Cette thèse de doctorat porte sur la mendicité et la figure du mendiant dans la littérature grecque, d’Homère jusqu’au philosophes cyniques. Quatre familles de mots servent de point de départ à cette étude : πτωχός « le mendiant », ἀγύρτης « le prêtre mendiant », ἀλήτης « vagabond », πλάνης « le rôdeur » et la triade ἐπαίτης, προσαίτης, μεταίτης « le quémandeur ». Le hasard de la conservation veut que les attestations de la mendicité dans la littérature grecque se cantonnent au corpus poétique. Or, par sa dimension pragmatique, la poésie grecque reste liée à son contexte d’origine, en traitant toujours de problématiques sociales qui lui sont contemporaines. Notre travail se propose d’étudier dans quelle mesure les représentations littéraires et esthétiques de la mendicité sont investies d’une fonction sociale. Notre thèse adopte trois perspectives méthodologiques : une étude lexicale de la mendicité examinant les jeux de synonymie et les connotations, un examen des fonctions littéraires et dramatiques du personnage, tantôt catalyseur de l'action, tantôt vecteur d'émotions, et une analyse sur son rôle argumentatif dans les réflexions politiques et morales sur la pauvreté au IVème siècle. Le motif de la mendicité permet aux Grecs d’envisager un certain type d’exclusion civique, et en contre-point, d’appréhender la nature du lien social. Une étude chronologique montre que ce personnage, initialement contre-modèle du parfait citoyen, devient aux moments de grands bouleversements économiques un personnage attachant, permettant à la cité de réintégrer symboliquement les pauvres et de prôner indirectement la solidarité collective. / This study/PhD thesis is focused on the beggary and the beggar in Greek literature, from Homer to the cynicism. At the beggining, I am dealing with the study of four word groups : πτωχός ‟beggar”, ἀγύρτης ‟begging priest”, ἀλήτης ‟vagabond”, πλάνης ‟wanderer” and ἐπαίτης, προσαίτης, μεταίτης ‟almsman”. The preserved corpus of Greek literature with mention of the beggary is fortuitously restricted to poetry. By her pragmatic function, ancient Greek poetry remains connected with contemporary social problems. My work's aim is to investigate how literary and aesthetic representations of the beggary have a social function. I adopted three methodological perspectives: a semantic study of the beggary (synonyms and connotations), an study of the literary and dramatic functions of that character (sometimes action accelerator, sometimes factor of emotions), and an analysis of his argumentative role in political and moral reflexions about poverty during the fourth century B.C. The motive of the beggary enabled Greek people to consider a type of civic exclusion, and in parallel, to apprehend the nature of the social cohesion. A chronological approach shows that this character, previously a counter-model of the perfect citizen, becomes - when big economical changes arrive - an endearing character, who symbolically reinstates excluded people in the city and indirectly promote public solidarity.

La seconde moitié du XVIIIe siècle est une période de recherche et d’expérimentation dramatiques qui se traduisent, au sein de la programmation du théâtre de la Comédie-Italienne de Paris, en la conception d’une soixantaine de canevas italiens inédits, mis en scène par les acteurs-auteurs de la troupe italienne du théâtre, entre 1760 et 1779, année de la « suppression » du genre italien. À travers le dépouillement des sources périodiques, contenant les résumés des soirées et les récits des performances, des registres du théâtre, ouvrant l’accès aux effectifs des troupes, cette thèse propose la reconstitution du répertoire de pièces italiennes d’acteur et l’étude de la dramaturgie de ce spectacle parisien durant la seconde moitié du XVIIIe siècle. À partir des années 1760, la pratique de la scène, les modalités créatives et représentatives de la commedia dell’arte migrent vers les dramaturgies adjacentes à l’intérieur d’un répertoire mixte, français et italien, en donnant lieu à des phénomènes d’« hybridation » permettant de pérenniser la dramaturgie italienne et la « pratique » scénique des comédiens italiens, à l’intérieur des comédies des dramaturges français qui écrivent pour ce théâtre : J.-F. Cailhava de l’Estandoux et de J.-P. Claris de Florian. Il sera donc question de relire la « suppression » du genre italien en 1779, en les termes d’une « réexistence », en étudiant la portée globale du répertoire et de la dramaturgie italienne du point de vue de leur évolution, durant la seconde moitié du XVIIIe siècle, au sein du contexte productif et de la palette représentative de la Comédie-Italienne. / The second half of the eighteenth century represents a period of research and experimentation in dramatics that manifest themselves, within the theater’s programs of the Comédie-Italienne. These experimentations materialize in approximately sixty unpublished Italian plots, directed by the actors-authors of the Italian company between 1760 and 1779, year of the “suppression” of the Italian genre. Sorting through periodical sources, that include summaries of the evening performances and performances’s telling, and theater’s registers, which give the access to the acting company, this thesis intends to recreate the company’s repertoire of Italian plays. The intention is also to study the dramatic art of this Parisian show during the second half of the eighteenth century. From the 1760s, the experience of the stage, the creative and representative modalities of the commedia dell’arte slide towards closed dramaturgies inside a mixed repertoire French and Italian. It generates “hybrid” phenomena that give the possibility to preserve the Italian dramatic art and the scenic “technique” of the Italian comic actors, within the plays of French playwrights who have written for this theater: J.-F. Cailhava de l’Estandoux et de J.-P. Claris de Florian. This thesis will provide a rereading of the “suppression” of the Italian genre in 1779, in terms of “rebirth”. Then it will analyze the complete impact of the Italian repertoire and the dramatic art inside the productive context and the representative range of the Comédie-Italienne from the outlook of their evolution during the second half of the eighteenth century. / La seconda metà del XVIII secolo è un periodo di ricerca e sperimentazione drammatica che sfociano,nell’ambito della programmazione del teatro della Comédie-Italienne di Parigi, nella creazione di unasessantina di canovacci italiani inediti allestiti e rappresentati dagli attori-autori della compagnia italiana delteatro, tra il 1760 e il 1779, anno della « soppressione » del genere italiano. Attraverso lo spoglio delle fontiperiodiche, che contengono i riassunti degli spettacoli e i resoconti delle performance attoriali, le ricerched’archivio effettuate nei registri del teatro, che permettono di accedere agli effettivi delle troupes, la tesipropone la ricostituzione del repertorio italiano e lo studio della drammaturgia di questo teatro parigino dellaseconda metà del Settecento. A partire dal 1760 la pratica scenica, le modalità compositive e rappresentativedella commedia dell’arte migrano verso le forme drammaturgiche ad essa vicine all’interno di un repertoriobilingue, francese e italiano dando luogo a fenomeni di « ibridazione » che permettono la fissazione delladrammaturgia italiana e della pratica teatrale degli attori italiani, nella produzione francese degli autori checompogono per questo teatro : J.-F. Cailhava de l’Estandoux e J.-P. Claris de Florian. Lo studio dell’ampiezzadel repertorio e della drammaturgia italiana, considerati dal punto di vista dell’evoluzione che subiscono inseno al contesto produttivo e all’offerta rappresentativa della Comédie-Italienne, permette di rileggere la« soppressione » del genere italiano avvenuta nel 1779 come « riesistenza » e « perennizzazione » di questogenere. / Die zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts ist eine von dramaturgischer Forschung und Experimentierfreudigkeitgeprägte Periode, was sich in den Jahren 1760 bis 1779, Jahr der ‚Abschaffung’ des italienischen Genres,innerhalb des Programms des Pariser Theaters Comédie Italienne in der Konzeption von ungefähr 60unveröffentlichten neuen italienischen Kanevas, die von Schauspieler-Autoren der italienischen Truppe desTheaters inszeniert wurden, ausdrückt. Durch die Aufarbeitung publizistischer Quellen, die neben Kritikenund Inhalten dieser Abende auch Theaterregister beinhalten, und somit einen Zugang zum Personalbestandder Truppe eröffnen, wird in der vorliegenden Dissertation eine Rekonstruktion des Repertoires deritalienischen Schauspielerstücke sowie die Untersuchung der Dramaturgie dieser Pariser Vorstellungen derzweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts vorgenommen. Ab den 1760er Jahren verlagern sich die Szenenpraxis,die kreativen und repräsentativen Modalitäten der commedia dell’arte hin zu benachbarten Dramaturgieneines gemischten, französisch und italienischen Repertoires hin und machen Platz für hybride Phänomene,was erlaubt, die italienische Dramaturgie und die Bühnenpraxis der italienischen Schauspieler innerhalb derKomödien französischer Dramaturgen, die für dieses Theater schreiben (J.-F. Cailhava de l’Estandoux und J.-P. Claris de Florian), zu einem festen Bestandteil zu machen. Es geht also darum, die „Abschaffung“ desitalienischen Genres 1779 hinsichtlich einer „Reexistenz“ noch einmal zu überdenken, indem man denglobalen Beitrag von „italienischem“ Repertoire und „italienischer“ Dramaturgie aus Sicht ihrer Entwicklungin der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts im Kontext der Produktion und der Darstellungspalette derComédie Italienne untersucht.

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Lʼœuvre littéraire dʼHonoré de Balzac témoigne dʼune profonde connaissance du système judiciaire et dʼune grande réflexion à son sujet. La violence et le crime, certainement pas les côtés les plus reluisants de lʼHomme, font tout de même partie intégrante de la société. Puisque Balzac a lʼambition de montrer la nature humaine telle quʼelle est, il consent à peindre le meurtre sans euphémismes. Loin de rejeter entièrement lʼesthétique romantique sanglante, il décrit le crime comme une action fondamentalement ambivalente, cʼest-à-dire, quʼil ne le condamne pas absolument ni ne le défend ouvertement. Nous retrouvons dans Balzac ce dont très peu dʼécrivains, et encore moins de philosophes, savent rendre compte : la complexité même de la vie. Lʼengagement social de Balzac invite à penser sa façon de mettre le meurtre en fiction en rapport au contexte sociologique et historique de ses œuvres. Dans la réflexion balzacienne sur le meurtre, quatre thèmes importants reviennent constamment : lʼargent (aspect économique), la jeunesse, la famille (aspects sociaux) et le remords (aspect moral). La dimension philosophique de La Comédie humaine justifie, quant à elle, le choix dʼune lecture également philosophique de lʼœuvre de Balzac. Les meurtres de quatre nouvelles appartenant aux Études philosophiques (El Verdugo, LʼAuberge rouge, Les Marana et Un drame au bord de la mer), assurent une pensée multiple sur des thèmes tels que la justice, le droit, le nom de famille, lʼhonneur, la culpabilité et le glissement dʼune société ancienne vers une société nouvelle dominée par lʼargent. / The literary work of Honoré de Balzac testifies to a deep knowledge and reflection of the judicial system. Violence and crime, certainly not the brightest sides of humanity, are nevertheless an integral part of society. Since Balzacʼs ambition is to show human nature as it is, he agrees to depict murder without euphemisms. Far from entirely rejecting the bloody romantic aesthetic, he describes crime as a fundamentally ambivalent action, meaning that he neither absolutely condemns it nor openly defends it. We find in Balzac what very few writers, and even fewer philosophers, can account for : the very complexity of life itself. Balzacʼs social commitment invites us to think about his way of putting murder in fiction in relation to the sociological and historical context of his works. In Balzacʼs reflections on murder, four important themes constantly recur : money (economic aspect), youth, family (social aspects) and remorse (moral aspect). The philosophical dimension of La Comédie humaine justifies the choice of an equally philosophical reading of Balzacʼs work. The murders of four short stories belonging to the Études philosophiques (El Verdugo, LʼAuberge rouge, Les Marana and Un drame au bord de la mer), ensure a multiple reflection on themes such as justice, law, family name, honour, guilt and the shift from an old society to a new money-dominated society.

The following is a meta-commentary of the article, “Marriage and the City: Fatal Displacement in La Maison du chat-qui-pelote,” co-authored by Dr. Anca Mitroi Sprenger and myself, Laurel Cummins. The article will soon be submitted for publication, and this commentary contains an annotated bibliography of all our primary and secondary sources as well as an account of the origin of the argument and the process of writing the article. Our article is based upon an analysis of La Maison du chat-qui-pelote, a story authored by Honoré de Balzac within his seminal collection La Comédie humaine. In the article, we analyze the theme of fatal displacement in La Maison du chat-qui-pelote as an allegory of the repressions of nineteenth-century modernity. The theme is presented through the tumultuous marriage of the bourgeois protagonist, Augustine Guillaume, to the aristocrat artist, Théodore de Sommervieux, and through Augustine's literal movement within the city of Paris that ensues after their marriage (from her home, the Chat-qui-Pelote, to her husband's home, her attempted return to the Chat-qui-Pelote, and her visit to her husband's mistress). We demonstrate that these displacements are not only the source of Augustine's premature death but are emblematic of the perishing past in a post-revolutionary, modern Paris. Our development of this conclusion comes through a close analysis of the principal text itself as well as of the literal and figurative displacements that occur throughout to the main character, Augustine. In studying these displacements, we consider not only the social structures and institutions at the time of the novel but the detailed images of the past that anchor Augustine in traditions that do not let her transition into modernity. We examine the portrayal of marriage in La Maison du chat-qui-pelote as it coincides to the ideals of marriage in pre and post-Revolution periods. We likewise consider the various geographical areas (as pinpointed by specific roads provided by the author) as a way of understanding the historical background and the effect of displacement from various areas of Paris to others. The title of the story (which references the sign outside of the protagonist's house), the Chat-qui-Pelote, also offers rich symbolism that, when deciphered, substantiates our claim that this story goes far beyond an unfortunate marriage caused by class disparity. Instead, Augustine's trajectory in the story, she being the human embodiment and relic of ancient French traditions, alludes to a foundational inability for past ways of French life to survive in modernity.

Marqueur linguistique très usité dans la comédie, la forme diminutive est une des particularités de la langue d’Aristophane. Comparables au suffixe -ette en français (e.g. maison > maisonnette), les suffixes -ιον et -ισκος sont utilisés par des personnages de tous les genres et de toutes les classes sociales pour exprimer leur évaluation diminutive. Parfois utilisés pour représenter un objet plus petit, parfois pour complimenter et parfois pour exprimer son dédain, les diminutifs sont difficiles à définir et encore plus complexes à démêler des autres formes qui peuvent partager leur suffixe. La première étape de ma recherche a donc consisté à créer un schéma radial capable d’expliquer les différents aspects sémantiques et pragmatiques du diminutif dans le dialecte attique d’Aristophane. La seconde partie de ma recherche a servi de vérification du schéma radial proposé. À travers une méthode établie à partir du schéma radial et de la définition morphologique du diminutif grec, j’ai classé et vérifié les termes trouvés par une application de traitement automatique des langues naturelles créée dans le cadre de cette recherche. Ces données ont également servi à vérifier certaines hypothèses sur la fréquence d’apparition du diminutif et sa variété d’expression dans le sociolecte féminin chez Aristophane. Sujet encore débattu chez les linguistes, la relation entre le genre et l’expression est au centre des préoccupations de la recherche actuelle en morphologie évaluative. L’ensemble de cette recherche se veut donc également une description d’un cadre méthodologique adapté à l’analyse des textes anciens à l’aide de méthodes informatiques. / A linguistic marker widely used in comedy, the diminutive form is one of the distinctive features of Aristophanes' language. Comparable to the suffix -ette in French (e.g. maison > maisonnette), the suffixes -ιον and -ισκος are used by characters of all genders and social classes to express their diminutive valuation. Sometimes used to represent a smaller object, sometimes to compliment and sometimes to express disdain, diminutives are difficult to define and even more complex to disentangle from other forms that may share their suffix. The first stage of my research therefore involved creating a radial scheme capable of explaining the various semantic and pragmatic aspects of the diminutive in Aristophanes’ attic dialect. The second part of my research served to verify the proposed radial scheme. Using a method based on my radial scheme and the morphological definition of the greek diminutive, I classified and verified the terms found by a natural language processing application created as part of this research. These data were also used to test certain hypotheses on the frequency of appearance of the diminutive and its variety of expression in Aristophanes' feminine sociolect. The relationship between gender and expression is still a hotly debated topic among linguists, and is at the heart of current research in evaluative morphology. The whole of this research is therefore also intended as a description of a methodological framework suitable for the analysis of ancient texts with computational methods.

Après la Seconde Guerre mondiale, la France, affaiblie politiquement et économiquement, développe une politique culturelle extérieure qui utilise les manifestations artistiques, et en particulier les tournées théâtrales, pour assurer le rayonnement de sa culture et de sa langue. Par l’intermédiaire de l’Association française d’action artistique (AFAA), elle envoie de par le monde ses plus grandes compagnies, la Comédie-Française, le Théâtre national populaire de Jean Vilar, et la Compagnie Renaud-Barrault qui devient théâtre national en 1959. Dans un monde façonné par la Guerre Froide, les tournées les plus prestigieuses ont lieu aux États-Unis, en Union Soviétique et en Amérique latine. Le but de cette thèse est de déterminer dans quelle mesure les compagnies théâtrales, instrumentalisées par la diplomatie culturelle française, utilisent aussi ces tournées pour leur propre statut dans le champ culturel français, pour leur économie, ou pour l’affermissement de leur propre identité. La première partie explore les origines et le développement du cadre politique et institutionnel qui a permis la naissance de tournées théâtrales subventionnées et fait du théâtre français un produit d’exportation. Le deuxième mouvement se concentre sur la caractérisation de ce théâtre envoyé à l’étranger, sur son économie et son répertoire. Le troisième temps analyse les différents impacts du déplacement du théâtre à l’étranger. Quelles sont les conséquences possibles de cette situation sur la représentation elle-même et les attentes du public étranger ? Au-delà de la question de la réception, c’est la dimension politique, l’impact esthétique et le rôle symbolique des tournées qui seront mis en lumière. / After World War II, a politically and economically weakened France develops a cultural foreign policy that uses artistic manifestations, and in particular theatrical tours, in order to ensure the influence of its culture and language. Thanks to the French Association for Artistic Action (AFAA), which was directly supported by the ministry of Foreign Affairs, France sends its greatest theatre companies all over the world, the Comédie-Française and the National Popular Theatre of Jean Vilar, as well as the Renaud-Barrault Company that becomes a national theatre in 1959. In a world shaped by the Cold War, the most prestigious tours take place in the United States, the Soviet Union, and Latin America. This thesis aims at determining to what extent these theatrical companies are not only exploited by the French government for cultural diplomacy, but manage themselves to benefit from the touring system, be that for their own status within the French cultural field, for their own economic solvency, or for the strengthening of their own identity. The first part explores the origins and development of the political and institutional frame that enabled the birth of this system of subsidized, international theatrical tours that made an export out of French theatre. The second part focuses on the characterization of French theatre abroad, on its economy and its repertory. The third section analyses the different impacts of the displacement of theatre abroad. What are the possible consequences on the performance itself and on the expectations of the international audience? Beyond the question of reception, the thesis will shed light on the political consequences, the aesthetic impact and the symbolic role of the tours.

La rencontre du théâtre et du carnaval est aussi ancienne que le carnaval lui-même. D’une part, les cérémonies et les comportements collectifs possèdent, en propre, une dimension spectaculaire ; d’autre part, les jeux dramatiques font partie intégrante du rituel. Dans la France d’Ancien Régime, les réjouissances du carnaval sont un temps fort du calendrier, qui occupe toute la société pendant plusieurs semaines, des Rois au Carême. Les comédies créées pendant cette période, au Théâtre-Italien, à la Comédie-Française, à la Foire Saint-Germain, se rattachent explicitement à la coutume et s’insèrent dans son cycle cérémoniel. Plus largement, tirant parti de cette proximité calendaire, les dramaturges recourent au langage symbolique du carnaval, à celui du charivari, pour inventer un système de représentation du réel qui en offre un mode d’intelligibilité spécifique. Une langue pleine d’équivoques scabreuses et de saillies ordurières, des lazzis outrés et obscènes, un univers fantaisiste et bouffon, des personnages extravagants et burlesques : les modèles comiques qui se développent, de 1680 à 1720, sont à rattacher à la culture carnavalesque et à son imaginaire mythico-rituel. Les croyances et les pratiques symboliques innervent la création dramatique et participent à la construction de son sens, en lien étroit avec le contexte historique dans lequel s’inscrivent les œuvres. Il convient de restituer à ce théâtre la dimension anthropologique qui est la sienne, si l’on veut accéder à sa raison esthétique. La comédie de mœurs offre alors un nouveau visage : représentant la société contemporaine comme un monde à l’envers sur lequel règnent des souverains parodiques, elle revêt des enjeux idéologiques et possède une portée politique. Parallèlement, c’est aussi le concept critique de « carnavalesque » qui apparaît sous un jour inédit. / The meeting of theatre and carnival is as old as carnival itself. On the one hand, ceremonies and collective behaviour have a spectacular dimension in themselves; on the other hand, dramatic performance is an integral part of the ritual. In the early modern France, celebrating carnival was a key moment of the year, and kept the whole society busy for several weeks from Epiphany (or Twelfth Night) to Lent. The comedies created during that period at the Théâtre-Italien, at the Comédie-Française or at the Saint-Germain Fair, are explicitly related to the custom and fit into its ceremonial cycle. More generally, playwrights took advantage of the calendar proximity and used the symbolic language of carnival, that of charivari, to invent a system of representation of reality that offers a specific mode of intelligibility. A language full of lewd ambiguities and bawdy sallies, offensive, obscene lazzi, a fanciful, farcical universe, extravagant and burlesque characters: the comic models that developed, from 1680 to 1720, are to be related to the carnivalesque culture and to its mythical and ritual imaginary world. Symbolic beliefs and practices pervade the dramatic creation of that time and partake in the construction of its meaning, in close connection with the historical context within which the works are framed. It is necessary to restore their anthropological dimension to these plays to grasp their aesthetic purpose. The comedy of morals after Molière then offers a new face: as the plays represent the contemporary society as a world that has been turned upside down and that is ruled by parodic monarchs, they tackle ideological issues and have a political significance. It is also the critical concept of "carnivalesque" that appears in a new light.

Esta tese investiga a relação do Estado com o teatro no Brasil no período de 1822 a 1889, por meio da subvenção às Artes Cênicas. Procura relacionar a documentação produzida pelo executivo e o legislativo dedicada ao teatro aos debates dos homens de letras sobre a questão teatral nos periódicos do Rio Janeiro. Investiga o patrocínio às Artes e à Literatura, na França do XVII e a assimilação desse modelo em Portugal durante o século XVIII e no Brasil a partir do XIX. Examina a ação da Revue des Deux Mondes na divulgação do teatro francês no Brasil. Analisa o alvará de 1771, primeira legislação produzida em Portugal para a normatização dos teatros públicos do reino e a sua permanência no Brasil após o processo de independência. Contribui com documentos novos para aprofundamento do estudo da história do teatro brasileiro. / This thesis investigates the relation between the State and the theatre in Brazil during 1822 and 1889, through the subvention to the Scenic Arts. It tries to correlate the documents produced by the Executive and the Legislative dedicated to the theatre and to the debates from the academic man regarding the theatrical matter on Rio de Janeiro papers. It studies the sponsorship to the Literature and Arts during the XVII in France and the uptake of the same model during XVIII in Portugal and in Brazil from XIX. It examines the action of Revue des Deux Mondes regarding the promotion of the French theatre in Brazil. It analyses the 1771 Permit, first legislation produced in Portugal seeking the regulation of the realm public theatres and its continuance in Brazil after the independence process. It contributes with new documents for a deep study of the Brazilian theatre history.

François-Antoine-Valentin Riccoboni (1707-1772) représente un paradigme de la rencontre des cultures théâtrales italienne et française au XVIIIe siècle, du point de vue des pratiques scéniques, de la dramaturgie, de la poétique et de la théorie du jeu. Son travail d’acteur participe de l’esthétique italienne visant un jeu plus simple et naturel, qui aura plusieurs échos dans la réforme de la pratique scénique française, la critique contemporaine et la théorie du jeu. Son œuvre se développe dans le sillon de la tradition de la Comédie-Italienne de Paris, démontrant la persistance des processus de composition poétique typiques du savoir artistique italien. Danseur et maître de ballet, François expérimente les possibilités du ballet-pantomime au carrefour des influences choreutiques anglaises, foraines, et du jeu pantomimique italien. Son Art du Théâtre (1750) représente la translation de sa pratique scénique dans le domaine théorique et esthétique. Manuel à l’usage des aspirants acteurs, il revendique aussi une théorie fondée exclusivement sur la pratique du plateau. Aussi, définit-il pour la première fois une théorie du jeu qui repose sur les qualités rationnelles et imitatives de l’acteur, laquelle influencera notamment le Diderot du Paradoxe. Divisé en quatre parties, notre travail reconstruit la vie de Riccoboni (I Partie) ; essaie de saisir son jeu scénique en italien à l’impromptu, en français, dans le chant et dans la danse (II Partie) ; analyse son œuvre dramatique (III Partie) ; étudie l’Art du Théâtre (IV Partie). Deux volumes d’annexes rassemblent des documents d’archives inédits, le répertoire raisonné et l’édition des œuvres inédites de François. / François Antoine Valentin Riccoboni (1707-1772) exemplifies the intersection between Italian and French theatrical cultures in the 18th century in terms of staging practices, dramaturgy, poetics, and the theory of acting. Rooted in the Italian aesthetic, his acting aimed to achieve a style that was simpler and more natural and would be echoed in a number of ways in the reform of French stagecraft, contemporary criticism and the theory of acting. His work develops in alignment with the tradition of the Comédie Italienne in Paris, thus demonstrating the longevity of the process of poetic composition characteristic of the Italian artistic expertise. Dancer and ballet master, Riccoboni experiments with the possibilities of the ballet-pantomime at the juncture of influences from English dance, fairgrounds, and Italien pantomime. His Art du Théâtre (1750) proposes the transposition of his stage techniques in the areas of theory and aesthetics. A practical handbook designed for aspiring actors, it claims also to be a theory based solely on stage experience. It articulates, for the first time, a theory of acting based on the rational and imitative qualities of the actor, which will influence notably Diderot in Le Paradoxe. Divided in four parts, this doctoral dissertation retraces Riccoboni’s life (Part I); attempts to understand his stage craft in Italian all’improvviso, in French, in song and dance (Part II); analyzes his dramatic works (Part III); and studies his Art du Théâtre (Part IV). Two volumes of appendices offer previously unpublished archival sources as well as the annotated inventory and edition of previously unpublished texts by Riccoboni. / François Antoine Valentin Riccoboni (1707-1772) rappresenta un paradigma dell’incontro tra la cultura teatrale italiana e francese nel XVIII secolo, dal punto di vista della pratica scenica, della drammaturgia, della poetica e della teoria della recitazione. La sua arte attoriale partecipa dell’estetica italiana, tesa ad una recitazione più semplice e naturale, che avrà delle eco importanti nella riforma della pratica scenica francese, nella critica contemporanea e nella teoria della recitazione. La sua opera si sviluppa nel solco della tradizione della Comédie Italienne di Parigi, dimostrando la persistenza di processi compositivi tipici del sapere artistico italiano. Ballerino e maître de ballet, François sperimenta anche le possibilità del ballet-pantomime all’incrocio delle influenze coreutiche inglesi, foraines, e dell’arte scenica e pantomimica italiana. Il suo Art du Théâtre (1750) rappresenta la traslazione della sua pratica attoriale nel dominio teorico ed estetico. Manuale pratico all’uso degli aspiranti attori, esso rivendica inoltre una teoria fondata esclusivamente sulla pratica del palcoscenico e definisce per la prima volta un processo interpretativo basato sulle qualità razionali e imitative dell’attore, teoria che influenzerà particolarmente il Diderot del Paradoxe. Diviso in quattro parti, il nostro lavoro ricostruisce la vita di Riccoboni (I Parte); cerca di restituirne la pratica scenica nella recitazione all’improvviso, in francese, nel canto e nella danza (II Parte); analizza la sua opera (III Parte); studia l’Art du Théâtre (IV Parte). Due volumi di appendici raccolgono documenti d’archivio inediti, il repertorio ragionato e l’edizione delle opere inedite di François.