Issu d’une réflexion portant sur l’habitat, les paysages et l’empreinte humaine qui les façonne, mon projet de maîtrise tente d’attirer l’attention sur l’utilisation des espaces urbains et sur le regard porté sur les lieux abandonnés et négligés. Mon attention se porte surtout sur les terrains vagues, les lieux en transition et les nombreux espaces inhospitaliers créés par la mouvance dans l’occupation des territoires. Je m’intéresse au regard qu’on porte sur ces lieux ignorés et mal-perçus qui peuvent évoquer à la fois le passage, l’abandon, la transformation ou la mémoire. Mon travail tente d’établir un rapport entre le paysage représenté et le paysage expérimenté, utilisant la marche pour découvrir et s’approprier le lieu et le dessin et la photo pour s’en approprier les images.

Étudier le processus de transmission du répertoire de berceuses et formulettes enfantines, en évaluant son évolution entre la tradition et son actualisation dans le monde actuel, est le sujet de ce mémoire. Nous postulons que le répertoire que l'adulte offre au petit enfant de 0-5 ans est fonctionnel, et qu'il est toujours utilisé, car il permet à l'adulte d'interagir de façon efficace auprès du bambin, qui a besoin d'accompagnement pour trouver le sommeil, pour se consoler, ou pour apprendre la patience lors des soins, des déplacements ou des périodes d'attente, et qui adore les périodes de jeux au cours desquelles il se régale à créer des liens avec les personnes qu'il côtoie. Peu d'études ont été menées sur le sujet -- les ethnologues du siècle dernier ont même prédit la disparition du répertoire dédié à l'enfance -- et bien que la transmission soit étudiée dans sa globalité par de nombreux chercheurs multidisciplinaires, le processus de transmission lui-même a rarement été exploré. Pour ce faire, nous avons mené une enquête ethnographique au moyen d'entrevues semi-dirigées auprès de 23 participants et d'observations participantes dans un organisme famille sur le processus de transmission de chansons et formulettes enfantines. Les résultats de cette étude démontrent que le répertoire que l'adulte dédie à l'enfant est encore vivant et qu'il s'actualise en lien avec les modes de communication (tradition, littérature et médias) en action à travers les générations au sein desquelles il se meut. Il apparait que les voies de transmission intergénérationnelle et intragénérationnelle se chevauchent pour apprendre et transmettre ce répertoire, et que la principale transmission passe par la famille, mais qu'elle transite aussi par l'intermédiaire de la société (service de garde, écoles, camps de vacances, etc.). Les variables qui définissent le processus de transmission sont a) l'agencéité du transmetteur et du récepteur -- faisant référence à leur libre-arbitre --, b) la protomémorialité du répertoire, qui passe de latence à conscience à travers un mécanisme qui semble relié aux mémoires gestuelles de l'individu qui le porte, et c) divers facteurs mentaux se manifestent lors du processus de l'apprentissage et de la transmission d'un répertoire comme celui des formulettes enfantines.

Ce texte présente mes principales avancées de recherche et de création à la maîtrise en arts visuels. C'est à partir d'un long travail en atelier, répétitif et méticuleux, de découpes de personnages dans des livres d'histoire, que se sont élaborées mes expérimentations et mes réflexions sur l'histoire et sa malléabilité. Dans ma recherche, j'ai considéré les images de livres comme des archives populaires de l'ère photographique. Par l'entremise de stratégies telles que l'appropriation, le détournement, le montage, l'accumulation, la copie et l'installation, je tente de leur redonner une nouvelle vie. Ce texte accompagne mon exposition de fin de maîtrise qui sera présentée en septembre 2022 à l'Université Laval.

Ce mémoire dégage une réflexion sur le concept de beauté et sur la quête d'un idéal. Trois notions sont développées et dévoilent mes principales préoccupations : Le beau, l'hybridité et l'androgynie. Ce qui m'anime dans cette recherche, ce sont les relations étroites entre ces trois idées. L'étude des genres et de l'identité sexuelle est proposée et engendrée par les caractères opposés qui découlent de ces trois concepts. Du beau il y a l'étrange et le monstrueux, de l'hybridité il y a fusion de deux entités, et de l'androgynie, il y a évidemment les genres masculins et féminins mais aussi le caractère monstrueux de l'hybride puis la pureté (reliée au beau) de l'être asexué. De ce fait, le sujet de l'androgynie est une synthèse qui unit les points d'ancrage de cette recherche. À partir de lectures philosophiques et sociologiques, j'établis un parallèle entre mon travail et les différentes symboliques de ces idées. Tout en puisant dans un univers de références mythiques, l'élaboration de mon oeuvre oscille entre le fictif et le réel, par des rencontres fortuites entre la bande-son et les trois tableaux vidéographiques présentés en triptyque.

Ce mémoire questionne le processus créatif et la finalité de l’art. Qu’est-ce que l’art, qu’est-ce qu’un artiste, qu’est-ce qu’une œuvre, aujourd’hui et depuis toujours ? Une œuvre se concrétise-t-elle toujours par un objet fini ? Pour l’artiste l’œuvre et la vie ne forment-elles pas un tout ? L’art n’est-il pas une manière de vivre et, réciproquement, la vie, une réalisation de l’art ? Des réponses à ces questions sont cherchées à travers le travail d’artistes tels Lee Friedlander, Francis Alÿs, Gabriel Orozco, Tehching Hsieh, ainsi qu’à travers mon propre cheminement, à travers le quotidien, l’ordinaire de la vie. Tout au long du projet de recherche, dont le présent mémoire est le compte-rendu, la dérive, la déambulation ou la marche sont utilisées non seulement comme médium de création artistique mais comme métaphore du processus de création. Ce sont les éléments collectés à partir d’un iPod Touch, au hasard d’une année de déambulations, qui serviront de base pour illustrer les diverses conclusions tirées de ces questionnements alors qu’ils seront re-présentés et ré-animés dans une installation qui concrétisera les résultats de cette démarche sous trois formes différentes, qui ont toutes en commun la succession comme principe de matérialisation, l’animation de type stop-motion, la planche contact et le livre.

Autrefois, faire Le Grand Tour signifiait de s'embarquer dans un long pèlerinage culturel à travers le continent européen. Ce voyage constituait un rite de passage pour tout jeunes bourgeois voulant élever ses centres d'intérêt et s'imprégner des bases de la société occidentale. Ironiquement, c'est aussi le nom donné à ce texte et à l'exposition qu'il l'accompagne puisqu'il a - comme Le Grand Tour - l'ambition de faire du voyage un prétexte à l'éducation. L'objectif n'est pas de faire du Grand Tour une thématique, mais d'y voir une amorce à la réflexion. Le voyage prend donc dans ce mémoire une vocation allégorique qui se décline à travers différents temps, différents lieux et différentes matérialités de l'image. Si l'exposition constitue la manifestation physique d'un parcours fictif, ce texte ci-présent cherche plutôt à en retracer l'itinéraire. Il s'attarde d'abord au caractère a-hiérarchique de la photographie, à la décomposition de l'image vidéographique et à l'appropriation des images que l'on retrouve sur le web. Il tisse ensuite des liens entre le regard, le récit, la narration et le déplacement. Finalement, il s'intéresse aux modes d'organisation par lesquels se regroupent les images dans ma pratique, c'est-à-dire, par la mise en espace et par le livre.

La présente recherche porte sur l’existence d’un décalage entre la création artistique dans l’art contemporain et l’enseignement des arts plastiques au primaire au Québec. Plus précisément, après avoir observée l’importance de l’intention artistique dans les mécanismes de création des artistes en art contemporain, cette recherche étudie la place que les enseignants spécialisés en arts plastiques lui accordent dans leur enseignement. En partant de la question de recherche, « Au Québec, les enseignants spécialisés en arts plastiques au primaire entretiennent-ils ou non le décalage entre la création artistique contemporaine et l’enseignement des arts, en prenant ou non en compte le développement d’intention artistique chez les élèves lorsque ceux-ci réalisent des créations personnelles dans les cours d’arts plastiques? », ce mémoire est constitué de plusieurs ensembles d’analyses. La distinction des principaux paradigmes artistiques dans cette recherche définit des attributs pour comprendre respectivement leurs impacts sur l’enseignement des arts et pour saisir les différentes représentations que les enseignants spécialisés en arts plastiques au primaire ont de la création artistique, et plus particulièrement dans le paradigme artistique contemporain. Cette distinction permet de confronter deux représentations de la dynamique de création : celle présente dans la notion de processus de création et celle présente dans la notion d’intention artistique. Ainsi, les entretiens semi-dirigés de douze enseignants spécialistes en arts plastiques dans des écoles primaires au Québec renforcent l’existence du décalage, mais aussi nous renseigne sur la faiblesse des acteurs à définir les enjeux actuels de la création artistique. De plus, cette recherche démontre une absence dans le Programme de formation de l’école québécoise (PFEQ) des mécanismes de pensée de la création observée dans le paradigme artistique contemporain. / This research focuses on the existence of a gap between artistic creativity in contemporary art and visual arts education in elementary schools in Quebec. More precisely, after observing the importance of artistic intention in contemporary artists’ creation mechanisms, this research analyzes how art teachers incorporate it (artistic intention) in their teaching. Based on the research question: “Are Quebec primary school art teachers – by not taking into account the student artistic intention in the production of individual art work – maintaining the gap between artistic creativity in contemporary art and visual arts education?” this thesis consists of several sets of analysis. This research defines attributes that outline and distinguish artistic paradigms in order to comprehend their impact on arts education and art teachers’ different representations of artistic creation particularly in the contemporary art paradigm. This distinction allows a comparison between two representations of the dynamics of creation: one in the concept of creative process and another in the concept of artistic intention. The results of the semi-structured interviews of twelve primary school visual art teachers in Quebec confirm the existence of the gap between artistic creativity in contemporary art and visual arts education in elementary schools. Furthermore, this paper also shows a lack of thought in the Quebec Education Program (QEP), for the creation mechanisms present in the contemporary art paradigm.

Cette recherche étudie l'effet de l'exploration de la création artistique sur l'identité professionnelle d'art-thérapeute, d'enseignante en art-thérapie et de psychologue avec une approche heuristique, c'est-à-dire en se plaçant au cœur de l'expérience sensible de la création. La question de recherche est la suivante : comment l'exploration de mon identité d'artiste à travers la création artistique modifiera-t-elle mon identité professionnelle? Cette recherche exploratoire vise à découvrir les processus et vécus présents lors de la création artistique, susceptibles de modifier l'identité professionnelle. La variante HSSI (Sela-Smith, 2002) de la méthode heuristique de recherche est utilisée. Nous retrouvons deux types de données : 11 productions artistiques et un Journal de processus créateur de 430 pages manuscrites. L'analyse des données comporte une analyse de la symbolique des œuvres artistiques, une analyse thématique du contenu du Journal de processus créateur, une analyse des étapes du processus créateur et une analyse de l'application de la méthode heuristique dans cette recherche. Les résultats obtenus concernent l'identité professionnelle d'art-thérapeute, celle d'enseignante en art-thérapie, celle de psychologue et celle d'artiste. Un intérêt secondaire de cette recherche est la formalisation de la méthode heuristique pour son application à l'art-thérapie.

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L’art public se présente sous divers modes d’expression artistique dans l’espace public. Qu’il soit permanent, temporaire ou éphémère, qu’il soit singulier, interactif ou participatif, qu’il soit traditionnel ou numérique, l’œuvre intégrée ou insérée dans ce contexte tente d’interpeller le public. Cette recherche examine l’évolution des modes d’expression artistique dans l’espace public, dans l’espoir de trouver une définition de l’art public. L’étude de cas de la Ville de Montréal est la base de cette recherche pour examiner les nombreuses manifestations de l’art dans l’espace public et ses périmètres. Dans une perspective conceptuelle et transdisciplinaire, sous lesquels nous considérons les approches artistiques, paysagères et politiques dans l’analyse du sujet, nous nous intéressons aux frontières des modes d’expression artistique et les moyens de les représenter. En somme, nous souhaitons saisir ce que l’on considère comme l’art public dans l’aménagement urbain montréalais et générer des connaissances plus générales. Notre revue de littérature et les observations faites sur le terrain révèlent de nouveaux enjeux qui influencent les pratiques artistiques et la perception que peut susciter une œuvre d’art public aujourd’hui. Nous examinons les facteurs qui les influencent à ce jour. En étudiant la question, nous constatons que la tâche de définir ce qui constitue l'art public est difficile, d'autant plus que les pratiques évoluent constamment. Souvent définie comme une fonction plus cosmétique qu’artistique et dans une logique d'équipement, l'art dans l'espace public joue un rôle passif et fait l'objet de débats et de critiques. Pour le public, l'art public est difficile à discerner bien que sa présence semble être appréciée. Nos résultats mettent en lumière la complexité des processus politiques, les attentes spécifiques, les règles et modalités oppressantes pour l'artiste, la difficulté à saisir les œuvres d'art et le manque de médiatisation pour sensibiliser le public. Avec la politique d'intégration, l’art dans les espaces publics résulte souvent d'une médiation conflictuelle dans un rapport de compromis et d’attentes contrastées afin que soit réalisée une œuvre. Les résultats permettent de penser que les processus de sélection sont souvent pervers et fermés aux initiatives artistiques. En outre, il serait nécessaire dans ce contexte que les artistes définissent mieux leur statut professionnel et leur pratique. Malgré des efforts du Bureau d'art public de Montréal, l'art public semble peu perçu sur son territoire. Par ailleurs, les nombreuses discussions avec le grand public portent à l'attention l'absence de médiatisation pour les arts publics sur le territoire de Montréal. / Public art comes in various modes of artistic expression in the public space. In this context, whether it is permanent, temporary or ephemeral, if it is singular, interactive or participatory, whether traditional or digital, the integrated or inserted artwork attempts to engage the public. This research examines the evolution of artistic expression modes in the public space, hoping to find a definition of public art. The case study of Montreal City sits at the base of this study to examine the various manifestations of art in the public space and its perimeter. In a conceptual and transdisciplinary approach under which we consider the artistic, political and the landscape boundaries of artistic expression modes and the means to represent them, in order to understand the significance of public art. In short, we wish to seize what is considered public art in the Montreal urban development and generate a more global knowledge. In studying the issue, we find that the task of defining what constitutes public art is difficult, especially since practices are constantly evolving. Often defined to a function more cosmetic than artistic and in a logic of equipment, art in public space plays a passive role and is the subject of debates and criticism. As for the public, public art is hard to discern although its presence seems to be appreciated. Our results highlight the complex political processes, specific expectations, rules, and oppressive methods for the artist, the difficulty in understanding the works of art and the lack of effort to touch the public. With the politics of integration, art in public spaces often result from a mediation conflict in a relation of compromise and contrasted expectations for a piece of art to be achieved. The results allow to think that the selection processes are often perverse and often closed to artistic initiatives. In addition, it is necessary in this context that artists define their professional status and practice. Despite the efforts of the Bureau d’Art Public de Montréal, public art seems to be little perceived on its territory. Incidentally, many discussions with the general public brought to the attention the absence of mediatisation for the public arts on Montreal’s territory.