François-Antoine-Valentin Riccoboni (1707-1772) représente un paradigme de la rencontre des cultures théâtrales italienne et française au XVIIIe siècle, du point de vue des pratiques scéniques, de la dramaturgie, de la poétique et de la théorie du jeu. Son travail d’acteur participe de l’esthétique italienne visant un jeu plus simple et naturel, qui aura plusieurs échos dans la réforme de la pratique scénique française, la critique contemporaine et la théorie du jeu. Son œuvre se développe dans le sillon de la tradition de la Comédie-Italienne de Paris, démontrant la persistance des processus de composition poétique typiques du savoir artistique italien. Danseur et maître de ballet, François expérimente les possibilités du ballet-pantomime au carrefour des influences choreutiques anglaises, foraines, et du jeu pantomimique italien. Son Art du Théâtre (1750) représente la translation de sa pratique scénique dans le domaine théorique et esthétique. Manuel à l’usage des aspirants acteurs, il revendique aussi une théorie fondée exclusivement sur la pratique du plateau. Aussi, définit-il pour la première fois une théorie du jeu qui repose sur les qualités rationnelles et imitatives de l’acteur, laquelle influencera notamment le Diderot du Paradoxe. Divisé en quatre parties, notre travail reconstruit la vie de Riccoboni (I Partie) ; essaie de saisir son jeu scénique en italien à l’impromptu, en français, dans le chant et dans la danse (II Partie) ; analyse son œuvre dramatique (III Partie) ; étudie l’Art du Théâtre (IV Partie). Deux volumes d’annexes rassemblent des documents d’archives inédits, le répertoire raisonné et l’édition des œuvres inédites de François. / François Antoine Valentin Riccoboni (1707-1772) exemplifies the intersection between Italian and French theatrical cultures in the 18th century in terms of staging practices, dramaturgy, poetics, and the theory of acting. Rooted in the Italian aesthetic, his acting aimed to achieve a style that was simpler and more natural and would be echoed in a number of ways in the reform of French stagecraft, contemporary criticism and the theory of acting. His work develops in alignment with the tradition of the Comédie Italienne in Paris, thus demonstrating the longevity of the process of poetic composition characteristic of the Italian artistic expertise. Dancer and ballet master, Riccoboni experiments with the possibilities of the ballet-pantomime at the juncture of influences from English dance, fairgrounds, and Italien pantomime. His Art du Théâtre (1750) proposes the transposition of his stage techniques in the areas of theory and aesthetics. A practical handbook designed for aspiring actors, it claims also to be a theory based solely on stage experience. It articulates, for the first time, a theory of acting based on the rational and imitative qualities of the actor, which will influence notably Diderot in Le Paradoxe. Divided in four parts, this doctoral dissertation retraces Riccoboni’s life (Part I); attempts to understand his stage craft in Italian all’improvviso, in French, in song and dance (Part II); analyzes his dramatic works (Part III); and studies his Art du Théâtre (Part IV). Two volumes of appendices offer previously unpublished archival sources as well as the annotated inventory and edition of previously unpublished texts by Riccoboni. / François Antoine Valentin Riccoboni (1707-1772) rappresenta un paradigma dell’incontro tra la cultura teatrale italiana e francese nel XVIII secolo, dal punto di vista della pratica scenica, della drammaturgia, della poetica e della teoria della recitazione. La sua arte attoriale partecipa dell’estetica italiana, tesa ad una recitazione più semplice e naturale, che avrà delle eco importanti nella riforma della pratica scenica francese, nella critica contemporanea e nella teoria della recitazione. La sua opera si sviluppa nel solco della tradizione della Comédie Italienne di Parigi, dimostrando la persistenza di processi compositivi tipici del sapere artistico italiano. Ballerino e maître de ballet, François sperimenta anche le possibilità del ballet-pantomime all’incrocio delle influenze coreutiche inglesi, foraines, e dell’arte scenica e pantomimica italiana. Il suo Art du Théâtre (1750) rappresenta la traslazione della sua pratica attoriale nel dominio teorico ed estetico. Manuale pratico all’uso degli aspiranti attori, esso rivendica inoltre una teoria fondata esclusivamente sulla pratica del palcoscenico e definisce per la prima volta un processo interpretativo basato sulle qualità razionali e imitative dell’attore, teoria che influenzerà particolarmente il Diderot del Paradoxe. Diviso in quattro parti, il nostro lavoro ricostruisce la vita di Riccoboni (I Parte); cerca di restituirne la pratica scenica nella recitazione all’improvviso, in francese, nel canto e nella danza (II Parte); analizza la sua opera (III Parte); studia l’Art du Théâtre (IV Parte). Due volumi di appendici raccolgono documenti d’archivio inediti, il repertorio ragionato e l’edizione delle opere inedite di François.

Esta tese investiga a relação do Estado com o teatro no Brasil no período de 1822 a 1889, por meio da subvenção às Artes Cênicas. Procura relacionar a documentação produzida pelo executivo e o legislativo dedicada ao teatro aos debates dos homens de letras sobre a questão teatral nos periódicos do Rio Janeiro. Investiga o patrocínio às Artes e à Literatura, na França do XVII e a assimilação desse modelo em Portugal durante o século XVIII e no Brasil a partir do XIX. Examina a ação da Revue des Deux Mondes na divulgação do teatro francês no Brasil. Analisa o alvará de 1771, primeira legislação produzida em Portugal para a normatização dos teatros públicos do reino e a sua permanência no Brasil após o processo de independência. Contribui com documentos novos para aprofundamento do estudo da história do teatro brasileiro. / This thesis investigates the relation between the State and the theatre in Brazil during 1822 and 1889, through the subvention to the Scenic Arts. It tries to correlate the documents produced by the Executive and the Legislative dedicated to the theatre and to the debates from the academic man regarding the theatrical matter on Rio de Janeiro papers. It studies the sponsorship to the Literature and Arts during the XVII in France and the uptake of the same model during XVIII in Portugal and in Brazil from XIX. It examines the action of Revue des Deux Mondes regarding the promotion of the French theatre in Brazil. It analyses the 1771 Permit, first legislation produced in Portugal seeking the regulation of the realm public theatres and its continuance in Brazil after the independence process. It contributes with new documents for a deep study of the Brazilian theatre history.

Cette thèse porte sur la carrière musicale de Joseph Kohaut (1734–1777), l’un des derniers luthistes dans l’Europe des Lumières. Appartenant à la deuxième génération des musiciens originaires des pays de la couronne de Bohême, ce luthiste, né à Vienne et décédé à Paris, représente un cas intéressant de la migration des musiciens au XVIIIe siècle. L’étude se consacre à la présentation des origines et de la famille proche du musicien (son père Jacob Joseph Kohaut et son frère aîné Karl Kohaut), ainsi qu’à la carrière musicale du luthiste proprement dite. Le patronage aristocratique s’y révèle le moteur principal aussi pour son œuvre, y compris ses opéras comiques qui contribuèrent à la notoriété de Kohaut également en déhors de la France. Enfin, cette étude traite les œuvres des deux frères Kohaut en s’intéressant aux attributions douteuses et propose un catalogue thématique du corpus entier indexant toutes les sources connues. / This thesis focuses on the musical career of Joseph Kohaut (1734–1777), one of the last known lute players in Europe of the Enlightenment. Belonging to the second generation of the musicians originated from the Czech lands, this lutenist, born in Vienna and dead in Paris, represents an interesting case of the migration of musicians in the 18th century Europe. After having examinated the origines of the musician and his close family (his father Jacob Joseph Kohaut and his older brother Karl Kohaut), the study analyses his own musical career. The aristocratic patronage becomes apparent as an important reason for his musical production, including his comic operas that made him famous also outside France. Finally, this study addresses the compositions of both brothers Kohaut, taking interest in problematic attributions, and offers a thematic catalogue of all works registering their all known sources.

Ce projet a vu le jour afin de tirer de l'oubli un artiste dramatique nommé Romuald Joubé, né en 1876 et décédé en 1949. Cet homme était mon ancêtre, c'est l'oubli familial et collectif dont il a été victime qui a suscité la réalisation de ce travail. Il a eu la particularité de devenir un acteur reconnu au théâtre et au cinéma muet, en traversant deux guerres mondiales. Cette biographie s'attache à faire découvrir l'évolution du jeune comédien et celle du milieu théâtral et cinématographique de la première moitié du XXe siècle. Son parcours le mène de Saint-Gaudens à Paris, de l'Odéon à la Comédie-Française, des tournées européennes aux tournées internationales où il côtoie les grands noms du théâtre et du cinéma tels qu'André Antoine, Sarah Bernhardt, Abel Gance. Devenu une vedette il ne renie jamais sa région pyrénéenne où il crée un théâtre de verdure et défend ardemment le théâtre de plein air jusqu'à la fin de sa vie. Son éclectisme lui permet d'interpréter différents répertoires. Aussi remet-il en cause certaines idées reçues sur l'histoire du monde théâtral, par exemple le clivage entre Théâtre commercial et Théâtre littéraire. Acteur du cinéma muet, il est aussi intéressé par la radiophonie en 1936 et plus tard il fera une expérience au cinéma parlant avec Sacha Guitry. Homme entre tradition et modernité, Joubé révèle les ambiguïtés du monde artistique en temps de guerre. Cet homme aux multiples dons, à la fois acteur, dessinateur, peintre, spécialiste de la langue gasconne, se battra jusqu'à sa mort pour défendre l'art de qualité pour tous, sans jamais oublier sa famille et ses racines. / This project has been conceived to get out of oblivion Romuald Joubé (1876-1949). He was a professional dramatic artist and an ancestor of mine. Because of this familial and collective forgetting of the great works of Joubé, the main goal of this thesis is to reveal his biography. He became a famous and talented theatre and silent movie actor by crossing two world wars.This biography presents the evolution of Joubé as a young stage actor as well as the evolution of theatre and cinema during the first part of the twentieth century. From Saint-Gaudens (France) to Paris, and from Odéon to the Comédie-Française, Joubé met some of the great actors such as André Antoine, Sarah Bernhardt or Abel Gance. Even if he became famous at Paris, he did not forget his native region: Southwest of France and the Pyrénées. He created an open-air theater in this region. Until the end of his life, he promoted the open-air theatre. Joubé could play many different roles. He was also a silent film actor. Then in 1936, he got interested in radio. He accepted then sound films with Sacha Guitry. Tradition and modernity characterize this major and forgotten actor of the twentieth century. The biography of Joubé also brings us into the lives of artists of this period. Finally, Joubé, as an actor but also as a painter, a draughtsman and a defender of Gascon language. He will fight up to his dead to defend the quality art for all, without over forgetting his family and his region.

Réalisé en cotutelle avec l'Université de Paris Ouest Nanterre La Défense / L'émergence d'un « 'esprit' capitaliste » (Weber) en Angleterre et en France au tournant des XVIe-XVIIe siècles a favorisé la reconfiguration des rapports entre avaritia et cupiditas, qui déterminent tout le champ sémantique de l'usure et de l'intérêt. Cette thèse postule que cette évolution est sensible dans la comédie française et anglaise de l'époque, plus particulièrement chez les dramaturges qui ont marqué l'imaginaire collectif en mettant en scène des personnages avares. À partir d'un type comique issu à la fois du théâtre antique et du canon religieux bien établi dans l'Occident chrétien, l'appréhension nouvelle de l'argent comme objet et comme signe permet de construire une véritable figure moderne de l'avarice. Les protagonistes de chaque pièce, Shylock, Volpone (Mosca) et Harpagon, sont suspendus entre un or quasi divin, et l'univers plus ou moins connu de l'argent, medium en passe de devenir l'équivalent universel de tout bien, qu'ils pensent maîtriser grâce à leur trésor. S'ils s'intègrent parfaitement à la fluidité moderne des échanges économiques, culturels et sociaux, ils participent aussi à leur dévalorisation, par une activité et un discours proprement usuraires. Leur entourage tente de soumettre cette « labilité » des valeurs (Simmel) suscitée par l'économie de l'usurier-avare à un nouvel ordre, cosmique, éthique ou politique. Le conflit se résout devant la justice, instance discriminatoire externe et prétexte à la mise en abyme du jugement social. L'analyse des dénouements permet dès lors de comprendre le travail de chaque auteur sur la forme et la fonction de la comédie, à travers le texte, les genres, ou une esthétique de l'espace. Elle montre que chacun s'attache à valoriser l'apport de son art au public, dans une période de crise socio-économique. / The emergence of a capitalist ‘spirit’ (Weber) in England and France at the turn of the sixteenth and seventeenth centuries played a leading role in reconfiguring the relation between avaritia and cupiditas which determine the whole semantic field of usury and interest. This thesis postulates that this evolution is perceptible in French and British comedy at that time, in particular for some of the playwrights who staged miserly characters imprinted in our collective imagination. Starting from a comic type as common in Greek and Roman drama as it was in the well-established religious canon in the Christian West, a new understanding of money as object and as sign leads to the construction of a truly modern figure of avarice. Shylock, Volpone (Mosca) and Harpagon, hang on to a almost divine idea of gold and the more or less known world of money, medium they think they control through their treasure, and which is about to become the universal equivalent of any good. Those characters fit perfectly into this modern dynamic of economic, cultural and social exchanges, but they also contribute, with their strictly usurious speech, to its depreciation. Their entourage tries to tame this « lability » of values (Simmel) generated by the economy of the usurer-miser to a new order – a cosmic, ethical or political order. Conflicts are resolved by a court of law, external discriminatory authority and pretext for the mise-en-abyme of social judgment. The analysis of these denouements allows one to understand the work of each author in the comic form and function, through the text, the genres, or an aesthetic of space. It shows how much each author strived to value the contribution of his art to the public, in a time of socio-economic crisis.

Film abstrait peint à la main sur de la pellicule recyclée, The Dante Quartet de Stan Brakhage est une adaptation personnelle de La divine comédie de Dante. Agissant comme un palimpseste où chaque couche révèle des éléments caractéristiques de l’oeuvre du cinéaste ainsi que l’influence de certains poètes et artistes, The Dante Quartet reprend certaines caractéristiques de l’ekphrasis. Dans ce mémoire, je travaille avec l’hypothèse heuristique que The Dante Quartet est une ekphrasis, et plus précisément une ekphrasis inversée. Ce mémoire s’intéresse à ce qui reste du pré-texte après son passage d’un média à un autre. Compte tenu du laps temporel qui sépare ces deux œuvres, il est aussi question d’influences contemporaines au travail de Brakhage. Le cinéaste basant son travail sur les phénomènes de vision (et plus particulièrement sur les visions hypnagogiques dans le cas qui m’occupe), le point sera fait sur la pensée de Brakhage à ce sujet, pensée qu’il expose dans son livre-manifeste Metaphors on Vision. / The Dante Quartet by Stan Brakhage is a personal adaptation of The Divine Comedy of Dante who took the form of an abstract movie made from hand painted images on recycled footage. Acting as a palimpsest in which each layer reveals characteristic features of Brakhage's work and the influence of different poets and artists on it, The Dante Quartet also includes some features of ekphrasis. In this thesis, I work with the heuristic assumption that The Dante Quartet is an ekphrasis, specifically a reverse ekphrasis. This thesis looks at what remains of the pre-text after the transfer from one medium to another. Given the temporal interval between these two works, I will also discuss of certain contemporary influences to Brakhage's work. As the filmmaker based his work on vision phenomena (especially on hypnagogic visions in that movie), the point will be made regarding Brakhage's thinking about this, thought that he describes in his manifesto Metaphors on Vision.

La production dramatique de Jean-François-Louis-Népomucène Lemercier s’inscrit justement dans ce moment de transition entre ce que l’on a appelé Néoclassicisme et le Romantisme. Né en 1771 et mort en 1840, cet homme de lettres et académicien a assisté aux bouleversements qui ont caractérisé l’histoire de France du tournant des Lumières jusqu’à la Révolution de Juillet et même après. L’étendue de sa vie et surtout de son activité de dramaturge dépassent donc amplement ce « long dix-huitième siècle » que l’histoire littéraire tend à prolonger jusqu’en 1820. Ce travail s’intéresse donc à la production d’un dramaturge qui, dans son ambigüité intrinsèque, s’avère à plusieurs égards révélatrice d’une ambigüité caractérisant de manière plus générale l’ensemble de cette période de transition. Auteur de celle que l’on retient souvent comme la dernière tragédie classique – c’est le cas de son Agamemnon de 1797 – Lemercier est également considéré, déjà à partir du dix-neuvième siècle et notamment par Schlegel, comme l’un des premiers auteurs proprement romantiques, son Pinto de 1800 étant justement une protoforme de drame romantique. Ce travail se compose de deux grandes parties, la première consistant en une étude monographique sur l’ensemble de la production dramatique de Lemercier, la deuxième en une édition critique des œuvres majeures du dramaturge, son Agamemnon, qui représente un de plus grands succès tragiques de la période directoriale dont les reprises continuent jusqu’en 1826, et Pinto, une « comédie historique » qui fut en revanche un succès de scandale lors de sa création à la Comédie-Française et qui encourût par la suite la désapprobation de cinq régimes politiques. / The dramatic productions of Jean-François-Louis Népomucène Lemercier (1771-1840) reveal a transition between Neoclassicism, Preromanticism and Romanticism. This writer and academician witnessed the political and social upheavals that characterized France from the twilight of the Enlightenment until the July Revolution and thereafter. The span of his life and works amply exceeds the "long Eighteenth Century" that literary historians have extended to 1820 (Claude Pichois). This dissertation includes two main parts: a monographic study of Lemercier’s dramatic production and a critical edition of the playwright’s major works, Agamemnon (1797), one of the most successful tragedies during the “Directoire” and to 1826; and Pinto, a “historical comedy” composed between 1798 and 1800, and which was seen as a “romantic” triumph in 1834. Lemercier has often been regarded as the author of one of the last classical tragedies (Agamemnon i.e.); nevertheless, in spite of being, at times, one of Romanticism’s fiercest detractors, he emerges in Nineteenth century criticism – and above all in Schlegel’s writings – as one of the most influential pioneers of romantic drama. The intrinsic ambiguity of Lemercier’s dramatic production reveals the uncertainties of this transitional age. This ambiguity thus demands a holistic approach: the context of Lemercier’s literary works will be analyzed from an esthetic, historical and political point of view, emphasizing their intricate relationships with literary and political authorities and censorship issues throughout the period. / La produzione drammatica di Jean-François-Louis Népomucène Lemercier si inserisce in quel momento di transizione tra Neoclassicismo, Preromanticismo e Romanticismo che caratterizza gli ultimi anni del Diciottesimo e il primo trentennio del Diciannovesimo secolo. Nato nel 1771 e morto nel 1840, questo scrittore e accademico ha assistito agli sconvolgimenti che hanno caratterizzato la storia della Francia dal tournant des Lumières fino alla Rivoluzione di Luglio e anche oltre. La sua vita e la sua attività poetica oltrepassano ampiamente il “lungo Settecento” che la storia letteraria tende ad estendere sino al 1820 già a partire dalla periodizzazione proposta da Claude Pichois. Questo lavoro si concentra sulla produzione di un autore che, nella sua intrinseca ambiguità, è sotto molti aspetti indicativa di un’indeterminatezza che caratterizza più in generale questo periodo di transizione estetico-letteraria. Spesso considerato, in primis da Madame de Stael, come l’autore dell’ultima tragedia classica - è il caso di Agamemnon del 1797 - Lemercier è stato visto, già a partire dal XIX secolo e in particolare da Schlegel, come uno dei primi autori di drammi romantici, di cui Pinto, ou la journée d’une conspiration (1800) rappresenterebbe una protoforma. Il presente lavoro, che si focalizza sul macrotesto teatrale di Lemercier senza tuttavia negligere altri aspetti della sua variegata opera, consta essenzialmente di due sezioni, una dedicata allo studio del macrotesto teatrale dell’autore, con un’attenzione particolare al contesto-storico letterario e alla ricezione; l’altra all’edizione di due opere, Agamemnon e Pinto, che rappresentano per molti aspetti due degli esempi più significativi della sua produzione drammatica. Il rapporto conflittuale di Lemercier con l’autorità politica e con la nascente “scuola” romantica saranno inoltre oggetto di questa riflessione.

L’étude du corps offre un angle d’approche privilégié pour appréhender les représentations théâtrales comiques de l’époque classique à Athènes et en Grande Grèce. Seule une analyse croisée des sources textuelles et iconographiques permet de faire toute la lumière sur la manière dont le corps comique était mis en scène, perçu et imaginé. Les conclusions de la thèse reposent en particulier sur la confrontation des comédies grecques du Ve et du IVe siècle av. J.-C. et de la céramique italiote à sujet comique, entre lesquelles elle établit un lien étroit. Le premier chapitre est consacré à la présentation des corpus et à leur mise en relation. Le deuxième décrit les aspects matériels du costume comique. Les troisième et quatrième portent sur la sémiologie du costume : sont d’abord étudiés les codes propres au genre, puis les éléments qui concourent à la caractérisation sociale et morale du personnage. Le cinquième et dernier chapitre traite de la fonction dramatique du geste comique. / Analysis of the body provides an effective means of capturing comic performances in classical Athens and Magna Graecia. Textual and iconographic sources ought to be considered together to shed light upon the staging of the comic body as it was perceived and imagined. In particular, the conclusions of this work are based upon the comparison of Greek comedies from the 5th and 4th centuries B.C. and South-Italian vase-paintings of comic subjects. The first chapter presents the two corpuses and the questions raised by their comparison. Chapter two describes the material characteristics of the comic costume. The third and fourth chapters focus on the semiotics of the costume ; the signs of the genre are treated first, followed by a discussion of the social and moral characterization of the personages. The final chapter pertains to the dramatic function of the comic gesture.

Émile Augier, Alexandre Dumas fils et Victorien Sardou figurent parmi les dramaturges les plus importants du Second Empire (1852-1870). À travers cette étude, nous nous proposons d’examiner les comédies de mœurs de ces auteurs sous l’angle de la sociopoétique pour ce qui concerne les règles du savoir-vivre et les bonnes manières, examinées dans leur fonction dramatique et théâtrale. Nous nous sommes attachée à l’étude de l’esthétique théâtrale du savoir-vivre qui englobe le lieu (Paris), les personnages (les mondaines et demi-mondaines, les mondains et les domestiques) et les moyens de communication à distance (la lettre et les cartes). Nous nous sommes ensuite penchée sur le caractère spectaculaire du savoir-vivre, à savoir la «distinction» ou la mise en scène de soi, la gestuelle des salutations, les «toilettes tapageuses» et les arts de la table. Les composantes des codes de politesse permettent de parler d’une dramaturgie du savoir-vivre qui caractérise les comédies de mœurs. Cette dramaturgie, que d’aucuns estiment surannée, reflète toutefois les usages représentatifs d’une époque. / Émile Augier, Alexandre Dumas fils and Victorien Sardou appear among the most important dramatists of the Second Empire era (1852-1870). In this thesis, comedies of manners of these authors are considered from a “socio-poetical” point of view. Rules of etiquette and good manners are analyzed in their dramatic and theatrical function. Theatrical aesthetic of manners which includes locality (Paris), characters (mondaines and demi-mondaines, mondains and servants), and media of communication (letters and cards), is examined first. Afterwards, spectacular aspects of good manners are studied : “distinction”, greeting’s gesture, outfits and “arts de la table”. Components of rules of etiquette lead to think of a certain dramaturgy of good manners which are characteristic of comedy of manners. This dramaturgy, which is considered as ‘old fashioned’ by some people, reflects however typical manners of an epoch.

L'émergence d'un « 'esprit' capitaliste » (Weber) en Angleterre et en France au tournant des XVIe-XVIIe siècles a favorisé la reconfiguration des rapports entre avaritia et cupiditas, qui déterminent tout le champ sémantique de l'usure et de l'intérêt. Cette thèse postule que cette évolution est sensible dans la comédie française et anglaise de l'époque, plus particulièrement chez les dramaturges qui ont marqué l'imaginaire collectif en mettant en scène des personnages avares. À partir d'un type comique issu à la fois du théâtre antique et du canon religieux bien établi dans l'Occident chrétien, l'appréhension nouvelle de l'argent comme objet et comme signe permet de construire une véritable figure moderne de l'avarice. Les protagonistes de chaque pièce, Shylock, Volpone (Mosca) et Harpagon, sont suspendus entre un or quasi divin, et l'univers plus ou moins connu de l'argent, medium en passe de devenir l'équivalent universel de tout bien, qu'ils pensent maîtriser grâce à leur trésor. S'ils s'intègrent parfaitement à la fluidité moderne des échanges économiques, culturels et sociaux, ils participent aussi à leur dévalorisation, par une activité et un discours proprement usuraires. Leur entourage tente de soumettre cette « labilité » des valeurs (Simmel) suscitée par l'économie de l'usurier-avare à un nouvel ordre, cosmique, éthique ou politique. Le conflit se résout devant la justice, instance discriminatoire externe et prétexte à la mise en abyme du jugement social. L'analyse des dénouements permet dès lors de comprendre le travail de chaque auteur sur la forme et la fonction de la comédie, à travers le texte, les genres, ou une esthétique de l'espace. Elle montre que chacun s'attache à valoriser l'apport de son art au public, dans une période de crise socio-économique. / The emergence of a capitalist ‘spirit’ (Weber) in England and France at the turn of the sixteenth and seventeenth centuries played a leading role in reconfiguring the relation between avaritia and cupiditas which determine the whole semantic field of usury and interest. This thesis postulates that this evolution is perceptible in French and British comedy at that time, in particular for some of the playwrights who staged miserly characters imprinted in our collective imagination. Starting from a comic type as common in Greek and Roman drama as it was in the well-established religious canon in the Christian West, a new understanding of money as object and as sign leads to the construction of a truly modern figure of avarice. Shylock, Volpone (Mosca) and Harpagon, hang on to a almost divine idea of gold and the more or less known world of money, medium they think they control through their treasure, and which is about to become the universal equivalent of any good. Those characters fit perfectly into this modern dynamic of economic, cultural and social exchanges, but they also contribute, with their strictly usurious speech, to its depreciation. Their entourage tries to tame this « lability » of values (Simmel) generated by the economy of the usurer-miser to a new order – a cosmic, ethical or political order. Conflicts are resolved by a court of law, external discriminatory authority and pretext for the mise-en-abyme of social judgment. The analysis of these denouements allows one to understand the work of each author in the comic form and function, through the text, the genres, or an aesthetic of space. It shows how much each author strived to value the contribution of his art to the public, in a time of socio-economic crisis. / Réalisé en cotutelle avec l'Université de Paris Ouest Nanterre La Défense