Submitted by Nathalya Silva (nathyjf033@gmail.com) on 2017-06-06T18:04:17Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_CinemaEducacaoTransitos.pdf: 1712104 bytes, checksum: 5f3fd6bec14ad18393fff89dfb4a9a2a (MD5) / Approved for entry into archive by Edisangela Bastos (edisangela@ufpa.br) on 2017-06-09T16:45:14Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_CinemaEducacaoTransitos.pdf: 1712104 bytes, checksum: 5f3fd6bec14ad18393fff89dfb4a9a2a (MD5) / Made available in DSpace on 2017-06-09T16:45:14Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_CinemaEducacaoTransitos.pdf: 1712104 bytes, checksum: 5f3fd6bec14ad18393fff89dfb4a9a2a (MD5) Previous issue date: 2016-06-16 / Esta pesquisa teve como objetivo fazer o estudo da concepção musical de videoaulas a partir dos usos musicais do cinema, utilizando-se como referência principal os conhecimentos de Michel Chion, por meio das obras “A audiovisão” (2011) e “La música en el cine” (2014). Embasaram também este estudo, no que se refere: à estrutura da linguagem cinematográfica, Martin (2013) e Mascelli (2010); à semiótica discursiva, Barros (2005) e Souza (2015, 2008, 2006); à arte e educação, Duarte (2000); à educação a distância, Litto (2010), Santos, Fassbender e Evangelista (2015) e Moran (2002); à videoaula, Santos, Fassbender e Evangelista (2015), Moran (1995, 2009, 2015), Anderson e Dron (2011, tradução 2012), Mattar (2014), Filatro (2009), Silva (2015), Spanhol e Spanhol (2009), Vargas, Rocha e Freire (2007). A presente pesquisa se justificou pela mudança que vem ocorrendo no âmbito da educação, fortemente influenciada e dinamizada pelas tecnologias da informação e da comunicação, e ainda pela necessidade de unir a estética à educação, em busca de processos de ensino-aprendizagem que considerem as particularidades humanas, incluindo a dimensão do sentir nesse processo. Para a análise realizada foi utilizado o percurso gerativo de sentido, conforme a semiótica discursiva, e dois instrumentos criados pela pesquisadora que foram o Mapa sonoro/musical e a Lista sintética dos usos musicais. O Mapa sonoro/musical procurou identificar de um modo geral o discurso e questões didáticas, e de um modo específico, aspectos musicais como a questão das dominantes sonoras, dos usos musicais e dos pontos de utilização e sincronização da música na produção de sentido. Na Lista sintética dos usos musicais foram apresentados os usos musicais segundo Chion, a descrição e a exemplificação respectiva, inclusive com indicação de links na internet. Também para auxílio na análise foi definida uma tipologia de videoaulas em que foram identificadas semelhanças nas estruturas das videoaulas disponíveis na internet, chegando-se à seguinte classificação: videoaula informativa/ instrutiva, videoaula educativa modelo presencial e videoaula educativa com recursos de pós-produção. Mediante esses conhecimentos buscou-se esclarecer a questão de “Como a música pode ser utilizada na concepção de videoaulas, a partir dos seus usos no cinema?”. Percebeu-se após as análises que a presença da música varia conforme o tipo de videoaula e o seu momento de utilização. Assim, nas videoaulas com maior variedade de recursos discursivos, como os tipos videoaula informativa/ instrutiva e videoaula educativa com recursos de pós-produção, notou-se maior presença da música para a materialização do discurso. Inversamente, nas videoaulas com menor variedade desses recursos, notou-se uma menor presença musical, como no tipo videoaula educativa modelo presencial. Quando a música é pensada na concepção da videoaula, de um modo geral, também é maior sua possibilidade de uso do que quando trabalhada na videoaula já gravada. Esses são processos de trabalho distintos, mas que deverão ter em vista o uso da música para reiteração e materialização do discurso. Os usos musicais mais frequentes foram: continuidade e fluência do filme; representação simbólica; continuidade e descontinuidade dos planos sonoros; sincronização; temporalização da imagem; coestruturação e coirrigação; e movimentação das imagens. Diante do exposto, concluiu-se que a música é um recurso pedagógico, um componente discursivo da videoaula que pode ser utilizado para a sua coestruturação e para questões audiovisuais fundamentais, possibilitando uma educação estética. / This research aims to study the musical conception of video lessons from the musical movie uses, using as main reference the knowledge of Michel Chion , through the works "The audiovision" (2011) and "La music en el cine" (2014). Also underlie this study, with regard to: the structure of film language, Martin (2013) e Mascelli (2010); the discursive semiotics, Barros (2005) e Souza (2015, 2008, 2006); the art and education, Duarte (2000); the distance education, Litto (2010), Santos, Fassbender e Evangelista (2015) e Moran (2002); the video lesson, Santos, Fassbender e Evangelista (2015), Moran (1995, 2009, 2015), Anderson e Dron (2011, tradução 2012), Mattar (2014), Filatro (2009), Silva (2015), Spanhol e Spanhol (2009), Vargas, Rocha e Freire (2007). This research may be justified by the change that occurred in education, strongly influenced and energized by information and communication technologies, and also the need to unite the aesthetic education in search of teaching- learning processes that consider the human particularities, including the size of the feeling within this process. For the analysis, the researcher used the generative course of meaning, as the discursive semiotics, and two instruments created by the researcher, the sound / musical map and synthetic list of musical uses. In general, the sound`s/music`s Map sought to identify its discourse and educational issues. In a specific way, musical aspects such as the question of sound dominant, the musical uses and points of use, and synchronization of music in the production of meaning. In the synthetic list of musical uses, the investigator presented musical uses second Chion, the description and their exemplification, including referral links on the internet. Also, the investigator aided in the analysis a set of video classes typology, where similarities were identified in the video classes of structures available on the internet, coming to the following classification: informative video lesson/instructional, educational video lesson classroom model and educational video lesson with post- production capabilities. Through this knowledge we sought to clarify the issue of "How music can be used in the design of video classes, from its uses in the movies”? After the analysis, the investigator noticed that the presence of music varies according to the type of video lesson and its time of use. Thus, in the video classes with greater variety of discursive resources, such as the types video lesson informative/instructive and educational video lesson with post-production resources, the investigator noticed a greater presence of music for the materialization of speech. Conversely, the video classes with less variety of these resources, there have been a minor musical presence, as the educational video lesson type classroom model. In general, when the music is designed in the design of video lesson, there ia also a greater possibility of use than when worked into video lesson already recorded. These are working processes differences, but that should be directed to the use of music for reiteration and materialization of speech. The most common musical uses were: continuity e movie streaming; symbolic representation; continuity and discontinuity of sound plans; synchronization; temporality of the image; coestruturação and coirrigação; and moving images. Given the above, the investigator concluded that music is an educational resource. Also, a discursive feature video lesson that can be used for its coestruturação and fundamental audiovisual issues, providing an aesthetic education.

Made available in DSpace on 2016-06-02T20:23:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 3567.pdf: 1470970 bytes, checksum: 4cfb1b4358ed97c535bf68abd03d2601 (MD5) Previous issue date: 2010-08-09 / Universidade Federal de Minas Gerais / The dissertation leans over an analysis of aspects of the mise-en-scène at the two chosen films, having focus in the fictional and non-fictional character rendered ironical in the Cinema Novo s (brazilian new cinema) stage political scene, real scene and at the context during the intensification of a conservative modernization: 1 - Macunaíma (1969), of Joaquim Pedro de Andrade; 2 - Terceiro Milênio (1982), of Jorge Bodanzky and Wolf Gauer. Those are two manners of facing the character - of one side ficcional, with origins in the oral tradition of Amazonian legends, transformed in protagonist of a modernist book by Mário of Andrade, later converted in cinema´s character; on the other side the political protagonist's direct filmed in performance for the documentary -, these two lines have its crossing point that allows an observation of a national type, involved in the double-dealing, of Iberian root sighted in the cunning, a type of the subverted epic's hero. This modern character's in the visual expression fall down in the type of the flâneur, bohemian, roguish - the disinterested or inapt Brazilian hero. / A dissertação se debruça em uma análise de aspectos da mise-en-scène de dois filmes, tendo como foco o personagem ironizado no tablado ficcional do Cinema Novo, político, real e contextualizado durante a intensificação de uma modernização conservadora: 1- Macunaíma (1969), de Joaquim Pedro de Andrade; 2 Terceiro Milênio (1982), de Jorge Bodanzky e Wolf Gauer. Esses dois modos de se encarar o personagem - de um lado ficcional, com origens na tradição oral de lendas amazônicas, transformado em protagonista de um livro por Mário de Andrade, mais tarde convertido em personalidade do cinema; do outro lado a captação direta do protagonista político em atuação pelo documentário -, têm seu ponto de cruzamento que permite uma observação de um tipo nacional, envolvido na malandragem, de raiz ibérica avistada no pícaro, uma espécie de herói do épico subvertido. Os afluentes modernos deste personagem na expressão visual caem na tipificação do flâneur, boêmio, malandro o desinteressado ou herói inapto.

This research has as object of study the culture of environmental catastrophe. This is the analysis of the effects that disaster movies have on people, considering the social interactions between spectators of film narratives of environmental catastrophes, about fear and insecurity about the possibility of planetary extinction (partial or total). The research approach is based on social constructionism. The method of the research adopted was the relational of the descriptive-interpretative type. Eighty-one individuals aged between six and sixty-five years of different schooling and sex participated in this study. The group device is used, focusing on the emotions and feelings manifested in the film experiences with the disaster films (1992- 2015). The main instruments of data collection were informal conversations, field diary, direct observation and audio recording of interactions among participants. The film experience, in the reception and audience of catastrophic films, produces specific effects on the conduct of the participants. Five effects are highlighted: (a) generates emotional reaction; (b) produces conscious awareness; (c) elicits unilateral direct communication through physical contact; (d) produces empathic disposition; (e) generates, produces and elicits symbolic content. However, it was observed that not all the participants demonstrated typical reactions to the phenomenon of referential-emotive micronarration, namely, fright reaction, followed by speech acts, direct reflex physical contact with other participants and laughing reaction. It was noticed that the different reactions to the products of the film industry, in the case of catastrophes, explain the particularity and the singularity of practical social life, thus avoiding the universalist approach in which social actors do not reflect on what they do, when they do. On the other hand, the symbolic dimensions of cognition, when not properly situated in the course of the debate on the filmic experience, produce a reduction effect of the mental operations, elaborated by the agents themselves with respect to the disaster films. The circulation (or explicit indication) among research participants of the need for comment on two different discursive plans was perceived: (a) reactive plans (of sensory-perceptive sensitivity) aimed at activation and saturation, in which emotion and the feeling predominates; (b) action plans (active base) focused on the decision to engage and participate directly or indirectly in the search for involvement with issues pertaining to nature, man and the possibilities of extinction of life on the planet. We conclude that the fear and insecurity of planetary extinction (partial or total), conveyed by the disaster films brings to the center of the debate the emotions and the feelings as an in separate part of the environmental issues and the variety of behaviors observed in contemporary social practices. / Esta pesquisa tem como objeto de estudo a cultura da catástrofe ambiental. Trata-se da análise dos efeitos que os filmes-desastres exercem nas pessoas considerando as interações sociais ocorridas entre os espectadores de narrativas fílmicas de catástrofes ambientais, quanto ao medo e a insegurança ante as possibilidades de extinção planetária (parcial ou total). A abordagem da pesquisa respalda-se no construcionismo social. O método da pesquisa adotado foi o relacional do tipo descritivo-interpretativo. Participaram deste estudo oitenta e um indivíduos com idades entre seis e sessenta e cinco anos de diferentes escolaridade e sexo. Utilizou-se o dispositivo grupal, tendo como foco as emoções e sentimentos manifestados nas experiências fílmicas com os filmes-desastre (1992-2015). Os principais instrumentos de coleta de dados foram as conversas informais, diário de campo, observação direta e registro em áudio das interações ocorridas entre os participantes. Os resultados explicitam que os participantes demonstraram interagir de maneira ativa, não escapista, com os quadros ou cenas fílmicas, compostas com maior apelo da linguagem catastrófica. A experiência fílmica, na recepção e audiência de filmes-catástrofe, produz efeitos específicos sobre a conduta dos participantes. Destacam-se cinco efeitos: (a) gera reação emotiva; (b) produz percepção consciente; (c) elicia comunicação direta unilateral por contato físico; (d) produz disposição empática; (e) gera, produz e elicia conteúdo simbólico. No entanto, observou-se que nem todos os participantes demonstraram reações típicas ao fenômeno da micronarração referencial-emotiva, a saber, reação-susto, seguida de atos de fala, contato físico direto reflexo com outros participantes e reação-risível. Percebeu-se que as diferentes reações aos produtos da indústria cinematográfica, no caso dos filmes-catástrofes, explicitam a particularidade e a singularidade da vida social prática, evitando assim, a abordagem universalista, na qual os atores sociais não refletem sobre o que fazem, quando fazem. Por outro lado, as dimensões simbólicas da cognição, quando não devidamente situadas no decorrer do debate sobre a experiência fílmica, produzem efeito redutor das operações mentais, elaboradas pelos próprios agentes a respeito dos filmes-desastre. Percebeu-se a circulação (ou indicação explícita), entre participantes da pesquisa, da necessidade de comentários em dois diferentes planos discursivos: (a) planos reativos (de sensibilidade sensório-perceptiva) voltados à ativação e a saturação, nos quais a emoção e o sentimento predominam; (b) planos de ação (de base ativa) voltados à decisão de engajamento e participação direta ou indireta na busca de envolvimento com as questões pertinentes à natureza, ao homem e as possibilidades de extinção da vida no planeta. Concluímos que o medo e a insegurança de extinção planetária (parcial ou total), veiculados pelos filmesdesastre traz ao centro do debate as emoções e os sentimentos como parte indissociada das questões ambientais e da variedade de comportamentos observados nas práticas sociais contemporâneas. / São Cristóvão, SE

Objective: In the study of anxiety, the bridge between preclinical research and clinical trials with patients is represented by models of experimental anxiety in humans, which induce anxiety in healthy volunteers in a controlled manner. The present study aimed to investigate an experimental model of human anxiety, based on of the presentation of an anxiogenicscene either isolated (clip) or as part of a full-length movie(plot). Method: Thirty healthy male volunteers were allocated to two groups: Clip (n = 15) and Plot (n = 15). Psychological (through a standardized scale, namely, the State-Trait Inventory Anxiety, and numerical scales /analog)and physiological (through the records of changes in heart rate, temperature change endpoints, skin conductance and muscle tension) parameters were evaluated while subjects watched a white screen (baseline), a neutral scene and an anxiogenic scene. Results: The data a physiological stress response during the anxiogenic scene for both groups. However, the subjective anxiety response was less intense in the Clip group, and it could only be detected by the State-Trait Anxiety Inventory, which is a more elaborate anxiety measuring instrument than the commonly used analog/numeric scales. Conclusion: The data support the employment of movies that involve situations of danger as a method of inducing experimental anxiety. / Objetivo: No estudo da ansiedade, a ponte entre a pesquisa pré-clínica e os ensaios clínicos com pacientes é representada pelos modelos de ansiedade experimental em humanos, os quais induzem ansiedade em voluntários saudáveis de maneira controlada. No presente estudo, objetivou-se investigar um modelo de ansiedade experimental humana, baseado na exibição de uma cena ansiogênica isolada (trecho) ou como parte de um filme íntegro (trama). Método: Foram selecionados 30 voluntários saudáveis, alocados para os grupos Trecho (n=15) e Trama (n=15), os quais foram avaliados psicológica (por meio de uma escala padronizada, qual seja, o Inventário de Ansiedade Traço-Estado, além de escalas numéricas/analógicas) e fisiologicamente (através dos registros de alterações da frequência cardíaca, alteração de temperatura de extremidade, condutância da pele e tensão muscular). enquanto assistiam a nenhuma cena (linha de base), a uma cena neutra e a uma cena ansiogênica. Resultados: Os dados mostraram uma resposta fisiológica de estresse durante a apresentação da cena ansiogênica tanto para o grupo Trecho quanto para o grupo Trama. Entretanto, a ansiedade, avaliada subjetivamente, foi menos intensa para o grupo Trecho, sendo detectada somente pelo Inventário de Ansiedade Traço-Estado, um instrumento de mensuração mais elaborado que as usuais escalas analógicas.Conclusão: Os dados apoiam o uso de filmes, que envolvam perigo em seu enredo, como modelo de ansiedade experimental humana, no qual podem ser facilmente avaliados tanto parâmetros psicológicos quanto fisiológicos.

Orientador: Marcius Cesar Soares Freire / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-16T18:02:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Daminello_LuizAdriano_M.pdf: 1681416 bytes, checksum: b58e02392967bb9c161e9236ca758064 (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: O presente estudo se debruça sobre a construção do cinema de Jean Rouch, desde o seu primeiro contato com o mundo africano e as questões pelas quais ele iria se interessar durante a criação de seus filmes, até o estabelecimento do cinéma-vérité, movimento lançado na década de 60 e que propunha novas relações do cinema com o real. Abordamos aqui o interesse de Rouch em transitar entre fronteiras e de estabelecer ligações - ou diluições - entre procedimentos artísticos e científicos. Para levar a cabo tal estudo, escolhemos analisar um período de sua produção que começa com seu primeiro filme etnográfico, Au pays des mages noirs (1946-1947) até a realização de Chronique d'un été (1960). Dentro desse período está La pyramide humaine (1959), filme pouco estudado, mas cujas características especiais e únicas fazem dele uma ponte determinante entre as primeiras experiências com os assim chamados "filmes de improvisação", Jaguar (1954) e Moi, un Noir (1958) e a eclosão do cinéma-vérité, movimento que iria influenciar, de forma inelutável, o filme antropológico em especial, e o cinema moderno de maneira geral. Apoiando nossa reflexão, realizamos uma experiência de recepção de La pyramide humaine com jovens recrutados pela ONG Cine-favela, na Comunidade de Heliópolis, junto com estudantes de uma Faculdade de Cinema e também com uma atriz profissional. Esperamos que os resultados dessa experiência, somados às reflexões acima referidas, ajudem a melhor compreender a obra do extraordinário antropólogo-cineasta Jean Rouch, notadamente o período de sua carreira a que este estudo se dedica / Abstract: This work is about the building of Jean Rouch's cinema, since his first approach to the African world and the questions that he would be interested when he has created his movies, till the happening of the cinema-vérité, a film movement of the 1960s that would propose new relations between the cinema and the real. We broach Rouch's interest in walk over frontiers and to establish contacts - or to dissolve it - between artistic and scientific procedures. To go on with this research, we have decided to analyze a period of his productions that begins at his first ethnographic film, Au pays des mages noirs (1946-1947) till the making of Chronique d'un été (1960). Inside this period it is La pyramide humaine (1959), one of his films less studied, but whose special characteristic make it a important bridge between his first experiences with the "improvisation films", Jaguar (1954) and Moi, un Noir (1958), and the emergence of the cinéma-vérité, a movement that it will influence, specially the anthropological film, but the modern cinema in a generic way. To support our reflections we have made a reception experience of the film La pyramide humaine with young people of the NGO Cinefavela, in the community of Heliópolis, together with the students of a Cinema University and a professional actress. We hope that the product of this experience, with the reflections about it, help us to comprehend the extraordinary work of the anthropological filmmaker Jean Rouch, specially in a moment of his work that is quoted here / Mestrado / Mestre em Multimeios

Orientador: Antonio Fernando da Conceição Passos / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-21T11:37:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Nicoli_LetiziaOsorio_M.pdf: 7661641 bytes, checksum: 633e4ac6e10ee40dc80b4429e94644ef (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: O presente trabalho se propõe a abordar a expressão da criança no documentário cinematográfico contemporâneo, a partir do estudo de caso do filme Promessas de um Novo Mundo (Promises), de B.Z. Goldberg e Justine Shapiro, lançado em 2001. Situando o documentário em um contexto de produção documental dedicada ao tema da criança, a pesquisa ressalta o modo particular como os realizadores do filme analisado concebem a criança como sujeito em seu trabalho e, consequentemente, compreendem e interpretam sua fala, respeitando suas aptidões mentais e intelectuais. Uma vez que o interesse do estudo se volta para a enunciação da criança, sua prontidão ao se manifestar sobre questões concretas ou abstratas, bem como a forma como interage com os outros e com o diretor durante as tomadas, são vistas sob a luz da teoria piagetiana e dos estudos sobre desenvolvimento moral de Kohlberg e Habermas. Com essas reflexões, espera-se demonstrar o diferencial que Promessas de um Novo Mundo estabelece ao apresentar o discurso da criança como tão complexo e coerente quanto o de qualquer sujeito-enunciador adulto / Abstract: The present dissertation approaches the child's expression in the contemporary cinematographic documentary, through the case study of de film Promessas de um Novo Mundo (Promises), by B.Z. Goldberg and Justine Shapiro, launched in 2001. By situating the film in a context of documentary productions dedicated to the theme of the child, this reseach emphasizes the very particular way in which the filmmakers, in this documentary, perceive the child as a subject in their work, and consequently understand and interpret its speech, respecting its mental and intelectual aptitudes. Since this study's interest is predominantly focussed on the child's enunciation, its promptness in manifesting itself on concrete and Abstract matters, as well as its interaction with others and with the diretor during the shooting, are analysed under the lights of piagetian theory and the studies of moral development by Kohlberg and Habermas. With these reflections, the dissertation expects to demonstrate the differential established by Promessas de um Novo Mundo in presenting the child's speech as being as complex and coherent as the one of any adult enunciating subject / Mestrado / Multimeios / Mestre em Multimeios

Orientador: Wescesláo Machado de Oliveira Junior / Título do DVD: As Lágrimas Amargas de Petra von Kant (FASSBINDER, 1972) / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-08-21T00:07:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pinto_BeatrizSampaio_M.pdf: 5747897 bytes, checksum: 5524678613b5b0a9be5cee22e28ed9e9 (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: No filme "Lágrimas Amargas de Petra von Kant" (1972), do cineasta alemão Rainer Werner Fassbinder, o apartamento é um local narrativo mutante. As expectativas e os sentidos construídos pelo espectador serão deslocados pelos sentimentos de estabilidade e de instabilidade despertados pelo cenário. Interessa-nos a forma como a linguagem cinematográfica - associada intimamente ao teatro - transformará nossa referência espacial e nossa percepção narrativa. / Abstract: In the movie "Bitter Tears of Petra von Kant" (1972), the German filmmaker Rainer Werner Fassbinder, the apartment is a changing place narrative. Expectations and meanings constructed by the viewer will be moved by feelings of stability and instability awakened by the scenery. We are interested in how the cinematic language - closely associated with the theater - will transform our perception of spatial reference and narrative. / Mestrado / Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte / Mestre em Educação

Orientador: Marcelo Ramos Lazzaratto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-26T18:33:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bordinhon_EduardoMoraes_M.pdf: 3845537 bytes, checksum: 82fb436c7a3c64c012d0ee44bed936d6 (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: Essa dissertação teve como objetivo estudar os procedimentos técnicos que envolvem o trabalho a interpretação para cinema. Para isso, tivemos como objeto de pesquisa a filmografia do ator Marlon Brando (1924 ¿ 2004), com enfoque nos filmes "Uma Rua Chamada Pecado" (Elia Kazan, 1951), "Sindicato de Ladrões" (Elia Kazan, 1954), "A Face Oculta" (Marlon Brando, 1961), "O Grande Motim" (Lewis Milestone, 1962), "O Poderoso Chefão" (Francis Ford Coppola, 1972) e "Apocalipse Now" (Francis Ford Coppola, 1979). Verificamos, ao longo desses filmes, os procedimentos de construção de cena e personagens apoiados nos escritos de Stella Adler (2002) e Constantin Stanislavski (2001) sobre o trabalho do ator, com enfoque nas ações físicas no uso da imaginação e observação. Além disso, analisamos os temas e personagens recorrentes na filmografia de Brando identificando uma padronização de seu aparecimento na tela. Tal padrão está intimamente ligado à própria personalidade do ator e chega em duas figuras essenciais: o "jovem rebelde", presente nos filmes dos anos 1950 e caracterizado por sua postura contra o sistema vigente e o "padrinho", consolidado nas obras da década de 1970, marcado por sua relação de mentor de um personagem ou grupo de personagens. Para investigarmos essa padronização, utilizamos o conceito de ator-autor proposto por Patrick McGuiligan (1975) e desenvolvido por Luc Moullet (1993) e Pedro Maciel Guimarães (2012), com o qual se analisa a filmografia de um ator em busca de aspectos formais e temáticos que o possam nomeá-lo como co-autor de um filme / Abstract: This dissertation aim was studying the technical procedures of acting in cinema. In order to do this, we took as research material the filmography of the actor Marlon Brando (1924 ¿ 2004), focusing in the films "A Streetcar Named Desire" (Elia Kazan, 1951), "On The Waterfront" (Elia Kazan, 1954), "One-Eyed Jacks" (Marlon Brando, 1961), "Moutiny on the Bouty" (Lewis Milestone, 1962), "The Godfather" (Francis Ford Coppola, 1972) and "Apocalipse Now" (Francis Ford Coppola, 1979). Through those movies, we verified the procedures of creating a scene and a character supported by the writings of Stella Adler (2002) and Constantin Stanislavski (2001) on acting, focusing on physical actions, imagination and observation. Furthermore, we analysed the recurrent themes and characters on Brando¿s filmography investigating a pattern in his appearance on screen which is linked with the personality of the actor himself. Thus, we find two essential figures, the "young rebel", in the movies of the 1950s and characterized by his position against the hegemonic system, and the "godfather", consolidated in the 1970s, characterized by his relation as a mentor of a character or a group of characters. To investigate this standardization, we used the concept of the actor-author, proposed by Patrick McGuiligan (1975) and further developed by Luc Moullet (1993) and Pedro Maciel Guimarães (2012), in which one analyses an actor¿s filmography searching thematic and formal aspects that can categorize the actor as a co-author of a film / Mestrado / Teatro, Dança e Performance / Mestre em Artes da Cena

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2018-12-05T11:47:25Z No. of bitstreams: 1 Júlia Ramiro Belintani.pdf: 1644791 bytes, checksum: 109215c4c0bcff1bdea018ff4d8f8428 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-12-05T11:47:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Júlia Ramiro Belintani.pdf: 1644791 bytes, checksum: 109215c4c0bcff1bdea018ff4d8f8428 (MD5) Previous issue date: 2018-10-26 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The research has emerged from the concern about technologies that fascinate people due to their eases and possibilities and that also frighten because of the overlooked practices and knowledge that preceded them. Does the novelty replace what comes previously or simply overlap it? What does one gain and what does one lose in this process? Among several examples, I focused on a technological transition and a professional category that symbolized this lack of communication between the new and what precedes it; they mirrored each other. The film-to-digital transition in the cinema was also the projectionist - IT technician transition. What other transitions exist within this one? From film to digital. From the 35mm projector to the digital projector. From the projectionist to the IT technician. From the analog to the digital. From the photochemical film to the computer. From the touch to the virtual. From the physics and chemistry to the mathematics. The research has aimed to understand the film-to-digital transition from the point of view of the cinema projectionist. For that, semi-structured interviews were conducted with three professionals in the city of São Paulo, with similar years of experience and involvement with cinema, similar belonging and affection feelings. In addition, the narratives of two other professionals who worked in the 1950s have been added. These interviews were transcribed in full, sequentially organized in order to identify the themes and later analyzed through thematic maps. The results of the analysis were presented in a narrative form, composed by the direct inscription of the interviews, historical passages about the cinema and testimonies of other professionals of the area, as well as of intellectuals who dialogue with the research proposal. These different points of view have been structured in a narrative form in this dissertation, as a conversation. The research has been anchored in the constructivist approach of discursive practices and production of meanings in everyday life. The analysis pointed out to the intrinsic relationship between death and life in technology and in professional relationships, with emphasis on the importance of registration and of cultural memory / A pesquisa surgiu da inquietação diante de tecnologias que fascinam por suas facilidades e possibilidades e assustam pelo descaso com práticas e saberes que as precederam. O novo substitui o anterior ou apenas se sobrepõe a ele? O que se ganha, o que se perde nesse processo? Entre diversos exemplos, focalizei uma transição tecnológica e uma categoria profissional que simbolizavam essa falta de comunicação entre o novo e o precedente; espelhavam uma à outra. A transição película / digital no cinema era também a transição projecionista / técnico de TI. Quais outras transições existem dentro dessas? Da película para o digital. Do projetor 35mm para o projetor digital. Do projecionista para o técnico de TI. Do analógico para o digital. Do filme fotoquímico para o computador. Do tato ao virtual. Da física e da química para a matemática. A pesquisa teve por objetivo entender a transição película / digital do ponto de vista do projecionista de cinema. Para tanto, foram realizadas entrevistas semiestruturadas com três profissionais na cidade de São Paulo, com tempo de ofício e envolvimento semelhantes com o cinema, de pertencimento e afeto. Além disso, somaram-se às narrativas destes as de outros dois profissionais que atuaram nos anos 1950. As entrevistas foram transcritas na íntegra, organizadas sequencialmente para identificação dos temas e posteriormente analisadas por meio de mapas temáticos. Os resultados da análise foram apresentados de forma narrativa, compostos com a inscrição direta das entrevistas, passagens históricas sobre o cinema e depoimentos de outros profissionais da área, bem como de intelectuais que dialogam com a proposta da pesquisa. Esses diversos pontos de vista foram estruturados em narrativa nesta dissertação, como uma conversa. A pesquisa foi ancorada na abordagem construcionista de práticas discursivas e produção de sentidos no cotidiano. A análise apontou para a relação intrínseca entre morte e vida na tecnologia e nas relações profissionais, com ênfase na importância do registro e da memória cultural

Submitted by Larissa Silva (larissasilva@ufpa.br) on 2018-08-16T19:46:20Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_EstudoFilmeCena.pdf: 1500528 bytes, checksum: 8d08db091719f04749b3357ba6311c84 (MD5) / Approved for entry into archive by Larissa Silva (larissasilva@ufpa.br) on 2018-08-16T19:47:34Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_EstudoFilmeCena.pdf: 1500528 bytes, checksum: 8d08db091719f04749b3357ba6311c84 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-16T19:47:34Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_EstudoFilmeCena.pdf: 1500528 bytes, checksum: 8d08db091719f04749b3357ba6311c84 (MD5) Previous issue date: 2018-06-29 / A dissertação que se apresenta pretende refletir sobre as possibilidades de aplicação prática da arte de representar no cinema, a partir de uma trajetória pessoal até entrar no filme Jogo de cena (2007) do diretor Eduardo Coutinho. Para isso, analisou-se elementos da linguagem cinematográfica, visto no filme, como enquadramento, personagem, movimentos, fala para alcançar uma rememoração de histórias das personagens. Jogo de cena foi filmado num teatro somente com mulheres, todas de alguma forma são atrizes (conhecidas ou não), que cotam suas histórias entre as memórias e a arte de representar, com misturas estruturais dos conceitos de documentário e de ficção. Ao longo do trabalho, buscou-se, assim, estabelecer diálogo com reflexões na minha história, de um encantamento ao cinema até a escolha do objeto de estudo, que é o filme Jogo de cena, utilizando-se de experiências pessoais e a materialidade documental a respeito do filme, como método, buscamos, a partir das personagens, investigar de que maneira cada uma das mulheres se reinventa na arte de representar, a partir de suas memórias, entre conceitos e teorias de autores e pesquisadores de cinema, como Fernão Pessoa Ramos, Bill Nichols, Manuela Penafria, Ismail Xavier, Jean Claude Bernardet, Cláudia Mesquita, Consuelo Lins, entre outros. Apresenta-se uma problemática teórica, que transfigura em uma análise sem a pretensão de especificar a intencionalidade do diretor na aplicação da arte de representar, assim com do espectador, já que o filme ganha autonomia, e os espectadores, podem-se adentrar nesse território e tirar significados e interpretações previsíveis, mas jamais inesgotáveis. / The dissertation that is presented intends to reflect on the possibilities of practical application of the art of representing in the cinema, from a personal trajectory until entering in the film Jogo de cena (2007) of the director Eduardo Coutinho. For this, we analyzed elements of the cinematic language, seen in the film, such as framing, character, movements, talks to achieve a remembrance of the characters' stories. Scene play was filmed in a theater with only women, all are somehow actresses (known or not), who quote their stories between the memories and the art of representing, with structural mixtures of the concepts of documentary and fiction. Throughout the work, we sought to establish dialogue with reflections in my story, from an enchantment to the cinema to the choice of the object of study, which is the film Jogo de cena, using personal experiences and documentary materiality about the film as a method, we seek, from the characters, to investigate how each of the women reinvents herself in the art of representing, from her memories, between concepts and theories of authors and film researchers, such as Fernão Pessoa Ramos, Bill Nichols, Manuela Penafria, Ismail Xavier, Jean Claude Bernardet, Cláudia Mesquita, Consuelo Lins, among others. It presents a theoretical problem, which transfigures in an analysis without the pretension of specifying the intentionality of the director in the application of the art of representing, as well as of the spectator, since the film gains autonomy, and the spectators, can enter into that territory and to derive predictable meanings and interpretations, but never inexhaustible.