The diploma thesis deals with the contemporary works of selected Cypriot composers for violin. Throughout the centuries, since ancient times until today, Cyprus has been under the influence of many foreign conquerors including the Arabs, Venetians, Franks, Ottomans, and the English, among many others, who passed through Cyprus and left their marks on Cypriot cultural life. Natives, occupiers, and continuously migrating populations from Europe, Asia, and Africa formed a multicultural environment, where languages, religions and dogmas, ethnic traditions, education, and living standards have been diverse, and in constant interaction and transformation. It is necessary to mention the current violent division between the Greek and Turkish people has still not been overcome. This conflict has left an indelible mark on musical traditions. Cypriot folklore is also reflected in the work of the modern generation of composers. I believe that Cypriot classical music is a not very commonly known issue in the Czech Republic, and I have written this thesis in the hopes that it will increase awareness of Cypriot music. In this Diploma thesis I introduce three modern composers from Cyprus and Greece: Solon Michaelides (1905- 1979), Alkis Baltas (*1948) and Andreas Argyrou (*1957) and their compositions for violin. I focus...

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The present dissertation consists in an original composition for solo piano, titled Seven Nocturnes (2020). The score is preceded by a critical essay in which I discuss the overall aesthetic and formal qualities of the work, its musical, philosophical, theoretical, and historical background, as well as specific performance suggestions for future interpreters. Particular emphasis is given to the work's experimental use of musical time and original approach in relating expanded time with directional harmony.

Parmi les nombreuses traditions musicales extra-occidentales qui se sont exportées en occident, le gamelan, musique traditionnelle de Bali et Java en Indonésie, n’a cessé de fasciner les musiciens et mélomanes occidentaux depuis le tournant des XIXe et XXe siècles. Pour de nombreux Canadiens, la découverte de tels orchestres balinais et javanais s’est faite plutôt récemment, lors de l’Exposition spécialisée de 1986 à Vancouver. Au lendemain de cet événement, le gouvernement indonésien a légué les instruments ayant servi aux événements de l’Expo à la Simon Fraser University et à l’Université de Montréal. Depuis, plusieurs universités canadiennes ont accueilli des professeurs et compositeurs balinais et javanais dans leur corps professoral, alors qu’un nombre considérable d’étudiants canadiens ont choisi d’aller parfaire leur formation en Indonésie. Au fil des années, ces échanges internationaux ont favorisé l’établissement de communautés de gamelan notoires dans trois villes canadiennes : Vancouver, Montréal et Toronto. Actifs depuis plus de trois décennies, ces ensembles ont accumulé un corpus d’œuvres originales les distinguant les uns des autres et témoignant de leur environnement artistique spécifique. Cette recherche vise à comprendre de quelle façon le gamelan a évolué depuis son exportation au Canada dans différentes régions du pays, et en quoi cette évolution témoigne d’identités régionales équivalentes à celles que l’on peut observer dans l’archipel indonésienne. / Among the many non-European musical traditions exported to the west, the traditional gamelan music of Bali and Java, Indonesia, never ceased to fascinate musicians and audiences since the turn of the 20th century. For many Canadians, the discovery of such orchestras occurred rather recently at the 1986 World Exposition on Transportation in Vancouver. After the event, the Indonesian government gifted the instruments used at the Expo to Simon Fraser University and the University of Montreal. More Canadian universities have since welcomed Indonesian artists among their staff while a considerable number of Canadian students have chosen to perfect their knowledge in Java and Bali. Throughout the years, such international exchanges have nurtured distinct gamelan communities in three notorious Canadian cities: Vancouver, Montreal and Toronto. Active for over three decades, these ensembles have accumulated a body of original works distinguishing them and highlighting their vastly different artistic environments. This research aims to understand how gamelan has evolved in different regions since its arrival to Canada, and to what extent this evolution underlines regional identities similar to those found throughout the Indonesian archipelago.

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Die Einbeziehung des Klangs in die analytische Musikbetrachtung erscheint spätestens im 20. Jahrhunderts eine unausweichliche Herausforderung an die musiktheoretische Forschung. Ausgangspunkt der hier vorgestellten Studie ist der musikalische Cluster. Cluster markieren die Schnittstelle zwischen tonhöhengeleitetem Harmoniebegriff und geräuschhaften Klangmaterial. Mit Henry Cowells Buch New musical resources (1930) existiert zudem eine kompositorische Theorie zur Clustertechnik. Für die wahrnehmungspsychologische Studie wurden zunächst zehn Prototypen von Clustern entwickelt, die teils Cowells Klavierwerken entstammen (z.B. diatonisch, pentatonisch, chromatisch) und teils nach theoretischen Überlegungen konstruiert waren. Mit experimentellen Methoden gingen wir der Frage des Konzept-Perzept-Verhältnisses nach, also ob diese Prototypen auditiv überhaupt unterscheidbar sind, welche Hörexpertise dafür notwendig ist und welche psychoakustischen Eigenschaften die Cluster als Voraussetzung für eine auditive Diskriminierung haben müssen. Das angewandte Paradigma war eine Modifikation des MUSHRA Hörtests (MUlti Stimulus test with Hidden Reference and Anchor, ein Hörtest zur Ermittlung der Audioqualität von datenreduzierenden Algorithmen wie MP3). Die Probanden beurteilten hierbei die Ähnlichkeit der Cluster-Klänge im Vergleich zu einem zuvor festgelegten Referenzklang. Das Ergebnis der Studie zeigte, dass sich die Ähnlichkeitsratings in zwei Gruppen aufteilen lassen: (a) Cluster, deren perzeptuelle Ähnlichkeitseinschätzung von ihrer Clusterdichte abhingen und (b) Cluster, deren Klangstruktur eine perzeptuelle Sättigung aufwiesen, was die Differenzierung erschwerte. Auch die psychoakustischen Untersuchungen der Stimuli korrelierten stark mit den Ergebnissen des Ähnlichkeitsratings. Die Beobachtungen ermöglichen es, die Wirkung von Clustern empirisch fundiert zu beschreiben. Das Ziel der weiteren Forschung wird es sein, den Zusammenhang der Clustertheorie mit anderen Klangformen zu untersuchen. / The musical tone cluster is a prototypical sound of avant-garde music in the twentieth and twenty-first centuries. Tone clusters mark a boundary between pitch-related techniques of composing in earlier epochs to the use of sound-based materials in avant-garde music. The composer Henry Cowell offered the first theoretical reflection on the structure of tone clusters with a focus on tone density, which relies on the number of tones and the ambitus of a cluster (Cowell, 1930). Using experimental methods, we investigated whether participants were able to discriminate between various types of tone clusters (e.g., pentatonic, diatonic or chromatic) and how they evaluated their similarities. We also questioned whether a timbre-based approach using psychoacoustical methods of analysis could be used to explain the perception of avant-garde music sounds. Ten different prototypical tone cluster chords varying in density were presented in two studies. Additionally, the relation between similarity ratings and psychoacoustic features was examined. The design of the study was based on an adaption of the Multi Stimulus with Hidden Reference and Anchor (MUSHRA) paradigm (International Telecommunication Union, 2014). With this method, participants rated the similarity between a firstly chosen reference tone cluster and the other cluster sounds. The tone clusters could be grouped into two classes of sounds based on the similarity ratings of the participants: (a) those clusters with a high grade of perceptual discrimination depending on the cluster density and (b) those clusters of a more aurally saturated structure, making it difficult to separate and evaluate them. The results also showed congruency between theoretical features of the cluster structure, results of the timbre feature analysis, and perceptual evaluation of stimuli. The findings can provide valuable insights into aural training methods for avant-garde music. In future research, there will be a need to identify more variables influencing the aural perception of musical sounds to aid in listening to and understanding avant-garde music.

Helmut Oehring, der als hörendes Kind gehörloser Eltern aufgewachsen ist, meint, Musik schon immer »als eine Art innere[n] Fünffingermonolog zweier oder mehrerer Hände« gebärdet zu haben und schließlich aus diesem Monolog seine Noten zu formen. Wie ›klingt‹ seine Musik, deren Ausgangspunkt die ausschließlich visuell funktionierende Gebärdensprache ist? Kann von Klang überhaupt die Rede sein? Anhand Oehrings Instrumentalwerk Foxfire Eins (1993), das der Komponist »entlang der Grammatik und Syntax der Gebärdensprache« komponiert hat, wird zum einen untersucht, wie/ob dieses Werk tatsächlich aus gebärdensprachlicher Sicht betrachtet werden kann, zum anderen, welchen Stellenwert der Klang hierbei innehat. / Helmut Oehring, a hearing child growing up with deaf parents, claimed that he always »signed« music in a »five-fingers-monologue« and tried to create musical notes from that »monologue«. Considering that his music is rooted in sign language that operates only visually, the following questions arise: How does his music »sound«? Is the sound an issue at all? Based on Oehring´s instrumental music Foxfire Eins (1993) that he composed »along the grammar and syntax of sign language«, I will examine whether this musical composition can actually be seen from the perspective of sign language and what kind of role the sound plays.

Ce document présente une démarche de recherche-création, intitulée Worst Practices, développée dans le cadre d’un Doctorat en Composition et Création Sonore effectué au sein de la Faculté de Musique de l’Université de Montréal. Il est lié une série de compositions qui sont le volet pratique de ce projet. Ce texte précise les notions théoriques sur lesquels il s’appuie. Il présente d’abord différentes stratégies compositionelles appliquées au sein de ce projet. Dans un second temps il procédera à une analyse des différentes pièces réalisées en présentant une première série des projets qui ont inspirés cette démarche, un second ensemble de pièces ou les techniques proposées apparaissent plus consciemment, pour enfin présenter deux projets plus conséquents qui ont été entièrement constitués selon le concept de Worst Practices. Cette démarche s’inspire de la notion de bifurcation néguentropique, proposée par le philosophe français Bernard Stiegler, et consiste en une voie artistique en réaction à un environnement où l’accélération technologique est source d’aliénation et ou la surproduction pose la question de la pérennisation de son travail. Ainsi une continuité avec la démarche d’artistes tels que Frank Zappa, Charles Mingus, ou encore Erik Satie, est établie. Par la suite une série de stratégies déviantes est présentée en commençant pas l’analyse de ‘mauvaises’ habitudes de travail volontairement assumées, puis par la description de méthodes artistiques : le détournement, le débordement et la déconstruction-lacération. Ces approches de création seront ensuite identifiées au cours des analyses qui occupent les trois derniers chapitres de ce texte. Dans ce cadre, la manière dont ces pratiques ont évolué au sein de ce projet de recherche-création sera mise en avant pour illustrer le déploiement progressif des Worst Practices dans cette série de compositions. / This document presents a research-creation process, referred to as Worst Practices, developed over the course of a Doctorate in Composition and Sound Creation at the Music Faculty of the University of Montreal. It is linked to a series of compositions that are the practical dimension of this project. This text addresses the theoretical notions on which it rests. It begins by presenting various compositional strategies applied within this project. In a second phase an analysis of the various compositions will be performed starting with a first group of works that inspired this process, a second group where several of the proposed techniques begin to appear more voluntarily, to finally present to more ambitious projects that were entirely formalised through the concept of Worst Practices. This course of action is inspired by the notion of neguentropic bifurcation, developed by the French philosopher Bernad Stiegler, and consists of an artistic path in reaction to an environment in which technological acceleration is the cause for alienation and where overproduction causes artists to question the perennity of their work. It thus establishes a continuity with artists such as Charles Mingus, Frank Zappa and Erik Satie. Following this a series of deviant strategies is presented starting with voluntary ‘bad’ work habits, and then describing artistic methods employed such as diversion, overflowing and shredding. These creative approaches will be identified throughout the analyses in the three final chapters of the text. In this context, the way these practices evolved within this research-creation project will be put forward in order to illustrate the progressive deployment of Worst Practices in this series of compositions.

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