Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2005-2006 / À partir d'un ensemble de tragédies créées entre 1680 et 1704, nous abordons l'inflexion élégiaque perceptible dans la dramaturgie de la fin du XVIIe siècle. Plus particulièrement, nous analysons les rapports poétiques et dramaturgiques entre élégie et tragédie afin d'établir l'inflexion élégiaque des pièces françaises comme une des lignes directrices du renouveau de la poétique tragique, tout en y relevant certaines filiations avec les grandes œuvres de la période précédente. Dans un esprit de juste retour, les œuvres ainsi réunies permettent un éclairage nouveau sur certaines notions clés de la poétique théâtrale, telle la catharsis tragique, de même que sur le fonctionnement et l'articulation des différentes composantes de la tragédie classique, à savoir l'exposition, le nœud, la péripétie et la catastrophe.

Notre thèse porte sur Qohélet ou מְגיִלּתָ קֹהלֶ֣תֶ (Εκκλησιαστής en grec), en tant que *midrash* de Dt 5,11 à la lumière du אֵל מסִתְּתַּרֵ / *Deus absconditus* (« Dieu caché ») d'Is 45,15. Cette triangularité paradigmatique et syntagmatique entre les trois textes du canon de la Bible hébraïque est une perspective toute nouvelle dans l'histoire des études sur Qohélet, bien que le livre nous enseigne qu'« il n'y a rien de nouveau sous le soleil » (Qo 1,9). Elle a son fondement dans les *Middot* ou règles herméneutiques juives, notamment le *gézéra shawa* ou le « raisonnement par analogie » et le *binyan'av mishne k$^e$tuvim* entendu comme le « raisonnement père de deux Écritures. » Le concept d'*intertextualité midrashique* qui fait également son apparition dans le champ de l'exégèse biblique rend compte de cette double portée midrashique et intertextuelle de notre perspective herméneutique en tant qu'appropriation sémantique d'un texte par analogie à un contexte de référence. Ce triple rapport de coprésence intertextuelle et midrashique entre Qohélet, Dt 5,11 et Is 45,15 nous permet de mettre en exergue la dialectique anthropothéologique inhérente à la dynamique épistémologique de Qohélet moyennant la rhétorique de la déconstruction qui met en crise la doctrine de la rétribution, inscrivant l'œuvre dans une triple tension dialectique et syntagmatique. Qohélet oppose בְניֵ האָדָםָ (« fils d'Adam ») et הָא;ֱהיִ֑ם (« le Dieu »), עַל־האָרָץֶ (« sur la terre ») ou תַּח֥תַ הַשּׁמָֽשֶׁ /ὑπὸ τὸν ἥλιον (« sous le soleil ») ou תַּח֥תַ הַשּׁמָיָֽםִ /ὑπὸ τὸν οὐρανόν (« sous les cieux ») et בַּשּׁמָיַםִ (« dans les cieux »), הֶבלֶ (« buée ») et יאר (« craindre ») propre à la locution אֶת־האָ;ֱהיִ֖ם יְרָֽא (« crains Dieu » 5,6ss.). Au final, le Dieu de Qohélet apparait, dans son rapport à l'humain et son monde, comme l'*Absolument Autre*, le souverainement transcendant, l'incomparablement inaccessible, dont Dt 5,11/Ex 20,7 récuse la profanation du nom. Ce « Dieu caché » d'Is 45,15, dont le concept semble partagé par l'ensemble des *Megilloth*, est insaisissable et impénétrable depuis la « buée » ( הֶבלֶ ) de l'expérience humaine. Seule, la *sapientialisation* de la crainte que cristallise la racine יאר (3,14; 5,6; 7,18; 8,12-13) donnerait sens à notre existence grâce à la conscience de l'altérité absolue de Dieu : הָאֱ;הִ֤ים בַּשָּׁמַ֙יִם֙ וְאַתָּ֣ה עַל־הָאָ֔רֶץ (« Dieu est au ciel et toi sur la terre », 5,1b). / The thesis deals with Kohelet or מְגיִלּתָ קֹהלֶ֣תֶ (Εκκλησιαστής in Greek) as a midrash of Dt 5:11 in the light of אֵל מסִתְּתַּרֵ / *Deus absconditus* ("The hidden God") of Is 45:15. This paradigmatic and syntagmatic triangularity between the three texts of the canon of the Hebrew Bible is an entirely new perspective in the history of studies on Kohelet, although the book teaches us that "there is nothing new under the sun" (Eccl 1:9). It is based on the *Middot* that are the Jewish hermeneutical rules, notably the *gezera shawa* that means "the reasoning by analogy" and the *binyan'av mishne ketuvim* understood as the "the reasoning father of two scriptures". The concept of *Midrashic intertextuality*, which is also appearing for the first time in the framework of biblical exegesis, accounts for this double Midrashic and intertextual scope of our hermeneutic perspective as the semantic appropriation of a text analogically to a referential context. This intertextual and Midrashic co-presence between the three texts of Kohelet, Dt 5:11 and Is 45:15 allows us to highlight the anthropotheological dialectic inherent in the epistemological perspective of Kohelet by means of the rhetoric of deconstruction which puts the doctrine of retribution in crisis, inscribing the book in a triple dialectical and syntagmatic opposition between בְניֵ האָדָםָ ("sons of Adam") and הָא;ֱהיִ֑ם ("the God"), עַל־האָרָץֶ ("upon earth") or תַּח֥תַ השַָּׁמֽשֶׁ /ὑπὸ τὸν ἥλιον ("under the sun") or תַּח֥תַ השַּׁמָָיֽםִ /ὑπὸ τὸν οὐρανόν ("under heaven") and בַּשּׁמָיַםִ ("in heaven"), הֶבלֶ ("mist") and יאר ("to fear") specifically in the phrase אֶת־האָ;ֱהיִ֖ם ירְאָֽ ("fear God" 5:6ff.). After all, Kohelet's God comes to be known, through his relationship to human and his world, as the *Absolutely Other*, the *Supremely transcendent*, the incomparably inaccessible, whose Dt 5:11/Ex 20:7 challenges the profanation of name. This "hidden God" of Is 45:15, whose concept seems to be shared by all the *Megilloth*, is elusive and impenetrable from the "mist" ( הֶבלֶ ) of human condition. Only the *sapientialization* of the fear of God, which does the verbal root יאר reflect (3:14; 5:6; 7:18; 8:12.13), might give sense to our existence by means of the conscience of the absolute otherness of God in accordance with Eccl 5:1b: הָאֱ;הִ֤ים בַּשָּׁמַ֙יִם֙ וְאַתָּה֣ עלַ־האָָ֔רֶץ ("God is in heaven, and you are on earth").

Le genre filmique – moteur par excellence de la cinématographie hollywoodienne – s’est imposé, au cours des dernières décennies, comme un champ théorique à part entière des études cinématographiques. Or, sa reconnaissance tardive au sein de la recherche universitaire témoigne du paradoxe structurant le champ cinématographique hollywoodien. En effet, la tension qu’entretient Hollywood entre l’industrie du divertissement et le cinéma d’art se révèle d’une façon particulière à travers la notion de genre cinématographique, qui s’avère à la fois un canevas de fabrication et un espace de création. Ce mémoire vise l’étude du genre filmique selon trois articulations : d’un point de vue institutionnel, d’abord, en questionnant les enjeux du champ cinématographique hollywoodien ; d’un point de vue théorique, ensuite, au moyen d’une plongée au sein des conventions et des procédés de trois genres filmiques ; et finalement, à travers l’analyse d’un corpus de films du réalisateur David Lynch. Ainsi, l’œuvre de Lynch, par son caractère marginal, inclassable et profondément étrange, donnera lieu à un parcours, certes, atypique, mais néanmoins significatif de ces trois niveaux de l’étude du genre filmique, dictant par le fait même une division en deux parties du travail. Dans un premier temps, le mémoire s’attardera à mettre en perspective la définition du champ hollywoodien et la trajectoire de Lynch, ce qui nous permettra d’identifier trois genres filmiques qui présentent un ancrage particulier au sein de la filmographie lynchienne, soit le thriller, le film noir et l’horreur. Dans un deuxième temps, nous procéderons à l’analyse filmique de Blue Velvet (1986), Lost Highway (1997) et Mulholland Drive (2001), trois films qui adoptent la logique de la trilogie en proposant, reprenant, puis aboutissant à un certain nombre de motifs issus des conventions génériques. Ainsi, les grilles de lecture des genres filmiques explorés par le cinéaste permettront d’observer la dimension à la fois classique et expérimentale de l’œuvre lynchienne par rapport à la cinématographie hollywoodienne tout en exposant les innovations du cinéaste à l’égard d’éléments génériques spécifiques. / The film genre – the driving force par excellence of Hollywood cinematography – has established itself in recent decades as a theoretical field in its own right in Film Studies. However, its late recognition within academia testifies to the paradox underlying Hollywood cinematography. Indeed, the tension that Hollywood maintains between the entertainment industry and art cinema is revealed in a particular way through the concept of cinematographic genre, which turns out to be both a canvas for production and a space for creation. This thesis aims to study the film genre according to three articulations: first, from an institutional perspective by questioning the challenges within the Hollywood cinematographic field from a theoretical point of view; second, by exploring the conventions and processes of three film genres; and thirdly, through the analysis of a corpus of films by director David Lynch. Thus, Lynch's work, by its marginal, unclassifiable and profoundly strange character, will lay the foundation for an admittedly atypical, but nevertheless significant analysis of these three levels of study of the film genre, thereby dividing this work in two parts. Initially, the thesis will focus on putting into perspective the definition of the Hollywood field and Lynch's trajectory, which will allow us to identify three significant film genres within Lynch’s filmography, namely the thriller, film noir and horror. In a second step, we will proceed with the filmic analysis of Blue Velvet (1986), Lost Highway (1997) and Mulholland Drive (2001), three films which adopt the logic of a trilogy by proposing, summarizing then culminating in a certain number of motifs from generic conventions. Thus, the analytical perspectives from the film genres explored by the filmmaker will allow us to observe both the classical and experimental style of the Lynchian work in Hollywood cinematography while exhibiting the filmmaker's contribution to certain elements of filmic genre.

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La composition et la formation du corpus pseudo-clémentin constitue un problème littéraire et historique qui n'a toujours pas trouvé de solution satisfaisante, malgré un nombre considérable de travaux consacrés à la question. Dans cette thèse, nous avons mis de côté ce problème, qui touche les origines des Pseudo-Clémentines et donc la définition des différents niveaux rédactionnels, pour étudier le texte, tel qu'il se présente sous la forme des Homélies et des Reconnaissances, et le mettre en rapport avec une sélection de documents contemporains et d'un genre semblable. Le but de l'exercice se limite à mieux déterminer la nature et l'originalité du propos pseudo-clémentin. Nous avons choisi, pour mener à bien cette étude, un thème capable de supporter une analyse comparative, celui de l'opposition entre l'apôtre Pierre et Simon le magicien.

L’objectif général de cette thèse est de contribuer à l’enrichissement des connaissances sur la vie culturelle et musicale des années 1920. En s’appuyant sur l’œuvre de Roméo Beaudry, il s’avère qu’un corpus typiquement associé à la culture anglophone états-unienne peut constituer un jalon déterminant de l’histoire de la chanson populaire canadienne-française. Pour rendre possible une telle équation, les deux premiers chapitres dressent le portrait des lieux de productions et de réception en insistant sur la place octroyée à la diffusion de la chanson. Certaines habitudes et conventions, bousculées au début du XXe siècle, allaient avoir un impact significatif sur le développement des rapports entre les auditeurs, les œuvres, les lieux de réception et les médias. Le chapitre 1 décrit la façon dont ces rapports ont ébranlé les frontières géographiques, langagières et génériques tout en multipliant la diversité musicale et en offrant une plus grande diffusion. Le chapitre 2 suggère que des facteurs dynamiques et complexes tels que les temps de loisirs et les modalités de l’écoute ont pu modifier la réception des œuvres. La pluralité des lieux et des médias contribuait alors à la constitution d’un public hétérogène du point de vue de sa condition sociale et de son mode d’écoute de la chanson. En prenant acte de l’abondance de la musique états-unienne et des chansons traduites en français, la deuxième partie de la thèse démontre que cet imposant répertoire peut signifier autre chose qu’une américanisation, autre chose qu’une forme d’assimilation. Au chapitre 3, j’emprunte à la traductologie, à la littérature et à la musicologie des modèles d’analyse qui permettent l’identification des processus de transformation menant à la traduction d’une chanson. L’adaptation ciblée de la transtextualité de Gérard Genette montre que la transposition d’un texte et la transcription d’une mélodie peuvent maintenir ou modifier radicalement le sens d’une chanson. L’élaboration du modèle et l’analyse spécifique de trois œuvres de Beaudry au chapitre 4 présentent un acteur important du monde de la chanson populaire canadienne-française et font voir comment la traduction et l’imitation peuvent mener à l’appropriation créative d’une œuvre reflétant à la fois une culture locale et continentale. / The overall objective of this thesis is to contribute to the development of knowledge on cultural and musical life in the 1920s. Based on the work of Roméo Beaudry, a repertoire of songs typically associated with the culture of the United States can serve as a milestone in the history of the French-Canadian popular song. In this regard, the first two chapters describe the locations of song production and reception with a focus on the role of music distribution. Habit changes at the beginning of the twentieth century would have a significant impact on the development of relations between auditors, works, reception venues and media. Chapter 1 describes how these relations have shaken geographical, language and generic boundaries while increasing musical diversity and offering a wider music circulation. Chapter 2 suggests that dynamic and complex factors such as leisure time and listening habits may have altered the reception of popular songs. The plurality of locations and medias also contributed to the formation of a heterogeneous public. Noting the abundance of popular music in the United States and the numerous songs translated into French, the second part of the thesis shows that this imposing repertoire can mean something other than Americanization, something other than a form of assimilation. In Chapter 3, translation, literature and musicology studies provide analysis models that allow the identification of the transformation process leading to a song’s translation. The adaptation of Gérard Genette’s transtextuality shows that the transposition of a text and the transcription of a melody may maintain or radically change the meaning of a song. In Chapter 4, the model is applied on three specific songs. At the outcome, Beaudry is defined as an important player in the world of French-Canadian popular songs and it is shown how translation and imitation can lead to a creative appropriation of a work reflecting both local and continental cultures.

Depuis quelques années, on entend de plus en plus parler de la cyberintimidation, un phénomène associé à l'usage d'Internet et des technologies numériques par les jeunes. Selon plusieurs recherches, les jeunes victimes de cyberintimidation subiraient d'importants problèmes sur les plans psychosocial, affectif et scolaire. Le taux de victimisation rapporté par les enquêtes au sujet de ce phénomène est cependant très variable : il se situe généralement entre 20% et 40%, mais dépasse parfois les 70%. Cette disparité s'avère attribuable à une variation dans la conceptualisation du terme"cyberintimidation" au sein de la communauté de chercheurs qui s'intéressent à ce phénomène. C'est pourquoi il s'avérait pertinent d'étudier la manière dont les jeunes eux-mêmes se représentent et définissent la cyberintimidation. Cette étude exploratoire, qui s'inscrit dans la tradition des études de réception des médias, vise à étudier la cyberintimidation selon la perspective des jeunes, à travers l'ensemble de leurs usages d'Internet et de leurs interactions sociales. Pour ce faire, 20 entretiens individuels en profondeur ont été menés auprès de neuf filles et de onze garçons âgés entre 12 et 18 ans. Une approche inductive a été adoptée pour l'analyse des données issues de ces entretiens. Ce mémoire confronte les définitions du terme"cyberintimidation", proposées par différents chercheurs, avec le point de vue des jeunes interrogés au sujet de leur perception de ce phénomène. On y explique que la cyberintimidation ne se limite pas à un nouveau type d'intimidation ou à un risque associé à l'usage d'Internet et des technologies numériques par les jeunes, mais qu'elle doit plutôt être vue comme un phénomène social complexe. Selon les résultats présentés dans ce mémoire, la cyberintimidation est liée à certaines réalités vécues par les jeunes, comme la quête de la popularité, la pression des pairs, l'importance de l'apparence physique, etc. On souligne finalement l'importance de tenir compte de ces réalités dans le cadre de futures recherches sur la cyberintimidation, de même que dans l'élaboration des campagnes de sensibilisation dédiées aux jeunes. Une réflexion critique au sujet de la recherche et des démarches d'intervention portant sur la cyberintimidation est présentée en conclusion.

<p>This dissertation analyzes Wolf Vostell's <italic>Fluxus Zug</italic>, 1981, arguing that it was simultaneously a work of art, a museum, an academy, and an archive. I explore the art work/alternative institution in relation to other museums that Vostell conceived and realized from the 1960s until his death in 1998; the interdisciplinary collaborations that he established in the 1960s; his concept for an ideal academy from 1969; the archive that he began building in the 1950s; and recent theories of the Archive. This microhistorical study reveals Vostell's centrality to contemporary experimental art. I argue that the spirit of Vostell's art and ideas are very much alive today as artists demonstrate widespread interest in curating as an art practice, in the construction of alternative pedagogies, and in working in, with, and against the Archive.</p> / Dissertation

Ce mémoire s'intéresse à la réception critique de Né à Québec, première œuvre d'Alain Grandbois et aux relectures de ce récit à travers le temps. Cette étude a pour point de départ le paradoxe entre le futur prometteur de l'œuvre que laissait augurer la réception initiale et le rôle bien secondaire que joue désormais Né à Québec dans l'histoire de la littérature québécoise. Le mémoire est divisé en trois chapitres structurés chronologiquement et couvre la réception de l'œuvre de sa publication en 1933 jusqu'à nos jours. Le premier chapitre se penche sur le contexte de réception initial ainsi que sur l'élaboration d'un discours critique dominant sur Né à Québec. Cette partie de l'étude a aussi pour but de rappeler les conclusions de Marcel Fortin sur la réception immédiate de l'œuvre en question telles que décrites dans son ouvrage Histoire d'une célébration, publié il y a maintenant plus de vingt ans. Ce rappel est primordial afin de bien comprendre comment la pensée critique a évolué au-delà de la décennie 1930. À noter que l'analyse présente dans ce mémoire offre une perspective différente que celle de Fortin sur les commentaires de cette période puisqu'elle s'organise autour de concepts théoriques nouveaux, en particulier la notion de stéréotype telle que définie par Jean-Louis Dufays. Les deux autres chapitres traitent de textes critiques sur Né à Québec qui n'ont jamais dans le passé été directement le sujet d'une étude de réception. Tout au long de cette étude, le discours sur l'œuvre de Grandbois est décrit, analysé et comparé afin de comprendre comment ce récit historique en est venu à être aujourd'hui délaissé par le public et les littérateurs du Québec et d'ailleurs.

Buy Nathan Sharratt: A Requirement of the Masters of Fine Arts degree of Georgia State University, is a multidiscipline and multiplatform exhibition of post-institutional critique that uses my lived experience of being an academic artist pursuing a terminal art degree at a public university as its point of departure. It evaluates how societal expectations influence the formation of individual and group identity in mediated culture. Buy Nathan Sharratt challenges the hierarchy of economic and social value systems by simulating an institutional museum retrospective of super-famous and super-commoditized artist “Nathan Sharratt.” The exhibition is divided into a gallery space, a project space, a gift shop, and a virtual space. It includes art objects and performances to pose that the art experience has been compressed into a simulation, in which art serves as the trigger for social networking and virtual experiences, rather than critical assessment.