Made available in DSpace on 2014-06-11T19:32:49Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2004Bitstream added on 2014-06-13T19:43:34Z : No. of bitstreams: 1 rocha_d_dr_assis.pdf: 1447558 bytes, checksum: 37d1e163667d0d2712f2a7df68e19abd (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / O objetivo desse estudo é fazer um rastreio da história do gosto do leitor-comum, do leitor-autor e do leitor-adaptador através dos séculos, e apresentar a possibilidade de diálogo estético e histórico internacional por meio da análise da natureza da dramaturgia e suas relações com as outras artes -ópera, música e dança-, e com aspectos da encenação e da carpintaria teatral, reflexões baseadas na teoria da estética da recepção, conforme Thomas Bleicher, Hannelore Link, Alois Wierlacher, Dietrich Krusche e Reinold Werner. Para isso, será feito uma análise e pesquisa da viagem internacional através dos continentes de The Beggar's Opera, de John Gay (1728), uma moderna saga de anti-heróis, que ultrapassou a barreira da temporalidade e dos idiomas, e que reflete um processo de odisséia satírica, iniciado na Londres georgiana do início do século XVIII, com chegada triunfal até o século XX, com recepções produtivas: Die Dreigroschenoper [A Ópera de Três Vinténs], de Bertolt Brecht (1928), na Berlim weimariana da década de 20; A Ronda dos Malandros, de Carla Civelli e Maurício Barroso, na São Paulo e seu mecenato industrial na passagem dos anos 40 aos 50; e Ópera do Malandro, de Chico Buarque (1978), no Rio de Janeiro militar dos anos 70, obras com nuances de nacionalismo, cosmopolitismo e universalismo, apoiadas nas idéias da incompreensível exploração humana do ciclo predatório (homo homini lupus) e da desumanizada exploração capitalista. / This dissertation was carried out to investigate the history of bookishness of the common reader, the author-reader, and the adapter-reader troughtout centuries, and to present a possibility of international esthetic and historical dialog by analyzing the nature of dramaturgy and its relationship to other arts - opera, music and dance - and to aspects of stanging and to aspects to stanging and theater carpentry, reflections based on the theory of esthetic reception according to Thomas Bleicher, Hannelore Link, Alois Wierlacher, Dietrich Krusche e Reinold Werner. With that purpose in mind, one will carry out an analysis and research of the international travel around the continents of The Beggar's Opera, by John Gay (1728) a modren saga of antagonists, which outreached the limits of temporality and foreign languages, and which reflects a process of satiric odyssey, started in Georgian London at the beginning of the 18 th century, triumphally reaching the 20 th century, with productive receptions: Die Dreigroschenoper [A Ópera de Três Vinténs], by Bertold Brecht (1928), in Weimar Berlin in the 1920 s, A Ronda dos Malandros, by Carla Civelli and Maurício Barroso, in São Paulo and its industrial patronage along the 1940s and 1950s, and Ópera do Malandro, by Chico Buarque (1978), in Rio de Janeiro military uproar along the 1970s, works with hues of nationalism, cosmopolitanism and universalism, supported by ideas of the incomprehensible human exploitation of the predatory cycle (homo homini lupus) and the ruthless capitalistic exploitation.

Made available in DSpace on 2015-05-14T16:52:58Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-04-30Bitstream added on 2015-05-14T16:59:37Z : No. of bitstreams: 1 000824313.pdf: 308573 bytes, checksum: 2c6087b43c11207ef4001f7bca0ce72b (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq) / Titus Maccius Plautus, ou simplesmente Plauto para os lusófonos, foi um dos mais representativos comediógrafos da antiguidade. Suas peças foram traduzidas para os mais diversos idiomas ao longo do tempo e serviram de inspiração para dramaturgos do calibre de Shakespeare e Moliére, e movimentos artísticos como a Commedia Dell'Arte italiana. Apesar de ter se inspirado em grande parte na Comédia Nova grega, especialmente em Menandro (como é o caso de As Báquides, adaptada da comédia intitulada Δὶς ἐξαπατῶν (Dis Exapaton), cujo nome pode ser traduzido por O que engana duas vezes), e a exemplo de outro comediógrafo latino de grande renome, Publius Terentius Afer, ou Terêncio, as comédias plautinas apresentam numerosas diferenças em relação a suas contrapartidas gregas, inclusive no que tange aos nomes das personagens e localidades retratadas. Uma delas, em especial, e justamente a que se pretende abordar neste trabalho, é a presença constante do canto, com ou sem acompanhamento musical, em grande parte das performances, os chamados cantica, em que o instrumento utilizado geralmente era a tibia, a versão latina do αὐλός grego, e a utilização de diferentes metros para as partes musicadas ou cantadas, em contraste com aquelas simplesmente dialogadas. O presente trabalho tem por objetivo apresentar uma proposta de tradução em versos dos cantica presentes na peça As Báquides, de Plauto, assim como uma análise acerca da expressividade dos metros utilizados em sua composição, de seu propósito e também dos efeitos pretendidos por Plauto ao utilizá-los / Titus Maccius Plautus, or simply Plautus, was one of the most important playwrights in antiquity. His plays have been translated into several languages over time and have been a source of inspiration for writers such as Shakespeare and Molière, and for artistic movements such as the Italian Commedia Dell'Arte. Although he was greatly influenced by the Greek New Comedy playwrights, especially by Menander (as it occurs in Bacchides, adapted from Menander's Δὶς ἐξαπατῶν (Dis Exapaton), whose title can be roughly translated as Twice a Swindler) just like another renowned Latin playwright, Publius Terentius Afer, or Terentius, plautine comedies show numerous differences when compared to their Greek counterparts. One of them in particular, which is the one this work seeks to study, is the constant presence of song in great part of their performances, played with or without musical accompaniment: the so-called cantica, in which the instrument used was the tibia, the latin version of the Greek αὐλός, as well as the use of various different meters for the sung parts, in contrast with the ones that are merely spoken. This work has as its primary objective to present a translation in verse of the cantica present in the play Bacchides, by Plautus, as well as to provide an analysis of the poetic expressiveness in the meters used in their making, and of the purpose and also of the effects intended by the author with the usage of such meters

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007Bitstream added on 2014-06-13T19:07:56Z : No. of bitstreams: 1 santos_lr_me_ia.pdf: 2262870 bytes, checksum: 07da8feb63d7486e1ad3b48d7bf56cdf (MD5) / Na década de 80, em São Paulo, atores grupos de teatro e diretores começaram a aproximar-se da máscara e da técnica do palhaço, circence para ampliar os recursos da interpretação. Essa busca efetivou-se tanto com os grupos procurando o circo, como tambem com a vinda de professores e diretores do estrangeiro, que já trabalhavam nessa vertente, para o Brasil. Entre eles, destaca-se o diretor italiano Franco Zigrino. Na capital Paulista ele desenvolveu cursos com máscara, além de realizar montagens de espetáculos. Nesse processo formaram-se vários profssionais que deram continuidades à aproximação da atuaçao teatral com máscaras e hoje são referências importantes no teatro paulistano. No primeiro momento, esta pesquisa investiga as origens e características da pedagogia das máscaras e sua contribuição para o teatro, auxiliando na formaçãode atores. Em seguida, realiza uma busca através de documentos oficiais, matérias de jornais e entrevistas com seus alunos e atores a respeito da passagem do diretor Francesco Zigrino no país e as principais características deixadas pelo seu trabalho. Como parte final, são colocadas reflexões acerca destas influências, que resultam em considerações sobre as características da pedagogia trazida pelo italiano e como elas foram absorvidas e adaptadas à realidade histórica e cultural do Brasil. As considerações finais enfantizam as influências do trabalho do diretor italiano na formação de atores. / In the 1980's in São Paulo, actors, theatre groups and directors began to get closer to studyings masks and to the technique of the circus clown, so as to expand acting resources. This search was carried out both with the groups in search of the circus, and also with the teachers and directors arriving in Brazil from abroad, who had already worked with this art. Among them was the Italian director Francesco Zigrino. In the capital of São Paulo he developed courses on masks while also producing shows. Many professionals were trained in this process, and continued the work of bringing together treatrical acting and masks. Today, they have become important references on the São Paulo theatre scene. As a starrer, this research investigates the origins and characteristicas of the pedagogy of masks and its contribution th the theatre, while also helping to develop actors. Then, it searches through official documents, news paper articles and interviews with Francesco's students and actors about the journey of the director through Brazil, and the main characterístics that his work has left. Finally, there will be some reflection on those influences that lead to considerations as to the characteristics of the pedagogy brough by the Italian director, and as this was absorved and adapted to the historical and cultural reality of Brazil. The final considerations emphasize the influences of the work of the Italian director in the formation of actors.

Orientador: Sílvia Maria Azevedo / Banca: Maria Adélia Menegazo / Banca: Karin Volubuef / Banca: Tania Regina de Luca / Banca: Suely Fadul Villibor Flory / Resumo: O objetivo desse estudo é fazer um rastreio da história do gosto do leitor-comum, do leitor-autor e do leitor-adaptador através dos séculos, e apresentar a possibilidade de diálogo estético e histórico internacional por meio da análise da natureza da dramaturgia e suas relações com as outras artes -ópera, música e dança-, e com aspectos da encenação e da carpintaria teatral, reflexões baseadas na teoria da "estética da recepção", conforme Thomas Bleicher, Hannelore Link, Alois Wierlacher, Dietrich Krusche e Reinold Werner. Para isso, será feito uma análise e pesquisa da viagem internacional através dos continentes de The Beggar's Opera, de John Gay (1728), uma moderna saga de anti-heróis, que ultrapassou a barreira da temporalidade e dos idiomas, e que reflete um processo de odisséia satírica, iniciado na Londres georgiana do início do século XVIII, com chegada triunfal até o século XX, com "recepções produtivas": Die Dreigroschenoper [A Ópera de Três Vinténs], de Bertolt Brecht (1928), na Berlim weimariana da década de 20; A Ronda dos Malandros, de Carla Civelli e Maurício Barroso, na São Paulo e seu mecenato industrial na passagem dos anos 40 aos 50; e Ópera do Malandro, de Chico Buarque (1978), no Rio de Janeiro militar dos anos 70, obras com nuances de nacionalismo, cosmopolitismo e universalismo, apoiadas nas idéias da incompreensível exploração humana do ciclo predatório (homo homini lupus) e da desumanizada exploração capitalista. / Abstract: This dissertation was carried out to investigate the history of bookishness of the common reader, the author-reader, and the adapter-reader troughtout centuries, and to present a possibility of international esthetic and historical dialog by analyzing the nature of dramaturgy and its relationship to other arts - opera, music and dance - and to aspects of stanging and to aspects to stanging and theater carpentry, reflections based on the theory of "esthetic reception" according to Thomas Bleicher, Hannelore Link, Alois Wierlacher, Dietrich Krusche e Reinold Werner. With that purpose in mind, one will carry out an analysis and research of the international travel around the continents of The Beggar's Opera, by John Gay (1728) a modren saga of antagonists, which outreached the limits of temporality and foreign languages, and which reflects a process of satiric odyssey, started in Georgian London at the beginning of the 18 th century, triumphally reaching the 20 th century, with "productive receptions": Die Dreigroschenoper [A Ópera de Três Vinténs], by Bertold Brecht (1928), in Weimar Berlin in the 1920 s, A Ronda dos Malandros, by Carla Civelli and Maurício Barroso, in São Paulo and its industrial patronage along the 1940s and 1950s, and Ópera do Malandro, by Chico Buarque (1978), in Rio de Janeiro military uproar along the 1970s, works with hues of nationalism, cosmopolitanism and universalism, supported by ideas of the incomprehensible human exploitation of the predatory cycle (homo homini lupus) and the ruthless capitalistic exploitation. / Doutor

Informe de Seminario para optar al grado de Licenciado en Lengua y Literatura Hispánica mención Literatura. / Aferrándonos a este principio, trabajaremos con un cuento del escritor argentino Roberto Arlt llamado “Las Fieras”, y una nouvelle del ruso Fiódor Dostoiesvki intitulada “Memorias del subsuelo.” “Las fieras” es un cuento más bien corto que fue publicado por primera vez junto a una serie de otros cuentos en “El jorobadito” (1933). La elección de éste y no otro se debe a que, a nuestro juicio, es uno de los más representativos de la poética de Arlt y su particular visión de mundo, que guarda una estrecha relación con el absurdo de las sociedades modernas. Como dijimos, esta obra será trabajada en comparación con una de las obras emblemáticas de Fiódor Dostoiesvki “Memorias del Subsuelo” (1864). A dichas obras, que tomaremos como ejemplos de comedias de la existencia humana, es decir, relatos que reproducen, de alguna manera, la comedia que creemos que vivimos día a día nosotros como seres humanos, en un mundo que nos sirve de escenografía y que nos hace vernos a cada momento involucrados en situaciones absurdas.

Los textos de CineScrúpulos son elaborados por los alumnos, profesores y colaboradores de la Facultad de Comunicaciones de la UPC. Las imágenes utilizadas son de distintas páginas web. El uso de las mismas se inscribe en lo estrictamente académico y divulgativo. / se ha convertido en un referente cinematográfico por derecho propio. La figura que se aleja como danzando, dueña de su propio futuro incierto, es una de las odas más hermosas al optimismo y a la sonrisa permanente, a pesar de las adversidades que afronta. Porque no debemos olvidar que Charlot es pobre pero digno, a pesar de que Chaplin, el personaje de carne y hueso, estuvo rodeado de una serie de polémicas por sus aparentes constructos ideológicos y por su conocido interés por las féminas. Pero eso no opaca un corpus fílmico que alumbró piezas que hoy son consideradas clásicos indiscutibles de la historia del cine. Por ello, en aras de saldar una cuenta pendiente, hemos decidido dedicar la presente edición de CineScrúpulos al genio de Chaplin. Pero no es lo único. Como suele suceder en cada ciclo académico, este número viene sazonado con algunos artículos interesantes. Nuevamente ingresamos al terreno de la tecnología para indagar si el universo de futuro que plantea la serie Black mirror tiene algún punto de conexión con el imaginario que despliega James Cameron en sus películas. De más está decir que el autor de Terminator (James Cameron, 1984) es un visionario y enfrenta en cada una de sus obras una serie de retos a nivel técnico pero también narrativo. Lástima que el presente texto haya sido elaborado antes del estreno de ese laberinto de discurso que es Black mirror: Bandersnatch (David Slade, 2018), pero prometemos en el futuro una indagación al respecto. Los dibujos animados también tienen su espacio en CineScrúpulos. Por supuesto, estamos hablando de los ejemplos más descabellados, surrealistas y transgresores que uno puede tener a mano. ¿Dragon Ball Z? No te pases. El universo de Chuck Jones está plagado de delicias que se disfrutan mejor a medida que pasan los años. Y Space jam (Joe Pytka, 1996) fue un producto altamente disfrutable en la década de los noventa. La gran interrogante que se plantea es si maneja el mismo tipo de comedia o toma otros referentes. Leer para creer. Y ya que hablamos de risotadas, el tercer artículo de fondo intenta establecer similitudes y diferencias entre un puñado de películas marca Tondero y otras que establecen nuevos derroteros en el cine de género en el Perú y que tiene que ver con el desenfreno. Es bueno hacer industria, pero las voces disidentes merecen ser escuchadas. Como puedes ver, esta edición está plagada de sonrisas.

La presente tesis doctoral lleva a cabo un análisis sociopragmático y discursivo para examinar la construcción discursiva de la identidad de género femenina en el monólogo humorístico subversivo en español. Así pues, hemos intentado demostrar que el humor subversivo puede ser utilizado en el discurso planificado como un instrumento para el desafío de las expectativas sobre las actitudes y conductas asociadas a la identidad de género femenina. Asimismo, el objetivo de este estudio es comprobar cómo se representa el género y cómo se construye y deconstruye de diferentes formas en el discurso oral planificado que representan las monologuistas españolas. En aras de conseguir este objetivo, hemos examinado de qué forma el humor subversivo, empleado en este tipo de discurso, es un recurso para construir una identidad de género femenina alternativa en la interacción con el público, y cómo el humor subversivo puede cumplir una gran variedad de funciones como pueda ser la de persuadir, entretener y crear conciencia sobre determinadas problemáticas o injusticias sociales. Una vez realizada la revisión teórica sobre las principales ideas acerca del fenómeno del humor verbal, el modelo de la lingüística cognitiva en el que se enmarca este estudio, las funciones y efectos del humor subversivo, el discurso humorístico desde una perspectiva de género y las principales características de la comedia en vivo, hemos presentado nuestra propuesta para el estudio del discurso humorístico subversivo en la comedia femenina española. En concreto, nos hemos centrado en el análisis de las funciones de diversas estrategias retórico-pragmáticas empleadas en este tipo de discurso. En primer lugar, hemos expuesto aquellas estrategias que emplean las cómicas para fines puramente humorísticos, como pueda ser la narración de anécdotas y hechos fantásticos, los chistes enlatados, las reincorporaciones o el manejo de los tiempos. En segundo lugar, hemos explicado algunas estrategias que presentan fines propiamente subversivos, como las ocurrencias cómicas, la ironía humorística, el discurso representado y la baza lúdica. Por último, nos hemos fijado en aquellas estrategias retórico-pragmáticas, asociadas a la cortesía, como puedan ser la atenuación e intensificación, puesto que facilitan la aceptación del mensaje subversivo, implícita en el discurso humorístico que representan las cómicas. En este sentido, a través del estudio de las estrategias retórico-pragmáticas y de los mecanismos lingüísticos empleados en este tipo de discurso, hemos analizado el objeto de estudio de nuestra tesis, es decir, la construcción discursiva de la identidad de género femenina en el monólogo humorístico subversivo y hemos corroborado y refutado nuestras hipótesis. Para ello, hemos analizado el corpus FEMMES-UP que recoge un total de 15 monólogos humorísticos representados durante los años 2017 y 2018 por parte de 15 cómicas españolas. En concreto, hemos analizado los discursos de las XII cómicas Coria Castillo, Esther Gimeno, Eva Cabezas, Eva Soriano, Nuria Jiménez, Pamela Palenciano, Patricia Espejo, Patricia Sornosa, Pilar de Francisco, Raquel Sastre, Sil de Castro, Silvia Sparks, Susi Caramelo, Valeria Ros y Virginia Riezu. Cada una de estas actuaciones ha sido transcrita y dividida en secuencias humorísticas, entendiéndose como secuencia humorística una serie de intervenciones sobre una determinada temática que son interrumpidas por las risas, aplausos e incluso comentarios del público (Val.Es.Co..2014: 22-23; Ruiz Gurillo, 2019a). Así pues, el corpus FEMMES-UP consta de 504, lo cual supone un total de 805 minutos y 97.749 palabras. El corpus ha sido analizado cualitativa y cuantitativamente. Nuestros resultados demuestran que el tipo de discurso subversivo representado en la comedia en vivo supone una compleja combinación de estrategias, objetos de burla, temáticas y elementos lingüísticos para lograr deconstruir, de forma humorística, las nociones tradicionales sobre la feminidad. De hecho, los datos obtenidos confirman que las cómicas analizadas emplean diferentes estrategias retórico-pragmáticas para distanciarse lingüísticamente del mensaje, sin alejarse del oyente e incluso acercándose a algunos sectores. Asimismo, hemos observado cómo las cómicas seleccionan de forma consciente diversos recursos lingüísticos y estrategias pragmáticas para desafiar valores normativos y ofrecer otros alternativos. En definitiva, los monólogos analizados en esta tesis doctoral han corroborado el gran potencial que tiene la comedia para subvertir normas sociales heteronormativas y construir nuevas identidades de género. En conclusión, podemos afirmar sin temor a equivocarnos que el discurso humorístico subversivo en español es un gran vehículo para desafiar los roles de género y presentar otras visiones desde una perspectiva de género más feminista.

[pt] O presente trabalho analisa o vocabulário utilizado pelo comediógrafo fluminense Luís Carlos Martins Pena. Parte de uma preocupação quanto aos significados em torno dos gêneros usados pelo autor, buscando-se destacar as finalidades da comédia. O comediógrafo usou e reutilizou vocabulários e chistes recorrentes no seu meio para atingir seus propósitos reformadores. Em suas obras, há um uso proposital de palavras do vocabulário político, deslocadas do seu sentido original, servindo de motivo de riso. O ridículo que Martins Pena expõe, visa não somente ao riso, mas a retificação dos costumes. / [en] The present work analyzes the vocabulary used by Rio de Janeiro based comedy writer Luís Carlos Martins Pena. It begins with an inquiry of the meanings behind the genres used by the author, looking for the goals of comedy. The comediography used and reused vocabularies and wits that were frequent in his context to achieve his own reformer ends. In his work, there is a deliberate use of words from the political vocabulary, out of his original meaning, serving as a reason for laugh. The ridicule that Martins Pena shows, achieves not only the laughters, but the amendments of costumes.

En la presente tesis, analizo la imagen del actor cómico en la obra ¡A ver, un aplauso! del dramaturgo peruano César de María. Dicha imagen se construye a través del drama del protagonista, Noé, quien utiliza su cuerpo y voz para interpretar a Tripaloca, un payaso charlatán. De esa manera, el cuerpo de Tripaloca se convierte en signo y símbolo, y la palabra e imaginación en mecanismos de supervivencia. La capacidad de narración y el poder de su imaginación permiten a Tripaloca escapar de la muerte momentáneamente y seguir junto al público para contarle su historia. En consecuencia, la muerte es burlada y el tiempo detenido gracias al poder de la palabra y la imaginación (recursos del teatro), y se desestabiliza la jerarquía según la cual la muerte domina al hombre. Además, Tripaloca emplea el humor y la parodia para hacer reflexionar al espectador sobre su mirada prejuiciosa hacia el espectáculo del cómico callejero y el teatro. En resumen, César de María, mediante la ficción, revaloriza y hace visible el espectáculo del cómico callejero, al plantear reflexiones y transmitir verdades incómodas al espectador, al cual invita a asumir un rol activo y responsable frente al espectáculo.

La improvisación teatral es una técnica escénica que busca crear historias, personajes y situaciones en el momento en que están siendo mostradas a un público. Si bien ha tenido antecedentes en la historia del teatro mundial, sus primeras luces como la conocemos hoy en día comenzaron a brillar hace no más de sesenta años en Estados Unidos y Canadá. Esta técnica, llegó al Perú hace casi quince años y en su camino ha evolucionado muchísimo y se ha empapado de nuestra cultura peruana, de nuestras costumbres y formas. Sin embargo, hay muchas cosas que han quedado en el aire, debido al rápido desarrollo que tuvo en nuestro ámbito teatral. Su condición como técnica o como herramienta de formación actoral aún no le da un estatus claro ante los ojos del público, de actores convencionales y de improvisadores. Además, ofrece muchas posibilidades escénicas, comunicacionales, laborales y audiovisuales que aún no han sido revisadas en nuestro país. Es decir, aún con varios intentos amateur y profesionales no ha podido alcanzar, por ejemplo, un espacio en la televisión, como sí ha logrado, en cierta medida, en el ámbito teatral. A lo largo de esta investigación exploraremos en sus antecedentes, su realidad y sus posibilidades. Así, en el capítulo uno se planteará el problema a analizar, seguido por la justificación y las hipótesis y objetivos de la investigación. En el capítulo dos, repasaremos los antecedentes teatrales que guiaron a la improvisación al lugar que ocupa el día de hoy. Luego definiremos la técnica y repasaremos su historia y camino en el Perú. También observaremos las posibilidades de la improvisación a nivel comunicacional y audiovisual con un repaso por la forma en que otros productos teatrales han sido adaptados antes a la televisión además de describir parte de la realidad televisiva en nuestro país.