Os textos aqui reunidos foram escritos ao longo dos últimos cinco anos. Na sua maioria, são pequenos ensaios sobre pintura e pintores, geralmente publicados em jornais, revistas e catálogos. Muitos deles foram escritos a pedido de editores, redigidos para comunicações em seminários ou para acompanhar exposição de minha curadoria. Essas circunstâncias, acredito, ajudaram a criar o estímulo necessário à sua elaboração, que foi, a cada vez, um desafio a ser vencido. Estou certo também de que, a despeito dessa demanda externa, os temas e questões de que esses textos tratam, não se distanciam daquilo que constitui minha área de interesse, dentro do vasto universo da arte e da pintura. Esses escritos constituem a parte principal dessa dissertação. Exceto por dois textos, o primeiro, \"Dentro e fora da pintura\", no qual busco contar uma espécie de história informal do meu trabalho por meio dos seus temas, e o segundo, \"Porque desenho\", onde procuro estabelecer a relação entre meu trabalho em pintura e em desenho, evitei falar de mim de maneira mais extensa e demorada, tendo em vista as dificuldades habituais que o artista plástico enfrenta ao tentar acercar-se de sua própria produção. Como se sabe, a pesquisa artística segue caminhos diferentes da pesquisa acadêmica. Traçando rumos mais imprevisíveis, buscando seu sentido em algo ainda não de todo constituído, num incessante vir a ser, ela é diferente das pesquisas cujo campo de ação pode ser determinado de antemão e cuja margem de desvio é muito mais controlada, fatores que as tornam também mais facilmente comunicáveis. Uma das maneiras que encontrei para completar esse conjunto de textos, - também como uma forma de abordar melhor meu trabalho -, foi a de incluir, como anexo, quatro entrevistas que pude dar ao longo de vários anos, o que acabou por perfazer, acredito, um arco temporal que permite ao leitor identificar as mudanças e deslocamentos tanto do meu processo pictórico quanto do meu modo de compreendê-lo. Essas entrevistas também já foram publicadas, seja em jornal, revistas ou livro, seja acompanhando uma exposição dos meus trabalhos. Acredito que a forma da entrevista tenha tornado mais fácil, para mim, a aproximação do meu próprio trabalho. Sinto-me menos constrangido com ela, tal como ocorre quando escrevo sobre a produção de outro artista. Acredito, também, que a parte mais significativa do que apresento, seja o meu próprio trabalho prático. É ele, na verdade, que move o conjunto do que faço e penso, assim como é ele que talvez lhe possa conferir um sentido.

Os textos aqui reunidos foram escritos ao longo dos últimos cinco anos. Na sua maioria, são pequenos ensaios sobre pintura e pintores, geralmente publicados em jornais, revistas e catálogos. Muitos deles foram escritos a pedido de editores, redigidos para comunicações em seminários ou para acompanhar exposição de minha curadoria. Essas circunstâncias, acredito, ajudaram a criar o estímulo necessário à sua elaboração, que foi, a cada vez, um desafio a ser vencido. Estou certo também de que, a despeito dessa demanda externa, os temas e questões de que esses textos tratam, não se distanciam daquilo que constitui minha área de interesse, dentro do vasto universo da arte e da pintura. Esses escritos constituem a parte principal dessa dissertação. Exceto por dois textos, o primeiro, \"Dentro e fora da pintura\", no qual busco contar uma espécie de história informal do meu trabalho por meio dos seus temas, e o segundo, \"Porque desenho\", onde procuro estabelecer a relação entre meu trabalho em pintura e em desenho, evitei falar de mim de maneira mais extensa e demorada, tendo em vista as dificuldades habituais que o artista plástico enfrenta ao tentar acercar-se de sua própria produção. Como se sabe, a pesquisa artística segue caminhos diferentes da pesquisa acadêmica. Traçando rumos mais imprevisíveis, buscando seu sentido em algo ainda não de todo constituído, num incessante vir a ser, ela é diferente das pesquisas cujo campo de ação pode ser determinado de antemão e cuja margem de desvio é muito mais controlada, fatores que as tornam também mais facilmente comunicáveis. Uma das maneiras que encontrei para completar esse conjunto de textos, - também como uma forma de abordar melhor meu trabalho -, foi a de incluir, como anexo, quatro entrevistas que pude dar ao longo de vários anos, o que acabou por perfazer, acredito, um arco temporal que permite ao leitor identificar as mudanças e deslocamentos tanto do meu processo pictórico quanto do meu modo de compreendê-lo. Essas entrevistas também já foram publicadas, seja em jornal, revistas ou livro, seja acompanhando uma exposição dos meus trabalhos. Acredito que a forma da entrevista tenha tornado mais fácil, para mim, a aproximação do meu próprio trabalho. Sinto-me menos constrangido com ela, tal como ocorre quando escrevo sobre a produção de outro artista. Acredito, também, que a parte mais significativa do que apresento, seja o meu próprio trabalho prático. É ele, na verdade, que move o conjunto do que faço e penso, assim como é ele que talvez lhe possa conferir um sentido.

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Esta proposta de abordagem metodológica de movimento é tributária dos campos da dança, da educação somática, da técnica de Pilates e da Pedagogia da Autonomia, de Paulo Freire. O desenvolvimento do texto passa pela descrição de três espetáculos de minha autoria: Ideias de Teto (2002), Estudo para Lesma (2006) e Deslimites (2007), assim como pela análise do trabalho de três artistas não pertencentes à área da dança: M. C. Escher, desenhista holandês (1898-1972); Arnaldo Antunes, músico, compositor, artista visual e poeta brasileiro contemporâneo (1960- ); e Manoel de Barros, poeta brasileiro (1916- ). A partir da descrição e análise dos procedimentos criativos apreendidos das obras, levanto características de uma Poética de Instabilidade. A instabilidade, aqui, nomeia o conjunto de estratégias de deslocamentos de sentidos físicos e simbólicos utilizados pelos artistas em suas criações. Defendo, a partir das experiências artísticas descritas e analisadas, a instabilidade como fator criativo e reorganizador da percepção sensório-motora e discuto as relações entre propriocepção e imaginário. Encaminhando a discussão, apresento a Flymoon®, invenção minha, que nomeia tanto o equipamento de exercícios gerador de instabilidade, quanto o repertório de movimentos desenvolvidos para o seu uso. No meu trabalho, essa indissociável vinculação entre equipamento e repertório cria os marcos da instabilidade e da transdisciplinaridade, deixando explícitos os trânsitos entre criação artística e criação técnica a partir da sua existência material e suas diversas aplicações. Discuto aplicações diversas ao uso da palavra ‘técnica’ e apresento os entendimentos propostos aqui, em cada situação. Proponho uma reflexão sobre os modelos pedagógicos de ensino de movimento que desconsideram a implicação da criatividade no bem estar e na emancipação pessoal, a partir de Durand, Bachelard e Winnicott. Considero ainda as consequências de contextos sócio- filosófico-culturais que insistentemente fragmentaram a visão do homem sobre si mesmo e sobre o mundo em categorias e especializações, que excluíram dos seus campos questões vinculadas ao imaginário, à criatividade, ao sonho e à fantasia. Discuto as implicações políticas e prejuízos dessa fragmentação às diversas áreas que tem no movimento humano a sua atuação e, necessariamente, demandam competências inter-relacionais do Profissional de Movimento. E, finalmente, a partir do reconhecimento de elementos de uma Poética de Instabilidade afinados com a Pedagogia da Autonomia (FREIRE), descrevo um conjunto de práticas provisórias que são o ponto de partida para o desenvolvimento do que se insinua como uma nova prática corporal, que chamo de Instabilidade Poética. / ABSTRACT This Dissertation aims to offer a provisional synthesis for the artistic-pedagogical movement practice I have developed and named Poetic Instability. The Movement Methodological Approach here proposed owes to the fields of Dance, Somatic Education, Pilates technique and Paulo Freire’s Pedagogy of Autonomy. The development of the text goes through the description of three performances of my own authorship: Ideias de Teto (2002), Estudo para Lesma (2006) e Deslimites (2007), as well as the analysis of the work by three artists from other fields of the Arts: the Dutch designer, M. C. Escher (1898-1972); the Brazilian contemporary composer, musician, visual artist, and poet, Arnaldo Antunes, (1960- ); and the Brazilian poet, Manoel de Barros (1916- ). From the description and analysis of the creative procedures I withdrew the features of what I call the Poetics of Instability. Instability here denotes the set of strategies of physical and symbolic displacement employed by myself and the chosen artists here included in their creative processes. I propose, on the basis of the described and analyzed experiences, the instability as a creative and reorganizing factor of the sensory-motor perception, while discussing the relationship between proprioception and the imaginary domain. Following this discussion, I present the Flymoon®, which nominates not only the equipment of generating instability that I created, as well as the repertoire of movements developed for its use. In my work, this inseparable link creates the landmarks of instability and of transdisciplinarity, showing the transit between artistic and technical creation. Some senses of the term technique are discussed to clarify their proper meaning in every situation. I propose, after Durand, Bachelard, and Winnicott, a reflection of pedagogical models of teaching movement, which disregard the implication of creativity in the benefit of welfare and personal emancipation. I also consider the consequences of socio-philosophical- cultural contexts which insistently fragment man’s vision of himself and of the world in categories and specialization areas from which issues relating to imagination, creativity, dream, and fantasy are excluded. The political implications and failures caused by this fragmentation in different areas which act on human movement, raising inter-relational competences of those professionals who work with movements, are, as well, discussed. Finally, aligning elements of the Poetics of Instability with the Pedagogy of Autonomy as proposed by Freire, I describe a set of alternative practices which are the starting point for the development of what could be seen as a new approach to corporal practices, which I have named here of Poetic Instability.

Este trabalho tem por objetivo contribuir para a reflexão sobre questões e desafios com que se defrontam aqueles que lidam com o ensino de arte no espaço escolar e também aqueles que trabalham com a formação de professores de Arte. Quando se distancia dos motivos que o levaram a escolher a docência como campo de atuação, o professor de Arte vive uma crise de sentido da profissão, que se revela tanto em suas ações como em suas concepções sobre o ensino-aprendizagem da arte. A hipótese central do trabalho é de que o encontro de sentidos para a profissão equivale à conquista de uma atitude crítica, reflexiva e inventiva no exercício da docência e, ainda, de que essa atitude pode ser favorecida pela aproximação do professor com o fenômeno artístico. São apresentados e discutidos os resultados de uma iniciativa desenvolvida com alunas do Curso de Especialização em Arte-Educação da Escola de Comunicações e Artes da USP, de 1997, quando a autora também o freqüentava, e de um projeto desenvolvido com professores de Arte de escolas municipais da região leste de São Paulo, durante o ano de 1999. O material de estudo é constituído de produções escritas e visuais dos sujeitos, bem como de relatos autobiográficos que tiveram como foco a formação pessoal nos campos da arte e da educação. As iniciativas desenvolvidas com os professores são discutidas à luz das contribuições advindas da história de vida como método de investigação e de formação de adultos, bem como dos estudos sobre a inteligência criadora, cuja principal manifestação é a capacidade humana de forjar projetos. O trabalho ajuda a dimensionar as possibilidades de atuação em uma modalidade de formação docente que, apesar das pesquisas em ritmo crescente, necessita de muitas outras investigações a respeito da interdependência entre os princípios norteadores para o ensino de arte no espaço escolar e as condições objetivas e subjetivas que favorecem ou dificultam o pleno exercício do arte-educador. / This paper objective is to contribute for the reflection about questions and challenges that those who lead with the teaching of Arts in the school space, and also those who work with the formation of Arts teachers face with. When the teacher sets apart from the motif that led him/her to choose teaching as his/her acting field, the Arts teacher faces crisis about the profession sense, that is reveled, both in his/her actions and in his/her conception about the teaching-learning process of Arts. The central hypothesis of the work is that the encounter of senses for the profession is the same as the conquest of a critica, reflexive and creative attitude in the practice of teaching, and, therefore, that this attitude can be favored by the approximation of the teacher and the artistic phenomenon. The results, herein presented and discussed, are part of a project developed by the students of the Especialization course in Arts-Education from Escola de Comunicação e Artes da USP, from 1997, when the author also took part of it, and from a project developed with Arts teachers from public schools of the East region of São Paulo, during the year of 1999. The study material is constituted of written and visual production of man/woman, as well as, autobiographic reports that had as focus the professional formation in Arts and Education fields. The initiative developed with the teachers are discussed by the light of contributions that came from life history as means of investigation and formation of adults, as well as studies about creative intelligence, whose main manifestation is the human capacity of forging projects. The work helps to give dimensions for the possibilities of acting in a kind of teaching formation, that, in spite of the increasing rythm of researches, needs much more investigation, regarding the interdependence between the base principles for the teaching of Arts in the school space, and the objective and subjective conditions that benefit or complicate the complete practice of the Arts teacher.

Este trabalho tem por objetivo contribuir para a reflexão sobre questões e desafios com que se defrontam aqueles que lidam com o ensino de arte no espaço escolar e também aqueles que trabalham com a formação de professores de Arte. Quando se distancia dos motivos que o levaram a escolher a docência como campo de atuação, o professor de Arte vive uma crise de sentido da profissão, que se revela tanto em suas ações como em suas concepções sobre o ensino-aprendizagem da arte. A hipótese central do trabalho é de que o encontro de sentidos para a profissão equivale à conquista de uma atitude crítica, reflexiva e inventiva no exercício da docência e, ainda, de que essa atitude pode ser favorecida pela aproximação do professor com o fenômeno artístico. São apresentados e discutidos os resultados de uma iniciativa desenvolvida com alunas do Curso de Especialização em Arte-Educação da Escola de Comunicações e Artes da USP, de 1997, quando a autora também o freqüentava, e de um projeto desenvolvido com professores de Arte de escolas municipais da região leste de São Paulo, durante o ano de 1999. O material de estudo é constituído de produções escritas e visuais dos sujeitos, bem como de relatos autobiográficos que tiveram como foco a formação pessoal nos campos da arte e da educação. As iniciativas desenvolvidas com os professores são discutidas à luz das contribuições advindas da história de vida como método de investigação e de formação de adultos, bem como dos estudos sobre a inteligência criadora, cuja principal manifestação é a capacidade humana de forjar projetos. O trabalho ajuda a dimensionar as possibilidades de atuação em uma modalidade de formação docente que, apesar das pesquisas em ritmo crescente, necessita de muitas outras investigações a respeito da interdependência entre os princípios norteadores para o ensino de arte no espaço escolar e as condições objetivas e subjetivas que favorecem ou dificultam o pleno exercício do arte-educador. / This paper objective is to contribute for the reflection about questions and challenges that those who lead with the teaching of Arts in the school space, and also those who work with the formation of Arts teachers face with. When the teacher sets apart from the motif that led him/her to choose teaching as his/her acting field, the Arts teacher faces crisis about the profession sense, that is reveled, both in his/her actions and in his/her conception about the teaching-learning process of Arts. The central hypothesis of the work is that the encounter of senses for the profession is the same as the conquest of a critica, reflexive and creative attitude in the practice of teaching, and, therefore, that this attitude can be favored by the approximation of the teacher and the artistic phenomenon. The results, herein presented and discussed, are part of a project developed by the students of the Especialization course in Arts-Education from Escola de Comunicação e Artes da USP, from 1997, when the author also took part of it, and from a project developed with Arts teachers from public schools of the East region of São Paulo, during the year of 1999. The study material is constituted of written and visual production of man/woman, as well as, autobiographic reports that had as focus the professional formation in Arts and Education fields. The initiative developed with the teachers are discussed by the light of contributions that came from life history as means of investigation and formation of adults, as well as studies about creative intelligence, whose main manifestation is the human capacity of forging projects. The work helps to give dimensions for the possibilities of acting in a kind of teaching formation, that, in spite of the increasing rythm of researches, needs much more investigation, regarding the interdependence between the base principles for the teaching of Arts in the school space, and the objective and subjective conditions that benefit or complicate the complete practice of the Arts teacher.

Esta pesquisa discute as relações entre o processo ensino-aprendizagem artesanal da cerâmica e a formação inicial de professores de arte, com base em contribuições advindas da perspectiva reflexiva na formação docente, entre as quais, a epistemologia da prática baseada na reflexão-na-ação, de Schön, a proposta de reflexão coletiva em comunidades de aprendizagem, de Zeichner, e a idéia de prática educativa como processo hipotético e experimental, de Stenhouse. Foram investigados os modos de produção e transmissão de conhecimentos de Isabel Mendes da Cunha e Shoko Suzuki, artistas ceramistas vinculadas, cada qual, a um universo tradicional, com enfoque nos valores e elementos metodológicos do processo ensino-aprendizagem por elas conduzido; no papel exercido pelos meios físico, social e cultural em suas produções; na relação que estabelecem com a educação formal e na preservação e renovação de técnicas, materiais, procedimentos e padrões estéticos ao longo de gerações. A aprendizagem artesanal envolve princípios e valores éticos e humanos que ultrapassam não somente a produção em larga escala da sociedade industrial, mas também a reiteração de técnicas e procedimentos didáticos e artísticos ainda muito observados nas propostas de ensino-aprendizagem da arte desenvolvidas no espaço escolar, revelando elementos fundamentais para o reencontro da dimensão humana da arte-educação. Permeada pelo fazer conjunto e o diálogo, a condução da aprendizagem de um ofício tradicional por um mestre-artesão é capaz de desencadear a práxis criadora nos aprendizes, que, além de sentirem satisfação com o trabalho, também passam a desenvolver um processo produtivo próprio, em que a experimentação dirigida à busca de novas possibilidades construtivas e ao encontro de um caminho poético particular convive harmoniosamente com a preservação de saberes fundamentais transmitidos de geração a geração. Com o desenvolvimento de um processo formativo teórico-prático com alunos do curso de licenciatura em artes visuais de uma instituição particular de ensino superior do município de São Paulo, foram investigadas as possibilidades da parte da formação destinada à prática, especialmente, a prática de ensino e o estágio supervisionado, contribuir para a instauração da práxis criadora de futuros professores de arte. O processo voltou-se para a ampliação da consciência do papel social, capacidade criadora e grau de comprometimento do futuro professor com as obras da arte e da educação, incluindo elementos observados no universo da aprendizagem artesanal, em especial o diálogo, a experimentação e o fazer conjunto, aos quais se acrescentou um outro elemento, qual seja a pesquisa-ação, impulsionada pelas características e necessidades apresentadas por alunos de ensino fundamental e médio de uma escola pública estadual. / The present research analyses the relations between the teachinglearning process of hand-made ceramics and the initial development of art teachers, based on the contributions derived from the reflective perpspective in teacher\'s development, such as the epistemology of practice based on reflectionin-action, by Schön, collective reflection in learning communities, by Zeichner, and the idea of educative practice as an experimental and hypothetical process, by Stenhouse. Two ceramic artists, namely Isabel Mendes da Cunha and Shoko Suzuki, had their production mode as well as knowledge transmission investigated, bearing in mind that both artists, each one connected to a specific traditional universe, focus on methodological values and components of the teaching-learning process they are in charge of. Such artists are also concerned not only with the role of the physical, social and cultural environment in their productions but also with the relations established between the latter and formal education as well as the preservation and renovation of techniques, materials, procedures and aesthetic patterns along generations. Knowledge derived from the building of hand-made artifacts encompasses ethical and humanistic principles and values that transcend not only large scale production, typical of the industrial society, but also the reiteration of techniques as well as didatic and artistic procedures, still present in the art teaching-learning proposals developed within the school environment, thus revealing essential elements in the finding of the humanistic dimension underlying art-education. Permeated by team production and dialogue, the direction of traditional workmanship learning processes by a master artisan is capable of unleashing creative praxis in the aprentices who, added to a job satisfaction feeling, will also develop productive procedures of their own. In such processes, experimentation, directed both at seeking new constructive possibilities and encountering an individual poetical path, cohabit harmoniously with the preservation of essential knowledges passed on from one generation to another. Bearing in mind the development of a theoretical and practical formative process involving students of the visual art teachers\' course from a private university institution in the city of São Paulo, the possibillities of the formative components of the course directed at practice - namely the teaching practice as well as the supervisioned probation period - were investigated to confirm whether they might contribute to the establishment of a creative praxis among prospective art teachers. The process aimed at conscience raising as regards the social role, creative competence and the involvement of future teachers in relation to works of art and education, including components observed in the hand-made learning environment, such as dialogue, experimentation, team work and artistic practice. Impelled by the features and needs presented by elementary as well as high school students from a government run school, an additional ingredient was added to the process, namely action research.

Esta pesquisa discute as relações entre o processo ensino-aprendizagem artesanal da cerâmica e a formação inicial de professores de arte, com base em contribuições advindas da perspectiva reflexiva na formação docente, entre as quais, a epistemologia da prática baseada na reflexão-na-ação, de Schön, a proposta de reflexão coletiva em comunidades de aprendizagem, de Zeichner, e a idéia de prática educativa como processo hipotético e experimental, de Stenhouse. Foram investigados os modos de produção e transmissão de conhecimentos de Isabel Mendes da Cunha e Shoko Suzuki, artistas ceramistas vinculadas, cada qual, a um universo tradicional, com enfoque nos valores e elementos metodológicos do processo ensino-aprendizagem por elas conduzido; no papel exercido pelos meios físico, social e cultural em suas produções; na relação que estabelecem com a educação formal e na preservação e renovação de técnicas, materiais, procedimentos e padrões estéticos ao longo de gerações. A aprendizagem artesanal envolve princípios e valores éticos e humanos que ultrapassam não somente a produção em larga escala da sociedade industrial, mas também a reiteração de técnicas e procedimentos didáticos e artísticos ainda muito observados nas propostas de ensino-aprendizagem da arte desenvolvidas no espaço escolar, revelando elementos fundamentais para o reencontro da dimensão humana da arte-educação. Permeada pelo fazer conjunto e o diálogo, a condução da aprendizagem de um ofício tradicional por um mestre-artesão é capaz de desencadear a práxis criadora nos aprendizes, que, além de sentirem satisfação com o trabalho, também passam a desenvolver um processo produtivo próprio, em que a experimentação dirigida à busca de novas possibilidades construtivas e ao encontro de um caminho poético particular convive harmoniosamente com a preservação de saberes fundamentais transmitidos de geração a geração. Com o desenvolvimento de um processo formativo teórico-prático com alunos do curso de licenciatura em artes visuais de uma instituição particular de ensino superior do município de São Paulo, foram investigadas as possibilidades da parte da formação destinada à prática, especialmente, a prática de ensino e o estágio supervisionado, contribuir para a instauração da práxis criadora de futuros professores de arte. O processo voltou-se para a ampliação da consciência do papel social, capacidade criadora e grau de comprometimento do futuro professor com as obras da arte e da educação, incluindo elementos observados no universo da aprendizagem artesanal, em especial o diálogo, a experimentação e o fazer conjunto, aos quais se acrescentou um outro elemento, qual seja a pesquisa-ação, impulsionada pelas características e necessidades apresentadas por alunos de ensino fundamental e médio de uma escola pública estadual. / The present research analyses the relations between the teachinglearning process of hand-made ceramics and the initial development of art teachers, based on the contributions derived from the reflective perpspective in teacher\'s development, such as the epistemology of practice based on reflectionin-action, by Schön, collective reflection in learning communities, by Zeichner, and the idea of educative practice as an experimental and hypothetical process, by Stenhouse. Two ceramic artists, namely Isabel Mendes da Cunha and Shoko Suzuki, had their production mode as well as knowledge transmission investigated, bearing in mind that both artists, each one connected to a specific traditional universe, focus on methodological values and components of the teaching-learning process they are in charge of. Such artists are also concerned not only with the role of the physical, social and cultural environment in their productions but also with the relations established between the latter and formal education as well as the preservation and renovation of techniques, materials, procedures and aesthetic patterns along generations. Knowledge derived from the building of hand-made artifacts encompasses ethical and humanistic principles and values that transcend not only large scale production, typical of the industrial society, but also the reiteration of techniques as well as didatic and artistic procedures, still present in the art teaching-learning proposals developed within the school environment, thus revealing essential elements in the finding of the humanistic dimension underlying art-education. Permeated by team production and dialogue, the direction of traditional workmanship learning processes by a master artisan is capable of unleashing creative praxis in the aprentices who, added to a job satisfaction feeling, will also develop productive procedures of their own. In such processes, experimentation, directed both at seeking new constructive possibilities and encountering an individual poetical path, cohabit harmoniously with the preservation of essential knowledges passed on from one generation to another. Bearing in mind the development of a theoretical and practical formative process involving students of the visual art teachers\' course from a private university institution in the city of São Paulo, the possibillities of the formative components of the course directed at practice - namely the teaching practice as well as the supervisioned probation period - were investigated to confirm whether they might contribute to the establishment of a creative praxis among prospective art teachers. The process aimed at conscience raising as regards the social role, creative competence and the involvement of future teachers in relation to works of art and education, including components observed in the hand-made learning environment, such as dialogue, experimentation, team work and artistic practice. Impelled by the features and needs presented by elementary as well as high school students from a government run school, an additional ingredient was added to the process, namely action research.