[pt] Esta dissertação aborda o experimentalismo da artista Lygia Clark (1920- 1988), sobretudo a fase final de sua produção artística, a Estruturação do Self (1976-1988). Colocando história da arte e psicanálise em diálogo, buscou-se encontrar vestígios da mobilização de novas subjetividades e do exercício criativo a partir do trabalho corporal. Na primeira parte do trabalho, tratou-se do debate concreto-neoconcreto ocorrido nos anos 1960, através do estudo da obra e dos textos da própria artista. Buscou-se ainda estabelecer um inventário de suas investigações em direção à convocação do potencial poético do homem comum. Num segundo momento, a pesquisa procurou apresentar os mecanismos do sistema de arte nos quais trabalhos experimentais como os de Lygia Clark estão inseridos, discutindo a transformação do experimentalismo dos anos 1960/70 em arte experimental pelo circuito. Além disso, aborda-se o jogo de recusa e captura entre artistas e instituição de arte e a situação limite em que a obra da artista se coloca, tangenciando o campo da clínica. A terceira parte da dissertação dedica-se a analisar as políticas de subjetivação empreendidas pelo sistema capitalista e sua contrapartida manifesta nos processos de singularização de indivíduos ou grupos. Abordando a tensão entre as esferas pública e privada, a pesquisa procurou mostrar a relevância de ações localizadas e até individuais, atribuídas à economia do desejo, na rede de relações sociais, conferidas à economia política. É investigado, por fim, o potencial liberador encontrado na última fase experimental de Lygia Clark, a Estruturação do Self, que levaria o participante a um estar no mundo mais criativo diante da realidade objetiva. / [en] This dissertation examines the experimentalism of the brazilian artist Lygia Clark (1920-1988), especially in her final artistic phase, Structuring the Self (1976-1988). By bringing together art and psychoanalysis, I tried to find hints of the activation of new subjectivities and of the creative exercise, based on work with the body. The first part of this dissertation focuses on the debate between concrete and neoconcrete art which occurred in the 1960 s, as seen through the work and the texts of the artist. It also intends to establish an inventory of her investigations leading to invocation of the common man`s poetic potential. Following the first part, I attempt to present the mechanisms of the art system in which experimental works such as those of Lygia Clark are included, and I discuss the transformation of the 1960 s/70 s experimentalism in experimental art by the circuit. Besides, I approach the game of refusal and capture between artists and art institutions, as well as the borderline situation in which the Clark s work is located, as it enters the field of psychological clinic. The third part of this writing is dedicated to the analysis of the politics of subjectivation carried through in the capitalist system and the reaction manifested in the singularization processes of individuals or groups. Approaching the tension between the public and private spheres, I attempt to show the relevance of localized and even individual actions, attributed to the economy of desire, in the network of social relations, conferred upon political economy. Finally, I investigate the liberating potential found in the last experimental phase of Lygia Clark, The Structuring of the Self, that could lead the participant to a more creative being in the world, in the face of objective reality.

As estratégias construtivistas na obra de Hélio Oiticica estão compreendidas na noção definida pelo artista de \"mundo erigindo mundo\". Esta estratégia é identificável tanto nos aspectos éticos e estéticos das proposições de Oiticica quanto na maneira como seu próprio pensamento é construído de blocos achados nas obras de filósofos, músicos e outros artistas. Este trabalho percorre manuscritos de Hélio Oiticica disponíveis em arquivos digitais para identificar os blocos de pensamento que embasam a produção de Hélio Oiticica, identificando a singularidade de sua obra frente a propostas de alguns de seus contemporâneos. Ainda que reconhecendo a importância do mito e da Mangueira na obra do inventor da Tropicália, o texto enfatiza que a \"síntese\" feita por Hélio Oiticica não se deixa fixar em um estereótipo cultural já que escapa dos espaços delimitados e do tempo cronológico, estabelecendo-se em um \"mundo-abrigo\" virtual, onde Oiticica acha fragmentos das produções de inventores de vários lugares e épocas para compor seu programa além-da-arte. / The constructivist strategies within Hélio Oiticica´s oeuvre are comprehended in the notion of \"world building world\" articulated by the artist. This strategy is discernible both on the ethic and aesthetic aspects of Oiticica´s proposals and on the way his own thought is built out of blocks he found in works by philosophers, musicians and other artists. This text traverses manuscripts by Hélio Oiticica, available in digital archives, to identify the building blocks of the artist´s thought and its singularity in relation to proposals of some of his contemporaries. Although recognizing the importance of the myth and of the Mangueira samba school on the work of the inventor of Tropicalia, this text emphasizes that the \"synthesis\" produced by Hélio Oiticica defies cultural stereotypes since it escapes boundaries and the chronological time, establishing itself within a \"world-shelter\" where the artist finds fragments of the production of other inventors from different cultures and times, to compose his own beyond-the-art program.

Nesta pesquisa propõe-se o debate sobre aspectos da experimentação em artes visuais pautado no papel do autor e nos discursos traçados pelas relações de identidade e alteridade na arte contemporânea. O retorno à ideia do artista como autor e a individualização dos critérios artísticos ao longo do século XX e XXI tornam-se fundamentais para discutir visualidades em busca de redefinições a respeito das formas de protagonismos no cenário artístico como é o caso de produções associadas diretamente ao epíteto arte afro-brasileira, no sentido em que se refere a produções múltiplas em temas, linguagens, discursos e estratégias de leituras. Traça-se um breve panorama sobre uma cena de autoria negra e seus trânsitos em espaços institucionais nas últimas décadas. Além de apresentar um recorte que considera a leitura da própria pesquisa poética visual. Tem-se como interesse, refletir sobre a construção de epistemologias a partir do debate de gênero e artefato na arte contemporânea. Assim, destacam-se nesta discussão os trabalhos de Rosana Paulino, Sonia Gomes e Lidia Lisboa. O artefato aparece nesta escrita como performance e método: escrita contranarrativa, memória e gesto político. Apresenta a problemática nos lugares de fricção em relação às terminologias instauradas, às condutas poéticas e éticas na arte contemporânea e suas epistemologias. Qual a relevância em sinalizar a origem étnica de uma autoria numa dada forma poética dentro de um contexto histórico e político? Quais movimentos na confuguração de um discurso visual implicam na construção de uma leitura sobre gênero? Quais gestos operativos sinalizam essa condição? De qual maneira nós construímos os nossos olhares e nossas perspectivas nesta encruzilhada sobre a ideia de histórias pessoais e universalidades, microestruturas e macroestruturas? Quando estas autorias falam por si? Qual o lugar possível de legitimidade delas? Quais são as estratégias possíveis de reescritas de contranarrativas? / In this research is proposed a discussion about aspects of experimentation in the visual arts based on the role of the author and in the discourses traced by the relations of identity and otherness in contemporary art. The return to the idea of the artist as na author and the individualization of the artistic criteria along the XX and XXI century become fundamental to discuss the visualities in search of redefinitions about the forms of prominences in the artistic scene as is the case of the productions associated directly to the epithet Afro-Brazilian art, referring to a multiple authorship and its transits in institutional spaces in the last decades is presented. Besides to presenting a clipping that considers the Reading of the own poetic visual research. We have as na interest, to reflect on the construction of epistemologies from the debate of genre and artifact in contemporary art. Thus, the work of Rosana Paulino, Sonia Gomes and Lidia Lisboa stands out in this discussion. The artifact appears in this writing as a performance and method: the counternarrative writing, memory and political motion. It presentes the problematic in the places of epistemologies. What is the relevance of signal the ethnic origino f na author in a certain poetic form within a historical and political contexto? Which movements in the configuration of a visual discourse imply in the construction of a Reading abourt genre? What operative gestures signal this condition? How do we constructo our views and our perspectives at this crossroads about the idea of personal histories and universals, microstructures and macro-structures? When do these authors speak for themselves? What is their possible place of legitimacy? What are the possible rewriting strategies of conter-narratives?

Submitted by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-02-01T11:53:24Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_VamosComerOswald.pdf: 1279353 bytes, checksum: 1e83f8672d905745b42c5e6cfb1a82f8 (MD5) / Approved for entry into archive by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-02-01T12:23:06Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_VamosComerOswald.pdf: 1279353 bytes, checksum: 1e83f8672d905745b42c5e6cfb1a82f8 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-01T12:23:06Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_VamosComerOswald.pdf: 1279353 bytes, checksum: 1e83f8672d905745b42c5e6cfb1a82f8 (MD5) Previous issue date: 2014-06-25 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Através de uma abordagem feita por viés histórico, estético, identitário e linguístico, esta dissertação apresenta uma reflexão sobre a proposição antropofágica elaborada por Oswald de Andrade, na sua relação com os discursos históricos, e com os discursos nacionalistas dos anos 30 no Brasil. A mesma demonstra como Oswald de Andrade constrói uma narrativa sobre a nacionalidade na qual a relação entre a identidade étnica e a nacional estão constante conflito. Partindo desse fato, a dissertação localiza duas maneiras pelas quais a antropofagia oswaldiana vem sendo narrada: uma que a territorializa no campo dos discursos nacionalistas, outras que tentam lhe retirar desse espaço, dando-lhe novos significados e potencialidades de transformação estética e sociocultural. Em outras palavras – lhe desterritorializando.

[pt] A obra de Alfredo Volpi particulariza-se por uma dinâmica da forma que, a partir de um modo quase artesanal de trabalho, alcança a construção moderna do espaço pictórico autônomo. Essa constatação nos levou a uma análise de sua extensa produção, acompanhando as investidas do artista sobre o objeto, sua gradual depuração e sua relativa abstração, o que veio fortalecer suas qualidades estéticas justo pela renovação do código de representação. Em Volpi, o amadurecimento da experiência pessoal e artística suprime contornos e detalhes, e, através da lógica formal moderna, faz emergir a força das relações pictóricas intrínsecas, isto é, a sua própria estrutura. / [en] The works of Alfredo Volpi characterizes itself by a dynamic of the form which, almost from a handiwork way, reaches the autonomous pictorial modern construction of space. This acknowledgement has taken us to an analysis of his wide production, following his attempts on the object, his gradual purification and relative abstraction, which make his esthetical qualities even stronger by the renovation of the representation`s code. In Volpi, the maturity of his personal and artistic experience put down details and contours, and through the modern formal logic, brings up the strength of the intrinsic pictorial relations, that is to say, its own structure.

Orientador: Lóris Graldi Rampazzo / Resumo: Esta dissertação teve por objetivo a discussão sobre o ato criador em Hélio Oiticica (1937-1980) e o legado da Antropofagia em sua obra no contexto cultural brasileiro das décadas de 1960 e 1970. Ampliar a compreensão das idéias das vanguardas Construtivistas dentro do Movimento Neoconcreto e seus desdobramentos nas proporções de Hélio, em especial a questão da participação do espectador; o sentido da coletividade de prazer, e lazer e da relação arte é vida. Investigar o comportamento de Oiticica frente ao mundo das artes sua posição política e ética, a aproximação de sua atitude criadora com o de outros artistas de sua geracão, e o contato com a marginalidade, para uma compreensão de sua presença diante do contexto histórico e cultural em que atuava. E ainda discutir o conceito de antiarte desenvolvido por Hélio, seu processo de desestatização por uma ética do ato criador da relação entre o artista e o espectador. Investigando se Oiticica chegou a criar uma antiarte genuinamente brasileira, sem submissão periférica e como isso se deu naquele momento histórico. Desenvolver leituras e aproximações sobre a atividade de Hélio Oiticica dentro do cenário brasileiro e mundial, de sua poética experimental para um aprofundamento das questões da arte de vanguarda brasileira, em busca de sua participação na historia das artes visuais e da cultura do Brasil. / Abstract: This text has the main purpose to deepen the quarrel on the creative act in the Hélio Oiticica (1937-1980) and the lagacy of Anthropophagy in the brazilian cultural context of the decades of 1960 to 1970. To inside extend the understanding of the ideas of the Constructivist vanguards of the neo-concrete movement and its unfoldings in the Hélio proposals, special the question of the participation of the spectator; the direction of collective, pleasure and leisure and the relation art and life. To investigate the behavior of Oiticica front the world of the arts, its position politics and ethics, the a of approach of this creative attitude with the one of other artists of its generation, the contact with the marginality for an understanding of its presence ahead of the historical and cultural context where is acted. And still, to argue the concept of anti-art developed by Hélio, its breaking with the aesthetic for ethics of the creative act, the relation between the artist and spectador. Investiganting in Oiticica it arrived to creat a original brazilian antiart, without peripheral submission and this if it gave at that historical moment. To inside develop readings and approaches on the activity of Oiticica of the brazilian and word-wide cultural scene, of its poetical experimental one for a deepening of the question of the art of brazilian vanguard, in search of an interpretation of its participation in the history of the visual arts and the culture in Brazil. / Mestre

177f. / Submitted by Suelen Reis (suziy.ellen@gmail.com) on 2013-04-08T17:29:12Z No. of bitstreams: 2 Macielparte2.pdf: 2463890 bytes, checksum: 296eb6fc87368c5da41bd1ea3b12740e (MD5) Macielparte1.pdf: 827330 bytes, checksum: d2af5425a39258f7f45deccd563f1dae (MD5) / Approved for entry into archive by Lêda Costa(lmrcosta@ufba.br) on 2013-04-18T12:31:16Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Macielparte2.pdf: 2463890 bytes, checksum: 296eb6fc87368c5da41bd1ea3b12740e (MD5) Macielparte1.pdf: 827330 bytes, checksum: d2af5425a39258f7f45deccd563f1dae (MD5) / Made available in DSpace on 2013-04-18T12:31:16Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Macielparte2.pdf: 2463890 bytes, checksum: 296eb6fc87368c5da41bd1ea3b12740e (MD5) Macielparte1.pdf: 827330 bytes, checksum: d2af5425a39258f7f45deccd563f1dae (MD5) Previous issue date: 2009 / Esta dissertação tem como objetivo central adentrar no universo poético-mítico da produção do artista plástico baiano Raimundo de Oliveira, nascido em Feira de Santana em 1930 e, morto em Salvador em 1966. No intuito de compreender seu processo criativo, analisar como se deu a construção de seu repertório de signos tão singulares e tão significativos a partir de uma resignificação da cultura popular, estabelecendo possíveis relações com outros artistas e com as manifestações festivas e religiosas que o artista vivenciou. A pesquisa está divida em três capítulos, nos quais se procurou balancear o contexto histórico da formação da identidade nacional entre os séculos XIX e XX, calcada na cultura popular, o surgimento do modernismo com seus ideais de ruptura, os quais no contexto brasileiro foram acrescidos da busca pelo caráter nacional, seguido por uma contextualização desse modernismo na Bahia, analisando as principais características que ligam os primeiros artistas modernos baianos, incluindo Raimundo de Oliveira, à valorização das manifestações populares assim como, a análise mais aprofundada das relações percebidas na sua poética. Para isso, foram apresentados vários pontos referentes à religiosidade vivenciada pelo artista destacando a hipótese de que o mesmo transfere para suas telas o desejo de permanecer num espaço místico e sagrado,evidência que pode explicar sua fixação pela temática religiosa. Foi escolhido o método iconográfico – iconológico de Erwin Panofsky para tentar construir a leitura do seu universo criativo, ou seja, todas as seções da pesquisa foram construídas para colaborarem no conhecimento dos fatores externos à obra de Raimundo, para enfim, entender as possíveis relações construídas a partir de tudo o que diz respeito aos elementos formais e, ao conteúdo de sua obra. O trabalho é finalizado com uma análise de duas pinturas, as quais narram a cena bíblica da Última Ceia, tentando com isso exemplificar as relações apontadas durante todo o estudo. Em seus resultados, o trabalho não buscou ser conclusivo, mas propositivo de caminhos a serem aprofundados e ampliados a partir das novas questões suscitadas. / Salvador

A proposta desta dissertação é investigar o trabalho artístico de Tarsila do Amaral, sua obra plástica como também sua obra escrita. Esta pesquisa se propõe a compreender de que maneira sua pintura, elaborada como um desenho, com cores delimitadas por fios e imagens geometrizadas adquire uma dependência a uma narrativa de cunho literário. Tarsila do Amaral, pintora modernista, parece organizar os espaços em suas pinturas ao construir linhas, elaboradas cuidadosamente, imprimindo um aspecto aparentemente cerebral ao seu trabalho. Assim, partindo dessas duas formas de arte, imagem e texto, que dialogam entre si na obra da pintora, surgiu a necessidade de escrever a dissertação em forma de crônica. Ao longo da pesquisa este gênero literário demonstrou ser a forma mais adequada para lidar com o objeto de estudo, pois, escrever crônicas tendo como ponto de partida os quadros e textos de Tarsila do Amaral permitiu um olhar mais detalhado e demorado sobre sua obra, possibilitando também lidar com todos os aspectos de sua vida que tangenciaram sua arte. Parece importante perceber as influências estrangeiras em sua formação como pintora e sua busca por uma identidade como artista. Ressaltando o aspecto lúdico de sua obra, as crônicas a seguir buscam compreender como uma pintura racional pode gerar um resultado próximo a uma imagem infantil, especialmente no período Pau-Brasil. Já na fase Antropofágica, o foco de estudo se concentrou na tela Abaporu, em sua elaboração, inspiração e desdobramentos como movimento literário e artístico. Assim, vinte e uma crônicas proporcionam um panorama de aspectos relevantes na obra de Tarsila do Amaral desde o início de seus estudos de desenho até o período em que já recebia o devido reconhecimento por sua obra artística / The proposal of this dissertation is to investigate the artistic work of Tarsila do Amaral, both her plastic and written workmanship. This research intends to understand how her painting, elaborated as a drawing, with colors delimited by lines and geometrized images, acquires a dependence on a narrative of literary matrix. Tarsila do Amaral, modernist painter, seems to organize the spaces in her paintings when constructing lines, carefully elaborated, printing a cerebral aspect to her work. Therefore, from these two forms of art, image and text, which dialogue between them in the workmanship of the painter, the necessity of writing a dissertation in the chronicle form came out. This literary genre demonstrated to be the form that best adjusted to handle the study object throughout the research, thus writing chronicles having as a starting point Tarsila do Amarals pictures and texts allowed a more detailed and detained look at her workmanship, also making possible to treat all aspects of her life that touched her art. It seems important to realize the foreign influences on her formation as a painter and her search for an identity as an artist. Emphasizing the ludic aspect of her workmanship, the following chronicles seek to understand how a rational painting can produce a result close to a childish image, especially in the Pau-Brasil period. In the Anthropophagic phase, the focus of the study was especially concentrated on the Abaporu screen, on its elaboration, inspiration and unfoldings as literary and artistic movement. Accordingly, twenty one chronicles provide a panorama of the relevant aspects in the workmanship of Tarsila do Amaral since the beginning of her drawing studies until the period in which she has already received the right acknowledgment of her artistic work

Made available in DSpace on 2015-09-17T15:26:41Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-06-18. Added 1 bitstream(s) on 2015-09-17T15:45:22Z : No. of bitstreams: 1 000847209.pdf: 5266454 bytes, checksum: 0d8bbc541a0829ab53a490270977e355 (MD5) / A artista plástica Adriana Varejão, está entre as mais bem-sucedidas do circuito mundial. É atualmente uma das artistas brasileiras de mais destaque na cena contemporânea, no Brasil e também no exterior. O espaço de representação pictórica proposto por Adriana visa a angariar o olhar plurívoco do espectador, sua obra tem como base o período colonial brasileiro. Desse modo, suas obras são vistas como ponto de convergência entre saberes históricos e a cada descrição de suas obras, uma difusão de referências, casos e imagens se desdobram. Os trabalhos de Adriana exploram as histórias implícitas e não contadas, criando um tipo de historiografia crítica em que, a sua maneira, osretratos acadêmicos iluminam o que ficou oculto da experiência violenta no universo doBrasil colonial. / The artist Adriana Varejao, is among the most successful on the world circuit . It is currently one of Brazil's most prominent artists ofthe contemporary scene in Brazil and abroad. The pictorial space proposed by Adriana aims to raise the plurivocal eye of the beholder, his work is based on the Brazilian colonial period. In this way, his work is seen as a point of convergence between historical knowledge and every description of his works, a broadcast references, cases and images unfold. The Adriana's works explore the implicit stories and untold, creating a kind of critical historiography in which your way, academic portraits illuminate what was hidden from the violent experience in the world of colonial Brazil.

As estratégias construtivistas na obra de Hélio Oiticica estão compreendidas na noção definida pelo artista de \"mundo erigindo mundo\". Esta estratégia é identificável tanto nos aspectos éticos e estéticos das proposições de Oiticica quanto na maneira como seu próprio pensamento é construído de blocos achados nas obras de filósofos, músicos e outros artistas. Este trabalho percorre manuscritos de Hélio Oiticica disponíveis em arquivos digitais para identificar os blocos de pensamento que embasam a produção de Hélio Oiticica, identificando a singularidade de sua obra frente a propostas de alguns de seus contemporâneos. Ainda que reconhecendo a importância do mito e da Mangueira na obra do inventor da Tropicália, o texto enfatiza que a \"síntese\" feita por Hélio Oiticica não se deixa fixar em um estereótipo cultural já que escapa dos espaços delimitados e do tempo cronológico, estabelecendo-se em um \"mundo-abrigo\" virtual, onde Oiticica acha fragmentos das produções de inventores de vários lugares e épocas para compor seu programa além-da-arte. / The constructivist strategies within Hélio Oiticica´s oeuvre are comprehended in the notion of \"world building world\" articulated by the artist. This strategy is discernible both on the ethic and aesthetic aspects of Oiticica´s proposals and on the way his own thought is built out of blocks he found in works by philosophers, musicians and other artists. This text traverses manuscripts by Hélio Oiticica, available in digital archives, to identify the building blocks of the artist´s thought and its singularity in relation to proposals of some of his contemporaries. Although recognizing the importance of the myth and of the Mangueira samba school on the work of the inventor of Tropicalia, this text emphasizes that the \"synthesis\" produced by Hélio Oiticica defies cultural stereotypes since it escapes boundaries and the chronological time, establishing itself within a \"world-shelter\" where the artist finds fragments of the production of other inventors from different cultures and times, to compose his own beyond-the-art program.