La presente investigación buscar acercar al lector a la relación que existe entre los diferentes elementos audiovisuales, la narrativa audiovisual y los efectos que se producen en el espectador tras el visionado de una película, teniendo en cuenta que éste cumple un rol activo y crítico en la actualidad. En ese sentido, se busca responder a la pregunta: ¿cómo se logra conectar con películas que muestran una realidad completamente alejada de la propia, como la de personas que conviven con trastornos de salud mental? Para ello, es importante saber hasta qué punto un discurso narrativo complementado con un correcto uso del lenguaje audiovisual puede traer efectos de identificación y de empatía en la audiencia. A través de esta investigación se concluyó que, a pesar de ser historias alejadas de la propia realidad, una correcta construcción del personaje y una historia dramática basada en abusos sociales, en el caso de las dos películas analizadas, favorece la identificación de los espectadores a través de la resonancia personal o de la empatía. Además, al complementarlo con el correcto uso de planos cerrados y musicalización, la audiencia sentirá que se rompe esa brecha de ficción-realidad. Sin embargo, no es una regla general, ya que aún presentándose todos los elementos, el romper dicha brecha dependerá mucho qué tan inmerso se haya sentido el espectador al momento del visionado, de sus vivencias y preconcepción del tema. / This research seeks to bring the reader closer to the relationship between the different audiovisual elements, the audiovisual narrative and the effects produced in the viewer after watching a film, taking into account that the viewer plays an active and critical role nowadays. In this sense, we seek to answer the question: how does one manage to connect with films that show a reality completely different from one's own, such as that of people living with mental health disorders? To this end, it is important to know to what extent a narrative discourse complemented with a correct use of audiovisual language can bring about identification and empathy effects in the audience. Through this research it was concluded that, despite being stories far from reality itself, a correct construction of the character and a dramatic story based on social abuses, in the case of the two films analyzed, favors the identification of viewers through personal resonance or empathy. Moreover, by complementing it with the correct use of close-up shots and musicalization, the audience will feel that this fiction-reality gap is broken. However, this is not a general rule, since even if all the elements are present, breaking this gap will depend a lot on how immersed the viewer has felt at the moment of viewing, on his or her experiences and preconception of the subject.

La presente investigación pretende estudiar la construcción y la relación de los arquetipos femeninos “niña buena” y “niña mala” en la franquicia de Twin Peaks, en específico la película Fire Walk with Me (1992) y la serie de televisión Twin Peaks (1990) a través de dos personajes femeninos: Laura Palmer y Donna Hayward. Para ello, se utilizaron los conceptos de arquetipos planteados por Carl Jung siguiendo los principios de compensación y equilibrio de opuestos. Como complemento, se identificaron una serie de indicadores que constituyen cada arquetipo en productos audiovisuales, a partir de investigaciones desarrolladas por Lola Salcedo, Virginia Guarinos y la agrupación feminista Guerrilla Girls. Finalmente, la principal herramienta de análisis es la semiótica del texto fílmico y narrativo establecida por Christian Metz, Desiderio Blanco, Aumont & Marie, y Greimas & Courtés. Esta metodología junto con el análisis de contenido permiten concluir que los arquetipos “niña mala” y “niña buena” en Twin Peaks se construyen a partir de imitaciones y oposiciones narrativas y figurativas en las cuales los arquetipos deben coexistir al mismo tiempo y no pueden existir separados, ya que necesitan del otro para definirse. Estos arquetipos dicotómicos contestan al estilo propio del director David Lynch y, aunque la mirada masculina del creador apela a convenciones patriarcales, los personajes femeninos de Twin Peaks desafían sus propias características al transitar entre ambos arquetipos y construirse a partir de su relación con la violencia. / This research aims to study the construction and relationship of the female archetypes “good girl,” and “bad girl” in the Twin Peaks franchise, specifically in the film Fire Walk with Me (1992) and the TV series Twin Peaks (1990) through the female characters of Laura Palmer and Donna Hayward. To achieve this, the researcher used the concepts of archetypes raised by Carl Jung by following the principles of compensation and equilibrium of opposites. Then, the researcher identified a series of indicators that establish each archetype in audiovisual media, according to the studies developed by Lola Salcedo, Virginia Guarinos, and the feminist group Guerrilla Girls. Finally, the primary analysis tools are film and narrative semiotics as presented by Christian Metz, Desiderio Blanco, Aumont & Marie, and Greimas & Courtés. This analysis allows the researcher to conclude that the archetypes “good girl” and “bad girl” in Twin Peaks are built from narrative and figurative imitations and oppositions. Therefore, the archetypes must coexist simultaneously and cannot exist separated because they need each other to be defined. These dichotomous archetypes answer to the directing style of David Lynch, and even though the male gaze of the creator appeals to patriarchal conventions, the female characters of Twin Peaks defy their expectations by transiting between both archetypes and building themselves in relation to violence.

El presente trabajo busca identificar y caracterizar el perfil de la productora en el contexto de la publicidad digital en el Perú. La metodología de este trabajo parte de un enfoque cualitativo y una interpretación crítica de los procesos que tiene como base la experiencia profesional de la autora. A partir de un flujo actualizado de la producción de contenido audiovisual, se explica cada una de las etapas del proceso, tipos de contenido, así como las empresas, medios, sujetos involucrados y los vínculos entre los mismos. El espacio publicitario digital en el Perú, particularmente en el ámbito audiovisual, carece de una sistematización actualizada que describa y explique el quehacer, las nuevas demandas, conocimientos y habilidades específicas del campo laboral en cuestión, así como las características y especificidades de la función de producción. Así, se propone un primer cimiento que cierre aquellas brechas de conocimiento, a partir de un conjunto de experiencias profesionales en el medio publicitario digital peruano. Esta experiencia de sistematización concluye que, si bien este campo está protagonizado principalmente por profesionales audiovisuales, existe un campo laboral muy acorde para el quehacer del publicista, donde la alfabetización audiovisual del perfil actual del publicista podría resultar provechosa para hacerlo competitivo. En ese sentido, se evidencia la necesidad de resaltar y generar puentes entre ambas carreras, ya que una base publicitaria permite mirar la realización más estratégicamente. De la misma manera una base audiovisual permite crear ideas realizables a nivel de recursos y mucho más narrativas desde su concepción / This work aims to identify and characterize the profile of producers in the context of digital advertising in Peru. The methodology used in this work is based on a qualitative approach and a critical interpretation of processes, relying on the author's professional experience. By analyzing the current flow of audiovisual content production, each stage of the process, types of content, as well as the companies, media, and individuals involved, along with the connections between them are explained. The digital advertising space in Peru, especially in the audiovisual realm, lacks an updated systematization that describes and explains the activities, new demands, specific knowledge, and skills required in the field, as well as the characteristics and specificities of the production function. Thus, this work proposes an initial foundation to close those knowledge gaps, drawing from a set of professional experiences in the Peruvian digital advertising industry. The findings from this systematic approach indicate that while this field is primarily dominated by audiovisual professionals, there is a suitable job market for advertisers, where the audiovisual literacy of the current advertiser's profile could prove advantageous to make them more competitive. Therefore, there is a clear need to highlight and create connections between both professions, as an advertising background allows for a more strategic perspective on realization. Similarly, an audiovisual foundation allows for the creation of ideas that are feasible in terms of resources and much more narrative from their conception

La presente investigación tuvo como objetivo general analizar el lenguaje audiovisual de los spots publicitarios de la campaña: “El Covid no mata solo. No seamos cómplices”, 2020, en esa línea se planteó los siguientes objetivos específicos: analizar los elementos visuales, sonoros y aspectos sintácticos de los spots en mención. El enfoque utilizado para esta investigación fue cualitativo, asimismo tuvo un paradigma interpretativo y un método fenomenológico-hermenéutico. Se aplicó las técnicas de observación y entrevista y como instrumentos la ficha de observación y la guía de preguntas. En cuanto al escenario, el trabajo se aplicó en el canal de youtube de la Presidencia del Consejo de Ministros del Perú, cuyo usuario es PCM Perú. Asimismo, en los sujetos participantes fueron considerados seis spots emitidos durante la campaña en mención: La pichanga, la reunión de barrio, la visita familiar, la parrilla entre amigos, la pachamanca y reuniones de jóvenes. Se entrevistó además a expertos para profundizar el análisis. Finalmente, la investigación concluye que los aspecto sintácticos y morfológicos que conforman el lenguaje audiovisual de los spots- fueron correctamente empleados, logrando una sinergia entre ellos que permitieron complementarse mutuamente para dar como resultado una solo unidad, y en efecto, lograr un mensaje claro y trascendente para el público quien va dirigido.

La incorporación de las estrategias audiovisuales como una herramienta periodística en la cobertura de noticias genera oportunidades para que los periodistas no solo dialoguen con la audiencia, sino también publiquen, busquen información y se perfilen a sí mismos o a sus organizaciones representativas. La presente investigación se centró en el análisis de las noticias publicadas en la web del diario Olé, el periódico virtual más popular de Argentina, durante la final más vista en la historia de la Copa CONMEBOL Libertadores. Con respecto al objetivo principal fue analizar el tratamiento periodístico de las noticias online publicadas por el diario Olé. En cuanto al análisis, fue aplicado en el lenguaje, en los titulares y en los elementos de apoyo gráfico que usó Olé para la descripción de la final entre Boca Juniors y River Plate. Se empleó la metodología cualitativa y como instrumento la ficha de análisis. Finalmente, los resultados evidenciaron que el lenguaje más usado es el estético; los titulares que prevalecen son el subjetivo y el explícito y los elementos de apoyo gráfico preferidos son la fotografía y el video. Se concluyó entonces que las herramientas fotográficas y de apoyo gráfico tienen un mayor alcance con el público objetivo, lo cual genera mayor expectativa e interés en las publicaciones realizadas por el Diario en análisis.

La investigación titulada “Propuesta de guion documental en el contexto del bicentenario peruano basado en el hundimiento de los buques Loa y Covadonga” tuvo como objetivos específicos: planificar cada paso de la redacción del guion documental con carácter histórico sobre el hundimiento de los buques chilenos Loa y Covadonga durante la Guerra del Pacífico, recopilar información histórica para aplicarla en cada etapa de la redacción del guion y, destacar en el guion documental la importancia del hundimiento de los buques chilenos Loa y Covadonga durante la Guerra del Pacífico en pleno bicentenario. La investigación se basó en el paradigma naturalista, con metodología cualitativa y enfoque narrativo. Los principales resultados que se obtuvieron fueron que un guion documental debe impactar tanto sentimental como históricamente; por otro lado, los hundimientos del vapor Loa y la goleta Virgen de Covadonga deben de ser un objeto de reflexión para el peruano del bicentenario y de futuras generaciones. Por ello, entre las conclusiones más relevantes se destacaron que, al redactar el guion documental se tiene que cumplir los siguientes pasos: investigación del tema elegido, selección de los participantes y del escenario, no obstante, se puede improvisar al momento de la redacción; por otro lado, existieron victorias peruanas en la Guerra del Pacífico que son desconocidas e infravaloradas, las cuales, son resaltadas a través del guion en el contexto del bicentenario.

La aplicación del saber teórico-clínico psicoanalítico a las producciones culturales consiente profundizar el análisis de las creaciones intelectuales con relación al estudio de la intersubjetividad en el discurso social a partir de la representación simbólica de los lenguajes y los sedimentos específicos del imaginario (cine, teatro, literatura, videoarte y producciones multimedia). En el caso del psicoanálisis esta tarea implica la consideración añadida de los límites metodológicos impuestos ante los abusos interpretativos sobre un objeto de estudio pasivo (guion literario –televisivo–, en nuestro caso) “incapaz, como tal, de oponer un efecto de retorno sobre el análisis” (Chemama y Vandermersch, 2004) además de sobre cualquier abstracción conceptual de corte teórico sobre el objeto. Esta tesis investiga la dialéctica del sujeto del inconsciente (Lacan, 2009b) en el guion de la serie Los Soprano (1999-2007 EE.UU., emitida por H.B.O.: la secuencia sobre la psicoterapia del personaje protagonista). Tras haber presentado argumentalmente la obra, se abre el estudio introductorio sobre los antecedentes académicos que han analizado la producción televisiva, sus reversos narrativos y las caracterizaciones de los personajes principales. Se contemplan, especialmente, las observaciones de los autores (Greene e Vernezze, 2009; VV.AA., 2010; Zoller e Sepinwall, 2019) que se han detenido sobre la estética narrativa y sus reversos psicológicos o específicamente psicoanalíticos (Gabbard, 2004; Castro Flórez, in VV.AA., 2010), para pasar a la exposición del Marco Teórico (teoría de la subjetividad de la filosofía a la teoría social, junto al concepto psicoanalítico de sujeto del inconsciente planteado en el aparato teórico de Jacques Lacan –1901-1981–). Tras exponer el tratamiento de los principios básicos sobre el abordaje clínico psicoanalítico (teoría y técnica: Lacan, 2004, 2009; Etchegoyen, 2010; Cosenza, 2008) y un estudio retrospectivo etnográfico-lexical sobre los significantes ligados al substrato narrativo de la serie (criminalidad organizada), se pasa al análisis de los pasajes textuales de la secuencia clínica: las 106 escenas sobre la experiencia clínica psicoterapéutica del protagonista de Los Soprano. La tesis falsea mediante un procedimiento descriptivo los elementos de corte identitario contemplados en el capítulo III (datos etnográficos y psicosociológicos sobre la subjetividad de las organizaciones criminales en la forma de la mafia: Fiore, 2007; Lo Verso, 2002, 2017; Giordano y Lo Verso, 2013, 2014; Giunta y Lo Verso, 2011), y, ante la hipótesis de una posible dialéctica de efectos terapéuticos demuestra la escasez de las ocasiones reales de significación psicoanalítica en un sentido epistemológico que se oriente a la búsqueda clínica terapéutica del sujeto del inconsciente y a la realización del symptôme en el protagonista de la secuencia estudiada.

La presente tesis de investigación tiene como objetivo estudiar un aspecto muy específico dentro de la realización audiovisual: el diseño de producción. No solo para identificar y describir las responsabilidades propias de esta labor, sino también interpretar su discurso narrativo más allá de la mera apreciación estética. Hablar del diseño de producción es hablar del universo tangible del relato, aquel que se sucede detrás de una pantalla y que como espectadores solo podemos ver y oír, pero que muchas veces va más allá de nuestra propia imaginación. Y es que el truco para que la fantasía de la ficción resulte totalmente convincente, sin la necesidad de concederle dicha cualidad, es que esta pase totalmente desapercibida para nosotros. En el teatro, por ejemplo, le concedemos a lo que vemos realidad, suspendemos nuestro “escepticismo” porque de otro modo disfrutar de la obra seria sencillamente imposible. En la ficción audiovisual no existe la necesidad de “creer” en lo que vemos, lo hacemos sin más, siendo el diseño de producción el principal responsable de este universo, que se extiende más allá de los encuadres de la cámara y que parece subsistir aun cuando ya hemos dejado el cine o apagado el televisor. Gracias al diseño de producción se puede transmitir una gran cantidad de información a través de toda la historia, no teniendo que depender por ejemplo, de tediosos discursos o continuas explicaciones que perturben el ritmo del relato. La habitación de un personaje puede hablar por si misma de su etapa emocional, el estado desastroso de una ciudad justificar la dureza que rige el estilo de vida de sus habitantes o una fastuosa construcción arquitectónica ayudarnos a sumergirnos en el periodo histórico en el que se encuentra. De esta manera el diseño de producción cobra un silencioso protagonismo que sostiene el relato, potenciándolo y brindándole verisimilitud, por lo que resulta un aspecto base sobre el que siempre hay que trabajar. En su planteamiento nada debe dejarse a una decisión improvisada, de la misma manera que el planteamiento de una toma no parte de un mero capricho o arbitrariedad, sino de un verdadero sentido narrativo por parte del director. Es por esto que la presente tesis tiene como finalidad analizar esta labor dentro de la producción audiovisual, tomando como caso de estudio la serie televisiva “Juego de Tronos”, para entender cómo el diseño de producción se desarrolla y ayuda a conformar una apariencia visual que además de construir, afirma y enriquece el relato.

Este trabajo es una aplicación de la fenomenología de Edmund Husserl a la experiencia del ver televisión. Es aplicación, en cuanto Husserl no conoció la televisión y, por tanto, no la pudo estudiar; pero también en cuanto la experiencia se aplica a la fenomenología misma, interpelando su validez para dar cuenta cabal de su verdad. El método fenomenológico, que se da a sí mismo a medida que explora su campo de estudio para ir explicitando sus hilos conductores, exige esta correlación permanente.

La presente investigación pretende indagar a fondo cómo la crianza dentro del hogar peruano en zonas rurales puede llegar a afectar a los jóvenes cuando crecen; esta premisa es un reflejo que nace a partir de las experiencias de los participantes del cortometraje “Laguna”. De esta manera, la actuación fue lo primero que cayó como prioridad, así que lo esencial era que las actrices compartan las mismas experiencias que los realizadores de “Laguna” querían plasmar en la historia propuesta. Para ello, se ha decidido personificar esta relación parental de madre e hija en Helena y Cecilia, siendo Helena una joven proveniente de provincia que ahora vive en la ciudad, y Cecilia, una madre provinciana que tuvo una crianza conservadora, y que ahora lo demuestra con la crianza de su propia hija. Para este cortometraje se han usado recursos estéticos audiovisuales como el manejo de la luz natural, la actuación, la edición y otro tipo de procesos ajenos a una realización que sucedieron en el proceso de realización, como, por ejemplo: dos accidentes de tránsito o el exceso del plan de presupuesto. Por otro lado, como tiempo y espacio contextual, se ha situado el filme en los años 2009 – 2010 en la ciudad de Huacho, dentro del departamento de Lima, siendo nuestro punto de mayor importancia la laguna Encantada, el cual hemos usado como analogía con la protagonista Helena, quien es calmada y serena, pero cuando hay tiempos difíciles, como una tempestad, o, en el caso de Helena, un conflicto verbal con su madre (Cecilia), puede salirse de control. / The current investigation aims to inquire deeply how the parental upbringing in remote peruvian places could affect the youth when they turn adults. This assertion has come out from the experiences of the “Laguna” film team members. In this way, the performance was the priority, so the essential thing was that the actresses have shared the same experiences that the filmmakers proposed for the film story. For that reason, we decided to portrayed the mother-daughter relationship with Cecilia and Helena, being Helena a young lady from the peruvian countryside that nowadays lives in the city, and Cecilia, a single mother who has been raised in a sexist and conservative home, and shows it with the upbringing of her daughter. For this short film, the audiovisual aesthetics resources as the natural lights like, performance, edition and other processes oblivious to a filmmaking process as a couple of car accidents and a budget overpayment. On the other hand, as a contextual time and place, the story is situated in the years 2009 – 2010 in Huacho, located in the department of Lima, being Encantada lake our most important point in the place, which we used as an analogy with our main character Helena, who is calm and peaceful, but whenever are difficult times like a storm, or, in case of Helena, a big argument with her mother (Cecilia) can piss her off.