Dissertation--Kunstgeschichte--Bern, 1984. / Bibliogr. p. 343-376.

Cette thèse vise à mettre en lumière les déplacements des frontières artistiques à travers le cas de la céramique contemporaine, un monde périphérique parmi la nébuleuse des mondes de l’art. Au-delà de la rupture classique entre les modèles de l’art et de l’artisanat, cette recherche analyse comment s’édifie un monde avec une identité artistique et culturelle forte et dans lequel, les amateurs jouent un rôle significatif. De la cohabitation de deux versants au cœur de la céramique contemporaine — le régime patrimonial et le paradigme de l’art contemporain — résulte une situation de relative marginalité : d’un côté se trouve la faible reconnaissance de la céramique au sein de la scène artistique contemporaine (et de ses marchés) et de l’autre, l’attachement artistique des acteurs sociaux (céramistes, amateurs, collectionneurs, professionnels) ainsi qu’une double appartenance affirmée comme une valeur. Partant d’une enquête réalisée auprès des amateurs de céramique, nous analysons la céramophilie et les enjeux de la dimension affective de l’engagement et l’attachement artistiques sur les orientations de la céramique et son système de significations. C’est également à partir d’un état des lieux organisationnel, professionnel et symbolique, que nous étudions les basculements axiologiques opérés par le processus d’artification. Les espaces où se structurent les valeurs esthétiques et marchandes des objets (marchés potiers, galeries, musées, salons, etc.) mettent en évidence une économie artistique instable, mais constante. L’étude de la médiation — comme le territoire où se préfigurent les représentations — rend compte d’un monde régi par une forte proximité humaine plutôt que par les relations institutionnelles. Cette thèse aspire à montrer ainsi comment, malgré les multiples tensions présentes au sein de ce monde de l’art, celui-ci existe grâce aux valeurs différentielles entre l’art contemporain et l’artisanat d’art. Et que sa difficulté à (se) définir en art contemporain est traversée par l’existence même de ces paradoxes, lesquels s’inscrivent dans la pluralité des pratiques et dans l’instabilité des ambitions des acteurs. C’est alors que ces contradictions cohabitent au cœur de l’identité collective de cette communauté artistique, et s’affirment par l’attachement des amateurs et « céramophiles ». / This thesis aims to highlight the displacements of artistic borders through the case of contemporary ceramics, a peripheral world among the nebula of the worlds of art. Beyond the classic break between art and craft models, this research analyzes how a world with a strong artistic and cultural identity is built and in which amateurs plays a significant role. From the coexistence of two sides within the heart of contemporary ceramics - the patrimonial regime and the paradigm of contemporary art – gives birth to a situation of relative marginality: on the one hand there is the low recognition of ceramics within the artistic scene, on the other hand, the artistic attachment of social actors (ceramists, amateurs, collectors, professionals) who consider their double sense of belonging as a value. Based on a survey of ceramic amateurs, we analyze ceramophilia and the stakes of the emotional dimension of artistic commitment and attachment to the orientations of ceramics and the renewal of its system of meanings. It is also from an organizational, professional and symbolic inventory that we study the axiological changes affected by the process of artification. The spaces where the aesthetic and market values of objects (pottery markets, galleries, museums, exhibitions, etc.) are structured show an unstable but constant artistic economy. The study of mediation - as the territory where representations are prefigured - reflects a world governed by a close human proximity rather than by institutional relations. This thesis aspires to show how, despite the many tensions present within this art world, this one exists because of the differential values between contemporary art and arts and crafts and its difficulty to define itself in contemporary art, which is intersected by the paradoxical ambitions of its developers, who coexist and reaffirm themselves at the heart of the collective identity of an artistic community, thanks to the commitment of the same aforementioned amateurs and ceramophiles.

La constitution d'une collection privée résulte d'un engagement à long terme et relève de choix personnels qui reposent sur des critères que se fixent les collectionneurs eux-mêmes. Pour Pierre et Annie Cantin, qui amorcent dans les années 1960 une collection qui comprendra, à terme, plus de 5 000 objets, ce projet s'articule autour d'une volonté de sauvegarder le patrimoine pour les générations futures. L'origine du projet est étroitement liée à l'acquisition et à la restauration du manoir de Charleville, à Boischatel, où le couple habite, entouré de ses objets, et projette d'ouvrir un musée d'arts et tradition, qui ne verra finalement jamais le jour. En 2007, Pierre et Annie Cantin offrent la majeure partie de leur collection au Musée de la civilisation, à Québec, peu de temps avant le décès du collectionneur. L'institution conserve aujourd’hui quelque 1 800 objets de cette collection privée, en faisant dorénavant un bien collectif. Afin de mieux comprendre les dynamiques à l'œuvre dans la démarche de collectionnement de Pierre et d'Annie Cantin, cette thèse explore le processus d'attribution de valeurs qui a orienté la constitution de l'ensemble et interroge l'influence de l'affectivité à toutes les étapes de la démarche. Pour ce faire, nous proposons d'interroger la collection comme un lieu de dialogue entre une rationalité savante dont le couple se réclame et la part d'affectivité dont les objets se trouvent investis. En nous inspirant d'une démarche que Véronique Dassié (2010) qualifie d'« ethnologie de l'intime », nous proposons un regard ethnologique sur la pratique de collectionnement qui s'appuie en grande partie sur le témoignage de la collectionneuse qui en est à l'origine, mais également sur l'analyse matérielle des objets offerts au Musée de la civilisation. De cette démarche ont émergé un ensemble de récits qui forment le cœur de l'analyse. À l'intersection des objets et du discours à leur propos se profile le regard singulier que pose la collectionneuse sur son ensemble. Son témoignage offre une rare occasion d'explorer la nature de la relation qui unit les collectionneurs à leurs objets. Il rend compte du regard rétrospectif qu'elle pose sur sa démarche et révèle les différentes valeurs dont les objets sont investis au fil de leurs parcours biographiques. Émergent dès lors les histoires que la collection permet de raconter, certaines témoignant d'un passé collectif, d'autres ancrées plutôt dans des souvenirs personnels que la vue des objets évoque et qui dévoilent des fragments de la vie quotidienne, voire intime, de Pierre et d'Annie Cantin. / Private collections are the result of collectors' long-term commitment, and their development is guided by personal choices and criteria decided upon by collectors themselves. Pierre and Annie Cantin, who began collecting in the 1960s and whose collection would eventually include upwards of 5,000 artifacts, saw collecting as a means to safeguard Quebec's cultural heritage for future generations. The acquisition and restauration, by the collectors, of the manoir de Charleville in Boischatel, where the couple lived surrounded by their objects, played a major role in instigating the couple's collecting practice. Their dream of one day opening a museum of popular arts and traditions in this residence, however, never materialized. In 2007, shortly before Pierre Cantin's death, the couple thus donated the major part of their collection to the Musée de la civilisation, in Quebec City. The institution has since acquired some 1,800 objects from this private collection, now considered part of a collective heritage. In an attempt to better understand the dynamics at work in Pierre and Annie Cantin's collecting practice, this dissertation explores the valuation process at the heart of collecting and the influence of affectivity in each step of the development of the collection. This leads us to regard the collection as a place of dialogue between a knowledge-based rationality to which the collectors pretend and an element affectivity the objects are invested with. Inspired by an approach Véronique Dassié (2010) describes as an “ethnology of the intimate”, this research offers an ethnological perspective on collecting as practice. It mainly hinges on the collector's own recollections through a series of interviews, but also on a material analysis of the artifacts the couple offered to the Musée de la civilisation. From there emerged a collection of narratives that form the heart of this analysis. Annie Cantin's unique perspective on her collection appears where the objects and her discourse intersect. Her testimony affords a rare occasion to explore the nature of the relationship that develops between collectors and their objects through the retrospective gaze it offers on her collecting practice and reveals the meanings and values objects are infused with throughout their life trajectories. Through the collector's discourse, the stories that the object support appear, some referring to a collective past, other rooted in personal memories sparked by the presence of artifacts. These stories unveil fragments of Pierre and Annie Cantin's daily and, at times, intimate life.

Texte remanié de: Thèse--Lettres--Paris X, 1977. / Bibliogr. p. 241-252. Thèse soutenue sous le titre : "Catalogue raisonné de la céramique attique conservée à la Société archéologique de Montpellier"

Cette étude se propose de présenter l'évolution des collections privées d'art contemporain en Grèce au cours du siècle dernier. Malgré la forte présence du phénomène, les études à ce sujet sont rares, surtout concernant la période contemporaine qui est souvent délaissée au profit de l'archéologie et de la période byzantine. Pourtant, le phénomène du collectionnisme est très présent en Grèce et il est étroitement lié à I'histoire politique et sociale du pays, à des phénomènes tels que l'évergétisme, la diaspora et l'essor économique du pays à partir des années quatre-vingts lors de son entrée dans la Communauté Économique Européenne. Ainsi, l'aspect du phénomène se trouve-t-il en constante mutation. L'objectif de cette étude est donc une première approche des divers aspects du collectionnisme, étudié en relation avec l'histoire culturelle du pays, à travers les portraits de nombreux collectionneurs grecs qui ont vécu au XXe siècle. Ces passionnés d'art ont fortement marqué le paysage artistique et culturel de leur pays d'origine - mais aussi parfois de leur pays d'accueil - notamment grâce à la mise en valeur d'artistes et à l'influence du goût, mais surtout parce que leur activité est liée à la constitution de collection de musées de beaux-arts et de fondations privées. / This study aims to describe the history and situation of the private contemporary art collections in Greece du ring the last century. Despite the strong presence of the phenomenon, studies on this subject are scarce, especially in regard to the contemporary period, which is often neglected in favor of the Archeological and Byzantine period. However, the phenomenon of collecting contemporary art is very present in Greece and it is closely linked to the political and social history, to phenomenas such as benefaction, diaspora and the economic growth of the country, from the eighties upon entry into the European Economic Community. Thus, the appearance of the phenomenon is constantly changing. What is studied here is a first approach to the various aspects of collecting contemporary art in relation to the cultural history of the country, through the portraits of many iconic Greek collectors who lived in the twentieth century. These art lovers have strongly influenced the artistic and cultural landscape of their country of origin - but also sometimes to their home countries - through the discovery of artists and the influence of taste. The latter was achieved especially because their activity was related to the establishment of the permanent collections of fine art museums and private foundations.

L’histoire des collections est une thématique majeure de la muséologie, toutefois, force est de constater que malgré l’inventaire des collections océaniennes réalisé dans les années 1980, la constitution des fonds régionaux est méconnue. Le passé mouvementé des inventaires et de la gestion des collections explique la perte des données. Objets sans numéro, étiquettes orphelines, multiplication des numérotations successives, etc. sont des plaies bien connues des conservateurs et responsables des collections. Mais peut-on vraiment exposer un artefact pour lui-même ? N’est-il pas important d’envisager son histoire et l’origine de sa présence dans l’institution pour mieux le présenter ? Notre objectif est donc de retracer, au travers des archives, le parcours de ces objets depuis l’Océanie jusque dans les musées du Nord et du Pas-de-Calais. Ce focus régional s’explique par la richesse du fonds océanien. Nous nous sommes part iculièrement penchée sur les contributeurs – les donateurs et vendeurs – dont l’action, liée à des phénomènes de sociabilités notariales, est indissociable de l’histoire de ces artefacts. Notre but est de révéler la façon dont ces objets ont intégré les établissements, leur réception non seulement par les membres des administrations muséales mais aussi par le public, ainsi que les procédés mis en œuvre pour exposer ces artefacts. Deux établissements dominent largement notre ouvrage, les musées de Boulogne-sur-Mer et celui de la Chartreuse de Douai. La profusion de la documentation conservée, ainsi que le destin tragique du second, explique cette prééminence. Les autres institutions concernées sont le musée de l’Hôtel Sandelin de Saint-Omer, le musée de Beaux-Arts de Dunkerque et le Muséum d’Histoire Naturelle de Lille. Notre étude se concentre particulièrement sur le XIXe siècle, depuis la création du premier musée en 1825 à Boulogne-sur-Mer. / The history of the collections has been a main focus in the Museum Studies since the late 20th century. However, despite having been inventoried in the 1980s, the past of pacific collections is still mainly undiscovered, the process of their incorporation into the museum unkown. It is mostly due to the eventful history of inventories and collection managments. Museum curators often encounter objects unumbered, labels unconnected to any artifact, several numbers for the same object... But is displaying an object detached from any historical background a viable option ? Or should we always consider its history and the way it became a museum piece ? Our goal is to relate the pacific collections past, looking through the archives, unraveling the steps these artifacts took from the Pacific to Northern France. The diversity and profusion of pacific material in the North and Pas-de-Calais departments account for our regional focus. Our main point of interest is the collectors and donators, men and women who took part to the history of the artifacts, in the contexte of the notable socialibity. We highlight the way these objects came to enter the inventory of the museum, the way they were perceived by the administrations and the public, but also the way they were displayed. The two main institutions in our study are the Museums of Boulogne-sur-Mer and Douai. Both are rich in archives material and the tragic destiny of the second warrant this pre- eminence. The Hôtel Sandelin of Saint-Omer, Dunkerque Fine Arts and Lille Natural History Museums are the three other study cases presented in our thesis. Our time frame is mainly set on the 19th century, with a starting point at the creation of the first institution, the Boulogne- sur-Mer Museum.

Dès le début du XIXe siècle, le Séminaire de Québec avait entrepris de se constituer une collection de monnaies qui devait servir de complément à l'enseignement livresque des humanités. En 1865, le leg du musée numismatique de Charles P. Frémont, spécialisé dans les monnaies des empereurs romains, donna naissance à la collection de monnaies antiques du Séminaire de Québec. Et, durant un peu plus d'un siècle, son développement fut lié à l'évolution de cette institution. Le Musée du Séminaire de Québec, devenu une corporation privée en 1983, possède aujourd'hui une collection de 314 pièces antiques, en majorité d'époque gréco-romaine, formée à partir de dons et de legs. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2013

Au 20e siècle en France et en Allemagne, l’art moderne prend son essor. Certains, comme Francastel, qualifient cet art de destruction d’un espace plastique classique. Cette destruction devient un vecteur de création chez plusieurs artistes qui, suite aux deux grandes guerres, remettent en question leur état « civilisé » et se tournent vers le « primitif » pour offrir une autre voie, loin de tout processus civilisateur. Cette admiration pour les peuples primitifs ainsi que pour les productions artistiques d’enfants, d’amateurs et de « fous » est visible chez plusieurs collectionneurs d’art. En constituant des collections d’art marginal, ces derniers défendaient une idéologie qui propose une autre forme de culture en remplacement d’une civilisation dépassée. Grâce à leurs collections, la libre expression se positionna contre le rationalisme occidental. On compte, parmi ces collectionneurs, le psychiatre Hans Prinzhorn, le marchand d’art Wilhelm Udhe et les artistes André Breton, Jean Dubuffet et Arnulf Rainer. Chacun d’eux a eu un impact sur la construction du récit de l’art moderne et de l’art contemporain. Leurs collections ont chacune sa spécificité et offrent des vocabulaires différents pour parler de productions artistiques marginales, c’est-à-dire se développant « hors culture ». C’est par l’analyse des terminologies employées par les collectionneurs, principalement la dénomination d’art pathologique, que nous tracerons un portrait de la construction historique de l’art marginal en lien avec l’art moderne / Modern art began its rise at the beginning of the twentieth century in both France and Germany. Somme art theorists like Francastel, propose an identifying characteristic of modern art is the deconstruction of the classic plastic space. During the two World Wars, many artists used this deconstructive process, thus reinvigorating art with ‘‘primitive’’ styles which challenged the ‘‘civilized’’ art of the day. This fascination with the ‘‘primitive’’, including art from children, amateurs, and the ‘‘mentally ill’’, is apparent in many art collections of the time. By collecting these forms of art, the collectors were supporting this new ideology in opposition to occidental rationalism. The psychiatrist Hans Prinzhorn, along with the art sellers Wilhelm Udhe and the artists Andre Breton, Jean Dubuffet and Arnulf Rainer, are a few of the notable collectors. They each influenced the progress of Modern Art; the impact of which is now evident in contemporary art. The individuality of their unique collections offers different interpretations of the marginalized ‘‘outsider art’’. By analyzing the terminologies employed by these collectors, particularly in regards to ‘‘pathological art’’, we may outline a portrait of the development of ‘‘outsider art’’ as it progressed along side modern art.

La période qui s’étende de la fin du XVIIIe siècle à la première moitié du XIXe constitue un âge d’or de la numismatique chinoise. Suite à l’édition en 1751 du Qinding qianlu, nombreux sont les collectionneurs qui s’intéressent à la monnaie et qui s’engagent dans la publication de catalogues, de monographies ou d’études érudites. Ces publications qui s’inspirent des méthodes appliquées en littérature par le courant d’érudition appelé l’ « Ecole des vérifications et des preuves » (kaozhengxue), entraînent une révolution méthodologique dans les études numismatiques. L’œuvre la plus représentative de cette période est le Guquanhui de Li Zuoxian (1807-1876) publiée en 1864. Cet ouvrage rassemble les collections, ainsi que les idées d’une communauté de passionnés qui correspondaient régulièrement, s’échangeaient des monnaies, estampages ou encore manuscrits et se réunissaient parfois. Mettre en évidence la nature des correspondances entre membres de ce cercle et l’existence d’échanges marchands et amicaux entre passionnés à la capitale permet de comprendre dans quelle mesure les échanges informels ont contribué à l’élaboration de critères d’étude des monnaies et à faire faire un bond qualitatif sans précédent à la numismatique chinoise. Il s’agit de voir quand quelle mesure les réseaux de sociabilité existant entre collectionneurs ont contribué aux progrès significatifs de cette époque, c’est-à-dire de retracer l’apparition d’une exigence de scientificité dans le milieu des collectionneurs privés. Cette recherche questionne aussi l’articulation entre le goût de la collection et la réflexion historique savante. / The period from the late eighteenth century to the mid-nineteenth constitutes a golden age for Chinese numismatics. Following the publication in 1751 of the Qinding qianlu (The Imperially Ordered Catalogue of Coins), many collectors became interested in coins and engaged themselves in publishing catalogues, monographs, or studies. These publications using the methods employed in littérature by the « Evidential studies » (kaozhengxue), created a révolution in methods in numismatics studies. The most représentative work of this period is the Guquanhui (Catalogue of Ancient Coins) published by Li Zuoxian (1807-1876) in 1864. This book brings together the collections and the ideas of a community of collectors that met regularly, exchanged coins, rubbings or unpublished documents. These informal exchanges have contributed to the invention of criteria for the study of coins and to the qualitative leap made in Chinese numismatics. An attempt will be made to understand how social networks between collectors have conrtbuted to the significant progress of that time, and to trace the emergence of a requirement of scientific approach among coin collectors. This reserch also questions the relation betwwen the taste for collection and historical thinking.

Au 20e siècle en France et en Allemagne, l’art moderne prend son essor. Certains, comme Francastel, qualifient cet art de destruction d’un espace plastique classique. Cette destruction devient un vecteur de création chez plusieurs artistes qui, suite aux deux grandes guerres, remettent en question leur état « civilisé » et se tournent vers le « primitif » pour offrir une autre voie, loin de tout processus civilisateur. Cette admiration pour les peuples primitifs ainsi que pour les productions artistiques d’enfants, d’amateurs et de « fous » est visible chez plusieurs collectionneurs d’art. En constituant des collections d’art marginal, ces derniers défendaient une idéologie qui propose une autre forme de culture en remplacement d’une civilisation dépassée. Grâce à leurs collections, la libre expression se positionna contre le rationalisme occidental. On compte, parmi ces collectionneurs, le psychiatre Hans Prinzhorn, le marchand d’art Wilhelm Udhe et les artistes André Breton, Jean Dubuffet et Arnulf Rainer. Chacun d’eux a eu un impact sur la construction du récit de l’art moderne et de l’art contemporain. Leurs collections ont chacune sa spécificité et offrent des vocabulaires différents pour parler de productions artistiques marginales, c’est-à-dire se développant « hors culture ». C’est par l’analyse des terminologies employées par les collectionneurs, principalement la dénomination d’art pathologique, que nous tracerons un portrait de la construction historique de l’art marginal en lien avec l’art moderne / Modern art began its rise at the beginning of the twentieth century in both France and Germany. Somme art theorists like Francastel, propose an identifying characteristic of modern art is the deconstruction of the classic plastic space. During the two World Wars, many artists used this deconstructive process, thus reinvigorating art with ‘‘primitive’’ styles which challenged the ‘‘civilized’’ art of the day. This fascination with the ‘‘primitive’’, including art from children, amateurs, and the ‘‘mentally ill’’, is apparent in many art collections of the time. By collecting these forms of art, the collectors were supporting this new ideology in opposition to occidental rationalism. The psychiatrist Hans Prinzhorn, along with the art sellers Wilhelm Udhe and the artists Andre Breton, Jean Dubuffet and Arnulf Rainer, are a few of the notable collectors. They each influenced the progress of Modern Art; the impact of which is now evident in contemporary art. The individuality of their unique collections offers different interpretations of the marginalized ‘‘outsider art’’. By analyzing the terminologies employed by these collectors, particularly in regards to ‘‘pathological art’’, we may outline a portrait of the development of ‘‘outsider art’’ as it progressed along side modern art.