Dans l’Athènes du Ve siècle avant J.-C., les poètes tragiques étaient responsables de la production entière de leurs œuvres dramatiques, de l’élaboration de l’intrigue à la composition des parties parlées et chantées, de la chorégraphie à la direction d’acteurs, de l’entraînement du chœur à la mise en scène, et Eschyle et Sophocle furent mêmes acteurs dans certains de leurs drames. Les objets font partie des ressources matérielles auxquelles ils ont eu recours pour représenter leurs tragédies dans l’orchestra du théâtre de Dionysos. Épées, boucliers, vases, urnes funéraires, lits ou même chariots attelés, parmi bien d’autres exemples, se trouvent inscrits dans les textes des tragédies qui nous sont parvenus, comme des réalités du monde extérieur avec lesquelles les personnages interagissent et comme des éléments potentiels du spectacle. Par le biais des objets emblématiques qui les révèlent et des instruments qui prolongent leur main dans l’action ou se rebellent, les personnages se trouvent caractérisés comme héros tragiques. Notre travail propose dès lors de voir dans l’objet un principe de composition dramatique et de construction du spectacle de la tragédie, et interroge l’existence d’un imaginaire ou d’une pensée tragique des rapports entre hommes et objets, animés et inanimés. En prenant pour corpus l’ensemble des tragédies conservées d’Eschyle, de Sophocle et d’Euripide, complétées par les fragments les plus significatifs, il vise à faire émerger, dans leurs convergences et leurs singularités, les dramaturgies de l’objet contribuant à exprimer la vision tragique de chacun d’eux. / In fifth-century Athens, tragic dramatists were responsible for the whole production of their plays, from plot-writing to casting, musical composition to choreography, staging to actor’s direction – performance was therefore an essential part of their work. Materialized by props on stage, objects are things with which the characters interact and a potential source of scenic effects. Swords, shields, vases, funerary urns, beds or even wheeled chariots, among many other objects, are mentioned in the extant tragedies and invested with dramatic function and symbolic meaning. Emblematic objects give an insight into the status and ethos of the characters; as instruments, objects are a means to achieve a goal, but they might resist to the characters’ intentions. All of them contribute to characterize them as tragic heroes. Therefore, this dissertation aims to show that the object can be considered as a principle of dramatic composition and of construction of the performance in Greek tragedy; it also questions the existence of a thought or an imagination of the relationships between human beings and objects, animate and inanimate, in the tragic plays. Looking at the whole corpus of extant tragedies by Aeschylus, Sophocles and Euripides (including the most significative fragments), this work describes the specific dramaturgy of the object developed by each poet to translate into visual and dynamic terms a tragic vision.

Cette recherche vise d’abord à éclairer l’esthétique du théâtre de Marivaux de façon inédite en se centrant surle concept d’action. Elle cherche également de façon concrète, à travers les pièces de ce dramaturge, à réfléchirsur ce concept polysémique, polyvalent et complexe. On constitue ainsi une ‘Anatomie de l’action’. Elles’inscrit dans le fil de la réflexion globale sur l’action qui remonte à Aristote et dans laquelle théoricienscomme créateurs/penseurs ont croisé leur regard s’affrontant sur la définition du terme, son essence éventuelleet les inflexions esthétiques nouvelles qu’on pouvait lui donner.L’analyse se concentre sur trois pièces, ‘expériences’ et modèles qui révèlent de manière emblématique lavariété de ce théâtre et qui ouvrent sur ses autres créations dramatiques. Un modèle Italien merveilleux,Arlequin poli par l’amour (1720) conduit à explorer les fondamentaux marivaudiens : l’inconstance commeaction, l’action redevable à une hybridité générique élevée et la crise du protagoniste à l’origine d’uneinstabilité du centre de l’action. Un anti-modèle tragique fructueux, Annibal (1719) permet de trouver unestructure profonde pour trois chefs-d’oeuvre, comédies « à éclats tragiques » (La Fausse Suivante, Le PrinceTravesti, Le Triomphe de l’Amour) en utilisant les outils classiques de la tragédie (‘noeuds de gloire’, sublime,reconnaissance, choix du protagoniste). Et un modèle utopique, L’Île des Esclaves (1725) oeuvre de pensée,permet de remonter par ce biais à l’action et de comprendre comment Marivaux parvient à construire celle-cien usant de systèmes de compensation avec les aspects ludiques et romanesques. / This research targets to bring new lights on the aesthetic of the theatre of Marivaux by focusing on the conceptof action. Also, through the plays of Marivaux, it looks concretely for a new thinking about this polyvalent andcomplex notion. It constitutes an ‘Anatomy of action’. It takes place in the global reflection on this term, whichgoes back to Aristotle and in which philosophers and creators/theoreticians confronted their conceptions on thedefinition, its essence and the new aesthetic inflexions which could be reached then.The analysis is mostly based on three plays, both ‘experiments’ and patterns which reveal in an emblematicway the diversity of this theatre and open on the other dramatic creations of Marivaux. A fairy Italian pattern,Arlequin polished by love (1720) leads to the exploration of the basics : the inconstancy as action, the actionresulting from a highly hybrid mixed genres theatre and the crisis of the protagonist and its consequences onthe centre of action. A tragic fruitful anti-pattern, Annibal (1719) gives a deep structure for three masterpieces,comedies with “tragic basement” (The False Servant, The Travestied Prince, The Triumph of Love) by usingthe traditional tools of the tragedy (knot of glory, sublime, recognition, choice of the protagonist). And autopian pattern, The Island of slaves (1725) creation of thought leads to the concept of action and gives key forunderstanding how Marivaux builds up this action by mixing and balancing it with cheerful and eventfulaspects.

The thesis follows the preparation of Czechoslovak TV's Channel Two, covering a period of twelve years from the start of the preparation process in 1958 till the first day of Channel Two's regular broadcast on May 10th 1970. The thesis' area of interest covers the proposals, plans and ensuing organisational measures that resulted in the historical event of launching a multi-channel television broadcast in Czechoslovakia. The period of 1958-1970 is split into sections, according to the stages of preparation for the launch. The introductory part of the thesis deals with the political grounding for the implementation of a multi-channel broadcast in Czechoslovakia, as well as with the initial steps in creating the technological support for Channel Two. The second part introduces the evolution and finalisation of the Channel Two project and its organisation in relation to the majority Channel One. The following chapter(s) focus on the formation of Channel Two's independent head division as well as the department's evolution until the launch of the regular broadcast. This section covers the changes in personnel within the department, an outline of its key creative collaborators and supplies a schema of how Channel Two's production was organised. The final part of the thesis offers an overview of...

Abstact South Bohemian Theatre in České Budějovice is an important kulture institution since the end of the First World War. Against many different peripeties is this theatre with four companies only one profesional scene in the South Bohemian Region. From 2004 till now were here thanks to theatre director Jiří Šesták substantially developed opera, operetta, ballet, drama and theatre for children and teen - agers. Since 2006, when Martin Glaser has become an art chief of the Drama Company, works this company on clear dramaturgy and style of performances. Martin Glaser with dramaturge Olga Šubrtová were focused on contemporary drama, on cooperation with eminent czech theatre directors or creators and specially for this company were created several dramas. Thanks to management and direction by Martin Glaser became the Drama Company of South Bohemian Theatre contemporary, respected and definable.

Setting a very famous Metastasio's libreto Semiramide riconosciuta to music in Prague in 1752, Giovanni Marco Rutini has ranked among the best composers of his time. The aim of this thesis is to explore the process of this production coming to light: the influence of changes in the original libretto in the beginning to the impact of music later. Researching the context of the Prague theatre productions in the 1750s, we were further able to make some suggestions about the reasons of these changes/interpretations. Studying the dramaturgical level of this composition in the first place, we were using comparison and stylistic analytical methods which showed Rutini as a very creative composer with a sense of dramatical situations and a characterization skills. Key words: Giovanni Marco Rutini, Semiramide riconosciuta, Pietro Metastasio, Giovanni Battista Locatelli, Christoph Willibald Gluck, dramaturgy of opera, musical analysis

Aux XVIe et XVIIe siècles, Plaute et Térence furent considérés comme les maîtres de la langue latine, et surtout comme ceux de la comédie. Ils furent cependant évalués et hiérarchisés en fonction d’une conception tout à fait spécifique, qui ne correspondait pas toujours à leurs propres comédies. Les deux auteurs possédaient en effet un statut préconstruit, incontesté, qui les maintenait pourtant dans une image imprécise. Afin d’éclaircir leur statut au XVIIe siècle, nous examinons leur place dans les programmes et la pratique théâtrale scolaires, au sein des différents cadres d’enseignement. Nous étudions également leur présence dans l’art de la traduction, car les versions françaises de Plaute et de Térence qui jalonnent les XVIe et XVIIe siècles contribuèrent non seulement à la naissance d’une théorie de la traduction, mais aussi à une réflexion sur l’art dramatique et la naissance de la « comédie française ». Nous questionnons enfin ce que ces deux dramaturges représentent, et ce qu’être jugé digne de leur succéder pouvait signifier. Enfin, nous tentons de savoir comment Molière a réussi, aux yeux de ses contemporains et successeurs, à synthétiser et à surpasser les qualités de Plaute et de Térence jusqu’à se substituer à eux dans leur rôle de référence. On espère, par cette analyse des multiples enjeux liés aux deux dramaturges latins, apporter une nouvelle contribution aux études sur le XVIIe siècle. / In the 16th and 17th centuries, Plautus and Terence were regarded as the masters of the Latin language, and above all as the masters of comedy. They were, however, judged and rated according to a very specific concept, not always consistent with their own comedies. The two authors enjoyed a preconceived and undisputed status which, however, maintained them inside a vague image. In order to cast light on their status in the 17th century, this thesis examines their place in curriculums and theatre practice in schools, within different teaching contexts. Their presence in the art of translation is reviewed, as the French versions of Plautus and Terence that punctuate the 16th and 17th centuries contributed not only to the emergence of a theory of translation, but also to a reflection on dramatic art and to the birth of the “comédie française”. The thesis then looks at what those two playwrights represent and what it might have meant to be considered their worthy successor. Finally, an investigation of how Molière managed, in the eyes of his peers and successors, to combine and surpass the qualities of Plautus and Terence to even take their place as a standard is undertaken. With the thesis, it is intended to make a new contribution to the 17th century, through this analysis of the multiple issues related to the two Latin playwrights.

Avec le même vocabulaire, Samuel Beckett construit un même univers tant dans ses romans quedans ses pièces de théâtre : Molloy, Murphy, Malone meurt, En attendant Godot, Fin de partie, Oh les beaux jours,La Dernière bande, etc. Pour créer un même monde obscur, il s’appuie sur un langage qui s’anéantit sitôtqu’il s’établit. Si pour Joyce, la création verbale est d’ordre poétique, celle de Beckett est tout autre. Ilopte pour un style abstrait, une phrase grise, sans relief lyrique, dénuée de grâce et de poésie. Une phrasepauvre, à la limite de rien.Ainsi nous allons d’abord révéler quelques techniques littéraires auxquelles Beckett a eu recours :Organisation et structure de l’oeuvre, Procédés narratifs, Constantes dramaturgiques.Après l’étude de la caractéristique formelle des écrits de Beckett, nous tenterons de dévoiler leprocessus de négativité générale qui constitue le sens profond de l’oeuvre de Beckett et qui s’affirme deplus en plus dans l’oeuvre dramatique.Ensuite nous mettrons en relief quelques techniques littéraires utilisées par Beckett dans Fin departie : La diversité d’idées, La participation du lecteur et/ou spectateur, Les procédés narratifs.Enfin, nous analyserons les personnages de cette pièce qui agissent sans buts et motifs précis. Nousessaierons de comprendre ce qu’ils sont (identité) ce qu’ils veulent (désirs) et ce qu’ils font (actions).Ainsi, nous mettrons en exergue leurs caractéristiques, la nature de leurs relations avec eux-mêmes et lesautres. Nous comprendrons alors dans quel monde d’absence ils se trouvent projetés. Pour conclure,nous analyserons la notion de temps et d’espace qui forme un axe fondamental de Fin de partie. / With the same vocabulary, Samuel Beckett builds the same universe in its novels or in her plays:Molloy, Murphy, Malone dies, While waiting for Godot at the End of part, Oh the beautiful days, The Last band, etc.He creates the same dark world and he leans on a language which perishes as soon as it becomesestablished. If for Joyce, the verbal creation is essentially of poetic order, that of Beckett is completelyother. He opts for an abstract style, for a grey sentence, without the slightest operatic relief, divested ofany grace as any poetry. A poor sentence.So is we will first reveal some literary techniques important to which Beckett resorted:Organization and structure of the work; The narrative processes; Dramaturgic constants.After the study of the formal characteristic of Beckett, we are going to try to reveal the processof general negativity which establishes, in our opinion, the deep sense of the work of Beckett and whichasserts itself more and more in the dramatic work.Then we accentuate some literary techniques to which Beckett resorted in the End of part: Thediversity of ideas; The participation of the reader and/or the spectator; Them proceed narrative.Finally, we shall analyse the characters of this play who seem to act without purposes and precisemotives. We shall try to understand that they are (identity) that they want (desires) and what they aredoing (actions). So, we shall highlight their characteristics, the nature or their relations with themselvesand the others. We shall understand then in which world of absence they are thrown. To conclude, weshall analyse the notion of time and space which trains a fundamental axis of the End of part.

The following thesis offers an insight into a collection of documentary movies, which were screened in the category Czech Competition (Česká sekce) presented by the film festival One World (Jeden svět), as well as the nomination process behind it. The first section of the Body of this Thesis (Practical Part) is focused on the nomination process. In particular its objective is to describe principal changes in the nomination process and at the same time outline its future developments. This is achieved by means of exclusive interviews with five Program Section members in charge of the nomination process (both former and contemporary). Heightened attention is being dedicated to the films nominated for the Czech Competition section with regards to its specifics. The other part of the thesis body is based on thorough analysis of the films selected for the Czech competition between the years 2010-2019. By means of original interviews and content analysis the thesis attempts to establish an idea of which features are significant for the films representing the Czech Republic at this documentary film festival and what conclusions can be drawn from this about the Czech documentary film scene in general. The theoretical part of the thesis offers sourcing this approach in expert literature.

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Ce projet de mémoire porte sur le mouvement de l’absurde qui s’établit au théâtre dans les années 1950 et 1960. Il a pour objectif de saisir comment la scène absurde, dans sa dimension du comique et de la dérision, se déploie au sein du champ théâtral québécois. Selon l’historiographie théâtrale, le théâtre québécois de la première moitié du XXe siècle correspond, souvent avec quelques années de retard, à la modernité européenne et française. Ce même modèle d’émulation devient cependant problématique après la Seconde Guerre mondiale et durant la deuxième moitié du siècle. Pour preuve : l’absurde éclot en France dans les années 1950 autour d’un corpus d’œuvres et d’auteurs assez bien défini et connu de tous, alors que le mouvement, au Québec, reste un continent enfoui qui passe difficilement le seuil de la perception courante. La crise du logocentrisme et de la conception humaniste traditionnelle qui marque la période d’après-guerre, ainsi que le désir croissant de fonder une dramaturgie nationale originale font en sorte que certains dramaturges québécois proposent une reconfiguration complète de l’art théâtral. Jacques Languirand, Robert Gurik et Yves Hébert Sauvageau en font partie, et c’est à travers trois de leurs créations théâtrales originales que nous souhaitons explorer cette problématique. Nous commencerons par inscrire le théâtre québécois d’après-guerre dans le large contexte de son époque. La deuxième partie de l’étude aborde les questions relatives au dépassement du cadre dramatique traditionnel qui fait en sorte que la langue, pour nos dramaturges, ne permet plus d’être un vecteur d’affirmation identitaire, et constitue désormais un objet dérisoire. Nous explorerons ensuite le principe de dérision après la Seconde Guerre mondiale au sein du théâtre de l’absurde français et comment il se manifeste dans l’élaboration du langage théâtral des trois pièces au corpus. Finalement, la dernière partie du mémoire propose de cerner le plaisir de la dérision propre au théâtre, en étudiant les pièces à l’aide des principales théories sur l’humour. Cette recherche s’opère par le biais d’une saisie théorique multiple, au croisement de l’approche intermédiale historique du théâtre québécois et des concepts et des procédés de la théorie du comique. / This master’s thesis focuses on the absurdist thespian movement that took hold in the 1950s and 1960s. Its objective aims to understand how the absurd scene, in its dimension of comedy and derision, unfolds within the Quebec theatrical field. According to theatrical historiography, the Quebec theater of the first half of the 20th century corresponds, often with a few years of delay, to European and French modernity. However, this exact model of emulation became problematic after the Second World War and during the second half of the century. For instance, the absurd flourished in France in the 1950s around a corpus of works and authors notably defined and known to all, whereas in Quebec the movement remained a buried continent that had difficulty crossing the threshold of common perception. The crisis of logocentrism and the traditional humanist conception that marked the post-war period, as well as the growing desire to found an original national dramaturgy, led certain Quebec playwrights to propose a complete reconfiguration of theatrical art. Jacques Languirand, Robert Gurik, and Yves Hébert Sauvageau are among them, and it is through three of their original theatrical creations that we wish to explore this issue. We will begin by placing post-war Quebec theater in the broad context of its time. The second part of the study addresses questions related to the overcoming of the traditional dramatic framework which, for our playwrights, means that language can no longer be a vehicle for affirming identity, and henceforth constitutes a derisory object. We will then explore the principle of derision after the Second World War within the French theater of the absurd and how it manifests itself in the elaboration of the theatrical language from three plays of the corpus. Conclusively, the last part of this thesis proposes to identify the pleasure of derision specific to the theater by studying the plays with the help of the main theories on humor. This research is carried out through a multiple theoretical approach, at the crossroads of the historical intermedial approach of Quebec theater and the concepts and procedures of comedy theory.