O presente texto tem como principal objetivo apresentar uma investigação provocada a partir da escrita e reedição do livro 2013, da produção de um novo livro, intitulado 2015 e da preparação do material para um terceiro volume, chamado 2017. Teremos, dessa forma, a problematização de uma serialização indeterminada de publicações contaminadas pelo cotidiano e pela autobiografia chamada Presente Contínuo. Como fonte de pesquisa artística serão investigadas – através da análise da imagem/texto e seus modos flexíveis de intenção – algumas estratégias poéticas já empregadas por diferentes artistas, como Stephane Mallarmè, Edward Ruscha, Jonathan Safran Foer, Georges Perec, John Cage, Luiz Ruffato e Augustín Fernández Mallo. Para aprofundar o arcabouço teórico, foram convocados os escritos de autores que problematizam o cotidiano, a escrita de si, o impulso arquivista e a autoficção, como Maurice Blanchot, Agnes Heller, Philipe Lejeune, Roland Barthes, Jacques Derrida, Judith Butler e Henry Lefebvre. Finalmente, a partir do processo poético envolvido quando operamos elementos cotidianos, autoficcionais e arquivistas para criar narrativas verbo-visuais não-lineares na forma de livros, serão discutidos aspectos do artista como editor, do artista como curador e do artista como pesquisador. / The main aim of this text is to present an investigation provoked from the writing and reissue of the book 2013, from a new book production entitled 2015 and the material preparation for a third volume, called 2017. In this way, we will have the problematization of an undetermined serialization of publications contaminated by daily life and by the autobiography called Present Continuous. As a source of artistic research will be investigated – through image/text analysis and their flexible modes of intention - some poetic strategies already employed by different artists, such as Stephane Mallarmè, Edward Ruscha, Jonathan Safran Foer, Georges Perec, John Cage, Luiz Ruffato and Augustín Fernández Mallo. In order to deepen the theoretical framework, the writings of authors who problematize daily life, the writing itself, archival impulse and autofiction, such as Maurice Blanchot, Agnes Heller, Philipe Lejeune, Roland Barthes, Jacques Derrida, Judith Butler, and Henry Lefebvre were summoned. Finally, from the poetic process involved when we operate everyday, autofictional and archival elements to create nonlinear verbo-visual narratives in the form of books, we will discuss aspects of the artist as editor, the artist as curator and the artist as a researcher.

O presente texto tem como principal objetivo apresentar uma investigação provocada a partir da escrita e reedição do livro 2013, da produção de um novo livro, intitulado 2015 e da preparação do material para um terceiro volume, chamado 2017. Teremos, dessa forma, a problematização de uma serialização indeterminada de publicações contaminadas pelo cotidiano e pela autobiografia chamada Presente Contínuo. Como fonte de pesquisa artística serão investigadas – através da análise da imagem/texto e seus modos flexíveis de intenção – algumas estratégias poéticas já empregadas por diferentes artistas, como Stephane Mallarmè, Edward Ruscha, Jonathan Safran Foer, Georges Perec, John Cage, Luiz Ruffato e Augustín Fernández Mallo. Para aprofundar o arcabouço teórico, foram convocados os escritos de autores que problematizam o cotidiano, a escrita de si, o impulso arquivista e a autoficção, como Maurice Blanchot, Agnes Heller, Philipe Lejeune, Roland Barthes, Jacques Derrida, Judith Butler e Henry Lefebvre. Finalmente, a partir do processo poético envolvido quando operamos elementos cotidianos, autoficcionais e arquivistas para criar narrativas verbo-visuais não-lineares na forma de livros, serão discutidos aspectos do artista como editor, do artista como curador e do artista como pesquisador. / The main aim of this text is to present an investigation provoked from the writing and reissue of the book 2013, from a new book production entitled 2015 and the material preparation for a third volume, called 2017. In this way, we will have the problematization of an undetermined serialization of publications contaminated by daily life and by the autobiography called Present Continuous. As a source of artistic research will be investigated – through image/text analysis and their flexible modes of intention - some poetic strategies already employed by different artists, such as Stephane Mallarmè, Edward Ruscha, Jonathan Safran Foer, Georges Perec, John Cage, Luiz Ruffato and Augustín Fernández Mallo. In order to deepen the theoretical framework, the writings of authors who problematize daily life, the writing itself, archival impulse and autofiction, such as Maurice Blanchot, Agnes Heller, Philipe Lejeune, Roland Barthes, Jacques Derrida, Judith Butler, and Henry Lefebvre were summoned. Finally, from the poetic process involved when we operate everyday, autofictional and archival elements to create nonlinear verbo-visual narratives in the form of books, we will discuss aspects of the artist as editor, the artist as curator and the artist as a researcher.

O presente texto tem como principal objetivo apresentar uma investigação provocada a partir da escrita e reedição do livro 2013, da produção de um novo livro, intitulado 2015 e da preparação do material para um terceiro volume, chamado 2017. Teremos, dessa forma, a problematização de uma serialização indeterminada de publicações contaminadas pelo cotidiano e pela autobiografia chamada Presente Contínuo. Como fonte de pesquisa artística serão investigadas – através da análise da imagem/texto e seus modos flexíveis de intenção – algumas estratégias poéticas já empregadas por diferentes artistas, como Stephane Mallarmè, Edward Ruscha, Jonathan Safran Foer, Georges Perec, John Cage, Luiz Ruffato e Augustín Fernández Mallo. Para aprofundar o arcabouço teórico, foram convocados os escritos de autores que problematizam o cotidiano, a escrita de si, o impulso arquivista e a autoficção, como Maurice Blanchot, Agnes Heller, Philipe Lejeune, Roland Barthes, Jacques Derrida, Judith Butler e Henry Lefebvre. Finalmente, a partir do processo poético envolvido quando operamos elementos cotidianos, autoficcionais e arquivistas para criar narrativas verbo-visuais não-lineares na forma de livros, serão discutidos aspectos do artista como editor, do artista como curador e do artista como pesquisador. / The main aim of this text is to present an investigation provoked from the writing and reissue of the book 2013, from a new book production entitled 2015 and the material preparation for a third volume, called 2017. In this way, we will have the problematization of an undetermined serialization of publications contaminated by daily life and by the autobiography called Present Continuous. As a source of artistic research will be investigated – through image/text analysis and their flexible modes of intention - some poetic strategies already employed by different artists, such as Stephane Mallarmè, Edward Ruscha, Jonathan Safran Foer, Georges Perec, John Cage, Luiz Ruffato and Augustín Fernández Mallo. In order to deepen the theoretical framework, the writings of authors who problematize daily life, the writing itself, archival impulse and autofiction, such as Maurice Blanchot, Agnes Heller, Philipe Lejeune, Roland Barthes, Jacques Derrida, Judith Butler, and Henry Lefebvre were summoned. Finally, from the poetic process involved when we operate everyday, autofictional and archival elements to create nonlinear verbo-visual narratives in the form of books, we will discuss aspects of the artist as editor, the artist as curator and the artist as a researcher.

Este estudo visa verificar o intervalo formativo entre o comparecimento e a ausência das estratégias de narração nos livros de artista de edição e se e como a narrativa visual é capaz de determinar sua bibliogênese. / This research, As existências da narrativa no livro de artista (“The existences of narrative in the artist’s book”), aims to verify the formative spectrum from attendance to nonappearance of narration strategies into the published artist’s books and if and how the visual narrative is able to determine its bibliogony.

Este estudo visa verificar o intervalo formativo entre o comparecimento e a ausência das estratégias de narração nos livros de artista de edição e se e como a narrativa visual é capaz de determinar sua bibliogênese. / This research, As existências da narrativa no livro de artista (“The existences of narrative in the artist’s book”), aims to verify the formative spectrum from attendance to nonappearance of narration strategies into the published artist’s books and if and how the visual narrative is able to determine its bibliogony.

Este estudo visa verificar o intervalo formativo entre o comparecimento e a ausência das estratégias de narração nos livros de artista de edição e se e como a narrativa visual é capaz de determinar sua bibliogênese. / This research, As existências da narrativa no livro de artista (“The existences of narrative in the artist’s book”), aims to verify the formative spectrum from attendance to nonappearance of narration strategies into the published artist’s books and if and how the visual narrative is able to determine its bibliogony.

O objetivo geral desta dissertação é interpretar o corpo enquanto instância semântica no poema O Casamento do Céu e do Inferno (1790), do poeta inglês William Blake. Sustenta-se que uma semântica profunda de TMHH instaura uma forma ativa, integrada e franca de viver. Investigaremos a concepção de corpo presente do poema a fim de validar a hipótese de que é possível ter a vida transformada pela leitura de um texto altamente poético. Essa transformação, em última instância, é uma consequência da apropriação do texto pelo leitor. Tal apropriação se dá não só pela via mental, mas de fato pela incorporação do texto literário. O trabalho será realizado com base na hermenêutica de Paul Ricoeur, especialmente na dialética da conjectura e da validação. Já o livro de artista, ramo da arte conceitual do qual Blake é visto como um dos precursores, será apresentado enquanto performance e demonstração dos sentidos de corporeidade vislumbrados pela presente interpretação do poema. Em termos de embodiment, o papel da gravura em metal do processo criativo completo de Blake abre-nos possibilidades para um amplo horizonte de metáforas relacionadas às especificidades dessa técnica quando em articulação com o poema. / The general objective of this dissertation is to interpret the body as a semantic instance in the poem The Marriage of Heaven and Hell (1790), from English poet William Blake. It holds that the depth semantics of TMHH establishes an active, integrated, and franc way of living. We will investigate the conception of a present ‘body’ of the poem to validate the hypothesis that it is possible to have lives transformed by the reading of a highly poetic text. This transformation is ultimately a consequence of the appropriation of the text by the reader. Such appropriation is not only mental, but it takes place in the incorporation, or embodiment, of the literary text. The work will be based on Paul Ricoeur’s hermeneutics, especially the dialectics of guess and validation. The artist’s book, a field of conceptual art of which Blake is seen as precursor, will be presented as performance and demonstration of the senses of corporeality foreseen in this interpretation of the poem. In terms of embodiment, the role of engraving in Blake’s complete creative process opens to a wild horizon of metaphors concerning the specificities of this art in relation to the poem.

O objetivo geral desta dissertação é interpretar o corpo enquanto instância semântica no poema O Casamento do Céu e do Inferno (1790), do poeta inglês William Blake. Sustenta-se que uma semântica profunda de TMHH instaura uma forma ativa, integrada e franca de viver. Investigaremos a concepção de corpo presente do poema a fim de validar a hipótese de que é possível ter a vida transformada pela leitura de um texto altamente poético. Essa transformação, em última instância, é uma consequência da apropriação do texto pelo leitor. Tal apropriação se dá não só pela via mental, mas de fato pela incorporação do texto literário. O trabalho será realizado com base na hermenêutica de Paul Ricoeur, especialmente na dialética da conjectura e da validação. Já o livro de artista, ramo da arte conceitual do qual Blake é visto como um dos precursores, será apresentado enquanto performance e demonstração dos sentidos de corporeidade vislumbrados pela presente interpretação do poema. Em termos de embodiment, o papel da gravura em metal do processo criativo completo de Blake abre-nos possibilidades para um amplo horizonte de metáforas relacionadas às especificidades dessa técnica quando em articulação com o poema. / The general objective of this dissertation is to interpret the body as a semantic instance in the poem The Marriage of Heaven and Hell (1790), from English poet William Blake. It holds that the depth semantics of TMHH establishes an active, integrated, and franc way of living. We will investigate the conception of a present ‘body’ of the poem to validate the hypothesis that it is possible to have lives transformed by the reading of a highly poetic text. This transformation is ultimately a consequence of the appropriation of the text by the reader. Such appropriation is not only mental, but it takes place in the incorporation, or embodiment, of the literary text. The work will be based on Paul Ricoeur’s hermeneutics, especially the dialectics of guess and validation. The artist’s book, a field of conceptual art of which Blake is seen as precursor, will be presented as performance and demonstration of the senses of corporeality foreseen in this interpretation of the poem. In terms of embodiment, the role of engraving in Blake’s complete creative process opens to a wild horizon of metaphors concerning the specificities of this art in relation to the poem.

O objetivo geral desta dissertação é interpretar o corpo enquanto instância semântica no poema O Casamento do Céu e do Inferno (1790), do poeta inglês William Blake. Sustenta-se que uma semântica profunda de TMHH instaura uma forma ativa, integrada e franca de viver. Investigaremos a concepção de corpo presente do poema a fim de validar a hipótese de que é possível ter a vida transformada pela leitura de um texto altamente poético. Essa transformação, em última instância, é uma consequência da apropriação do texto pelo leitor. Tal apropriação se dá não só pela via mental, mas de fato pela incorporação do texto literário. O trabalho será realizado com base na hermenêutica de Paul Ricoeur, especialmente na dialética da conjectura e da validação. Já o livro de artista, ramo da arte conceitual do qual Blake é visto como um dos precursores, será apresentado enquanto performance e demonstração dos sentidos de corporeidade vislumbrados pela presente interpretação do poema. Em termos de embodiment, o papel da gravura em metal do processo criativo completo de Blake abre-nos possibilidades para um amplo horizonte de metáforas relacionadas às especificidades dessa técnica quando em articulação com o poema. / The general objective of this dissertation is to interpret the body as a semantic instance in the poem The Marriage of Heaven and Hell (1790), from English poet William Blake. It holds that the depth semantics of TMHH establishes an active, integrated, and franc way of living. We will investigate the conception of a present ‘body’ of the poem to validate the hypothesis that it is possible to have lives transformed by the reading of a highly poetic text. This transformation is ultimately a consequence of the appropriation of the text by the reader. Such appropriation is not only mental, but it takes place in the incorporation, or embodiment, of the literary text. The work will be based on Paul Ricoeur’s hermeneutics, especially the dialectics of guess and validation. The artist’s book, a field of conceptual art of which Blake is seen as precursor, will be presented as performance and demonstration of the senses of corporeality foreseen in this interpretation of the poem. In terms of embodiment, the role of engraving in Blake’s complete creative process opens to a wild horizon of metaphors concerning the specificities of this art in relation to the poem.

Ouverture et optimisme marquent les années cinquante au Brésil, culminant par l’édification de Brasilia. Les arts se renouvellent sur l’axe de Rio de Janeiro et Sao Paolo, avec l’avènement de deux mouvances artistiques, le Concretismo et le Neoconcretismo. L’art concret s’édifie comme un système autoréférentiel, considéré par cet artifice comme universel, et devient le plus important mouvement artistique de l’époque. Lygia Pape prend part à la création de ces deux mouvements et à leur développement grâce à une riche production artistique. Elle est en contact direct avec Mário Pedrosa, théoricien qui oriente le groupe concret de Rio de Janeiro autour de l’empathie de la forme, sous l’influence des sciences cognitives, de la Gestalt et de la phénoménologie. Lygia Pape s’implique dans diverses manifestations artistiques, comme la peinture, la gravure, la poésie concrète, la danse, le cinéma et le happening. Elle s’abstrait progressivement d’un art universel et rationnel vers un art qui baigne dans l’individualité et la subjectivité. Sa production contrarie la rigueur concrète pour évoluer vers un art participatif engageant d’abord l’esprit, puis tout le corps. Ainsi, la figure, auparavant écartée, est réintroduite par l’inclusion de l’homme dans l’œuvre, passant de l’abstraction géométrique et des rigides règles du Concrétisme, vers la liberté de création introduite par le Néoconcrétisme. Traditionnellement envisagé comme une suite logique du Concrétisme, le Néoconcrétisme semble avoir toujours été présent dans l’œuvre de Pape. / Open-mindedness and optimism mark the fifties in Brazil, culminating with the construction of Brasilia. The arts undergo a renewal on an axis going from Rio de Janeiro to Sao Paulo, with the rise of two artistic avant-garde movements, Concretismo and Neoconcretismo. Concrete art is built as a self-referential system, considered by this artifice as universal, and becomes the most important artistic movement at that time. Lygia Pape participates actively in the creation and the development of both, thanks to a rich artistic production. She is in close contact with Mário Pedrosa, a theoretician steering the artists of the Rio de Janeiro concrete group towards the form empathy, under the influence of cognitive sciences, Gestalt, and phenomenology. Lygia Pape gets involved in various fields, such as painting, engraving, concrete poetry, dance, cinema, and happening. She progressively abstracts from a universal and rational art to an art diving into individuality and subjectivity. Her production contradicts the concrete rigor to move towards a participatory art engaging at first the mind, and then the whole body. Thus, the figure, previously discarded, is reintroduced by the inclusion of the man inside the work, moving from Concretism with its geometric abstraction and rigid rules towards Neoconcretismo and its creative freedom. Traditionally considered as a logical continuation of the Concretism, it seems that the Neoconcretism has been always present in Lygia’s work.