Ce mémoire-création est né du souci de comprendre le discours sous-jacent que peut contenir la représentation théâtrale d'un sacrifice et du désir de récrire une tragédie grecque. Dans le premier volet, de nature théorique, ce présent travail se base sur l'impact du rite sacrificiel et sur l'importance qu'il occupe dans le maintien de l'ordre social. Nous y développons l'hypothèse qu'une pièce comportant la représentation d'un sacrifice inutile (ou dont l'origine n'est plus tout à fait sacrée) peut receler un certain discours critique sur les conflits sociaux de l'époque dans laquelle évolue son auteur. Les deux textes étudiés (Hécube d'Euripide et La cerisaie de Tchekhov) ont été choisis en fonction de la période de guerre ou de révolution pendant laquelle ils ont été composés ainsi que de la nature du sacrifice qu'ils présentent. La mort de Poluxène dans Hécube et la destruction du domaine de Lioubov dans La cerisaie apparaissent comme deux sacrifices inutiles. Afin de bien prouver les liens qui existent entre les textes analysés et leur époque, nous retraçons d'abord les indices qui les renvoient à l'actualité de leur temps. Ensuite, nous explorons les différentes facettes des sacrifices présentés et les rattachons au contexte social. Notre approche est essentiellement dramaturgique et sociohistorique. La pièce d'Euripide, à travers le sacrifice de Poluxène dont les motifs sont politiques et non sacrés, comporte une critique de la corruption du langage et des politiques intéressées de certains démagogues athéniens -Cléon étant le principal visé, selon nous et selon l'étude qu'en a faite Édouard Delebecque. La pièce de Tchekhov, quant à elle, semble véhiculer une critique des idées bolcheviques et des changements sociaux qui apparaissent dans les campagnes russes de la fin du XIXe siècle. Le sacrifice de la cerisaie, parce qu'il laisse place aux pratiques capitalistes et individualistes de Lopakhine et parce qu'il aurait pu être évité par une solidarité renouvelée de la famille qui l'habite, apparaît comme le symbole du sacrifice de la vie en communauté et des valeurs sociales transmises par le ДBop (dvor, «feu»). Dans le second volet de notre mémoire, nous présentons l'adaptation libre que nous faisons de la pièce Hécube. Cette actualisation de la pièce grecque et sa transposition dans le Québec actuel est influencée à la fois par l'histoire québécoise et par la pièce de Tchekhov. Nous expliquons, dans le dernier chapitre théorique, quelles sont les références à la société québécoises et en quoi La cerisaie constitue une inspiration pour ce texte. Dans cette partie, nous parlons également de ce qu'il advient du sacrifice et de la forme plus contemporaine qu'il revêt. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Sacrifice, Critique sociale, Euripide, Tchekhov, Adaptation.

La thèse étudie le Vocabulaire psychologique dans les drames conservés d’Euripide. Par le terme « psychologique » est entendu tout ce qui se rapporte à la psychè, la conception antique de l’âme, et aide à la décrire. La thèse comporte trois grandes parties : 1. Le vocabulaire de l’âme, 2. L’intelligence, 3. Les émotions. Dans un premier temps, sont répertoriés et classés les sens principaux des termes psychologiques, leurs nuances ainsi que leur emplois métaphoriques, et cela en fonction du contexte dans lequel ces termes apparaissaient. Dans un deuxième temps, à partir de cette première analyse, nous avons tenté de tirer quelques conclusions plus générales sur le sens et l’importance accordés par le poète à chaque notion. D’après cette analyse, il ressort que le souci d’Euripide est de décrire la richesse de l’humain sans le réduire à des catégories et à des oppositions rigoureuses et, du coup, nécessairement réductrices. L’élément le plus accentué de son œuvre est sans doute l’ambiguïté qui traduit dans ses tragédies la complexité humaine. / Our Doctoral Dissertation proposes an analysis of the Euripides’ psychological terms. By “psychological” we mean everything that has to do with the psyche, the Greek concept of the soul, and helps us describe it. We have divided our work in three parts: 1. The vocabulary of the soul, 2. The intellect, 3. The emotions. Firstly, we have identified and classified the main meanings of the psychological terms, their nuances as well as their metaphorical use, and this in reference to the context in which they are used. Secondly, based on the results of our first examination, we have tried to induce some more general conclusions about the sense and the significance accorded to each notion by the tragic poet. According to our analysis, it appears that Euripides’ ultimate goal was above all to describe the richness of the human soul without reducing it into strict categories or oppositions, and thus, inevitably reductive. The most salient element of his work is probably the ambiguity that translates in his tragedies the human complexity.

Cette étude porte sur les utilisations de l'intertextualité comme procédé dramaturgique dans Hécube et Les Troyennes d'Euripide. Les intertextes considérés sont les épopées homériques et l'Agamemnon d'Eschyle. Après une présentation des problèmes posés par le recours à la notion d' "intertextualité" dans le domaine de la littérature grecque antique, et plus particulièrement du théâtre grec antique, chaque pièce fait l'objet d'une étude approfondie. Les chapitres I à IV portent sur les stasima des deux pièces et posent la question du fonctionnement de l'intertextualité dans la parole lyrique du choeur. Les stasima sont envisagés dans une perspective unificatrice qui vise à mettre en lumière leur rôle de fil directeur dans les deux tragédies. Les chapitres suivants portent sur des passages étendus des deux pièces. L'utilisation de l'intertextualité dans la représentation du sacrifice de Polyxène fait l'objet du chapitre V tandis que le chapitre VI porte sur la double allusion intertextuelle (à l'Odyssée et à l'Agamemnon) mise en place par Euripide pour représenter le vengeance d'Hécube (Hécube). Les chapitres VII et VIII s'intéressent aux Troyennes : d'abord à la scène de Cassandre, comparée à la scène de l'Agamemnon d'Eschyle dont elle constitue une sorte de réécriture ; puis à la scène d'Hélène, où Euripide construit les tensions de son agôn à partir d'un passage précis du chant III de l'Iliade - qu'il rend volontairement encore plus problématique qu'il ne l'est chez Homère à travers les discours de ses deux personnages. La conclusion présente les résultats de cette enquête quant au fonctionnement et quant à diverses fonctions possibles de l'intertextualité dans la tragédie grecque. / This study investigates the question of how intertextuality is used as a dramaturgical device in Euripides' Hecuba and Troades. The intertexts considered here are the Homeric epics and Aeschylus' Agamemnon. After a presentation of the poblems raised by the use of the notion of "intertextuality" in the field of ancient Greek literature, and more specifically Greek theatre, the two dramas are each studied in depth. Chapters I to IV are concerned with the stasima of these plays and raise the question of the specific manner in which intertextuality is inscribed in the lyrical language of the chorus. The stasima are considered from a global perspective in order to highlight their function as a guiding thread running through each drama. The following chapters deal with extended portions of Hecuba and Troades. The use of intertextuality in the representation of the sacrifice of Polyxena is studied in chapter V, whereas chapter VI deals with the double intertextual allusion (both to the Odyssey and to the Agamemnon) engaged in by Euripides in his representation of Hecuba's revenge (in Hecuba). Chapters VII and VIII are about the Troades, focusing firstly on the Cassandra scene, which is compared with the Cassandra scene in Aeschylus' Agamemnon, reworked here by Euripides. Secondly there is the scene involving Helen, where Euripides builds up the tensions of the agôn by basing it on a precise passage of Iliad III - which, in the light of the positions taken by the two characters, he purposely renders even more problematic than it is in Homer. The conclusion presents the results of this inquiry into the functioning and possible purposes of intertextuality in Greek tragedy

Ce travail consiste en une édition commentée des Grenouilles, comédie présentée par Aristophane en 405 avant notre ère, et ayant obtenu une seconde représentation l’année suivante. Aristophane y présente la descente aux Enfers de Dionysos en quête du poète Euripide, et la dispute entre ce dernier et Eschyle pour la suprématie tragique. Notre édition comporte une introduction générale qui resitue les deux représentations dans leur cadre – historique, idéologique et littéraire – et montre comment le contexte immédiat, notamment la représentation des Bacchantes d’Euripide et la mort de celui-ci et de Sophocle, a influencé la structure de la pièce et ses thématiques ; ainsi que la nature et les causes des modifications apportées au texte entre la première et la seconde représentation. Le cœur de l’introduction analyse l’intrigue de la comédie de manière plus ou moins linéaire, montrant comment Aristophane utilise dans la première partie les motifs traditionnels de la catabase et du voyage initiatique, et comment, dans la deuxième partie, il détourne et critique les théories sophistiques du langage pour mettre face à face Euripide et Eschyle et en dégager une réflexion sur la fonction du théâtre dans la cité. Un chapitre est consacré aux hypothèses concernant la mise en scène originelle, et un autre à la transmission du texte depuis l’Antiquité. Le commentaire vers à vers aborde les questions d’établissement du texte, de vocabulaire, de grammaire, de métrique, de mise en scène et d’intertextualité. Le texte est accompagné d’un apparat critique faisant état de quatre manuscrits parmi les plus anciens (ainsi que d’autres de manière ponctuelle), et d’une traduction originale. / This work consists of an edition and commentary of the Frogs of Aristophanes, a comedy performed in 405 BC and a second time the following year. In it, Aristophanes shows the descent to the Underworld of Dionysos as he searches for the poet Euripides, and the latter’s contest with Aeschylus over tragic supremacy.. This edition contains a general introduction replacing both performances of the play in their historical, ideological and literary frame, and showing how immediate context – mainly the performance of Euripides’ Bacchae and his and Sophocles’ death – influenced the play’s structure and themes. It also shows the nature and causes of the revisions that Aristophanes made between the first and the second performance. The central part of the introduction analyses the plot in a mostly linear way, showing how Aristophanes uses the traditional narratives of catabasis and initiatic journey in the first part of the play, and how, in the second part, he appropriates and criticises the sophists’ theories of language in order to oppose Aeschylus and Euripides and consider the role of theatre in the city. One chapter is dedicated to hypotheses concerning the original stage performance, and another to the transmission of the text between Antiquity and modern times. The line-by-line commentary preoccupies itself with matters of textual criticism, vocabulary, grammar, metric, performance and intertextuality. The text is completed by a critical apparatus that reports the readings of four of the oldest mediaeval manuscripts (and some others when the need arises) and an original French translation.

Texte remanié de : Dissertation : ? : Philosophische Fakultät IV (Sprach- und Lietraturwessenschaften) der Universität Regensburg : 2003. / Bibliogr. p. [311]-332. Notes bibliogr. Index.

Thèse : Amsterdam Vrije universiteit : 1980.

Le présent travail se propose d’écrire l’histoire de l’influence des tragédies grecques en France au XVIe et XVIIe siècles, dans la conviction qu’elle joua un rôle central, par sa présence ou son absence, dans la naissance et le développement de la tragédie française. Le fil rouge qui se dégage de notre travail est de nature religieuse et historique : les auteurs du XVIe et du XVIIe siècle alternent intérêt et désintérêt pour la tragédie grecque en fonction de la période historique et de leurs croyances religieuses, en fonction non pas de préférences littéraires mais à la suite des choix imposés par leur environnement par ce qu’il convient d’appeler la matérialité de l’Histoire : l’accès aux manuscrits, les interdictions du Concile de Trente, la diffusion du grec, etc. À travers l’analyse de plus de quarante pièces, ce fil rouge permet d’expliquer les fluctuations, autrement incompréhensibles, dans la relation à Euripide et Sophocle, le fait que les tragédies grecques monopolisent – par rapport à Sénèque – l’intérêt des traducteurs (tous évangélistes) de la première moitié du XVIe siècle, qu’elles laissent – avec une étonnante rapidité – le champ libre (en apparence du moins) à l’auteur latin pendant plus d’un siècle à partir de 1550, et qu’elles reviennent ensuite au premier plan avec Racine, dont les maîtres jansénistes partagent avec les évangélistes la dangereuse passion pour le grec. Racine se distingue des autres auteurs par sa capacité de retrouver chez Euripide le secret du personnage tragique, fondement d’une révolution dans l’art d’écrire des tragédies, à laquelle il renoncera lui-même à partir d’Andromaque, sous la pression des critiques et du goût du public. / The present work explores the history of the influence of Greek tragedies on France during the XVIth and XVIIth centuries, in order to demonstrate that this influence played a major role in French tragedy’s birth and development. Our work’s guiding thread is religion and history: XVIth- and XVIIth-century playwrights alternated between interest and lack of interest in Greek tragedy depending on the periods in which they lived and their religious beliefs. Their interest or lack thereof stemmed not from their literary preferences but from phenomena imposed on them by their environment, by what we can call the materiality of history: the access to manuscripts, the Council of Trent’s prohibitions, the spread of Greek, etc. Through the analysis of more than forty plays, this guiding thread helps to explain the fluctuations-hardly understandable otherwise-in the relationship with Euripides and Sophocles; the fact that in the first part of XVIth century, Greek tragedies, as compared with Seneca, monopolise the attention of translators (all linked to Evangelism); the fact that after 1550, with astonishing speed, the Latin author takes over (at least at first sight) for more than a century; and the fact that Greek tragedies come back on stage with Racine, whose Jansenist professors shared with Evangelists the dangerous passion for Greek. Racine stands out from the other authors because of his ability to rediscover the tragic hero’s secret, the cornerstone of his revolution in the art of writing tragedies-a revolution he will be forced by critics and audience taste to renounce, after Andromaque.

L’héroïne de tragédie joue-t-elle le même rôle aristotélicien que le héros?Cette thèse examine six pièces, les Andromaque, Iphigénie en Aulide et Hippolyte d’Euripide et les Andromaque, Iphigénie et Phèdre et Hippolyte de Racine. Les trois héroïnes, examinées dans les trois premiers chapitres, ont des limites de représentation tragique spécifiques, les rendant moins présentes à l’action héroïque que les héros-type. Mais leur présence, même contrainte, ouvre la question de la condition féminine, que les Grecs ont été les premiers à conceptualiser, et que le XVIIème siècle en France a également mise en avant, du moins pour les femmes éduquées.Ensuite sont étudiés quelques exemples plus ponctuels de représentation d’héroïnes tragiques.Au cinquième chapitre est considéré l’impact de la présence et des absences des héroïnes sur la tragédie en tant que forme culturelle récurrente (tenant compte des éléments du modèle aristotélicien de la tragédie, muthos, hamartia, hubris, anagnorisis, katharsis, et l’interaction des héroïnes avec ces valeurs), contribuant à l’évolution des mentalités. En conclusion, la transmission culturelle de l’héroïne (mythe, épopée, culte, tragédie antique et classique, récurrences contemporaines) peut se conceptualiser en employant une récente théorie syntaxique et cognitive, la théorie X-barre. La théorie de la structure et de la contrestructure est articulée, qui suggère un modèle cognitif, rendant compte de l’évolution sociale des rapports entre hommes et femmes, qui sortirait des oppositions binaires. Les stratégies contrestructurales que les héroïnes de tragédie mettent en œuvre, dans ces pièces, marquent une évolution cognitive de la condition humaine. Les « études héroïniques » sont une voie de nouvelles recherches et un apport potentiel au futur des études littéraires. / Does the tragic heroine play the same Aristotelian role as the hero? Six plays are examined: Euripides’ Andromache, Iphigeneia in Aulis and Hippolytos, and Racine’s Andromaque, Iphigénie and Phèdre et Hippolyte.The three pairs of heroines, considered in turn, have specific limits to their capacity for direct heroic action, compared to typical heroes. At the same time, their presence and actions, even constrained, open the question of women’s condition – which the Greeks were the first to conceptualise, and which the French XVIIth c. also foregrounded, at least for educated women. The fourth chapter looks at some further examples of heroines, illustrating aspects of their representation in tragedy.Fifthly is considered the impact, of the presence and absence of the tragic heroine, on tragedy as a form of cultural inscription which has contributed to the evolution of the imaginaire. Different aspects of the Aristotelian model of tragedy such as muthos, hamartia, hubris, anagnorisis, catharsis are explored in terms of how the tragic heroine represents these functions.The conclusions reflect on the cultural transmission of the heroine from myth to epic, cult, the tragedy of antiquity and of French classicism, to contemporary forms). A recent linguistics theory, the X-bar theory is mentioned as a possible cognitive model to conceptualise this continuity in discontinuity, through societies which have so differently validated the female, but may all have been affected by the performative heroine. The author’s own theory of structure and counterstructure is a possible model for observing the evolution of men-women relations, beyond polarising or binary-oppositional cognitive frames. Finally, “heroine studies” are a possible fruitful research area for literature and cultural studies.

Cette analyse littéraire examine le mythe de Médée et ses redites par Euripide et Christa Wolf. Depuis les années 1950, de nombreuses autrices occidentales révisionnistes se sont replongées dans la mythologie pour trouver l’inspiration artistique afin de combler le manque de représentation du genre dans l'héritage culturel de l’Occident. L'un des objectifs de ces écrivaines est de raconter l'histoire du point de vue de l'Autre réduit au silence, une façon de déconstruire l'apriorité du genre et les stéréotypes imposés par ce qu'Adorno appelle la raison formelle. Explorer les mythes, c'est les adapter à notre époque et détecter leur insistance et leur pertinence intemporelle. Cet exercice permet aux femmes d'exprimer leur version de l'histoire afin de déstabiliser la rhétorique et les archétypes patriarcaux. Pour ébranler et déconstruire les stéréotypes de la féminité fabriqués par la raison formelle occidentale, il est essentiel de se tourner vers la figure mythique de Médée en tant que femme. En effet, comment la comparaison entre la Médée de Christa Wolf et celle d'Euripide peut-elle produire une esthétique permettant d'émanciper la princesse de Colchide et les femmes de la domination de la raison masculine occidentale ? Pour répondre à cette question, la théorie dialectique d'Adorno et l'esthétique de Christa Wolf sont prises comme axe analytique entre les versions d'Euripide et de Wolf du mythe de Médée. Comme le montre cette étude comparative, la Médée d'Euripide, la mère meurtrière dépourvue de sophrosyne, reste un archétype vivant de la féminité à la fin des années 90 en Allemagne. De même, Euripide et Wolf brossent un portrait cohérent des femmes en tant que servantes de la nature, mais contrairement à son homologue grecque, Christa Wolf insiste sur le caractère naturel du corps en tant qu'esthétique épistémologique qui permet au non-identique et aux différences de surgir. Medea : A Modern Retelling juxtaposé à la tragédie d'Euripide crée un dialogue qui explore l'écriture corporelle et son utilité pour évaluer l'agentivité de chacun dans le monde des significations. / This literary analysis examines the Medea myth and its retellings by Euripides and Christa Wolf. Since the 1950s, many Western revisionist mythmaking authors have dived back into mythology to find artistic inspiration to fill the gender gap within the Western world’s overly masculinized cultural heritage. One of the purposes of these authors is to tell the story from the silenced Other’s vantage point of view, a way to deconstruct gender apriority and stereotypes imposed by what Adorno calls formal reason. To explore myths is to recast them into modern days and detect their timeless insistence and relevance. This exercise allows women to voice their side of the story to destabilize the patriarchal rhetoric and archetypes. To shake and deconstruct stereotypes of womanhood made by Western formal reason, it is essential to turn toward Medea’s mythical figure as a woman. Indeed, how can the comparison between Christa Wolf’s and Euripides’ Medea produce an aesthetics that emancipates the princess of Colchis and women from Western males’ domination? To answer this interrogation, this literary research takes Adorno’s dialectical theory and Wolf’s aesthetics as the analytical axis of comparison between Euripides’ and Wolf’s versions of the Medea myth. As this comparison concludes, Euripides’ Medea, the murderous mother devoid of sophrosyne, remains an archetype of womanhood in the late 90s’ imagnation. Also, Euripides and Wolf draw a consistent image of women as nature’s minions. However, unlike the Greek tragedian, Christa Wolf insists on the naturalness of the body as an epistemological aesthetics that allows the non-identical to shine forth. Medea: A Modern Retelling juxtaposed with Euripides’ tragedy creates a dialogue that explores corporeal writing and its usefulness in assessing one’s agency into the world of meanings.

La tesi si concentra sull'analisi interpretativa e sul confronto culturale tra diverse riprese di un dramma antico sulla scena moderna. L'opera classica scelta è Troiane nella versione euripidea, soggetta a una notevole ripresa d'interesse da parte di registi e drammaturghi nel XX e XXI secolo. Si è inteso concentrare l'attenzione sui più significativi spettacoli e drammaturgie contemporanei (quindi apparsi sulle scene mondiali e, in particolare, italiane del secondo dopoguerra) che tematizzino a diversi livelli la questione del disagio, della violenza e delle forme dell'esclusione e dell'esodo dovuti a uno scontro fra culture antagoniste. Volutamente, sono stati studiati spettacoli poco noti alla critica e al grande pubblico. Il metodo di lavoro seguito è stato adattato alle caratteristiche di ogni allestimento e alla particolarità delle fonti. Infine, ho fornito una valutazione critica della riuscita artistica degli spettacoli e ho confrontato le diverse traduzioni impiegate dai registi. / The thesis deals with an interpretation and a cultural comparison among many different contemporary plays based on classic drama. In particular, I examined Trojan Women by Euripides, a tragedy that today is often present on the stage. The thesis presents an account on the most important present-day shows and writings from Italy and other countries about loneliness, violence and exile due to fights between different cultures. On purpose, I studied not generally known shows and plays. The study method has been adapted to every show features and to its evidences. Finally, I valued how and if a show succeeded and made a comparison among different translations of Euripides' trojan women.