Made available in DSpace on 2014-06-12T16:31:21Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo4746_1.pdf: 9812119 bytes, checksum: 6e9455cf9e79234a5b78a0bcbf7310ac (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2006 / Que critérios inspiram os julgamentos de uma obra de arte? A que código se referem estes valores? Quem julga e consagra em meio ao caos da produção cultural? Estes são alguns dos questionamentos que norteiam este estudo. A intenção, aqui, é tentar compreender até que ponto ou de que forma a crítica de arte, veiculada em jornais e revistas especializadas de âmbito nacional, contribuiu e participou dos processos da construção da imagem do pintor paraibano João Câmara Filho no campo brasileiro de produção artística. Considerando que o reconhecimento e a consagração são frutos de um processo social, a presente dissertação procura observar a relação entre alguns agentes sociais, que, mesmo atuando neste estudo de forma secundária, possuem força e legalidade no interior do campo de produção artística e exerceram, assim, um papel significativo (seja de cooperação ou de conflito) na inserção do nome João Câmara Filho entre os maiores nomes da pintura nacional. Para tanto, a teoria da produção artística de Pierre Bourdieu aparece aqui como o grande eixo teórico deste estudo. Finalmente, à medida que o corpus era analisado vozes dissonantes da crítica nacional reabriam um debate no interior do campo brasileiro de produção artística: cosmopolitismo da vanguarda versus regionalismo da arte brasileira. A produção cultural da periferia e o debate da crítica sobre ela inserem, nesta pesquisa, conceitos de identidade frente ao processo de globalização

Orientador: Luciano Migliaccio / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-07-29T03:23:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fonseca_SoniaMaria_M.pdf: 5560710 bytes, checksum: ab92e58c179621df3938c6d164c09a97 (MD5) Previous issue date: 2001 / Resumo: Não informado. / Abstract: Not informed. / Mestrado / Mestre em História

A través del desarrollo que fue esta investigación, emergió un objetivo subrepticio; éste tiene ver, no tanto con las problemáticas alojadas en el particular mecanismo de producciones culturales y simbólicas, o visto de un modo ligeramente diferente, del “poder” de las manifestaciones de Arte, a nivel local, en un contexto como el actual. Una de las preocupaciones principales que animo esta investigación, guarda relación con la indagación respecto de las posibilidades que el discurso crítico tiene en pos de contribuir al desarrollo de la asociatividad comunitaria, a favor de una recomposición solidaria y comunitaria del tejido humano transformado, o mejor dicho, devastado, por el devenir productivo del capital. Así mismo, este desarrollo evidenció de modo particular, la antes mencionada condición de reabsorción de los discursos críticos-artísticos visuales, por parte del flujo informacional y económico del capital

Este libro se encuentra sobre la base del proyecto «Sabino Springett. Investigación en homenaje por sus cien años de nacimiento» del Instituto de Investigaciones de Arte Peruano se inició en el año 2013 con la finalidad de rescatar estas tres facetas del artista mediante un estudio académico y multidisciplinario. Se han analizado las piezas in situ, se realizó un registro fotográfico profesional, se catalogaron las obras y fueron revisados los documentos en archivos y bibliotecas especializadas. Además, se han efectuado charlas, conferencias y presentaciones de los avances en congresos, coloquios y aulas de diversas instituciones públicas y privadas. En esta publicación, el lector podrá encontrar ilustraciones, fotografías de las pinturas, la historia y constitución de estas.

Orientador: José Leonardo do Nascimento / Banca: William Pereira de Araújo / Banca: Wagner Francisco Araújo Cintra / Resumo: A presente pesquisa parte da premissa de que os cadernos de cultura encartados em jornais de grande circulação e prestígio são espaços privilegiados para divulgar e promover a reflexão crítica sobre as artes visuais, uma vez que têm altas tiragens e um público que, se não pode ser classificado como altamente qualificado, ao menos se distingue da maioria da população pelo hábito de ler jornais diariamente. Por meio das reflexões neles publicadas, deve ocorrer uma ampliação do sentido das artes que sirva como referência para a fruição das obras por parte dos leitores. Os cadernos de cultura podem se constituir, portanto, como espaços da mediação necessária entre obras e público, visando a aproximação das partes. Foram analisadas 11 críticas de arte publicadas na Folha de S. Paulo e 12 resenhas publicadas n'O Estado de S. Paulo, durante a realização da 29ª Bienal de Artes de São Paulo (25 de setembro a 12 de dezembro de 2010). Os textos foram analisados na perspectiva da Análise Crítica do Discurso (ACD) formulada pelo linguista Norman Fairclough, que defende que, se por um lado, os discursos podem contribuir para as reproduções da sociedade com a reificação de identidades sociais e crenças, por outro, também podem transformá-la / Resumen: Este estudio asume que el folleto de cultura de contratos en los periódicos de circulación general y el prestigio son espacios privilegiados para difundir y promover la reflexión crítica sobre las artes visuales, ya que tienen grandes tiradas y un público que, si no se puede clasificados como altamente calificados, por lo menos si la mayoría de la población se distingue por el hábito de leer periódicos. A través de esta reflexión, no debe ser una extensión del significado del arte de servir como referencia para el disfrute de las obras de los lectores. Los términos de la cultura puede ser, por tanto, como la mediación necesaria entre el espacio y las obras públicas, destinadas a acercar a las partes. Se analizaron 11 criticas de arte publicado en Folha de S. Pablo y de 12 comentarios publicados por O Estado de S. Pablo, durante la 29 ª Bienal de Artes de São Paulo (25 septiembre hasta 12 diciembre, 2010). Los textos fueron analizados desde la perspectiva del Análisis Crítico del Discurso (ACD) formulada por el lingüista Norman Fairclough, quien sostiene que, por un lado, los discursos pueden contribuir a la reproducción de la sociedad, la reificación de las identidades sociales y creencias, por el otro también se puede transformar / Mestre

Esta dissertação analisa o discurso de repúdio à arte moderna, conforme este se manifestou em relação à obra do artista russo-brasileiro Lasar Segall (1889-1957). A singular trajetória deste artista, que viveu e produziu na Europa e no Brasil, permite que se observe e compare as retóricas dos refratários ao modernismo em diferentes lugares e épocas. Na busca pelas matrizes conceituais dessa mentalidade, recuou-se a observação para as décadas finais do século XIX, momento em que se consolidaram algumas formas novas de se compreender o fenômeno estético, amparadas na ótica positivo-cientificista, assim como categorias pejorativas de qualificação do modernismo, como a de degeneração. Atenção especial foi conferida à análise da política cultural do regime nacional-socialista, que empreendeu a partir de 1937 uma ação contra a arte degenerada, responsável por expurgar dos museus públicos alemães uma grande quantidade de obras de arte moderna, e por exibir em exposições difamatórias um conjunto delas, entre as quais, algumas de Lasar Segall. No Brasil, observou-se as relações entre o Estado Novo e a arte moderna, em especial no monitoramento de seus artífices pelos órgãos de repressão política. / This dissertation analyzes the discourse of repudiation of modern art, as manifested about the work of Russian-Brazilian artist Lasar Segall (1889-1957). The unique trajectory of this artist, who lived and produced in Europe and Brazil, allows comparisons of refractory discourses about modernism in different places and times. In the search for the conceptual matrices of this rhetoric, the observation returned to the final decades of the nineteenth century, when some new forms of understanding the aesthetic phenomenon consolidated, supported by the positive-scientificist view, as well as pejorative categories of qualification of the modernism, such as \"degeneration.\" Special attention was given to the analysis of the cultural policy of the National Socialist regime, which from 1937 on undertook an \"action against degenerate art\", responsible for purging a large number of modern works of art from the German public museums, and for exhibiting in defamatory exhibitions a group of them, including some of Lasar Segall. In regards to the Brazilian case, the research dedicated attention to the relations between the Estado Novo and modern art, especially in the monitoring of its artificers by the organs of political repression.

A atividade do crítico de arte Mário Pedrosa (1900, 1981), talvez o maior responsável pela renovação da arte Brasileira no século XX, fez da arte autônoma a divisa de artistas, críticos e instituições no Brasil, superando o localismo ressentido e sua narração figurativa das misérias nacionais, numa síntese crítica entre o influxo externo e a experiência local. Na década de 1950, dedicou-se à crítica de arquitetura e compreendeu a arquitetura moderna brasileira, de Lúcio Costa e Niemeyer, como imbuída de espírito utópico, séria e bem preparada para uma modernização do país com integração social. Contudo, a dependência dessa arquitetura para com um Estado modernizador autoritário teria resultado num desenvolvimento desproporcional da dimensão estética voltada a propósitos de exibição de poder dos ditadores. Sua teoria da arte, teoria da \"forma primeira fisionômica\", baseava-se na psicologia da forma e na psicologia genética. A forma primeira fisionômica seria o fundo universal de todas as formas de conhecimento, espontânea e já afetivamente orientada, bem como estrutura comum à arte ocidental e às artes primitivas. A arte moderna abstrata teria como papel tornar reconhecida essa matriz universal e abrir o passo ao retorno à espontaneidade criativa e à sociabilidade da proximidade e do afeto, algo que a dominação técnica da natureza tornara possível, bastando que se abandonassem preconceitos. Esta concepção procedia também da utopia estética da síntese das artes, criada pelo compositor Richard Wagner no séc. XIX, a qual considerava artificial a separação entre a necessidade material e a necessidade do espírito. A necessidade seria mesmo o motor de toda a atividade criativa e produtiva humana, que recaíra no egoísmo e no conflito por insuficiente dominação da natureza. Caberia ao mundo moderno, da indústria e da técnica, realizar o retorno à comunidade e à unidade originárias, para o que a arquitetura seria a arte a harmonizar todas as outras artes numa formalização total do ambiente. Contudo, em meados dos anos de 1950 o projeto pedrosiano fraquejava sob o impacto das correntes artísticas informalistas e expressionistas abstratas, as quais demonstravam ou pessimismo ou interesse filisteu em vez de fé na emancipação universal franqueada pela dominação técnica da natureza. O crítico promoveu, então, a arquitetura moderna brasileira por sua fé nas \"virtualidades democráticas da produção em massa\" e a construção de Brasília como a finalidade coletiva que canalizaria a estética à construção redentora da autonomia nacional e exemplo para o mundo. Seu ideal de síntese levou-o a uma paradoxal formulação da arquitetura - arte abstrata autônoma, cuja apreciação, porém, condicionava à consecução de finalidades sociais. Sua crítica de arte da arquitetura foi tímida e terminou abandonada quando a Brasília dos políticos e das empreiteiras derrotou a utopia. Concluímos, então, que a autonomia das finalidades humanas significa que estas não se reduzem a uma origem comum, a necessidade. A arte autônoma como meio para a utopia significa que esta se volta contra a arte e a arquitetura autônomas, e encobre seu impasse final trocando a felicidade para todos pela menor dor para o maior número. / The art critic Mário Pedrosa (1900, 1981), perhaps the most important activist for the renewal of Brazilian art in the 20th century, accomplished to make autonomous art the goal for artists, critics and institutions alike. In so doing provincianistic resentment that prescribed figural narrative of national plight was overturned by a critical symbiosis between international influx and local experience. In the 1950s Pedrosa devoted also to architectural criticism and acknowledged modern Brazilian architecture as essentially utopian and committed to modernizing the country on an egalitarian bases. However its dependence upon a modernizing yet authoritarian State would have resulted in an overblown aesthetic dimension geared up to purposes of power exhibition on the part of dictators. Pedrosa\'s art theory, that of physiognomic primal form, which he grounded on gestalt and genetic psychology, maintained that it was of itself spontaneous and affectively oriented, and being the universal ground of all forms of knowledge it purported to be also the common structure underlying both western and primitive art. Modern abstract art\'s role was to reveal to the world this universal ground and pave the way to the return to spontaneous creativity and to forms of sociability grounded on affection and proximity, all granted by the technical mastery of nature if mankind only were to shed its prejudices. This conception stems also from the concept of Gesamtkunstwerk idealized by composer Richard Wagner by mid 19th century. According to the latter the splitting apart of material and spiritual necessity was artificial. Necessity was thought to be the pushing force behind all creative and productive human activity, but which had ever since relapsed on egotism and strife due to insufficient mastery of nature. The task of modern industrial world should be to deliver the world back to communitarian structure and to the primal unity, to the fulfillment of which architecture should be the art form to strike harmony out of all others put together into the design of an environmental totality. However, by mid 1950s Pedrosa\'s project was pretty shaken up by the rise of both informal and abstract expressionist tendencies which displayed either pessimism or philistine concerns instead of unrelenting faith in universal emancipation granted by technical mastery of nature. The critic them moved on to support modern Brazilian architecture on grounds of its unshakable \"faith in the democratic virtues of mass production \"and also the construction of Brasília as the ultimate collective finality able to tap the aesthetic to the redemptive construction of national autonomy. His ideal of synthesis however led him to a paradoxical understanding of architecture as autonomous art whose appreciation requires the previous fulfillment of social goals. His architectural criticism was too niggard and quitted architecture altogether as soon as Brasilia led by politicians and contractors defeated that of utopia. Our final conclusion is to the effect that the autonomy of human ends preclude their stemming from a common source, that is to say necessity. Autonomous art and architecture as a means to the fulfillment of utopia means that the latter turns against autonomy itself to cover up for its ultimate standoff by exchanging the happiness of all for the mildest pain for most.

Afirmamos na presente tese a coerência e relevância de se utilizar a estética kantiana na crítica da dita arte moderna e contemporânea. Nos capítulos seguintes, mediante as críticas de Greenberg, De Duve, Lyotard e Mario Costa, evidenciamos a utilidade dos juízos de gosto e do sublime de Kant para se pensar a fruição de certas obras. Alteram-se alguns aspectos dos conceitos kantianos para uma melhor adaptação dos mesmos às obras e à cultura do século XX. De todo modo, nos exemplos observados na tese fica evidente a contribuição de Kant para se pensar a fruição da arte moderna e contemporânea, na medida em que o juízo de reflexão mobiliza as nossas faculdades cognitivas na determinação do comprazimento e do conhecimento geral a partir das obras de arte observadas. / We affirm in this thesis the coherence and relevance of using Kantian aesthetics in the critique of said modern and contemporary art. In the following chapters, we have evidenced the utility of the Kant´s judgments of taste and the sublime through the criticisms of Greenberg, De Duve, Lyotard and Mario Costa, to consider the fruition of certain works. It has been verified during the research, that changes in some aspects of Kantian concepts have been made in order to better adapt them to the works and twentieth century culture. In any case, by the examples observed in the thesis, Kants contribution is evident in considering the fruition of modern and contemporary art that the judgment of reflection mobilizes our cognitive faculties both when determining enjoyment as well as general knowledge from works of art.

Comoumsótrabalho - sobre os projetos de escala geográfica de Nelson Felix investiga um conjunto específico de obras do artista, precisamente aquelas cuja construção envolve deslocamentos geográficos extremos, uma experiência dilatada de temporalidade e a premissa do entrelaçamento contínuo entre os trabalhos. Marcada pelo rigor construtivo e por uma série de determinações simbólicas, a produção de Felix recorre a formas orgânicas, a ciclos planetários, à música, à poesia escrita, em um jogo de equivalências e rebatimentos que se manifesta em uma forma constelar, simultaneamente atenta e insubordinada aos paradigmas estéticos contemporâneos. Assim, partindo de reflexões que problematizam a relação ambivalente da obra de Nelson Felix com a tradição da escultura a pesquisa encontra, nos processos de construção dos projetos do artista, os conceitos que irão nortear a discussão em pauta. Essas reflexões se atêm, basicamente, à contiguidade entre os trabalhos, à temporalidade supra-humana a que são submetidos e à monumental invisibilidade da obra. / Comoumsótrabalho (Asasinglejob) - about the geographic scale works of Nelson Felix - investigates a specific set of works by the artist, precisely those whose construction involves extreme geographic dislocation, a dilated temporal experience and the premise of continuous interconnection between all of the artist\'s works. Marked by the constructive rigor and by a series of symbolic determinations, Felix\'s production turns to organic forms, planetary cycles, music and written poetry, in a game of equivalences and reverberation that presents itself in a stellar way, simultaneously aware of and unsubordinated to the contemporary aesthetic paradigms. Thus, starting from reflections that problematize the ambivalent relations between the work of Nelson Felix and the tradition of sculpture, the research finds, in the processes of construction of projects by the artist, the concepts that will guide this discussion. These reflexes basically rely on continuation of works, on the super-human temporality to which they are submitted and on the monumental invisibility of the work.

Tomando as revistas como a Tatuí e a Número, analisa-se aqui as relações presentes nas suas produções de crítica de arte circuladas por meio de publicações auto-organizadas. Colocam-se questões sobre a atuação na prática de escrita de crítica de arte e seu possível caráter experimental nos anos 2000. Considera-se um contexto de crescimento da profissionalização e suas implicações nas práticas teóricas em diálogo com as práticas do trabalho de arte. Procuramos investigar também, nesse processo da difusão de discussão crítica, o pensamento sobre os circuitos e as instituições como possíveis locais ambivalentes de tensão e de amplificação. As estratégias de tais publicações observam a criação de seus espaços de interlocução possíveis, considerando tal contexto muitas vezes caracterizado como o de crise da potencialidade de contribuição da crítica. / Taking the Tatuí and Número magazines, we analise here the relations on the production of art criticism on circulation via selforganised publications. Posing questions on the practice of art writing and its possible experimental character on the 2000’s. Considering a rising profissionalization context and its implications on theoretical practices dialoging with art work practices. We also seek to investigate, on this process of profused critic discussion, the thinking of circuits and the institutions as ambivalent places of tension and amplification. The publication estrategies observe the creation of their possible interlocution spaces, conidering such context as one often characterized as the of crisis on the potencial critical contribution.