Le parcours qui a été le nôtre dans cette thèse – parcours qui recouvre pour l’essentiel les Lumières et le romantisme – a permis tout d’abord d’esquisser la formidable mutation – avec sa part de ressassement, il est vrai – des représentations de la Grèce. Les dichotomies Grèce classique/Grèce moderne asservie, Grèce classique/Grèce moderne insurgée puis indépendante se déploient dans un imaginaire qui ne cesse de se déconstruire et de se reconstruire. Et tout ceci dans un contexte géographiquement ambigu, impliquant toujours, de la Révolution française à la monarchie de Juillet, d’inévitables décalages. Il semble donc que, de la Renaissance à Winckelmann et de Winckelmann à nos jours, la Grèce se présente toujours comme espace à redécouvrir, à relire et par là même à reconstruire / Our tour, which covers the main part of both Enlightenment and Romantic period, first of all, has enabled us to reveal a radical change concerning the conceptions of Greece. The following dichotomies – the classic Greece vs. modern and enslaved Greece; the classic Greece vs. modern and insurrectionary Greece which achieved its independence later; are spread in a certain „imaginaire“ that does not stop deconstructing and reconstructing itself. All the above mentioned, in a certain geographical context which is ambiguous, has implied unavoidable shiftings since the French Revolution until the July Monarchy. Therefore, it seems that since the Renaissance until Winckelmann as well as Winckelmann until nowadays, Greece has always been presented as a space which ought to be revealed, read over and over again and as a result -reconstructed.

« Je ne vois pas pourquoi on blâmerait une fille comme Nanette, de profiter, pour mettre le plus haut prix à sa personne et à son art, de la folie et du désordre extrême de vos riches libertins ? » - s’interroge la Leontion de Wieland. Ce « désordre extrême » n’est qu’une des caractéristiques de l’existence insouciante exprimant le triomphe du libertinage des mœurs à l’époque où l’attirance des sociétés européennes pour la conduite libertine, réelle ou imaginaire, trouve son reflet dans les littératures anglaise, française et allemande. La présente thèse démontre ainsi la diversité du libertinage littéraire en Europe dans la seconde moitié du dix-huitième siècle. Les romans épistolaires Clarisse Harlove de Richardson en Angleterre, Les Liaisons dangereuses de Laclos en France et Menander und Glycerion de Wieland en Allemagne nous ont paru les meilleurs exemples afin d’esquisser cette diversité et d’en comparer les aspects. Le regard que les trois auteurs portent sur les lois de l’ordre social, la religion et les mœurs traduit une vision originale du monde. Et bien que cette vision ne dépasse pas le cadre de la fiction romanesque, l’étude de leurs œuvres met en relief un certain nombre de données propres au climat sociopolitique de l’époque tout comme des éléments autobiographiques ayant contribué à l’élaboration du modèle qui est le leur du libertin masculin ou féminin. Notre objectif est d’étudier la richesse littéraire de ce modèle de libertins et de leur conduite, d’ailleurs propre aux deux sexes, sa complexité et sa singularité en procédant par rapprochements et contrastes, similitudes et différences. / “I don’t see why a girl like Nanette should be blamed for profiting from the madness and extreme disorderly conduct of your libertines, in order to set the highest price to her person and her art,” Wieland’s Leontion says to herself. This “extreme disorderly conduct” is only one of the characteristics of that kind of carefree existence which is an expression of the triumph of libertine mores at a time when the fascination of European societies for libertinism, whether real or imaginary, is reflected in English, French and German Literature. The following thesis thus demonstrates the diversity of libertine literature in Europe in the second half of the XVIIIth century. In order to analyse this diversity and compare its different aspects, I have chosen three epistolary novels that I consider to be paradigms in the matter: Clarissa Harlowe by Richardson in England, Les Liaisons dangereuses by Laclos in France and Menander und Glycerion by Wieland in Germany. The implicit or explicit judgement that these three authors pass on the laws of social order, on religion, and on the mores of the period is emblematic of an original vision of the world. Although this vision is expressed within the limits of works of fiction, the study of these works highlights a number of elements that are specific to the social and political atmosphere of the time, as well as certain autobiographical elements which have contributed to the social paradigm of feminine and masculine libertinism to which they subscribe. The purpose of this thesis is to study these literary works as rich sources of information on the libertines and their conduct as an accepted social model for men and women alike, and to discuss the complexity and singular nature of this phenomenon by a differential treatment of the various themes through which it can be identified.

Aujourd’hui quand on pense à Voltaire, on songe à ses contes. Qui ne connaît pas Candide ou Zadig ? Néanmoins, au XVIIIème siècle, il était surtout célèbre et souhaitait surtout être célébré pour son théâtre. Plusieurs spécialistes se sont déjà penchés sur la réception de ce théâtre en France. Mais qu’en était-il à l’étranger ? Il semble que la figure de Voltaire en tant que dramaturge ait été respectée dans l’Europe des Lumières. Il est dans les Provinces-Unies, les anciens Pays-Bas, considéré comme le grand tenant du classicisme. En outre, certains aspects de son théâtre ont particulièrement plu. Il s’agissait de l’exotisme présent dans ses pièces, mais aussi de ce qui a été remarqué et souvent intensifié, le patriotisme. On parle souvent de ses tragédies dont Zaïre est la plus connue, mais on oublie souvent ses comédies. Elles ont pourtant rencontré un certain succès dans un pays où la culture française malgré de nombreuses attaques conserve un certain prestige. / Nowadays, when you think about Voltaire, you think about his “Tales”. Who does not know Candide or Zadig? However, in the XVIIIth century, he was famous and wanted to be celebrated for his theater. A few specialists already studied the reception of his theater in France. But what happened outside France? It seems that Voltaire as a dramatist was very appreciated in the Europe of the Enlightment. He is in the “United Provinces”, today the Netherlands, seen as the main figure of Classicism. Moreover, some aspects of his plays were found of particular interest: the exoticism of some of them, and specifically the patriotism often intensified in the translations. We talk about his tragedies like Zaïre, the best known, but we forget his comedies most of the time. However, the public who loved them have been in a country, where despite the critics, the French culture has kept her Glory.

En Angleterre, à la fin du XVIIIe siècle, le débat sur l’éducation des pauvres s’intensifie. La pauvreté, grandissante, est vue comme une menace pour la sécurité publique. L’éducation apparaît alors comme un moyen de la réguler et de résoudre les problèmes moraux qu’elle engendre. William Godwin, écrivain, philosophe et éducateur, prend part à ce débat qui articule éducation, pauvreté et politique. Ce travail se fixe pour objectif de réaliser une lecture de la philosophie politique et éducative de William Godwin à partir des positions qu’il a tenues sur la question de la pauvreté. Bien qu’il n’ait jamais explicitement indiqué que sa pensée éducative et sa pensée politique étaient destinées aussi aux couches défavorisées de la société, nous faisons l’hypothèse qu’une lecture cohérente de son œuvre peut être réalisée si on le suppose. Pour définir sa contribution au débat sur l’éducation des pauvres, réaliser un état des lieux du système éducatif existant a été nécessaire. Dans un second temps, a été menée une analyse du plan d’éducation godwinien qui s’oppose nettement à cette éducation. Axé sur l’égalité naturelle, le potentiel de progrès et le développement des différentes dimensions humaines, un tel projet éducatif permet à chacun d’atteindre l’autonomie et de vivre harmonieusement avec ses semblables. Enfin, éduquer, c’est former de nouveaux hommes capables de vivre dans une nouvelle société. Pour Godwin, la société du futur est une société où les hommes seront suffisamment éduqués et autonomes pour se passer d’État. Au terme de ces analyses, il apparaît légitime d’affirmer qu’il n’y a pas, chez Godwin, une société pour les riches ou une société pour les pauvres ni une éducation pour les riches et une éducation pour les pauvres, mais bien, une éducation et une société pour tous. / In England, at the end of the eighteenth century, the debate on the education of the poor gets stronger. Poverty is increasing and it is perceived as a threat to people’s safety. In that context, education appears as a means to regulate and solve the moral problems it triggers. William Godwin, a writer, a philosopher but also an educator takes part in the debate which articulates education, poverty and politics. The present research aims at carrying out a reading of William Godwin’s political and educationnal philosophy from the views he expressed, separately, on the issue of poverty.Though he never clearly mentioned that his educational and political thinking was also meant for the lower ranks of society, we believe that a coherent reading of his work can be performed if we suppose that his thinking was effectively destined for the poor. Defining Godwin’s contribution to the debate on education for all first implies to propose a description of the educational system in Godwin’s time. Then, an analysis of his educational plan that stands in total opposition to the education of his time has been suggested. Based on equality among men, their potential of progress and the developement of all human qualities, it intends to form independent human beings able to live harmoniously with other people. Eventually, educating means forming new men able to live in a new society. To Godwin, the new society is a place where people are educated and autonomous enough to get rid of the state. At the end of our study, it seems legitimate to assert that, in Godwin’s thinking, there is neither a society for rich people or a society for the poor, or an education for the rich and another one for the poor but rather an education and a society for everybody.

Profondément mélancoliques, Chénier et Hölderlin subliment leur bile noire par l’écriture élégiaque, tournée chez le Français vers un idéal épicurien immanent et chez l’Allemand vers une transcendance divine. Les deux mélancolies procèdent de la rêverie rousseauiste. Chénier et Hölderlin tentent de renouer avec la « naïveté » des Anciens qu’ils adaptent à leur siècle et cherchent à équilibrer l’épanchement subjectif et la réflexion philosophique tout en luttant contre la monotonie du distique élégiaque, assoupli grâce aux enjambements. La proximité avec les genres épistolaire et hymnique, l’intertextualité et le recours à la mythologie soutiennent cet effort. Si Chénier combine les deux traditions du genre élégiaque, la tradition érotique et son pendant thrénétique, Hölderlin se concentre sur la dimension thrénétique. De leurs élégies, la postérité retient surtout l’expression mélancolique. Hölderlin a également beaucoup frappé par la veine mystique et spéculative de ses élégies, considérées à maints égards comme des textes aux allures prophétiques car ils posent la question de l’utilité de la poésie. / Deeply melancholic, Chénier and Hölderlin sublimate their bile through elegiac writing which, by the French, leans towards an immanent epicurean ideal and, by the German, towards a divine transcendence. Both forms of melancholy originate in Rousseau’s reverie. Chénier and Hölderlin try to revive the ancient “naivety” while adapting it to their century. They try to counterbalance subjective outpourings and philosophical reflection and they struggle against the monotony of the elegiac couplet, made more flexible by enjambements. Closeness to the epistolary and the hymnic styles, intertextuality and mythology make it possible. While Chénier combines both traditions of the elegiac genre, the erotic tradition and the gloomy one, Hölderlin concentrates on the gloomy dimension. It is the melancholic expression of their elegies which is remembered. The mystic and speculative inspiration of Hölderlin’s elegies amazed so many writers. His texts are regarded in many respects as prophetic since they bring the question of the usefulness of poetry to their forefront.

Cette thèse se propose d’étudier les contes en vers au XVIIIème siècle, production foisonnante et féconde mais qui n’a jamais fait l’objet d’une analyse d’ensemble. Véritable phénomène de mode, comme le conte de fées qui le précède, le conte en vers est pratiqué par les auteurs reconnus, à l’image de Voltaire, comme par les plumes de second ordre, tel Grécourt, l’auteur le plus prolifique du temps. Genre marginal non codifié par les théoriciens et décrié par les tenants de l’orthodoxie littéraire, le récit versifié, qui relève de la poésie fugitive, se présente comme une émanation directe de l’art de la conversation si prisé à l’époque qu’il impose des thèmes aux écrivains et modèle la poétique des textes. Oscillant entre divertissement mondain et genre littéraire à part entière, témoignant de la crise de la poésie au siècle des Lumières, le conte en vers incarne la recherche d’une nouvelle voie poétique empreinte d’humilité, de légèreté et de simplicité et récusant la gravité et le sublime. Notre travail, qui se limite aux textes imprimés, adopte successivement trois perspectives : sociologique, historique et générique. Poésie de société, création collective et sérielle, le conte manifeste le goût du persiflage et du badinage propre à l’époque. L’approche diachronique vise quant à elle à éclairer les temps forts de la vogue du conte de 1715 à la Révolution mais aussi à dégager une continuité transhistorique en déterminant les sources ainsi que la postérité du genre. Le conte est enfin envisagé dans son rapport aux autres genres qu’il se plaît à imiter et à détourner. Libertin par sa philosophie, le conte l’est surtout par son écriture allusive et subversive. / This thesis means to study the 18th century verse tale, a rich and diverse work which has never been the subject of an overall analysis. A real fashion phenomenon, just like the fairy tale that preceded it, the verse tale was practiced by well-known authors (Voltaire) as well as second rate writers such as Grécourt, the most prolific. The narrative put into verse was a minor genre with no code which was disparaged by the supporters of literary orthodoxy. It falls within the province of transient poetry and comes straight from the art of conversation, which was so highly prized at the time that it imposed themes on writers and shaped the poetics of the texts. Between refined entertainment and fully-fledged literary genre, the verse tale, which underlines the crisis poetry was going through at the Age of the Enlightenment, embodies the search for a new poetic way marked by humility, lightness and simplicity and objecting to solemnity and the sublime. Our work, which is limited to printed texts, adopts three different angles: successively, the sociological, historical and generic angles. Tales, which are society poems and collective and serial works, are an indication of the taste for mockery and banter characteristic of this time. As for the diachronic approach, it aims at throwing light on the peaks of the vogue for tales from 1715 to the Revolution but also at bringing out a transhistoric continuity by establishing the origins as well as the posterity of the genre. Tales are also viewed in connection with the other genres it delights in imitating and twisting. They are libertine because of their philosophy but above all because of their allusive and subversive writing.

L’Ambassade de France à Rome fut, au cours du dix-huitième siècle, l’un des pôles principaux pour l’organisation de fêtes, de mascarades, de conversations, et tout ceci put contribuer à célébrer la gloire et le faste de la monarchie et du « Roi Très-Chrétien ».Cette étude a pour ambition de fournir une large documentation qui permette de comprendre en quelles occasions la musique était convoquée dans le cadre de l’institution française, qui illustre les buts, principalement politiques, de l’utilisation de la musique par les ambassadeurs, qui éclaire les moments, les lieux et les modalités de l’exécution musicale.La partie principale, et la plus intéressante, de ce travail est consacrée aux commandes de musique que les différents ambassadeurs de France près le Saint-Siège passèrent en des occasions particulières liées à la famille royale.Beaucoup plus complexe s’est avérée la reconstitution des événements pour lesquels, sans être directement commandée par les ambassadeurs, la musique était traditionnellement liée aux festivités françaises : c’est le cas des fêtes organisées pour la Saint-Louis, le 25 août, ou pour la Sainte-Lucie, le 13 décembre. En ces deux occasions se déroulaient traditionnellement des fêtes « mécénées », et donc financées, par les ambassadeurs.Durant la période comprise entre 1724 et 1791, les ambassadeurs de France à Rome utilisèrent l’art musical comme miroir grossissant pour leur devoir principal : représenter leur monarque avec un luxe, une magnificence et une générosité extraordinaires, afin d’attirer l’estime et l’admiration de toute la Cour de Rome. / During the 18th century, the French embassy to the Holy See was one of the most important production centres of music, soirée, masquerade and festivity. All this was to celebrate Monarchy's and “Roi Très-Chrétien”'s glory and greatness.The aim of this study is to examine the role of music in French Institutions in Rome during this period. In particular, this study provides large documentation to investigate the events in which the music was performed, the purpose of the use of music during these events and to characterize places, conditions and times of the musical performanceThe main contribution of this study is the analysis of the new music commissioned in honour of the french royal family by the French ambassadors in the Holy See.More complex is the analysis of the events in which music was traditionally “linked” to the french festivities: this is the case of the feasts organized for the 25th August in honor of St. Louis or the 13th December in honour of St. Lucia. In these two occasions festivity was traditionally commissioned by the ambassadors who also sustain the financial costs of the entire celebration.During the period between 1724 and 1791, the ambassadors of France in Rome made use of the musical art to promote themselves and gain appreciation for their principal duty: to represent their king with luxury and extraordinary generosity in order to acquire the consideration appreciation of the entire roman Court.

Cette recherche vise d’abord à éclairer l’esthétique du théâtre de Marivaux de façon inédite en se centrant surle concept d’action. Elle cherche également de façon concrète, à travers les pièces de ce dramaturge, à réfléchirsur ce concept polysémique, polyvalent et complexe. On constitue ainsi une ‘Anatomie de l’action’. Elles’inscrit dans le fil de la réflexion globale sur l’action qui remonte à Aristote et dans laquelle théoricienscomme créateurs/penseurs ont croisé leur regard s’affrontant sur la définition du terme, son essence éventuelleet les inflexions esthétiques nouvelles qu’on pouvait lui donner.L’analyse se concentre sur trois pièces, ‘expériences’ et modèles qui révèlent de manière emblématique lavariété de ce théâtre et qui ouvrent sur ses autres créations dramatiques. Un modèle Italien merveilleux,Arlequin poli par l’amour (1720) conduit à explorer les fondamentaux marivaudiens : l’inconstance commeaction, l’action redevable à une hybridité générique élevée et la crise du protagoniste à l’origine d’uneinstabilité du centre de l’action. Un anti-modèle tragique fructueux, Annibal (1719) permet de trouver unestructure profonde pour trois chefs-d’oeuvre, comédies « à éclats tragiques » (La Fausse Suivante, Le PrinceTravesti, Le Triomphe de l’Amour) en utilisant les outils classiques de la tragédie (‘noeuds de gloire’, sublime,reconnaissance, choix du protagoniste). Et un modèle utopique, L’Île des Esclaves (1725) oeuvre de pensée,permet de remonter par ce biais à l’action et de comprendre comment Marivaux parvient à construire celle-cien usant de systèmes de compensation avec les aspects ludiques et romanesques. / This research targets to bring new lights on the aesthetic of the theatre of Marivaux by focusing on the conceptof action. Also, through the plays of Marivaux, it looks concretely for a new thinking about this polyvalent andcomplex notion. It constitutes an ‘Anatomy of action’. It takes place in the global reflection on this term, whichgoes back to Aristotle and in which philosophers and creators/theoreticians confronted their conceptions on thedefinition, its essence and the new aesthetic inflexions which could be reached then.The analysis is mostly based on three plays, both ‘experiments’ and patterns which reveal in an emblematicway the diversity of this theatre and open on the other dramatic creations of Marivaux. A fairy Italian pattern,Arlequin polished by love (1720) leads to the exploration of the basics : the inconstancy as action, the actionresulting from a highly hybrid mixed genres theatre and the crisis of the protagonist and its consequences onthe centre of action. A tragic fruitful anti-pattern, Annibal (1719) gives a deep structure for three masterpieces,comedies with “tragic basement” (The False Servant, The Travestied Prince, The Triumph of Love) by usingthe traditional tools of the tragedy (knot of glory, sublime, recognition, choice of the protagonist). And autopian pattern, The Island of slaves (1725) creation of thought leads to the concept of action and gives key forunderstanding how Marivaux builds up this action by mixing and balancing it with cheerful and eventfulaspects.

Notre hypothèse est que la réflexion de Diderot dans les Salons ne porte pas tant sur l’image que sur le langage : la confrontation avec les œuvres d’art l’oblige à questionner la langue. Traduire l’image permet d’expérimenter les limites expressives de la langue, de saisir ses conditions d’apparition, son origine. La présente étude se donne trois objectifs principaux. Remettre les Salons au cœur des pratiques d’écriture des salonniers. La critique d’art est à envisager non seulement au regard des idées nouvelles défendues par les salonniers, mais aussi de leurs expérimentations formelles. En examinant les textes antérieurs et postérieurs aux Salons se dessine la genèse de la critique d’art comme genre littéraire. À l’autre extrémité des influences, cette étude explore les Salons en les plaçant au cœur de l’ensemble de l’œuvre de Diderot. Diderot y approfondit ses intuitions théâtrales et esthétiques, développe ses thèses sensualistes et matérialistes, sa philosophie morale, ses idées politiques et physiologiques, affine sa conception de la langue. Les Salons l’accompagnent dans son cheminement intellectuel et dépassent le commentaire des œuvres exposées. La critique d’art est laboratoire d’écriture et de pensée. Plus encore, sa critique d’art pose avec une acuité toute particulière l’un des grands problèmes du tournant des Lumières : le conflit naissant entre nature et culture, dont le langage devient l’un des lieux d’interrogation privilégié. C’est à la question du langage que nous avons choisi de nous intéresser, parce que ses fonctions sont emblématiques des tensions du texte. Le langage peut servir à communiquer avec les autres, à échanger. Mais il a également la capacité de figurer, de créer une image dans l’esprit. Il permet enfin de s’interroger sur lui-même. Une involution semble poindre dans les Salons : c’est à partir des discours sur l’art comme lieux de sociabilité que Diderot réfléchit à la langue originelle. / My thesis is entitled “La mise en question du langage dans les Salons de Diderot”. It aims at showing that Diderot’s art critic does not focus so much on image than on language, or more precisely on the fact that, when looking at a painting, Diderot is compelled to question language. In the Salons, he tries to make pictures arise from words and to give speech and voice to images. Three aspects of the relationships between image and language arise, and make up the three parts of my thesis. First of all, Diderot talks about the paintings of the Louvre’s exhibitions. The Salons are part of Grimm’s Correspondance littéraire, whose subscribers are all members of European monarchies. While he depicts paintings, Diderot always keeps in mind that these very urbane readers expect to be entertained. Speech about art need to remain close to playful conversation in order to entertain the elite. I studied Diderot’s borrowings from other art critics, thanks to the “Collection Deloynes” in which are gathered all texts from the eighteenth century about the Louvre’s exhibitions. Working on this collection enable me to prove Diderot’s influence on evolution of art criticism considered as a literary genre. The second part of my thesis focuses on the language of image. Diderot also tries to invent a language that imitates image, whose structure and phrasal progression match the dynamic of the painting. He adapts his writing to pictures until he reaches sometimes the limits of syntactic structure. Finally, Diderot questions the ability of words to convey images, which lead him to a metalinguistic reflection. Paintings are perceived as a gestural form of language which gives clues to understand the origins of language. My research consists in proving that there is a kind of “involution” of language in Diderot’s art critic. Whereas evolution led language from nature to urbanity, in the Salons, being confronted to images, Diderot seems to go the way back, from urbanity to nature.

Cette thèse est une étude chronologique de la présence militaire irlandaise en France sous l’Ancien Régime associé à une analyse du mythe de la Brigade Irlandaise au XVIIIe siècle. En s’appuyant sur des sources primaires, dont certaines sont inédites, les quatre premiers chapitres proposent un cadre historique de la communauté militaire irlandaise et de l’acculturation progressive, mais parfois difficile, de ses membres. Le premier chapitre se concentre sur les écrits de l’élite française et de la littérature populaire d’Angleterre face aux Irlandais lors de la « Guerre des trois rois », tandis que le deuxième se penche sur l’image des soldats irlandais dans la presse des deux côtés de la Manche à la même période. Le troisième explique comment ces hommes sont devenus au fil du temps une troupe reconnue par ses pairs dans l’armée royale, tandis que le quatrième explore les stratégies mises en place par les militaires irlandais et leurs familles pour intégrer la société d’accueil. Ces deux chapitres montrent également le déclin de la présence effective d’Irlandais dans la Brigade. La question de la mémoire de la bataille de Fontenoy est au coeur du cinquième et du sixième chapitre qui étudient minutieusement la part des Irlandais dans la journée du 11 mai 1745 et le rôle des écrits du XIXe siècle dans la naissance d’une identité militaire proprement irlandaise. L’étude se focalise sur des sources contemporaines des faits pour le premier et des documents anglais, français et irlandais datant du XIXe siècle pour le second. / This PhD is a chronological study of the military presence of Irishmen in Franceunder the Ancien Regime linked to an analysis of the myth surrounding the Irish Brigade in the18th century. Based on primary sources, some of which have been hitherto unpublished, the firstfour chapters propose an historical framework of the Irish military community and thesometimes difficult but progressive acculturation of its members. The first chapter focuses onthe writings of the French elite as well as popular literature from England about the Irish in the“War of the three kings”, while the second one is about the image of the Irish soldiers in thepress on both sides of the Channel during the same period. The third one explains how thesemen came to be recognised by their peers as a valuable unit in the French royal army and thefourth one explores the tactics used by Irish militarymen and their families to integrate intoFrench society. These two chapters also show the gradual decline of the actual presence ofIrishmen within the ranks of the Brigade. The question of the memory attached to the battle ofFontenoy is at the very core of the fifth and sixth chapters where the part played by Irishmenon the 11th of May 1745 is minutely studied. The birth of a distinct Irish military identity in19th century writings is also discussed. The study focuses on 18th century sources for the fifthchapter and 19th century sources from France, England and Ireland for the sixth.