Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Le présent mémoire se penche sur la dramaturgie que mettent en scène le Banquet et le Phédon de Platon. Dans le cas du premier dialogue, une étude de l'épilogue et du discours d'Alcibiade, assortie de parallèles ponctuels dans la République et la Lettre VII, permet de déceler un exemple de la rétention d'information platonicienne, telle que comprise sous l'égide des écoles platoniciennes de Tübingen et de Milan, de même qu'une attestation de l'existence de doctrines non-écrites qualitativement supérieures à celles que renferment les dialogues. L'épilogue du Banquet fait ensuite, à la lumière des conclusions susmentionnées, l'objet d'une interprétation qui distingue trois niveaux de lecture des dialogues platoniciens : l'extériorité, l'intériorité et l'oralité philosophique, symbolisées respectivement par le poète comique Aristophane, le poète tragique Agathon et le poète philosophique Socrate. Il va de soi que ce dernier renvoie sémantiquement au philosophe par excellence, titre que Platon endosse volontiers. L'essai exégétique touchant le Phédon se concentre pour sa part sur la dernière volonté de Socrate. Celle-ci survient au dénouement de la partie la plus « dramaturgique » du dialogue, c'est-à-dire après les discours proprement philosophiques sur l'immortalité de l'âme. En ciblant ces moments, de même que l'introduction, nous distinguons l'adjonction des tons tragique et comique, illustrant par là un procédé inhabituel dont le but, ultimement, est de soustraire le dialogue au registre tragique afin d'éviter la propagation d'émotions contraires à la philosophie. En exploitant l'oxymore comique-tragique sur un plan mimétique, nous montrerons que la dernière volonté de Socrate véhicule un dessein parénétique. / The present work has as its main focus Plato's dramaturgy in the Symposium and the Phaedo. The former studies both Alcibiades' speech and the epilogue whilst paralleling some of their elements with relevant passages from the Republic and the Seventh Letter. In doing so, it reveals an instance of Socratic withholding of information - as understood by the platonic school of Tübingen and Milan - and sheds light upon the existence of a set of unwritten doctrines philosophically higher than the ones contained in the dialogues. On the basis of these conclusions, I come to discern a hermeneutics in the epilogue according to which there are three hierarchical levels of comprehension to Plato's dialogues: exteriority, interiority of and oral philosophy - said three levels being symbolised by the comic poet Aristophanes, the tragic poet Agathon and the philosopher Socrates. The exegetic essay on the Phaedo revolves around Socrates' last will, which comes at the end of a ''dramatic'' sequence exceeding the bounds of the discursive philosophy that seeks to prove the immortality of the soul during the major part of the dialogue. By aiming at this sequence as well as at the introduction, one comes to see that comedy carries the mandate of counterbalancing tragedy in order to overcome the philosophically reprehensible emotions it fosters. Whilst contrasting tragedy and comedy, Socrates' last words fulfill, on a mimetic level, a paraenetic design, insofar as they invite the Athenian reader, indeed every reader, to philosophically overcome common places in regards to death.

Genus claudicans ou genre de 'travers', la comédie plautinienne est à la fois dérivé négatif ou forme inversée des grands genres et le lieu d'une actualité politique voilée qui lui donnent, ensemble, toute sa spécificité. Inscrite, sans discussion, dans une tradition gréco-hellénistique héritée, elle est l'objet de choix personnels et d'une originalité créatrice chargée d'intentions. Plus exactement, l'interprétation et l'adaptation des modèles induisent des moments de réflexion critique sur le rapport de l'oeuvre avec le pouvoir. Politique et poétique sont donc au centre d'une réécriture auctoriale où le senex ridiculus a aussi sa place. Dans sa lecture des sources et du monde, Plaute privilégie donc les laissés pour compte, notamment une figure parentale déviante, le vieillard souvent lubrique, capable de susciter, non seulement une satire critique, mais aussi une lecture politique en texte caché. A la polémique diffamante de son ami Naeuius, il substitue la dénonciation d'un défaut reconnu selon les règles du blâme épidictique. Mieux encore, il use d'une 'manière' cynique et d'une plaisanterie urbaine et raffinée, le lepos, qui sont les fondements mêmes d'un art poétique. Celui-ci est complété par une traversée et un mélange des genres où Aristophane et Naeuius apparaissent. Au total, parce qu'elle amuse et réclame un spectateur intelligent et perspicace, qui comprend les sens cachés, la comédie plautinienne est un théâtre complexe et intellectuel en réception spectaculaire. / Genus claudicans or 'lame' genre, Plautus' comedy bears both the inverted form or negative image of predominant genres and topical political hints which together provide its genuineness. Undisputedly embedded in the Greco-hellenistic heritage, it becomes the subject of personal choices and a creative originality laden with intention. More accurately, the interpretation and adaptation of the models induce moments of critical thinking toward the link between the work of art and power. Politics and poetic art thus lay at the core of authorial rewriting in which the senex ridiculus is awarded pride of place. Throughout his study of sources and the world, Plautus sides with the left-behinds, among others the deviant father figure of a more than often lustful old man, who has a knack into initiating not only scathing satire, but also political insight woven inside the text. Contrary to his friend Naevius' prone inclination to tackle bones of contention, he levels veiled accusations against well-known faults according to the rules of epidictic blame. Better still, he uses the lepos, urbane and refined puns, albeit in a 'cynical' way, as the very basis for poetic art. The latter being supplemented by a crossing and blending of genres out of which Aristophanes and Naeuius emerge.All in all, because it amuses and calls for an acute and discerning audience, in full awareness of hidden meanings, Plautine comedy is manifold and intellectual, it's theater given spectacular reception.

Entre 1561 et 1681 plusieurs tragédies et tragi-comédies françaises empruntent leur sujet à un épisode de l’histoire récente de l’Empire ottoman. Si Solyman ou la mort de Mustapha (1639) de Jean Mairet, Ibrahim ou l’illustre bassa (1641-42) de Georges de Scudéry et Bajazet (1672) de Jean Racine sont probablement les œuvres les plus emblématiques de cette tendance, elles ne sont pas les seules. D’autres auteurs issus de milieux littéraires divers et appartenant à des époques différentes ont également souscrit à cette tradition. L’objet de notre thèse est d’explorer le ou les corpus « orientalistes » de la tragédie française, d’en déterminer les origines tout ainsi que, si elles existent, les conséquences — en particulier dans la constitution des intrigues. Les réponses à ces questions doivent nous permettre de définir l’identité de ces tragédies à sujet ottoman. / Between 1561 and 1681 several French tragedies and tragicomedies borrowed their subjects from a recent episode in the history of the Ottoman Empire. Although Solyman ou la mort de Mustapha (1639) by Jean Mairet, Ibrahim ou l’illustre bassa (1641-42) by Georges de Scudéry, and Bajazet by Jean Racine are probably the most emblematic works of this trend, they are not alone. Other authors from different literary circles and belonging to different periods also belonged to the same tradition. The purpose of this dissertation is to explore the corpus of French tragedies with Oriental subjects and to determine their origins and consequences, particularly regarding the construction of plots. The answers to these questions should allow the definition of an identity for these tragedies with Ottoman subjects.

Cette thèse de doctorat analyse la valeur symbolique du feu dans la Divine Comédie de Dante, dans le but de produire une étude générale sur ce sujet. L’approche méthodologique qui a été retenue pour cette recherche est le commentaire de texte, bien que des analyses iconographiques l’enrichissent pour certains passages, et ce en lien permanent avec la théologie chrétienne et la riche exégèse dantesque existante. La première partie de ce travail fournit le contexte de l’objet d’étude : elle vise à établir une cartographie des différentes apparitions du feu et des flammes physiques au long du poème. Dans la seconde partie, divisée en trois chapitres correspondant aux trois cantiche de la Comédie, l’étude s’étend et tente de lister à la fois les occurrences du feu et des flammes physiques, mais aussi métaphoriques. Les principaux passages étudiés sont les chants des hérétiques, des luxurieux et d’Ulysse en Enfer, la barrière de feu au Purgatoire, et ensuite, au Paradis, la sphère de feu, Mars, la croix de Cacciaguida, la figure de l’aigle, le ciel des étoiles fixes et l’Empyrée. Enfin, la dernière partie est consacrée aux métaphores transversales liées au symbole du feu : d’abord, les manifestations de l’ardeur et des sentiments enflammés, puis le plus brûlant d’entre eux, l’amour, et le plus important du chef d’œuvre de Dante, la charité. Les images qui ont été sélectionnées sont certains des dessins de Sandro Botticelli, des peintures de William Blake et des gravures de Gustave Doré. / This doctoral thesis analyses the symbolic meaning of fire in Dante’s Divine Comedy, in order to generate a general study about this topic. The chosen methodology of this research is a textual analysis although an iconographic analysis enriches the poem’s study as well, with permanent connections to Christian theology and the rich existing Dante exegesis. The context of the study is provided in the first part, which aims to establish a mapping of the various occurrences of physical fire and flames throughout the poem. In the second part, which is divided into three chapters corresponding to the three poem’s cantiche, the study widens in its scope and attempts to list both physical and metaphorical occurrences of fire and flames. The key passages that are analysed are the heretics’, the luxurious’ and Ulysse’s verses in Inferno, the fire barrier in Purgatorio and then, in the Paradiso, the sphere of fire, Mars, the Cacciaguida cross, the eagle figure, the sky of the Fixed Stars and the Empyrean. Finally, the third and final part aims to identify some crosscutting metaphors related to the fire symbol: first, the expression of ardour and ignited feelings, followed by love, which is the most inflamed of them, and charity, the most significant for Dante in his masterpiece. Images that have been chosen are drawings from Sandro Botticelli, William Blake’s paintings and Gustave Doré’s engravings.

La figure du mage charlatan et imposteur constitue, dans la littérature du XVIe siècle, un topos qui reflète la confiance communément accordée à la magie et aux arts hermétiques. Il s'agit d'un personnage novateur, qui apparaît à un siècle où la lutte contre les pratiques magiques se fait progressivement plus intense. Le but de cette recherche est d'analyser les personnages magiques dans différents genres littéraires comme les nouvelles et les comédies, en se concentrant sur la caractérisation linguistique, sur la description du charlatan et de ses complices et les lieux dans lesquels apparaissent le plus fréquemment les imposteurs. En outre, une comparaison est effectuée avec la littérature magique et juridique du XVIe siècle, afin de reconstruire le climat culturel dans lequel les textes étaient produits et diffusés. La représentation du mage-charlatan subit les fréquentes ingérences du pouvoir politique, inquiet du fait qu'une nouvelle hérésie puisse compromettre le fragile équilibre social. Les procès intentés contre les acteurs, dont les pièces vont au-delà du canevas fait de dérision et de moquerie à l'encontre du nécromancien, semblent témoigner de la conviction, enracinée dans le monde intellectuel du XVIe siècle, que les arts hermétiques pourraient nuire aux coutumes des hommes. Cette recherche se propose de trouver des textes littéraires où apparaît la figure du mage escroc et de montrer la précarité de la division entre charlatans et sorciers dans la littérature de l'époque. / The character of the charlatan and impostor magician constitutes in the Renaissance a tòpos who reflects the commonly granted trust to the magic and to the hermetic arts. It deals with an innovative personage, who appears in a century when the struggle against the magician practices was becoming progressively more intense. The aim of this research is the analysis of the personages who represent the magician and the charlatan, focusing on the linguistic and psychological characterisation of the « cerretano » and of his victims. Moreover, a comparison is carried out with the magic and judicial literature of the 16th century in order to reconstruct the cultural atmosphere in which the texts were composed and diffused. The representation of the magician-charlatan was influenced by the usual interferences of political power, worried for the social dangers of a new heresy. In fact, the trials of the actors, whose pieces went beyond the canvas made by derision and mockery of the necromantic, would seem to testify the conviction whereby the hermetic arts could damage the morals. This research aims to find some literary texts where there is the character of the swindler magician and to show the fragility of the division between charlatans and sorcerers in the Renaissance literature.

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Cette thèse se propose de parcourir les évolutions scénographiques et techniques des spectacles au temps de Louis XIV. Ce travail divisé en deux parties – la cour et la ville – souhaite rendre compte des différentes transformations du répertoire à machines qui trouvait, depuis la Régence de Mazarin et l’arrivée de Torelli, ses premiers balbutiements. Volontairement pluridisciplinaire, proposant de nouvelles découvertes concernant les évolutions scénographiques et techniques des principaux théâtres de la cour et de la capitale, cette thèse s’affiche comme une synthèse des principaux machinistes du siècle de Louis XIV avec comme singularité la mise en lumière d’un marginalisé de l’historiographie : Alexandre de Rieux, marquis de Sourdéac. / This thesis proposes to through the scenographic and technical evolutions of the shows at the time of Louis XIV. This work divided into two parts - the court and the city - accounts for the various transformations of the repertoire to machines. This work divided into two parts - the court and the city - wishes to account for the various transformations of the repertoire to machines since the Regency of Mazarin and the arrival of Torelli. Multidisciplinary, proposing new archaeological and archival discoveries concerning the scenographic and technical evolutions of the principal theaters of the court and the capital, this thesis wants as a synthesis of the principal machinists of the century of Louis XIV with as singularity the rehabilitation of Alexandre de Rieux, Marquis de Sourdéac.

À la fin des années ’90, les modes de consommation et de production qui caractérisent l’industrie télévisuelle subissent une transformation de taille. Parce qu’elle a su s’appuyer sur les nouveaux médias et explorer de nouveaux horizons, l’industrie télévisuelle a complètement changé de visage. Les programmes télévisés – autrefois linéaires et conçus pour un public indifférencié – ont considérablement changé, bouleversant de ce fait même les habitudes des téléspectateurs. L’émergence des nouvelles technologies et la sophistication de la demande ont contraint l’industrie à développer de nouveaux concepts, en misant de plus en plus sur des produits forts singuliers, complexes sur le plan narratif. Les meilleurs sitcoms sont aujourd’hui conçus comme des objets hybrides, influencés tout à la fois par les engouements et les phénomènes populaires, la télé-réalité et le documentaire. C’est le cas de la défunte série Arrested Development, encensée par la critique pour son originalité et son impertinence. L’exubérance histrionique, l’éclatement du récit, l’humour autoréférentiel et l’intertextualité ont fait la réputation de cette série culte, devenue très influente dans le monde des séries télévisées. Ces éléments remarquables – décriés par les premiers commentateurs qui les trouvaient perturbants – montrent que l’avènement de pratiques nouvelles au sein de l’univers télévisuel a radicalement transformé l’expérience du téléspectateur. / At the end of the 1990’s, the television industry experienced drastic changes to consumption and production practices. Through the exploitation of new media and exploration of new horizons, the industry has undergone a complete transformation. The nature of television programs, which were traditionally linear and designed for a general audience, has changed considerably too, deeply affecting the experience of the viewers. With the emergence of new technologies and the sophistication of public demand, the industry has to rely on brand new concepts, henceforth developing unique and complex narratives. Some of the best sitcoms are now designed as hybrid products, influenced by cultural fads, popular phenomena, reality shows and documentaries. Praised by viewers and critics for its unconventional format, the television show Arrested Development is characterized by its histrionic exuberance, non sequitur storytelling, self-referential lines and intertextuality that have become very influential in contemporary television. This television product contains unique features – considered by contemporary commentators as being somewhat disruptive and controversial – which show how the advent of new practices within the television industry has ultimately transformed the viewer’s entire experience. / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de ses documents visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et archives de l'Université de Montréal.

L’identification des contraintes financières et sociales qui sont sous-entendues dans la situation des personnages amoureux de la comédie de Ménandre – à partir de ses pièces et fragments subsistants et de ses adaptations en langue latine par Térence – permet d’éclairer la rhétorique de séduction ou de dissuasion employée par les divers personnages types de ce genre littéraire. Or, il existe un parallèle étroit entre ces discours et situations dramatiques et l’élégie érotique qui fleurit quelques siècles plus tard à Rome sous la plume de Tibulle, Properce et Ovide. Certains aspects déroutants de la rhétorique de séduction employée par les élégistes sont élucidés lorsqu’on les comprend dans le contexte dramatique de la comédie nouvelle : notamment, le poète narrateur se positionne dans la situation du jeune protagoniste amoureux de la comédie et la bien-aimée à qui il s’adresse se trouve dans la situation de la courtisane indépendante qui figure dans plusieurs pièces comiques. Cette recherche conclut qu’il existe une tension financière entre l’amant élégiaque et sa maîtresse qui, bien qu’elle soit passée sous silence par les poètes, influence les arguments utilisés par le narrateur à son égard et les propos imaginés ou rapportés de sa bien-aimée en retour. / The identification of the financial and social constraints that underlie Menander’s love plots helps in explaining the arguments contained in the persuasive and dissuasive discourses employed by the various archetypal characters of this literary genre. This research demonstrates that there is a narrow parallel between the rhetoric rooted in these narrative situations and the later works of the Latin love elegists in a way that elucidates some aspects of the elegiac discourse: the poet-narrator positions himself in the situation of the enamoured young man of new comedy and his beloved addressee’s situation corresponds to that of the independent mistress who appears in many comic plots.