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Superfície do contato : fronteiras e espaçamentos / Surfaces of contact: borders and spacings

Silva, Mariana Silva da January 2005 (has links)
Superfícies do contato: fronteiras e espaçamentos trata-se de uma pesquisa no campo das Poéticas Visuais em que uma investigação teórica e uma prática artística entrecruzam-se. O grupo de trabalhos desenvolvidos - ponto e buraco (prumo); à distância (elétrico); vão; encaixe; o sentido do gesto; still; para preencher um buraco; marca d’água; tangente – levanta a noção de contato como situação de relação, encontro, interação entre determinadas superfícies (como o vidro, a parede, o tecido) e entre superfície e espaço tendo como referência a superfície epidérmica enquanto fronteira e espaçamento. São abordadas questões referentes aos contatos tátil e visual e suas possibilidades de sobreposições através da construção do gesto artístico. Neste sentido, estudam-se os procedimentos empregados (gesto do artista, objeto, fotografia, vídeo, livro de artista) e suas implicações conceituais na elaboração das proposições aqui investigadas. / Surfaces of contact: borders and spacings a Visual Poetics research project in which theoretical investigation and artistic practice intersect. The group of works developed - point and hole (plumb); distant (electrical); span; fit; the meaning of the gesture; still; to fill a hole; watermark; tangent – raise the idea of contact as a situation of relation, meeting, interaction between determined surfaces (such as glass, the wall, fabric) and between the surface and space with reference to the surface of the epidermis as border and spacing. Questions concerning visual and tactile contact and their possibilities and superimpositions through the construction of the artistic gesture are approached. In this sense, there is a study of the procedures employed (the artist’s gesture, object, photography, video, artist’s book) and their conceptual implications in the development of the propositions here investigated.
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Do pão à toalha de mesa : uma abordagem poética por prolongamentos

Hernandez, Adriane January 2007 (has links)
O presente texto, apresentado sob o título Do pão à toalha de mesa: uma abordagem poética por prolongamentos, é o resultado de uma pesquisa em Poéticas Visuais desenvolvida no decorrer de quatro anos, entre 2003 e 2007. Os trabalhos são fotografias, objetos e intervenções que realizam um movimento de prolongamento: extensão de tempo e espaço e expansão dos sentidos. Prolongamento do pão à toalha de mesa é, deste modo, um prolongamento prático e também teórico. O pão e a toalha de mesa se tornam autênticos objetos de jogo, jogo de construção e desconstrução da experiência, que articula modos de conhecer o mundo. O texto se desenvolve como uma cartografia móvel e deslizante, um meio de suspender o objeto em processo a um estado de constelação de idéias, a ligar pontos, tentando não paralisá-lo em um sistema exclusivo e fechado de pensamento. A necessidade de baldar o discurso (arma do poder) se faz premente, em uma busca inquieta e escorregadia, aquela que tenta fazer a experiência tornar ao centro. Para isso, é lançando mão de recursos, como a narrativa e a descrição, em uma tentativa de devolver o discurso a uma instância anterior àquela do artificialismo. / This text, entitled Do pão à toalha de mesa: uma abordagem poética por prolongamentos, (From the bread toward the tablecloth: a poetic approach through prolongations), is the result of the research project in Visual Poetics developed for the last four years, 2003 to 2007. The works are photographs, objects and interventions that produce a movement of prolongation: extension of time and space, and expansion of the senses. In this way, the prolongation of the bread toward the tablecloth is also both a practical and theoretical prolongation. The bread and the tablecloth become authentic objects in a game, a game of construction and deconstruction of the experience that articulates ways of knowing the world. The text develops like a mobile and sliding cartography, a way to suspend the object in its process toward a constellational state of ideas, where points are linked together and try not to paralyze it in an exclusive, closed system of thought. The necessity to thwart discourse (weapon of power) becomes urgent in a disquieting and slipping search, one that tries to make the experience focus back at the center. This is why I have sought to make use of resources such as narrative and description in the attempt to return the discourse to an instance prior to that of artificiality.
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O processo de descoberta na escultura : a desafeição, fluxos, fabulações e deriva

Rocha, Luiz Antonio Carvalho da January 2009 (has links)
O trabalho considera a hipótese da escultura se constituir a partir da instauração de um litígio na matéria em operação pela coexistência de diferentes visões e interpretações prospectadas, de um lado nos processos mentais e interpretativos do autor, de outro lado na prospecção da matéria em operação. Para tanto este estudo estabelece o conjunto de conceitos básicos que nortearão a investigação e vão incentivar à prospecção, como o conceito de desafeição, de estranhamento, de abdução interpretativa, de fabulação, de fluxo e de deriva resultante, desenvolvendo estratégias e procedimentos para lidar com o amplo espectro que constitui o fazer escultórico ao operar a matéria e articular a irrupção de imagens, pulsões e desejos que emergem agregados às abduções. A construção metodológica deste estudo se alicerça sobre duas vertentes. De um lado, a Teoria da Formatividade de Luigi Pareyson, a questão do litígio abordado no texto de M. Heidegger, "A Coisa"; a questão da abdução, originalmente de C. S. Peirce, por meio dos estudos de Sami Paavola e Lorenzo Magnani e por fim o emprego do conceito de fabulação de Lévi-Strauss. De outro lado, é um trabalho de poéticas que se alicerça sobre a fala, o testemunho e a reflexão em primeira pessoa de toda uma série de artistas, considerados fundamentais para o entendimento das questões que constituem e definem o fazer artístico. / The work considers the hypothesis of the sculpture as been constituted on the instauration of a litigation in the substance in operation of the coexistence of different visions and prospected interpretations, from one side in the mental and interpretative processes of the author, and from another side in the prospection of the substance in operation. For in such a way this study it establishes a set of basic concepts that will guide this inquiry and stimulate the prospection, such as the concept of desaffection, defamiliarization, interpretative abduction, fabulation, flow and resultant drift, developing strategies and procedures to deal with the ample specter that constitutes the making of sculpture while operating the substance and articulating the eruption of images, pulses and desires that emerge connected to abductions. The methodological construction of this study is based on two sources. From one side, the Theory of Formativity from Luigi Pareyson, the question of litigious as approached in the text of M. Heidegger, "the Thing"; the question of the abduction, originally from C.S. Peirce, by means of the studies of Sami Paavola and Lorenzo Magnani and finally the concept of fabulation from C. Lévi-Strauss. On another side, it is a practice-based study and it is grounded on the speech, the testimonials and the reflection in a series of artists, considered basic for the understanding of questions that constitute and define the art making.
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O corpo na poética de Nazareth Pacheco na década de 1990

PEREIRA, H. A. 14 May 2012 (has links)
Made available in DSpace on 2016-08-26T15:18:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_5661_Dissertação - PEREIRA, Hiáscara Alves.pdf: 8711213 bytes, checksum: 547f17b514866dfe687221a2c368b55f (MD5) Previous issue date: 2012-05-14 / RESUMO Esta dissertação tem como objeto de estudo a produção artística de Nazareth Pacheco (São Paulo - 1961). Investiga a questão do corpo em sua poética através da análise de algumas das séries que produziu principalmente na década de 1990. Utensílios médicos, receitas, frascos de medicamentos, anzóis, agulhas, lâminas de barbear, acrílico, miçangas, cristais, canutilhos, são alguns dos materiais inusitados utilizados pela paulistana para compor seu universo objetual. O corpo é o elemento temático que perpassa toda a sua produção. Pacheco tornou-se conhecida no último decênio do século XX, sobretudo, por produzir objetos que por convenção são destinados ao corpo humano agregando-lhes materiais cortantes ou perfurantes, para invalidar suas funções originais. A abordagem busca analisar as referências ao corpo na obra da artista, de modo a contribuir com novos elementos para uma maior compreensão de sua poética e ainda com os estudos recentes da história da arte brasileira. O presente estudo tem como base um corpus teórico que abrange as questões do corpo na arte contemporânea, a fortuna crítica e os depoimentos da autora dos referidos objetos de arte. Palavras-chave: Nazareth Pacheco. Arte contemporânea. Corpo.
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[pro]posições da narrativa na obra de Cildo Meireles

PINHEIRO, J. A. C. 28 May 2014 (has links)
Made available in DSpace on 2016-08-26T15:19:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_7747_Janayna_Araujo_Costa_Pinheiro_CildoMeireles.pdf: 20086799 bytes, checksum: d6320fa04179d47e95c546bfe1470dbc (MD5) Previous issue date: 2014-05-28 / Com a atenção nos escritos do artista, esta pesquisa se ocupou de investigar e analisar as narrativas recorrentes na produção do artista brasileiro Cildo Meireles. O artista diz ter a oralidade como suporte ideal para a obra de arte. Para a análise, escolhemos obras que se coadunassem com essa proposição, entre elas: Estudo para Espaço (1969), Espaços Virtuais: Cantos (1976-1977), Malhas da Liberdade (1976-1977) Inserções em Circuitos Ideológicos (1970), Eureka/Blindhotland (1970- 1975), Desvio para o Vermelho (1967-1984), Através (1983-1989), Missão/Missões (Como Construir Catedrais) (1987) e Elemento Desaparecendo/Elemento Desaparecido (2002). As histórias narradas ecoam em entrevistas e comentários de críticos, como um prolongamento de seu trabalho artístico, sem serem explicativas. Nessas narrativas, a linguagem poética é diversa e funciona como: instruções, biografia das obras, textos, desenhos-projetos, inserções, história-conceito. A complexa relação entre o texto e o objeto de arte subverte e articula formas alternativas entre o sensorial e o conceitual com elegância formal. Com potência própria, e também como elemento no conjunto da produção do artista, as narrativas são de natureza diferente e incluem desde literatura até experiências vividas, fatos históricos e sociais. Mostramos como essas narrativas se conectam com a obra, e buscamos elementos que delas emergem e se exprimem em um universo multissensorial.
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De espectador a fruidor coautor : diferentes relações na cena ao vivo contemporânea

Gusmão, Rita de Cassia Santos Buarque de 12 November 2014 (has links)
Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2014. / Submitted by Ana Cristina Barbosa da Silva (annabds@hotmail.com) on 2015-06-24T14:19:56Z No. of bitstreams: 1 2014_RitadeCassiaSantosBuarqueGusmao.pdf: 1332016 bytes, checksum: f6c4a1a73e6d872b98dc7ea895d2e496 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2015-06-24T14:46:54Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_RitadeCassiaSantosBuarqueGusmao.pdf: 1332016 bytes, checksum: f6c4a1a73e6d872b98dc7ea895d2e496 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-06-24T14:46:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_RitadeCassiaSantosBuarqueGusmao.pdf: 1332016 bytes, checksum: f6c4a1a73e6d872b98dc7ea895d2e496 (MD5) / A perspectiva da arte como produção de conhecimento associada ao desenvolvimento e ampliação da sensibilidade é aqui tratada do ponto de vista da arte cênica contemporânea. Processos criativos em coletivo e participação corporal do espectador são os elementos estruturais para analisar o contexto de fruição que se estabeleceu desde a instauração de uma estética relacional para a arte. Para o desenvolvimento desta reflexão, são visitadas as teatralidades contemporâneas nas suas propostas estéticas múltiplas. Para o desenvolvimento da análise, o conceito de “iteração” é central e serve de parâmetro para a proposição de um percurso de percepção e compreensão das relações entre manifestações artísticas e fruidores coautores. ____________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The prospect of art as knowledge production associated with the development and expansion of the sensitivity is here treated from he point of view of contemporary scenic art. Creative collective processes and body of the spectator participation are the structural elements to analyze the context of enjoyment that has settled since the introduction of relational aesthetics for art. For the development of this reflection, are visited the contemporary theatricality in its proposals multiple aesthetics. For the development of analysis, the concept of "iteration" is central and serves as a parameter to the proposition of a route of perception and understanding of the relationship between artistic manifestations and spectators co-authors.
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O processo de descoberta na escultura : a desafeição, fluxos, fabulações e deriva

Rocha, Luiz Antonio Carvalho da January 2009 (has links)
O trabalho considera a hipótese da escultura se constituir a partir da instauração de um litígio na matéria em operação pela coexistência de diferentes visões e interpretações prospectadas, de um lado nos processos mentais e interpretativos do autor, de outro lado na prospecção da matéria em operação. Para tanto este estudo estabelece o conjunto de conceitos básicos que nortearão a investigação e vão incentivar à prospecção, como o conceito de desafeição, de estranhamento, de abdução interpretativa, de fabulação, de fluxo e de deriva resultante, desenvolvendo estratégias e procedimentos para lidar com o amplo espectro que constitui o fazer escultórico ao operar a matéria e articular a irrupção de imagens, pulsões e desejos que emergem agregados às abduções. A construção metodológica deste estudo se alicerça sobre duas vertentes. De um lado, a Teoria da Formatividade de Luigi Pareyson, a questão do litígio abordado no texto de M. Heidegger, "A Coisa"; a questão da abdução, originalmente de C. S. Peirce, por meio dos estudos de Sami Paavola e Lorenzo Magnani e por fim o emprego do conceito de fabulação de Lévi-Strauss. De outro lado, é um trabalho de poéticas que se alicerça sobre a fala, o testemunho e a reflexão em primeira pessoa de toda uma série de artistas, considerados fundamentais para o entendimento das questões que constituem e definem o fazer artístico. / The work considers the hypothesis of the sculpture as been constituted on the instauration of a litigation in the substance in operation of the coexistence of different visions and prospected interpretations, from one side in the mental and interpretative processes of the author, and from another side in the prospection of the substance in operation. For in such a way this study it establishes a set of basic concepts that will guide this inquiry and stimulate the prospection, such as the concept of desaffection, defamiliarization, interpretative abduction, fabulation, flow and resultant drift, developing strategies and procedures to deal with the ample specter that constitutes the making of sculpture while operating the substance and articulating the eruption of images, pulses and desires that emerge connected to abductions. The methodological construction of this study is based on two sources. From one side, the Theory of Formativity from Luigi Pareyson, the question of litigious as approached in the text of M. Heidegger, "the Thing"; the question of the abduction, originally from C.S. Peirce, by means of the studies of Sami Paavola and Lorenzo Magnani and finally the concept of fabulation from C. Lévi-Strauss. On another side, it is a practice-based study and it is grounded on the speech, the testimonials and the reflection in a series of artists, considered basic for the understanding of questions that constitute and define the art making.
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Museus utópicos : curadorias poéticas

Regiani, Atila Ribeiro de Sousa 02 June 2017 (has links)
Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2017. / Submitted by Raiane Silva (raianesilva@bce.unb.br) on 2017-07-19T17:24:20Z No. of bitstreams: 1 2017_AtilaRibeirodeSousaRegiani.pdf: 6735728 bytes, checksum: 2bd48d93e9de4ff53940a155071817b1 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2017-09-06T22:08:11Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_AtilaRibeirodeSousaRegiani.pdf: 6735728 bytes, checksum: 2bd48d93e9de4ff53940a155071817b1 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-06T22:08:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_AtilaRibeirodeSousaRegiani.pdf: 6735728 bytes, checksum: 2bd48d93e9de4ff53940a155071817b1 (MD5) Previous issue date: 2017-09-06 / Esta tese discute a curadoria e os museus a partir da obra de arte contemporânea. No primeiro capítulo, aborda o tema do Arquivo, sob a égide do pensamento do filósofo francês Michel Foucault (1926 - 1984): “o sistema que governa a aparição das enunciações”. A partir da abordagem desconstrutiva do Arquivo, via Jacques Derrida (1930 - 2004), e a proposição de arquivos desconstruidos pela incorporação dos processos de montagem presentes na pesquisa de Benjamin e Warburg. O segundo capítulo discute a incapacidade do museu de assimilar completamente a obra de arte contemporânea decorrente, sobretudo, dos sistemas de catalogação e conservação que se originaram no século XIX. A sistematização, a conservação e a determinação da autoria são dados que amparam a compreensão da obra e se tornam um problema estrutural para sua assimilação pelo museu nas experiencias mais radicais da arte no século XX e XXI. O terceiro capítulo discute os museus de artista, museus experimentais e as possibilidades de reinvenção do museu. Para tanto, traz uma análise do Museu Imaginário (1947) de André Malraux (1901-1976), a Caixa-Valise (1935 - 1941) de Marcel Duchamp (1887 - 1968), o projeto LiMAC (2002) da artista peruana Sandra Gamarra (1972 – ), curadorias experimentais das décadas de 1960 e 70 e curadorias contemporâneas que se aproximam dos processos artísticos, como Do It (1993), Do Corpo a Terra (1970) e Quando Atitudes se Tornam Forma (1969). Tanto a curadoria quanto os museus são pensados pelos seus espaços de crise, de exceção e conflito. Propoe-se, assim, que a curadoria possa entendida pelos processos artísticos, como um rearranjo de suas estruturas pela obra que organiza. Apresentam-se, portanto, como a possibilidade utópica de reinvenção do museu, apontando para sua reestruturação a partir de outros parâmetros. / This thesis discusses curatorship and museums having contemporary work of art as the starting point. In the first chapter, it deals with the theme of the Archive, under the auspices of the thought of the French philosopher Michel Foucault (1926 - 1984): "the system that governs the appearance of statements." From the deconstructive approach of the Archive, by Jacques Derrida (1930 - 2004), and the proposition of deconstructed archives by the incorporation of the assembly processes present in the Benjamin and Warburg research. The second chapter discusses the inability of the museum to fully assimilate the work of contemporary art stemming mostly from the systems of cataloging and conservation that originated in the nineteenth century. The systematization, conservation and determination of authorship are data that support the understanding of the work of art and become a structural problem for its assimilation by the museum in the most radical experiences of art in the XX and XXI century. The third chapter discusses Artist's museums, experimental museums and the possibilities of reinvention of the museum. To that end, the text presents an analysis of the Museum Without Walls (1947) by André Malraux (1901-1976), Marcel Duchamp's Box in a Valise (1935-1941) (1887-1968), the Peruvian artist Sandra Gamarra (1972) project, LIMAC. Experimental curators of the 1960s and 1970s, and contemporary curators who approach art processes such as Do It (1993), Do Corpo à Terra (1970) and When Attitudes Become Form (1969). Both the curatorship and the museums are thought as spaces of crisis, of exception and conflict. It is thus proposed that curatorship can be understood by artistic processes, as a rearrangement of their structures by the work they organize. They are presented, therefore, as the utopian possibility of reinventing the museum, pointing to its restructuring from other parameters.
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A-ninhos : a tessitura de um espaço topológico

Bornéo, Josiane January 2005 (has links)
Esta pesquisa envolve a análise de um processo construtivo que resulta em dez objetos-ninho que compõem a série denominada “Aninhos”. O texto, integrado à tessitura do trabalho, investiga vestígios, motivações e influências na feitura do mesmo, o que o torna repleto de referências pessoais, culturais e históricas. E isto através do “olhar transpositivo” um olhar especial, reflexivo, distanciado, que resgata a trajetória dessa poiética, onde são alinhavados temas tais como o desenvolvimento do processo simbólico (Cassirer), visto pela teoria da constituição de linguagem, tratada por Lacan; as conecções com o espaço social, através das teorias de Leroi-Gourhan e de Arnau Puig; as conecções com o espaço perceptivo, através da leitura de Merlot-Ponty, Arnhein e Pareyson; as vertentes históricas tratadas por Argan e Calabrese; e um código imagético, recuperado por vertentes simbólicas (mitológicas e literárias). Associados ao processo construtivo dos objetos-ninho, todos esses assuntos revelam-se em um espaço de características neobarrocas, que nomeio espaço topológico, baseada em uma definição de Arnau Puig. Um espaço que é o objetivo deste processo e pertence tanto ao plano físico como ao imaginário; que se instaura a partir do processo de comunicação e que, contentor da dinâmica que movimenta a obra, possibilita intersecções, através de gestos e reflexões, entre obra-artista-contexto-espectador.
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Paisagem cambiante : ensaio para um balé das coisas

Sotomayor, Yana Tamayo January 2014 (has links)
Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes Visuais, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2014. / Submitted by Andrielle Gomes (andriellemacedo@bce.unb.br) on 2015-07-03T16:53:54Z No. of bitstreams: 1 2014_YanaTamayoSotomayor.pdf: 39764134 bytes, checksum: 4539c976cd5098fb31cb2ab2490b18d4 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2015-07-16T12:53:19Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_YanaTamayoSotomayor.pdf: 39764134 bytes, checksum: 4539c976cd5098fb31cb2ab2490b18d4 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-07-16T12:53:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_YanaTamayoSotomayor.pdf: 39764134 bytes, checksum: 4539c976cd5098fb31cb2ab2490b18d4 (MD5) / Há mais de cinco séculos a cidade surgiu na arte como personagem da representação, abrindo espaço para que também a natureza fosse um elemento digno de ser contemplado, em separado da divindade. Esta investigação observa a vida urbana como objeto do olhar e acompanha o desenvolvimento da sociedade do progresso racional no Ocidente como uma trajetória marcada pela verticalização e ruína do instrumental que a caracterizou. A partir de uma reflexão sobre a condição material da arte e da imagem de um sujeito moderno em constante queda, buscamos criar mecanismos poéticos de fuga de um sublime entrópico que engendra há algum tempo a produção de imagens. Com o questionamento sobre a disseminação de imagens de ruína na arte contemporânea, observamos o processo de fragmentação das estruturas mitológicas do progresso por meio do estatuto da arquitetura e do modelo de crescimento capitalista das cidades. A arte, entendida como possibilidade de romper com as estruturas normativas da realidade através da linguagem, opera no presente trabalho como gesto utópico capaz de catalisar processos críticos de ruptura com os discursos dominantes do conformismo que caracterizam a imaginação sobre o presente e possíveis futuros. ______________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / For over five centuries, the city has emerged in art as a character of representation, making room for nature as an element worth of being contemplated separately from divinity. This research looks at the urban life as an ob¬ject of the gaze, and follows the development of a rational progress society in the West as a trajectory marked by verticalization and by the ruin of the instruments that are characteristics of this society. Based on a reflection about the material condition of art and about the image of a modern subject in constant fall, we seek to create poetic me¬chanisms of escape from an entropic sublime that engenders the production of images since a while ago. By ques¬tioning the spread of ruin images in contemporary art, we observed the process of fragmentation of mythological structures of progress through the architecture status and the capitalist growth model of cities. Art, understood as a possibility to break the normative structures of reality through language, operates in this work as a utopian gesture capable of catalyzing critical processes of rupture with the dominant discourses of conformity featuring the imagination about the present and possible futures.

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