Depuis une trentaine d’années, les artistes plasticiens ont eu à se familiariser avec une panoplie de dispositifs de soutien public qui s’inscrivent en amont des œuvres, dans le processus même de création. Or ces formes d’intervention supposent une planification des ressources, des délais et des résultats à atteindre qui entre en contradiction avec la spécificité du travail artistique, faiblement prévisible dans son cours et son issue. Le soutien public du travail artistique peut-il se concilier avec une telle incertitude ? La thèse donne une réponse positive à cette question, en s’appuyant sur l’accueil en résidence d’artistes plasticiens en France, forme emblématique de socialisation du temps et de l’espace de travail des artistes. Ce terrain permet d’étudier le travail artistique à partir des ensembles de documents qui le mettent en forme et l’instituent. En mobilisant les sciences de l’information et de la communication, l’analyse compare ainsi, en première partie, deux discours sur les résidences énoncés par l’Etat, puis en deuxième partie, les textes d’un échantillon d’appels à candidature destinés aux artistes. Dans les deux cas, la recherche fait apparaître une tension entre des conceptions divergentes du travail artistique, selon que l’artiste est consacré dans une pure posture d’expérimentation et de recherche, ou qu’il s’inscrit dans une relation d’échange finalisée, plus proche de la commande ou de l’animation. L’analyse se prolonge en troisième partie en se focalisant sur les résidences d’artistes plasticiens à Marseille. A travers l’étude des chaînes de « médiations de production », depuis la sélection des artistes jusqu’à l’exposition de leurs œuvres en passant par les commentaires sur leurs projets, l’indétermination du travail artistique apparaît comme une ressource pour les responsables des structures, qui peuvent ainsi faire valoir leur expertise dans l’intervalle qui sépare les prémisses d’une oeuvre de sa version définitive. Croisant l’analyse de discours, l’observation participante et les entretiens, la recherche propose finalement d’envisager l’incertitude comme une composante conventionnelle, à la fois routinière et prévisible, du soutien public du travail artistique / During the last thirty years, visual artists have had to familiarize themselves with a wide range of public support devices that operate long before the art works are completed and that are part of the creation process itself. This kind of partnership requires advance planning of the resources, the duration and the goals to be achieved, all of which seem in contradiction with the specificity of an artist’s work, where both the process and the final result are never entirely predictable. Can public support policies for artistic creation fit into this kind of uncertainty ? I answer this question positively, basing myself on a study of Artist in Residence programs for visual artists in France. Such programs are a typical means of socializing both the time and the space of an artist’s work. Thus I examine the artistic work by studying the documents which both shape and institutionalize it. Through the Communication Sciences, I first compare two official texts on Artist in Residence programs, and secondly I examine a corpus of calls for applications sent out to visual artists. In both cases I highlight the tension between two contrasting visions of artistic work. Either the artist is recognized for his experimentation and his research alone, or he is engaged for a commissioned work within a well-defined cultural program. In the third part of this study, I look at the Artist in Residence programs for visual artists in the city of Marseille. I examine the different mediations along the chain of artistic production, from the selection of the artist through to the exhibiting of the finished work(s), and including the commentaries around the project. We see that the uncertainty surrounding the artistic creation appears, in fact, to be a means for those in charge of these programs to share their expertise (and actively participate) within the period of time that separates the beginning of an art work from its finished version. This thesis, by associating the discourse analysis and the qualitative methods (observations and interviews), posits that the uncertainty discussed above is, in fact, a conventional, predictable and routine dimension of public support for artistic creation

Dans un contexte mondial marqué par l’essor d’une société de l’information, des savoirs partagés et de l’économie numérique, cette étude propose une évaluation de la protection des bases de données par le droit d’auteur, en privilégiant une approche comparative entre le droit français et le droit sénégalais. En mettant en exergue les éléments de convergence mais aussi de divergence qui ressortent de la confrontation des deux législations, cette analyse part de l’identification des forces et des faiblesses du droit d’auteur, en vue de proposer des orientations pour une amélioration du cadre juridique de la protection des bases de données. Le droit d’auteur étant le mécanisme de protection unanimement consacré pour les bases de données, il y a lieu, loin de s’en départir, d’identifier les meilleures options juridiques qui pourraient concourir à son renforcement. Dans cette optique, la prise en compte d’un équilibre parfait entre les divers intérêts en présence constitue un impératif pour le développement de la société de l’information. / In a global context marked by the rise of an information society, shared knowledge and digital economy, this study proposes an assessment of the protection of databases by Copyright (french meaning), privileging a comparative approach between French and Senegalese law. By highlighting the elements of convergence but also of divergence that emerge from the confrontation between the two legislations, this analysis starts from the identification of the strengths and weaknesses of copyright, to propose orientations aimed at improving the legal framework for the protection of databases. Copyright being the unanimously consecrated protection mechanism for databases, it is necessary, far from divesting it, to identify the best legal options that could contribute to its reinforcement. In this respect, it is imperative to take into account a perfect balance between the various interests for the development of the information society.

Comment définir ce que l’on appelle communément la «calligraphie» telle que celle-ci est pratiquée en Asie de l’est, et notamment au Japon ? Voilà la question première qui a motivé notre travail. L’éducation « calligraphique » fait partie des programmes de l’école japonaise depuis la fondation du système scolaire moderne. Dans la mesure où plus de quatre-vingt-dix pourcent des enfants poursuivent désormais leur scolarité jusqu’au lycée, on peut penser que le type d’enseignement reçu à travers ces années d’études contribue à former l’idée que la population se fait de la « calligraphie ». Aussi avons-nous décidé d’aborder notre sujet de réflexion en observant comment l’État définissait l’éducation « calligraphique » à travers les programmes scolaires. Dans le prolongement de travaux précédents, nous avons d’abord examiné la période déterminante de l’occupation américaine, envisageant les rapports de force des divers acteurs engagés dans l’élaboration des curricula. Nous avons ensuite analysé en détail les versions successives des directives éducatives nationales. Nous nous sommes plus particulièrement intéressé aux choix effectués par les concepteurs des programmes entre « calligraphie » utilitaire et artistique. / How can we define what is commonly called “calligraphy” in the Asian context, and in particular, in Japan? That is the basic question from which our research started. “Calligraphy” education has been included in school curricula since the foundation of the modern school system in Japan. Today, more than ninety percent of Japanese children go through senior high-school. Therefore, we can assume that the education received during these school years influence the way the people apprehends calligraphy. For that reason, we chose to study the definition of calligraphy as elaborated by the Japanese State through the school programs. Continuing the work we had already done in that field on the pre-war era, we first took a close look at the period of the American Occupation, examining the struggle between the different parties involved in the design of the curriculum. We then proceeded with a thorough analysis of the successive versions of the National course of study, focusing particularly on the choices made by curricula designers, between utilitarian and artistic calligraphy.

Connu pour ses qualités de bibliophile, Louis bâtard de Bourbon se distingue aussi par sa proximité avec Louis XI, dont il épouse la fille bâtarde. Propulsé à un rang auquel sa naissance ne le destinait pas, il acquiert avec Jeanne bâtarde de France, à partir de 1465 et durant une vingtaine d’années, une série d’œuvres destinée à affirmer le rang et la puissance de ce nouveau couple princier. L’objectif de ce travail a d’abord été de reconstituer ce corpus, composé d’une tapisserie, un panneau peint, plusieurs manuscrits enluminés et une commande castrale, pour l’étudier ensuite en détail afin de mettre en évidence les interférences entre commande, réseau social, carrière d’officier dans le sillage royal et événements historiques susceptibles d’avoir pu interférer dans le choix des œuvres ou dans les modèles de référence retenus. Cet ensemble a été considéré dans sa globalité, récusant le cloisonnement disciplinaire traditionnel, afin de cerner au plus près le sens et la fonction des œuvres, au profit des approches stylistiques plus traditionnelles. L’étude a cherché ensuite à montrer comment les valeurs royales ont été assimilées par le couple, dans quelles circonstances, et à quelles fins. L’interrogation plus large du contexte de création a mis en lumière la place singulière prise par ce seigneur dans le jeu politique de Louis XI, tout comme celle de son épouse, dont le rôle longtemps négligé apporte un nouvel éclairage sur les échanges entre œuvres et artistes, actifs au sein de ce réseau. / Known for his excellence as a bibliophile, Louis bâtard de Bourbon was also close to Louis XI, whose illegitimate daughter he married. Having attained a station well above that which his birth reserved for him, he and Jeanne batârde de France acquired, after 1465 and over a period of some twenty years, a series of works meant to assert the rank and power of this new princely couple. The object of the present work has been first to reconstitute this corpus, consisting of a tapestry, a painted panel, several illuminated manuscripts and architectural commissions and then to study it in depth in order to shed light on the interconnections between the commissions, the social network, the career of an officer attached to the throne of France and the historical events likely to have influenced the choice of works or of models to which these were expected to refer. This body of work has been studied as a whole without regard for the usual disciplinary separations and with an eye to defining as precisely as possible the meanings and functions of the works, thereby enriching the traditional stylistic approaches. This study then goes on to show how the couple assimilated the values of the monarchy, under what circumstances and to what ends. This examination of the larger context of creation has brought to light the unique role in Louis XI’s political strategy played by this nobleman as well as by his wife, whose long neglected role sheds new light on the exchanges between the works and the artists who participated in this network.

Inter, pluri, multi, trans. Les préfixes ne manquent pas pour désigner la volonté de l’institution scolaire de faire circuler les savoirs au sein d’une forme scolaire marquée jusqu’ici par leur segmentation. Cette thèse propose, au terme d’une enquête épistémologique destinée à montrer les enjeux d’une circulation entre géographie spontanée et géographie raisonnée, de développer des outils la favorisant, dans le cadre du cours de géographie. L’hypothèse de la recherche est que la pratique artistique peut favoriser cette circulation. Pour la tester, trois outils ont été conçus et expérimentés, depuis une posture d’enseignante-formatrice-chercheure : un concours photo, un concours de carte postale sensible, une performance. / : Inter-, pluri-, multi-, trans-: these many prefixes all denote how keen today's school is on making knowledge and skills circulate within a framework traditionally renowned for its segmentation. Starting from an epistomological study of the fruitful interaction between spontaneous geography and reasoned geography, this thesis offers to define and develop tools to implement it within the geography class. This research work's hypothesis is that this interaction can be positively impacted by artistic practice. To verify it, I designed and tested three tools, in an apporach that was altogether a teacher's, a trainer's and a researcher's : a photography contest, a "sensitive postcard" cartography contest, and a performance.

Cette thèse explore l’espace communicationnel contemporain à partir de la forme installative. L’enjeu est d’envisager comment dans une société médiatisée où l’exposition est devenue la norme du visible, l’installation parvient à créer ou renégocier dans l’espace social des formes de visibilités. Ces reformulations sensibles proviennent du geste scénographique, tout à la fois processus de création et de représentation, à travers lequel peuvent être circonscrites des « scénographies communicationnelles ». L’installation artistique est l’espace archétypal servant à entreprendre cette réflexion. À partir d’un corpus d’installations artistiques contemporaines, nous analysons les processus par lesquels l’installation conduit à une expérience hétérogène de l’espace tendant favoriser l’immersion du visiteur et le renversement des cadres qui servent à intelligibiliser le réel. Ces processus font de l’installation un espace permettant d’expérimenter le sensible à l’aune d’agencements spatiaux qui en redéfinissent le partage. L’installation peut être conçue comme une forme scénographique constitutive de pratiques et de processus communicationnels tendant s’intercaler entre l’expérience esthétique et l’expérimentation sociale de l’espace. La « communication anthropologique du sensible » favorisée par des dispositifs artistiques de toutes sortes, permet justement d’illustrer comment l’installation, devenue une scène sociale, transforme tout à la fois notre perception et nos modes d’êtres communicationnels. Pour saisir et mettre en perspective ces enjeux à cheval entre les disciplines de la communication et de l’esthétique, cette réflexion prend comme point d’appui l’espace muséal. Le musée, espace scénographié et régime d’exposition matérialisé, permet d’observer comment le paradigme communicationnel intervient dans les pratiques culturelles à travers le rôle que joue l’espace, alors conçu comme une « scène ». L’installation d’abord envisagée dans le milieu typique de l’hétérotopie muséale, sera observée au fil de ses déterritorialisations dans l’espace social, mais aussi à travers des processus circulaires et réflexifs qu’elle provoque sur notre regard. Il s’agit finalement de se demander comment l’installation non plus seulement artistique peut faire lieu de support ou de modèle pour analyser l’espace communicationnel contemporain et plus loin, une hypothétique « société de l’installation ». / This thesis explores the contemporary communicational space on the basis of the installation form. The challenge is to consider how installation manages to create or renegotiate forms of visibilities in a media-orientated society in which exhibitions have become the norm of what is visible. These sensitive reformulations result from the scenography movement, defined as a process of creation and representation through which “communicational scenography” may be contained. The artistic installation is the archetypal space that will be used to undertake this reflection. Using a corpus of contemporary art installations, we will analyse the processes by which installation leads to a heterogeneous experience of space, which typically favours the immersion of the visitor and the reversal of frameworks which serve to make the real world intelligible. These processes make installation a space which allows for experimentation with the sensory experience in relation to spatial layouts which redefine its division. Installation may be appreciated as a form of scenography constituting of communicational processes and practices which tend to insert themselves in between the aesthetic experience and the social experiment of space. The “anthropological communication of the sensible”, promoted by all sorts of artistic devices, illustrates precisely the way in which installation, as a social stage, transforms both our perception and methods of communication. To grasp and put into perspective these issues, which criss-cross between the disciplines of communication and aesthetic, this reflection will focus upon space specifically within the museum. The museum, acting as both a set designed space and a stage of materialised exhibition, makes it possible to observe how the communicational paradigm intervenes in cultural practices through the role played by space, here defined as a “scene”. Initially considered in the typical environment of museum heterotopia, installation will be observed over the course of its derritorialisation in social space, but also through circular and reflexive processes that it may have on our perspective. In the end, it is a question of whether installation, a not only an artistic practice, can act as a medium or a template to analyse the contemporary communicational space and, further still, as a hypothetical “society of installation”.

Loin de l’image romantique de l’artiste dénué de tout sens des réalités, tous les secteurs des arts mettent aujourd’hui en place des débats où au terme d’artiste s’adjoint fréquemment celui d’entrepreneur pour qualifier la transformation des activités artistiques. Acteurs majeurs de l’économie créative, les artistes suscitent un intérêt grandissant de la part des observateurs et des chercheurs. Parallèlement, l’encouragement de l’entrepreneuriat dans l’enseignement supérieur et particulièrement dans les filières non commerciales, constitue un enjeu majeur de dynamisation des économies occidentales. Afin d’accompagner ces débats, nous avons étudié la formation des intentions entrepreneuriales des jeunes artistes pour mieux cerner leurs composantes ainsi que les eprésentations sous-jacentes au désir d’entreprendre chez ce public particulier. Trente et un entretiens ont été réalisés auprès d’étudiants des écoles d’art de Bretagne. Les analyses de contenu ont permis de déceler un lien significatif entre l’identité artistique des étudiants et leur intention de créer leur structure. Les résultats permettent d’identifier les différentes composantes de l’intention entrepreneuriale des jeunes artistes ainsi que les représentations sur lesquelles elles se fondent. La discussion des résultats permet, enfin, de montrer que la construction d’une identité artistique forte et la construction d’une intention entrepreneuriale évoluent conjointement et se renforcent mutuellement. / Far from the romantic image of the artist which lacks all sense of reality, today there ismuch discussion about the term artist being frequently linked to that of entrepreneur in allsectors of the arts to reflect the transformation in artistic activities. As major players in thecreative economy, artists are provoking a growing interest among observers and researchers. At the same time, the policy of developing entrepreneurship as a specific discipline in higher education - particularly in non-business studies – constitutes a major challenge to stimulate Western economies. In order to make a contribution to the discussion, we studied and analyzed the development of young artists’ entrepreneurial intentions and the social representations underlying that development.We conducted thirty-one interviews with students in arts schools in Brittany. The findings show a significant link between the artistic identity of the students and their entrepreneurial intent. They also enable us to identify the specificities of that intent. Lastly, the findings show that the building of a strong artistic identity and the construction of an entrepreneurial intent jointly mature and reinforce each other.

Le dessin industriel est lié aux contrariétés artistiques et techniques, craintes des dessinateurs, lieux d’enseignement. Dynamique sociale, œuvres caritatives des Écoles alsaciennes et lorraines chevauchent données historiques, industrielles et artistiques. Les Arts and Crafts opposant vernaculaire et académisme en 1861, les architectures scolaires s’ouvraient à l’utilitaire du dessin, sociologie technique, monde, l’histoire de l’art à la spiritualité et l’anthropologie. Médiocrité et perfection reliant dessin et enseignement en 1970. Avec l’académisme et la fusion des arts du Moyen Âge, les industriels de 1919 portent les mutations culturelles, sociales, politiques et économiques. En Alsace, les Kœchlin, Dollfus, de Dietrich forment les dessinateurs. Perfection, simplicité, humanité industrielle, difformités du dessin, fusion art-vie font jaillir l’humanité du design en 1960-1970, commençant par la transformation des écoles en 1960. En 1975, arts plastiques au lieu du dessin, professeurs, administrations disent les difficultés en France. De 1861 à 1975 les établissements s’écartent des environnements et de l’individualité. En France les concours d’Écoles d’ingénieurs montrent l’explosion de la formation commune. L’intérêt pour l’aspect utilitaire du dessin (technique) ne s’efface pas ; environnements, simplicité du dessin de bricoleur transforment l’attention au dessin noyé en 1969 dans l’industrial design. Mal-fait dissipant peine, travail et risque. / Industrial design is connected to artistic and technical conflicts, designers’ fears, educational facilities. Social dynamic, offers, charities of Alsace and Lorraine Schools overlap historical, industrial and artistic data. Arts and Crafts confronting vernacular and academicism in 1861, school buildings opened to utilitarian design, technical sociology,world, history of art, spirituality and anthropology. Mediocrity and perfection joining drawing and teaching in 1970. With the academicism and the merger of arts of the Middle Ages, the1919’s manufacturers carried the cultural, social, political and economic transformations, like the Kœchlin, the Dollfus or the de Dietrich who trained designers in Alsace. Perfection, simplicity, industrial humanity, design de formities, fusion of art and life produce the humanity of design in the 1960’s and 1970’s, beginning with the transformation of schools in the1960’s. In 1975, arts plastiques instead of drawing, professors and administrations reveal the difficulties in France. From 1861 to 1975 institutions deviate from environment and individuality. In France, Engineering Schools’ competitive exam shows the explosion of general education. The interest in the utilitarian aspect of the (technical) design does not disappear; environment, simplicity of bricoleur’s drawing transformed the attention to drawing encased in the industrial design in 1969. Poorly done, dispelling effort, work and risk.

Cette thèse témoigne d’une recherche sur les arts et la culture à l’École, étudiant les dispositifs d’éducation artistique et culturelle et les divers effets qui en résultent dans les écoles primaires. Elle porte sur sept classes à Projet Artistique et Culturel implantées dans le département du Rhône.Interrogeant l’art et la culture dans le primaire, plusieurs questions se posent : en quoi ces pratiques servent-elles l’école ? Qu’est-ce que l’enseignant cherche à faire, à produire ? Formulées en ces termes, les questions ainsi posées trouvent une partie de leurs réponses au sein du discours et de la pratique enseignante, et peuvent être analysées dans le cadre de la sociologie de la justification de Luc Boltanski et Laurent Thévenot. Pour analyser la manière dont l’enseignant met en œuvre un dispositif artistique, nous avons besoin de comprendre comment il délègue une partie du travail aux objets. Notre cadre de recherche fait donc référence à la théorie de la délégation aux objets et à la construction de situations, cela dans l’optique de pouvoir décrire des projets artistiques tout en les inscrivant dans une dynamique, dans un processus. Il s’agit d’étudier d’une part, la façon dont les enseignants font tenir des situations en éducation artistique et d’autre part, comment les situations artistiques servent à faire tenir la classe, à faire tenir l’école. Cette enquête prend notamment en considération les éléments et les procédures d’investigation sous la forme d’entretiens avec l’enseignant engagé dans un projet artistique et culturel, et d’observations de séances en présence de l’artiste intervenant en classe. / This PhD thesis is a research about arts and culture at school, studying artistic projects and many effects on primary school. Seven french projects were analyzed.What effect can appear in artistic activities at school ? What happens when artists come to a primary school ? What would the teacher like to do with an artistic project ?Sociology of justification and objects delegation can help us to explain many interview points and to better analyse observation in the classroom.Through the examples of artistic and cultural (music, dance, puppet theatre, painting) projects carried out in seven classes of children, we realized, contrary to all expectations, that the setting up of many projects had a tendency to reinforce rules of behaviour. In fact, the discourse reveals that some teachers use art at school rather as a means of discipline in their class, instead of using it to develop expression, creation and the development of children.

Fondée sur l’approche proposée par Philip Auslander (2004), cette thèse est centrée sur la construction du personnage artistique de la chanteuse française Marianne Oswald (1901-1985), la relation dialogique qu’elle entretient avec ses publics et sa présence à travers la mémoire et l’histoire culturelle. Aujourd’hui méconnus, son non-conformisme, son style vocal parlé-chanté, sa nature engagée et sa force polarisante inspirent une importante élite artistique à Paris et lui valent le titre d’artiste la plus discutée des années 1930 dans la presse. À travers les concepts d’authenticité et de féminités, tels que relevés dans la presse artistique, l’autobiographie de la chanteuse et son répertoire musical, cette recherche explore l’incidence des rapports de réciprocité qui s’exercent entre le personnage, le public et la mémoire sur la réception et la création d’une multiplicité de représentations du personnage artistique et suggère que Marianne Oswald a tenu un rôle transformationnel dans l’histoire musicale et culturelle française.