes, checksum: c729701d41dbfbb4021256f3523c3bf6 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-05T12:51:29Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Tese - Armando de Aguiar Guedes Coelho - 2015.pdf: 5019388 bytes, checksum: c729701d41dbfbb4021256f3523c3bf6 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2015-04-14 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The present paper “The art market from Goiânia and the artist as a social being” aims at presenting the tecniques and concepts that bring the artist closer and closer to the viewer. Artistic concepts developed mostly in the 60’s and earlier made it possible for the public to become closer to art, the object being observed and the observer sharing an intelectual harmony that enabled art to exist. The paper presents the piece “Prancha 6 com cocar Kraô” by Carlos Sena as a differential element in this process of reestructuring the arts which took place in Goiânia. It enabled us to understand the art market as a determining element of the intimate social ties. The prices attributed to works of art thus become a symbolic element, creating a disruption in the power the artist and his means of production had in qualitatively predicting the value of a piece. Finally, we show that the resource of intimate social ties, foreseen by Olav Velthius and excessively reorganized by electronic mean, gives rise to a new form of art which works as a disturbance of these very social relations. / O trabalho “O MERCADO DE ARTE GOIANO E O ARTISTA COMO SER SOCIAL” tem como corpus a apresentação de técnicas e conceitos que tornam o artista cada vez mais próximo do observador de suas obras. Conceitos oriundos da década de sessenta e de períodos anteriores fizeram com que a arte se aproximasse de seu público conceitualmente, em que o observável e o observador necessitavam de uma harmonia intelectual para que a obra existisse. O trabalho tem a obra “Prancha 6 com cocar Kraô” de Carlos Sena como elemento diferencial neste processo de reestruturação da arte em Goiânia. Esse fato fez com que pudéssemos enxergar o mercado de arte hoje também como um elemento em que as amarras sociais funcionam de forma determinante e em que os preços das obras acabaram se tornando um elemento simbólico das mesmas, causando um desajuste no poder do artista e do meio em predizer o valor das obras de forma qualitativa. Por fim, mostramos que o recurso da amarra social íntima prevista por Olav Velthuis e excessivamente reorganizada pelos meios eletrônicos faz com que nasça uma outra forma de arte que funciona como um distúrbio dessas relações sociais.

Orientador : Nelson Alfredo Aguilar / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-03T13:43:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Elias_TatianedeOliveira_M.pdf: 23612630 bytes, checksum: daaf41aaf46240fdaa3be3724dcd13e0 (MD5) Previous issue date: 2003 / Resumo: Esta dissertação pretende apresentar as análises das obras de Oiticica cronologicamente. Serão apresentadas neste texto análises de obras inéditas como os desenhos de Oiticica para o filme da Cangaceira Eletrônica e o Projeto labirinto para Formigas. Também me concentrarei em eventos de Oiticica dos anos 70 que foram muito pouco estudados, e quase nada se pesquisou sobre eles. Farei uma análise histórica sobre o surgimento da Arte Concreta, da Escola de ULM, Primeira Bienal do Museu de Arte Moderna de São Paulo, a presença de Max Bill no Brasil. Relacionarei a obra de Oiticica com o contexto internacional. Pois, Oiticica estava inserido em um contexto das artes que rumavam para a desmaterialização, o fim das instituições museológicas e das artes tradicionais / Abstract: This dissertation intends to introduce the analysis of the Oiticica's works in a chronological order. It will be presented the analyses of the unpublished works, such as the Oiticica's draws for the film, "Cangaceira Eletrônica" and the "Projeto labirinto para Formigas". I will concentrate in the Oiticica's events of the 70's which were not weU studied - almost nothing was investigated about them. I will make a historical analysis about the rising of the "Arte Concreta" (Concrete Art) from the "Escola de ULM, Primeira Bienal do Museu de Arte Moderna de São Paulo", the presence of Max BiU in Brazil. I will relate the Oiticica's works with the international contexto Because Oiticica was inserted in a context of arts that go towards the desmaterialization, the end of the museum' s institutions and the traditional arts / Mestrado / Mestre em Filosofia

A arte brasileira durante a década de 1970 se destacou pelo alto grau de experimentalismo e de contestação aos cânones tanto artísticos como museológicos. As exposições anuais Panorama da Arte Atua Brasileira e Jovem Arte Contemporânea, organizadas respectivamente pelo Museu de Arte Moderna de São Paulo e pelo Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, se dedicaram a expor e legitimar determinadas tendências da arte dita jovem e atual durante esse período. A análise comparativa proposta por essa pesquisa revela e discute os mecanismos de seleção, organização, premiação e apresentação de obras em ambas as exposições. O foco da pesquisa dá-se no ano de 1972, momento em que a edição da Jovem Arte Contemporânea apresenta grandes inovações, ano de intenso crescimento do mercado de artes paulistano, auge da repressão militar e em que o Panorama discute as categorias escultura e objeto. Buscou-se analisar as exposições dentro desse contexto maior, apontando como referências os encontros internacionais de diretores de museus e outras exposições paradigmáticas para o período realizadas na Europa e na América Latina. / Brazilian art from the 1970s is known for its high degree of experimentation and for challenging both artistic and museological canons. The annual exhibitions Panorama da Arte atual Brasileira and Jovem Arte Contemporânea, organized respectively by the Museum of Modern Art of São Paulo and the Museum of Contemporary Art of the University of São Paulo, are dedicated to exposing and legitimizing certain art trends during this period. The comparative analysis proposed by this research reveals and discusses the mechanisms of selection, organization, and presentation works in both exhibitions. The focus of the research takes place in 1972, when the show Jovem Arte Contemporânea presents major innovations and the Panorama discusses sculpture and object categories, the year is also marked by intense growth of the a São Paulo art market, the increase of military repression. We sought to examine the exhibitions within this larger context, taking as references the discussions that occurred in the international encounters of museums directors, and also other paradigmatic exhibitions for the period held in Europe and Latin America.

Este trabalho é um ponto de encontro entre dois artistas nova-iorquinos da segunda metade do século XX: Gordon Matta-Clark (Nova York, 1943-1978) e Félix González-Torres (Guaimaro, Cuba, 1957-Nova York, 1996) através de obras que se propõem como uma contradição nos termos: propriedades sem bem, ou a possibilidade de possuir um objeto materialmente inexistente. O primeiro, Gordon Matta-Clark, com a obra Propriedades Reais: Bens Fictícios, consistente na compra e registros fotográficos de bens imobiliários que, tendo seus limites marcados nas escrituras e nos mapas, não apresentam fronteiras perceptíveis no espaço físico. O segundo, Félix González-Torres com obras que encontram sua origem em Certificados de Autenticidade / Propriedade de objetos a ser manifestados, isto é, construídos pelo dono da peça ou por aquele que pedir emprestado o direito de montá-la. Propriedades sem bem que -- enxergadas por Matta-Clark na década de 70, e construídas por González-Torres na década de 90 --, abrem um leque de questionamentos sobre temas básicos de uma sociedade baseada no intercâmbio e na acumulação. A saber, a burocracia, o valor de troca e a noção de propriedade que, mais do que consistir em um objeto a ser possuído, consiste em um convênio a ser respeitado. Pacto ancorado em um complexo andaime econômico e legal, de números e de letras, que os dois artistas, desde cantos diferentes, percorrem até suas últimas consequências. Este texto é a história desse percurso. / This work is a meeting point between two artists of the second half of the twentieth century: Gordon Matta-Clark (New York, 1943-1978) and Felix Gonzalez-Torres (Guaimaro, Cuba, 1957-New York, 1996). The connection is established through works that are proposed as a contradiction in terms: properties without physical goods, or the possibility of owning one thing that does not exist in a material way. The first, Gordon Matta-Clark, with the work Reality Properties: Fake Estates, consists of the purchase and photographical registers of real estates, with their boundaries, marked in the deeds and maps, shows no discernible physical space. The second, Félix González-Torres, with works that find their origin in Certificates of Authenticity / Property of objects to be manifested, that is, built by the owner of the piece or by the one who borrows the right to assemble it. Properties without goods that - sighted by Matta-Clark in the 70s and constructed by González-Torres in the 90s - opens a range of questions about basic themes of a society founded on exchange and accumulation. Specifically: bureaucracy, exchange value and the notion of property that consists of more than an object to be possessed, a covenant to be respected. Covenant deals anchored on a complex economic and legal structure -numbers and letters- that both artists explore to the ultimate consequences. This text is the story of that exploration.

Este estudo resulta de um levantamento de dados, reflexões e análises sobre 3 Óperas conceituais do artista plástico José Roberto Aguilar, realizadas nos anos 1970: Circo Antropofágico Ambulante Cósmico Latino Americano apresenta essa noite: a transformação permanente do tabu em totem; Ópera o 3º mundo; 3 lutas de samurai, 25 metros de pintura contra 3 demônios que assolam a vídeo-arte nacional. Sob a luz da arte conceitual praticada naquela época, foram selecionados alguns procedimentos e processos criativos utilizados pelo artista e a partir daí foram posicionados temas de discussão, como: a crítica da crítica, arte e magia, a performance do autor, o vídeo como mídia, temas pertinentes àquela época. O tema Antropofagia, recorrente na obra de Aguilar, foi abordado através de um vídeo de 13 minutos. A contribuição desta dissertação é revelar dados e pontos de vista de 3 Óperas de Aguilar e ampliar os arquivos da arte dos anos 1970 para os estudos contemporâneos. / This dissertation is the result of a data collection, reflections and analysis on the three conceptual Operas made by the artist Jose Roberto Aguilar, realized in the seventies: Circo Antropofágico Cósmico Ambulante Latino Americano apresenta esta noite: A Transformação permanente do Tabu em Totem; Ópera do 3º mundo; As 3 lutas de samurai e os 25 metros de pintura contra os demonios que assolam a arte contemporânea brasileira. Under the perspectives of the conceptual art at that time it was selected some procedures and creative processes used by the artist. From this point of view were positioned topics of discussion, like: the critic of the critic, art and Magic, authors performance, and video media. Important themes at that time. The theme Antropofagia, recurring in the work of Aguilar, was approached in a poetic 13-minute video, where the artist through interviews and reading the manifesto anthropophagic shows his vision of anthropophagic world. The contribution that master degree is to reveal datas and some points of views about three Operas Aguilar, and to amplify the archives of the art from the 70\'s, to contemporary studies.

Este estudo resulta de um levantamento de dados, reflexões e análises sobre 3 Óperas conceituais do artista plástico José Roberto Aguilar, realizadas nos anos 1970: Circo Antropofágico Ambulante Cósmico Latino Americano apresenta essa noite: a transformação permanente do tabu em totem; Ópera o 3º mundo; 3 lutas de samurai, 25 metros de pintura contra 3 demônios que assolam a vídeo-arte nacional. Sob a luz da arte conceitual praticada naquela época, foram selecionados alguns procedimentos e processos criativos utilizados pelo artista e a partir daí foram posicionados temas de discussão, como: a crítica da crítica, arte e magia, a performance do autor, o vídeo como mídia, temas pertinentes àquela época. O tema Antropofagia, recorrente na obra de Aguilar, foi abordado através de um vídeo de 13 minutos. A contribuição desta dissertação é revelar dados e pontos de vista de 3 Óperas de Aguilar e ampliar os arquivos da arte dos anos 1970 para os estudos contemporâneos. / This dissertation is the result of a data collection, reflections and analysis on the three conceptual Operas made by the artist Jose Roberto Aguilar, realized in the seventies: Circo Antropofágico Cósmico Ambulante Latino Americano apresenta esta noite: A Transformação permanente do Tabu em Totem; Ópera do 3º mundo; As 3 lutas de samurai e os 25 metros de pintura contra os demonios que assolam a arte contemporânea brasileira. Under the perspectives of the conceptual art at that time it was selected some procedures and creative processes used by the artist. From this point of view were positioned topics of discussion, like: the critic of the critic, art and Magic, authors performance, and video media. Important themes at that time. The theme Antropofagia, recurring in the work of Aguilar, was approached in a poetic 13-minute video, where the artist through interviews and reading the manifesto anthropophagic shows his vision of anthropophagic world. The contribution that master degree is to reveal datas and some points of views about three Operas Aguilar, and to amplify the archives of the art from the 70\'s, to contemporary studies.

Esta pesquisa parte da constatação de uma insistente ocorrência de enunciados no modo verbal imperativo no campo da arte contemporânea. Esses comandos se inserem na própria configuração dos trabalhos artísticos, na forma de textos que funcionam como “instruções como arte”. A investigação se desenvolve no sentido de uma projeção anacrônica – da arte mais recente em direção à arte conceitual (anos 1960 e 70), em uma tentativa de apontar o que, no caso dos imperativos artísticos, poderia ser uma atualização de procedimentos e estratégias de um passado mais ou menos recente. Para tanto, a pesquisa recorre a dois estudos de caso: o primeiro sobre a exposição coletiva Located work (Madrid) (2008), concebida pelo norte-americano Joseph Kosuth, e o segundo sobre os três Estudos para espaço e tempo (1969-2001), do brasileiro Cildo Meireles. A análise revisa as disputas discursivas entre o conceitualismo político e o conceitual de viés tautológico, sinalizando para uma precariedade de conceitos e narrativas. / This research rises from the verification of the somewhat frequent use of the imperative form in statements in contemporary art. The commands are inserted in the art work itself in the form of “texts” that function as “instructions as art”. The investigation is developed in an anachronic projection – from the most recent art towards conceptual art (1960’s and 70’s), attempting to point out what, in the case of artistic imperatives, could be an updating of procedures and past strategies. In order to do that, the research seeks two study cases: one regarding the exhibit Located work (Madrid) (2008), conceived by Joseph Kosuth, and the other about Estudos para espaço e tempo (1969-2001), by Cildo Meireles. The analysis discusses the discoursives disputes between political conceptualism and tautological conceptual art, indicating a current precariousness of concepts and narratives.

Este trabalho é um ponto de encontro entre dois artistas nova-iorquinos da segunda metade do século XX: Gordon Matta-Clark (Nova York, 1943-1978) e Félix González-Torres (Guaimaro, Cuba, 1957-Nova York, 1996) através de obras que se propõem como uma contradição nos termos: propriedades sem bem, ou a possibilidade de possuir um objeto materialmente inexistente. O primeiro, Gordon Matta-Clark, com a obra Propriedades Reais: Bens Fictícios, consistente na compra e registros fotográficos de bens imobiliários que, tendo seus limites marcados nas escrituras e nos mapas, não apresentam fronteiras perceptíveis no espaço físico. O segundo, Félix González-Torres com obras que encontram sua origem em Certificados de Autenticidade / Propriedade de objetos a ser manifestados, isto é, construídos pelo dono da peça ou por aquele que pedir emprestado o direito de montá-la. Propriedades sem bem que -- enxergadas por Matta-Clark na década de 70, e construídas por González-Torres na década de 90 --, abrem um leque de questionamentos sobre temas básicos de uma sociedade baseada no intercâmbio e na acumulação. A saber, a burocracia, o valor de troca e a noção de propriedade que, mais do que consistir em um objeto a ser possuído, consiste em um convênio a ser respeitado. Pacto ancorado em um complexo andaime econômico e legal, de números e de letras, que os dois artistas, desde cantos diferentes, percorrem até suas últimas consequências. Este texto é a história desse percurso. / This work is a meeting point between two artists of the second half of the twentieth century: Gordon Matta-Clark (New York, 1943-1978) and Felix Gonzalez-Torres (Guaimaro, Cuba, 1957-New York, 1996). The connection is established through works that are proposed as a contradiction in terms: properties without physical goods, or the possibility of owning one thing that does not exist in a material way. The first, Gordon Matta-Clark, with the work Reality Properties: Fake Estates, consists of the purchase and photographical registers of real estates, with their boundaries, marked in the deeds and maps, shows no discernible physical space. The second, Félix González-Torres, with works that find their origin in Certificates of Authenticity / Property of objects to be manifested, that is, built by the owner of the piece or by the one who borrows the right to assemble it. Properties without goods that - sighted by Matta-Clark in the 70s and constructed by González-Torres in the 90s - opens a range of questions about basic themes of a society founded on exchange and accumulation. Specifically: bureaucracy, exchange value and the notion of property that consists of more than an object to be possessed, a covenant to be respected. Covenant deals anchored on a complex economic and legal structure -numbers and letters- that both artists explore to the ultimate consequences. This text is the story of that exploration.