Made available in DSpace on 2013-08-07T18:59:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000437991-Texto+Completo-0.pdf: 8718329 bytes, checksum: 619d22fef22b3648acc52b5dc5f88a35 (MD5) Previous issue date: 2012 / This thesis investigates the representation of cultural identity at Mercosul Biennial. The object of study is the photo essay Sangre, made by argentine Diego Levy, and the photo essay Fin de Zone Urban, made by paraguayan Carlos Bittar. These essays are printed in catalogue (Mercosul Biennial, 2003). The aim is analyze the four editions of BAVM (1997-2003), the photography and the modern subject. Based on investigation about identity, developed by Néstor García Canclini, Anthony Giddens and fundamentally Alain Touraine, this research affirms that the individual lives the estrangement between the State and the subject. Considering this context, this thesis argues that cultural identities are represented in these photo essays together to the process of making multiple territories. The main line of this interpretation is based on the theory about the dynamics of new territorialities developed by Rogério Haesbaert. Through the investigation developed by André Rouillé, this research understands that the photo essays were obtained by the praxis of photography-expression. This thesis recognized that the Mercosul Biennial is historic place. The photographer and the person photographed are associated as social actors. / Esta tese investiga a representação da identidade cultural na Bienal de Artes Visuais do Mercosul (BAVM). O objeto de estudo é o ensaio Sangre, feito pelo fotógrafo argentino Diego Levy, e o ensaio Fin de Zona Urbana, realizado pelo fotógrafo paraguaio Carlos Bittar. Ambos estão veiculados no quarto catálogo da BAVM (2003). Como parâmetros de estudo, analisam-se as quatro primeiras edições da BAVM (1997-2003), a fotografia e o sujeito moderno. Com base nas pesquisas sobre identidade desenvolvidas por Néstor García Canclini, Anthony Giddens e fundamentalmente Alain Touraine, o trabalho pauta-se na afirmação de que o ser humano experimenta o distanciamento entre Estado e sujeito. Considerando este contexto, defende-se que as identidades culturais representadas nestes ensaios fotográficos se encontram em processo e seu devir se dá na dinâmica deste sujeito em (re)territorializar-se. Este entendimento é afirmado com base na teoria da dinâmica de multiterritorialização desenvolvida por Rogério Haesbaert. Com fundamento nos estudos de André Rouillé, entende-se que os ensaios de Diego Levy e Carlos Bittar são resultados obtidos pela práxis da fotografia-expressão. Nesta pesquisa a BAVM é compreendida como espaço histórico. Tanto o sujeito-fotógrafo, quanto o sujeito-fotografado são percebidos como atores sociais.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:43:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gilberto Garcia da Costa Jr.pdf: 1348683 bytes, checksum: fb564ac68e4a84c4375f41b36e7be230 (MD5) Previous issue date: 2008-08-04 / Fundo Mackenzie de Pesquisa / This study is based on the assumption that art necessarily touches people and that everybody can have an aesthetic experience, regardless of previous knowledge about the universe of art. For the purpose of this work, we chose as corpus the 27th Bienal de São Paulo and its back stage professionals, a term that here encompasses security guards/audience ushers, cleaning personnel and assemblers of the event. There is always an aesthetic experience when someone deeply analyzes a piece of art. This work focus on the historical panorama of art shows and concentrates on the 27th Bienal de São Paulo, that had as theme How to Live Together. The concept the curators used was extracted from lectures and seminars given in the seventies of the last century by the French semiotician Roland Barthes. One finding of the work was that the professionals involved at the back stage of Bienal did not see themselves as belonging to the universe where they were inserted at the moment. A reason for this fact is that the own institution does not take into consideration those professionals as a target audience of the event, a wish that was manifested in the spoken statements. We can also observe that, along the show, the back stage professionals created own specific manners of speaking, or used the ones assimilated from other people, to describe the works of art. / Esta investigação parte dos pressupostos de que a arte, necessariamente, atinge as pessoas e de que todos podem compartilhar de uma experiência estética, independentemente do conhecimento prévio sobre o universo da arte. Para isso, escolhemos como corpus do trabalho a 27ª Bienal de São Paulo e os seus profissionais de bastidores, termo que abrange seguranças/orientadores de público, faxineiros e montadores desse evento. Sempre existe uma experiência estética quando alguém se debruça sobre uma obra de arte. O trabalho resgata o panorama histórico das Bienais para concentrar-se na 27ª Bienal de São Paulo, que teve no Como Viver Junto, o seu tema gerador. O conceito utilizado pela curadoria foi extraído de palestras e seminários proferidos na década de setenta do século XX pelo semiólogo francês Roland Barthes. O trabalho constata que os profissionais envolvidos nos bastidores da Bienal não se vêem como pertencentes ao universo no qual, no momento, estavam inseridos. E um dos motivos é o fato de a própria instituição não levar em consideração esses profissionais como público do evento, desejo que é manifestado por eles nos depoimentos coletados. Podemos perceber também que, no decorrer da mostra, os profissionais de bastidores criaram discursos. Sejam eles próprios ou apropriados dos discursos de outras pessoas (artistas, monitores, público).

Essa dissertação discute a X Bienal de São Paulo, de 1969, buscando investigá-la dentro de uma conjuntura sociopolítica e cultural marcada pelas arbitrariedades de um regime ditatorial, pelas manifestações coletivas contrárias às injustiças, e pela tomada de uma consciência social por artistas e críticos de arte. O estudo procura, dessa forma, ampliar a discussão para além do boicote que atingiu a organização e realização da mostra. Por meio de uma extensa pesquisa dos documentos relativos ao assunto acumulados no Arquivo Histórico Wanda Svevo Fundação Bienal de São Paulo, foi possível juntar um material informativo que auxiliou na reconstrução dos fatos. Ao lado disso, para estabelecer uma análise crítica dos dados encontrados, recorreu-se aos relatos dos acontecimentos publicados na imprensa escrita da época e a uma bibliografia atualizada do campo da política, da sociologia, da história e da arte. A pesquisa apresenta os diversos ângulos de visão e atitude que permearam o boicote e a X Bienal inseridos no contexto efervescente do final da década de 1960. A mostra se concretizou marcada por contestações políticas e culturais e reverberou internamente os mesmo conflitos e contradições ideológicas do cenário macropolítico. Essa agitação teve como origem o impulso utópico por transformações radicais das estruturas conservadoras. / This essay examine the 10th São Paulo Biennial, from 1969, investigating it within a cultural and socio-political situation marked by arbitrariness of a dictatorship, the collective manifestations against injustices, and the social consciousness taking by artists and art critics. The study aims, therefore, broaden the discussion beyond the boycott that has reached the arrangements and the materialization of the show. By an extensive research of documents related to the subject accumulated at the Wanda Svevo Historical Archive - São Paulo Biennial Foundation, it was possible to collect a number of information that helped reconstructing the facts. Besides, to establish a critical analysis of the informational findings, it was restored the published press reports from that time and an updated bibliography of politics, sociology, history and art field. The research presents the different angles of vision and attitude that permeated the boycott and the 10th Biennial seething within the context of the late 1960s. The show was achieved marked by political and cultural challenges and reverberated inside the same conflicts and ideological contradictions of the macro-political scenario. This agitation had its origins in the utopian impulse looking for transformations of the conservative structures.

Esta dissertação tem como foco analisar, através de um viés crítico, o diálogo entre curadoria e arquitetura presenciado nas exposições de Arte Contemporânea, tomando como estudo de caso a Bienal Internacional de Arte de São Paulo, à luz de suas expografias. Dentro do amplo contexto das Bienais é estabelecido um recorte que compreende as primeiras edições da década de 1980, decorrente de um contexto sócio-cultural mais amplo, amparado por uma conjuntura econômica local e internacional. O recorte incide sobre a XVI e a XVIII Bienais, edições realizadas, respectivamente, nos anos de 1981 e 1985. Este período, correspondente ao da redemocratização do Brasil, configura-se como peculiar dentro da história deste evento e representa um ponto de inflexão, quando foram reunidas as condições para saída de uma crise institucional verificada ao final dos anos de 1970. Esta escolha está intimamente vinculada a um novo contexto sócio-cultural que configurado na pós-modernidade. Esta nova lógica é conseqüência do capitalismo avançado, no qual os eventos culturais encontram-se inseridos na ótica de mercado e sujeitos a uma indústria. Sob estas condições é estabelecido um novo palco para as ações no campo das instituições que, através dos seus espaços expositivos, exercem o papel de enquadrar historicamente e legitimar as produções artísticas, contemplando assim a complexa pluralidade da Arte Contemporânea. Nos casos estudados, o espaço será compreendido pelo pensamento dos arquitetos e curadores envolvidos, submetidos a um dado momento histórico, o que os condicionou a revelar uma conjuntura cultural através da arte que propuseram a expor. Desta forma, a partir da análise proposta, será possível compreender as exposições como lugar de encontro entre o artista, sua arte e o espectador, encontro este mediado pela figura do curador e do arquiteto. Complementarmente, também foram investigadas as transformações no campo das artes plásticas a partir da segunda metade do século XX, os quais culminaram com as formas processuais e desamaterializantes das décadas de 1960 e 1970. Estas novas formas artísticas trouxeram conseqüências para o campo das exposições, que passaram a se readequar aos novos trabalhos de arte. As Bienais da década de 1980 são, de antemão, resultantes desta readequação, incorporando a arte a um discurso por elas estabelecido. / The focus of this dissertation is to analyze, through a critical bias, the dialogue between curatorship and architecture witnessed in the contemporary art exhibitions, taking as case study the Bienal Internacional de Arte de São Paulo, at the light of its expography. Within the wide context of these Bienais, clippings are established, which include the editions from the first half of the eighties, decurrent of a social and cultural wider context, supported by a local and an international economic conjuncture. The clipping concerns to the XVI and XVIII Bienais, editions accomplished, respectively, in 1981 and 1985. This period, corresponding to Brazils process of redemocratization, is configured as peculiar within the history of this event. Represents a point of inflection, where it was verified the meeting of exceptional conditions for exit of an institutional crisis in the end of the seventies. This choice is closely linked to a new social and cultural context configured in the post-modernity. This new logic is a consequence of the advanced capitalism, in which the cultural events are inserted in the optics of market and submitted to an industry. Under these conditions a new stage is established for the actions of the institutions that, through its exhibition spaces, assume the role to fit historically and to legitimize the artistic productions, thus contemplating the complex plurality of the contemporary art. In the studied cases, the space is understood through the architects and involved curators thought, submitted to a specific historical moment, which conditioned them to disclose a cultural conjuncture through the art that they propose to exhibit. In such way, from the analysis proposal, it will be possible to understand the exhibitions as place of meeting between the artist, its art and the spectator, mediated by the curator and the architect. Complementarily, it was also investigated the transformations in the field of arts from the second half of the twenty century, which had culminated with the dematerialized and process forms of art in the sixties and seventies. These new artistic forms brought consequences for the field of the exhibitions, which had to be readapted to the new works of art. The Bienais of the eighties are, of beforehand, resultants of these readaptations, incorporating the art to a speech established by them.

São raras as oportunidades para expor um traje de cena fora da cena, em uma exposição na qual seja possível refletir sobre a obra criada, seu processo de trabalho e propostas cênicas, tanto no País quanto no exterior. A maior exposição internacional de performance design acontece, há 58 anos, na República Tcheca, tendo reunido artistas, pesquisadores e estudantes de 90 países, na última edição, em 2015. Durante a Quadrienal de Praga (1967-2015), o Brasil já foi premiado diversas vezes, incluindo o prêmio máximo da PQ: a Triga de Ouro, em 1995 e 2011. Porém, a falta de uma instituição responsável pela organização da participação do País causa instabilidade nas formas curatoriais, além de escassez de verba. Este estudo investiga como o traje de cena do teatro brasileiro é representado na exposição internacional. Um percurso que se faz necessário iniciar na Bienal Internacional das Artes Plásticas do Teatro (1957 a 1973), evento criado como um quadro pertencente à Bienal de São Paulo e que, após sua quinta edição, faria surgir a exposição tcheca. Uma documentação inédita, com amplo resgate documental e iconográfico, compõe esta tese e serve como fundamental objeto de estudo para reconhecer qual a posição do traje cênico nesta trajetória de vinte edições, construída ao longo de 58 anos, para possibilitar a investigação da hipótese desta tese: confirmar se, no histórico da participação brasileira, entre 1987 e 2003 - quando a representação do país esteve aos cuidados do cenógrafo J. C. Serroni - houve algum tipo de preferência curatorial por artistas e/ou trabalhos cujos trajes de cena tenham reforçado uma possível presença de influência na construção da imagem do figurino teatral de acordo com estereótipos da cultura brasileira, em destaque as características estéticas do Carnaval. / There are few opportunities to expose a costume design out of the scene in an exhibition in which to reflect on the work created, their process and scenic proposals, both at home and abroad. The largest international exhibition of performance design happens, during the last 58 years, at the Czech Republic and brought together artists, researchers and students from ninety countries in the last edition in 2015. During the Prague Quadrennial (1967-2015), Brazil has been awarded several times, including with the top prize of the PQ: the Golden Triga, in 1995 and 2011. However, the lack of an institution responsible for organizing the country\'s participation causes instability in curatorial forms, as well as lack of funds. This study investigates how the Brazilian theatrical costume design is represented at the international exhibition. A route that is needed to start with the International Biennial of Visual Arts of Theater (1957-1973), an event created as a frame belonging to the Bienal de São Paulo and, after its fifth edition, would raise the Czech exhibition. An unpublished documentation with extensive documentary and iconographic rescue, makes up this thesis and serves as a fundamental object of study to recognize what position the scenic costume has in this twenty editions\' trajectory, built over 58 years, to enable the research hypothesis of this thesis: confirm that, in the history of Brazilian participation at PQ, between 1987 and 2003 - when the representation of the country was in the care of set designer J. C. Serroni - there was some sort of curatorial preference by artists and / or works that led to the reinforcement of stereotypes of the Brazilian culture, highlighted the aesthetic features of the Carnival.

A imagem do artista e os diferentes públicos. Um estudo de caso na 6ª Bienal do Mercosul é uma pesquisa no campo da História, Teoria e Crítica de Arte que apresenta uma abordagem sociológica do estatuto do artista contemporâneo e visa analisar o quanto a construção e divulgação de uma “imagem” (entendida enquanto nome, conceito e reputação) em torno da figura do artista contemporâneo é importante para o seu desempenho profissional no atual sistema das artes plásticas. Baseando-se fundamentalmente em um estudo de caso realizado durante a 6ª Bienal do Mercosul, é questão central, neste trabalho, tentar compreender como o público que visita as bienais vê a figura do artista plástico contemporâneo. Para isso, são propostas as seguintes questões: Existe uma “imagem”, enquanto conceito, do artista? Essa imagem-conceito é veiculada em diferentes meios, como os de comunicação? Como essa imagem-conceito é encarada pelo próprio artista, pelo público especializado e pelo grande público? Como o público que freqüenta a Bienal do Mercosul se aproxima da imagem do artista contemporâneo? A dissertação foi dividida em 4 capítulos. Para enriquecer cada um dos 3 últimos capítulos, foram utilizadas entrevistas ordenadas em 3 grupos distintos. No primeiro capítulo, são apresentados conceitos importantes como o de distinção, de rede, de imagem e o de regime de singularidade. No segundo capítulo, são abordadas questões sobre a importância de reconhecerse e de ser reconhecido como artista. No terceiro, são discutidas questões referentes aos meios de divulgação da imagem do artista no sistema, como os meios de comunicação e as bienais. Nesse capítulo, foi feito um levantamento de dados a respeito das capas da revista Aplauso. E no quarto e último capítulo é apresentado o estudo de caso feito na 6ª Bienal do Mercosul através de entrevistas com os curadores Gabriel Perez-Barreiro e Moacir dos Anjos, com os artistas Cildo Meireles, Waltércio Caldas e Nelson Leirner e com uma amostra do público visitante. / The image of the artist and the different audiences. A case study at the 6th Bienal do Mercosul is a research work on the fields of History and Art Theory and Criticism which presents a sociological approach to the statute of the contemporary artist and aims at analyzing how important is the construction and publicizing of an “image” (understood as name, concept and reputation) around the contemporary artist to its professional performance in the current Plastic Arts system. The central question in this work, which is based fundamentally on a case study undertaken during the 6th Bienal do Mercosul, is trying to comprehend how the general audience sees the figure of the contemporary plastic artist. With this aim, the following questions are proposed: Is there an “image”, as a concept, of the artist? Is this image-concept disseminated in different Media vehicles? How this image-concept is faced by the artist himself, by the specific audience and the general audience? How does the audience of the Bienal do Mercosul approaches the image of the contemporary artist? This dissertation is divided in 4 chapters. To make each of the last 3 chapters richer, interviews ordered in 3 distinct groups were employed. In the first chapter, important concepts like distinction, network, image and singularity regime are presented. In the second chapter, questions about the importance of acknowledging oneself and being acknowledged by others as an artist are approached. In the third chapter, questions regarding the means for divulging the image of the artist in the system, like the Media and the Bienals, are discussed. In such chapter, a data survey regarding the covers of the Aplauso magazine was performed. And in the fourth and last chapter the case study undertaken during the 6th Bienal do Mercosul by interviewing the curators Gabriel Perez-Barreiro and Moacir dos Anhos, the artists Cildo Meireles, Waltércio Caldas and Nelson Leirner and the audience is presented.

A imagem do artista e os diferentes públicos. Um estudo de caso na 6ª Bienal do Mercosul é uma pesquisa no campo da História, Teoria e Crítica de Arte que apresenta uma abordagem sociológica do estatuto do artista contemporâneo e visa analisar o quanto a construção e divulgação de uma “imagem” (entendida enquanto nome, conceito e reputação) em torno da figura do artista contemporâneo é importante para o seu desempenho profissional no atual sistema das artes plásticas. Baseando-se fundamentalmente em um estudo de caso realizado durante a 6ª Bienal do Mercosul, é questão central, neste trabalho, tentar compreender como o público que visita as bienais vê a figura do artista plástico contemporâneo. Para isso, são propostas as seguintes questões: Existe uma “imagem”, enquanto conceito, do artista? Essa imagem-conceito é veiculada em diferentes meios, como os de comunicação? Como essa imagem-conceito é encarada pelo próprio artista, pelo público especializado e pelo grande público? Como o público que freqüenta a Bienal do Mercosul se aproxima da imagem do artista contemporâneo? A dissertação foi dividida em 4 capítulos. Para enriquecer cada um dos 3 últimos capítulos, foram utilizadas entrevistas ordenadas em 3 grupos distintos. No primeiro capítulo, são apresentados conceitos importantes como o de distinção, de rede, de imagem e o de regime de singularidade. No segundo capítulo, são abordadas questões sobre a importância de reconhecerse e de ser reconhecido como artista. No terceiro, são discutidas questões referentes aos meios de divulgação da imagem do artista no sistema, como os meios de comunicação e as bienais. Nesse capítulo, foi feito um levantamento de dados a respeito das capas da revista Aplauso. E no quarto e último capítulo é apresentado o estudo de caso feito na 6ª Bienal do Mercosul através de entrevistas com os curadores Gabriel Perez-Barreiro e Moacir dos Anjos, com os artistas Cildo Meireles, Waltércio Caldas e Nelson Leirner e com uma amostra do público visitante. / The image of the artist and the different audiences. A case study at the 6th Bienal do Mercosul is a research work on the fields of History and Art Theory and Criticism which presents a sociological approach to the statute of the contemporary artist and aims at analyzing how important is the construction and publicizing of an “image” (understood as name, concept and reputation) around the contemporary artist to its professional performance in the current Plastic Arts system. The central question in this work, which is based fundamentally on a case study undertaken during the 6th Bienal do Mercosul, is trying to comprehend how the general audience sees the figure of the contemporary plastic artist. With this aim, the following questions are proposed: Is there an “image”, as a concept, of the artist? Is this image-concept disseminated in different Media vehicles? How this image-concept is faced by the artist himself, by the specific audience and the general audience? How does the audience of the Bienal do Mercosul approaches the image of the contemporary artist? This dissertation is divided in 4 chapters. To make each of the last 3 chapters richer, interviews ordered in 3 distinct groups were employed. In the first chapter, important concepts like distinction, network, image and singularity regime are presented. In the second chapter, questions about the importance of acknowledging oneself and being acknowledged by others as an artist are approached. In the third chapter, questions regarding the means for divulging the image of the artist in the system, like the Media and the Bienals, are discussed. In such chapter, a data survey regarding the covers of the Aplauso magazine was performed. And in the fourth and last chapter the case study undertaken during the 6th Bienal do Mercosul by interviewing the curators Gabriel Perez-Barreiro and Moacir dos Anhos, the artists Cildo Meireles, Waltércio Caldas and Nelson Leirner and the audience is presented.

A imagem do artista e os diferentes públicos. Um estudo de caso na 6ª Bienal do Mercosul é uma pesquisa no campo da História, Teoria e Crítica de Arte que apresenta uma abordagem sociológica do estatuto do artista contemporâneo e visa analisar o quanto a construção e divulgação de uma “imagem” (entendida enquanto nome, conceito e reputação) em torno da figura do artista contemporâneo é importante para o seu desempenho profissional no atual sistema das artes plásticas. Baseando-se fundamentalmente em um estudo de caso realizado durante a 6ª Bienal do Mercosul, é questão central, neste trabalho, tentar compreender como o público que visita as bienais vê a figura do artista plástico contemporâneo. Para isso, são propostas as seguintes questões: Existe uma “imagem”, enquanto conceito, do artista? Essa imagem-conceito é veiculada em diferentes meios, como os de comunicação? Como essa imagem-conceito é encarada pelo próprio artista, pelo público especializado e pelo grande público? Como o público que freqüenta a Bienal do Mercosul se aproxima da imagem do artista contemporâneo? A dissertação foi dividida em 4 capítulos. Para enriquecer cada um dos 3 últimos capítulos, foram utilizadas entrevistas ordenadas em 3 grupos distintos. No primeiro capítulo, são apresentados conceitos importantes como o de distinção, de rede, de imagem e o de regime de singularidade. No segundo capítulo, são abordadas questões sobre a importância de reconhecerse e de ser reconhecido como artista. No terceiro, são discutidas questões referentes aos meios de divulgação da imagem do artista no sistema, como os meios de comunicação e as bienais. Nesse capítulo, foi feito um levantamento de dados a respeito das capas da revista Aplauso. E no quarto e último capítulo é apresentado o estudo de caso feito na 6ª Bienal do Mercosul através de entrevistas com os curadores Gabriel Perez-Barreiro e Moacir dos Anjos, com os artistas Cildo Meireles, Waltércio Caldas e Nelson Leirner e com uma amostra do público visitante. / The image of the artist and the different audiences. A case study at the 6th Bienal do Mercosul is a research work on the fields of History and Art Theory and Criticism which presents a sociological approach to the statute of the contemporary artist and aims at analyzing how important is the construction and publicizing of an “image” (understood as name, concept and reputation) around the contemporary artist to its professional performance in the current Plastic Arts system. The central question in this work, which is based fundamentally on a case study undertaken during the 6th Bienal do Mercosul, is trying to comprehend how the general audience sees the figure of the contemporary plastic artist. With this aim, the following questions are proposed: Is there an “image”, as a concept, of the artist? Is this image-concept disseminated in different Media vehicles? How this image-concept is faced by the artist himself, by the specific audience and the general audience? How does the audience of the Bienal do Mercosul approaches the image of the contemporary artist? This dissertation is divided in 4 chapters. To make each of the last 3 chapters richer, interviews ordered in 3 distinct groups were employed. In the first chapter, important concepts like distinction, network, image and singularity regime are presented. In the second chapter, questions about the importance of acknowledging oneself and being acknowledged by others as an artist are approached. In the third chapter, questions regarding the means for divulging the image of the artist in the system, like the Media and the Bienals, are discussed. In such chapter, a data survey regarding the covers of the Aplauso magazine was performed. And in the fourth and last chapter the case study undertaken during the 6th Bienal do Mercosul by interviewing the curators Gabriel Perez-Barreiro and Moacir dos Anhos, the artists Cildo Meireles, Waltércio Caldas and Nelson Leirner and the audience is presented.

São raras as oportunidades para expor um traje de cena fora da cena, em uma exposição na qual seja possível refletir sobre a obra criada, seu processo de trabalho e propostas cênicas, tanto no País quanto no exterior. A maior exposição internacional de performance design acontece, há 58 anos, na República Tcheca, tendo reunido artistas, pesquisadores e estudantes de 90 países, na última edição, em 2015. Durante a Quadrienal de Praga (1967-2015), o Brasil já foi premiado diversas vezes, incluindo o prêmio máximo da PQ: a Triga de Ouro, em 1995 e 2011. Porém, a falta de uma instituição responsável pela organização da participação do País causa instabilidade nas formas curatoriais, além de escassez de verba. Este estudo investiga como o traje de cena do teatro brasileiro é representado na exposição internacional. Um percurso que se faz necessário iniciar na Bienal Internacional das Artes Plásticas do Teatro (1957 a 1973), evento criado como um quadro pertencente à Bienal de São Paulo e que, após sua quinta edição, faria surgir a exposição tcheca. Uma documentação inédita, com amplo resgate documental e iconográfico, compõe esta tese e serve como fundamental objeto de estudo para reconhecer qual a posição do traje cênico nesta trajetória de vinte edições, construída ao longo de 58 anos, para possibilitar a investigação da hipótese desta tese: confirmar se, no histórico da participação brasileira, entre 1987 e 2003 - quando a representação do país esteve aos cuidados do cenógrafo J. C. Serroni - houve algum tipo de preferência curatorial por artistas e/ou trabalhos cujos trajes de cena tenham reforçado uma possível presença de influência na construção da imagem do figurino teatral de acordo com estereótipos da cultura brasileira, em destaque as características estéticas do Carnaval. / There are few opportunities to expose a costume design out of the scene in an exhibition in which to reflect on the work created, their process and scenic proposals, both at home and abroad. The largest international exhibition of performance design happens, during the last 58 years, at the Czech Republic and brought together artists, researchers and students from ninety countries in the last edition in 2015. During the Prague Quadrennial (1967-2015), Brazil has been awarded several times, including with the top prize of the PQ: the Golden Triga, in 1995 and 2011. However, the lack of an institution responsible for organizing the country\'s participation causes instability in curatorial forms, as well as lack of funds. This study investigates how the Brazilian theatrical costume design is represented at the international exhibition. A route that is needed to start with the International Biennial of Visual Arts of Theater (1957-1973), an event created as a frame belonging to the Bienal de São Paulo and, after its fifth edition, would raise the Czech exhibition. An unpublished documentation with extensive documentary and iconographic rescue, makes up this thesis and serves as a fundamental object of study to recognize what position the scenic costume has in this twenty editions\' trajectory, built over 58 years, to enable the research hypothesis of this thesis: confirm that, in the history of Brazilian participation at PQ, between 1987 and 2003 - when the representation of the country was in the care of set designer J. C. Serroni - there was some sort of curatorial preference by artists and / or works that led to the reinforcement of stereotypes of the Brazilian culture, highlighted the aesthetic features of the Carnival.

Essa dissertação discute a X Bienal de São Paulo, de 1969, buscando investigá-la dentro de uma conjuntura sociopolítica e cultural marcada pelas arbitrariedades de um regime ditatorial, pelas manifestações coletivas contrárias às injustiças, e pela tomada de uma consciência social por artistas e críticos de arte. O estudo procura, dessa forma, ampliar a discussão para além do boicote que atingiu a organização e realização da mostra. Por meio de uma extensa pesquisa dos documentos relativos ao assunto acumulados no Arquivo Histórico Wanda Svevo Fundação Bienal de São Paulo, foi possível juntar um material informativo que auxiliou na reconstrução dos fatos. Ao lado disso, para estabelecer uma análise crítica dos dados encontrados, recorreu-se aos relatos dos acontecimentos publicados na imprensa escrita da época e a uma bibliografia atualizada do campo da política, da sociologia, da história e da arte. A pesquisa apresenta os diversos ângulos de visão e atitude que permearam o boicote e a X Bienal inseridos no contexto efervescente do final da década de 1960. A mostra se concretizou marcada por contestações políticas e culturais e reverberou internamente os mesmo conflitos e contradições ideológicas do cenário macropolítico. Essa agitação teve como origem o impulso utópico por transformações radicais das estruturas conservadoras. / This essay examine the 10th São Paulo Biennial, from 1969, investigating it within a cultural and socio-political situation marked by arbitrariness of a dictatorship, the collective manifestations against injustices, and the social consciousness taking by artists and art critics. The study aims, therefore, broaden the discussion beyond the boycott that has reached the arrangements and the materialization of the show. By an extensive research of documents related to the subject accumulated at the Wanda Svevo Historical Archive - São Paulo Biennial Foundation, it was possible to collect a number of information that helped reconstructing the facts. Besides, to establish a critical analysis of the informational findings, it was restored the published press reports from that time and an updated bibliography of politics, sociology, history and art field. The research presents the different angles of vision and attitude that permeated the boycott and the 10th Biennial seething within the context of the late 1960s. The show was achieved marked by political and cultural challenges and reverberated inside the same conflicts and ideological contradictions of the macro-political scenario. This agitation had its origins in the utopian impulse looking for transformations of the conservative structures.