Com o objetivo de contribuir com as reflexões acerca do Ensino de História de Temática Indígena, este trabalho investigou o uso do cinema como fonte para a História, com a intenção de entendê-lo como material didático para o ensino. Deste modo, traça um panorama histórico das relações entre Cinema, História e Ensino, identificando os contextos e as alterações na incorporação dos filmes na sala de aula. A proposta central foi a de refletir sobre as possibilidades do uso do cinema de temática indígena na sala de aula. E, para tanto, aprofundou-se nas análises das produções cinematográficas que tratam das representações das populações indígenas do Brasil e de filmes realizados por cineastas indígenas. Como metodologia, foram elaboradas sinopses didáticas e aplicadas sequências de ensino, a partir da escolha e análise de filmes nacionais que tratam da figura do índio, a partir da década de 1970. / Aiming to contribute with the reflections about the Teaching of the Indigenous Thematics History, this assignment investigated the use of Cinema as a source to the History, with the purpose of understand it as a didactic material for teaching. Thus, it provides an historic overview of the relations between Cinema, History, and Teaching, identifying contexts and changes in the incorporation of movies in the classroom. The central proposal was to reflect about the possibilities on the use of the Indigenous Thematics Cinema in the classroom. Furthermore, for both, it deepened on the analysis of cinematographic productions that treats representations about the indigenous population of Brazil and movies made by indigenous filmmakers. As a methodology were prepared didactic synopsis and applied teaching sequences, from the choice and analysis of national films that treats de Indians figure, from the 1970s.

Dans les années soixante, s'opère une révolution esthétique dans le cinéma argentin et ibéro­ américain aboutissant à l'avènement des Nouveaux Cinémas Latine-américains. Ces bouleversements artistiques influencent la nouvelle génération de cinéastes qui impulse dès 1995 un renouveau de la cinématographie nationale à travers le Nouveau Cinéma Argentin. Cette étude resitue l'intégration des réalisatrices dans les cinématographies ibéro-américaines depuis le début du vingtième siècle en insistant sur ces deux temps forts de 1'Histoire du cinéma. Ce travail analyse les apports thématiques et esthétiques des films de cinq réalisatrices argentines contemporaines . Ces longs-métrages donnent à voir des représentations subversives des identités de genre à l'écran. / In the sixties' the aesthetic revolution in Argentinian and Ibero-American Film led to the advent of New Latino-American Films. This artistic breakthrough irtfluenced the new generation of filmmakers who will be as soon as 1995 at the origin of the renewal of national cinematograph y through New Argentini an Films. This study deals with the integration of female filmmakers in Ibero-American Cinematography since the beginning of the twentieth century insisting on these two highlights of the history of cinema. This work is an analysis of the thematic and aesthetic contribution of five contemporary Argentinian female film producers. Their feature films offer subversive representations of gender identity on screen.

La présente recherche vise à explorer des formes multiples de silence représentées dans un film et à étudier la façon dont le silence a été perçu et conçu par des cinéastes femmes selon la perspective de l’analyse critique de discours (ACD). Dans ce contexte, nous avons choisi quatre longs métrages produits durant le XXIe siècle par quatre femmes cinéastes originaires de deux milieux culturels différents — à savoir les États-Unis et la Tunisie, à travers lesquels nous avons abordé notre problématique. Nous avons adopté l’approche développée par Fairclough (1989) qui consiste en trois étapes analytiques : description, interprétation et explication, combinant pragmatisme et analyse sémiotique. Cette recherche introduit également le concept de ‘voicing’ en référence aux signes sémiotiques et aux techniques cinématographiques qui sous-tendent la signification du silence et sa dimension pragmatique. Les résultats de l'étude démontrent que l'utilisation de ‘voicing’ s’avère un moyen efficace pour créer une méthode systématique d'analyse du silence au cinéma. Ils montrent également qu’en dépit des différences, des thèmes abordés et du contexte socio-culturel des cinéastes, il existe un dénominateur commun entre les quatre films, à savoir leur positionnement féministe ou pro-féministe.En outre, il ressort de notre analyse que les films en question constituent des barrières de résistance à l'hégémonie patriarcale du cinéma grand public qui sont fortement influencées par les perceptions individuelles des cinéastes, leurs expériences personnelles et le contexte culturel auquel elles appartiennent. / The current research aims to explore several of the manifold states of silence represented in film and to investigate how silence and silencing have been perceived and conceived by female filmmakers from a Critical Discourse Analysis (CDA) perspective.This is achieved by examining the case studies of four feature films produced in the twenty-first century by four female filmmakers from two different cultural backgrounds–namely the USA and Tunisia. Research questions are qualitatively applied to a corpus of four films, following Fairclough’s (1989) three analytic stages: description, interpretation and explanation, using pragmatics combined with semiotic analysis. The thesis also introduces the concept of ‘voicing’ with reference to the semiotic signs and film techniques that underpin the meaning of silence and its pragmatic dimension.The findings of the study show that using ‘voicing’ has proved to be effective in creating a systematic method of analyzing silence in films. They also show that even though the cinematographic practices, the themes dealt with and the socio-cultural background of the filmmakers may be different, there is a common denominator between the four films: their feminist or pro-feminist agenda.Further, it argues that the films under discussion may be considered as barriers of resistance to the hegemonic patriarchal mainstream cinema and that these barriers are strongly influenced by the filmmakers’ own individual perceptions, personal experiences and cultural background.

Diploma thesis "Perception of Czechoslovakian cinematography by German film periodicals between 1933 - 1945" deals with the Czech film industry as it was received by German specialized press with an emphasis on the recognition of changes, that took place after the formation of the Protectorate of Bohemia and Moravia. The period is divided into two stages. The first, 1933 to March 15, 1939 and the second, March 16, 1939 to May 1945, when the end of the Protectorate of Bohemia and Moravia was proclaimed. Historical events determined the path of Czech cinematography and later protectoral cinematography (Slovak cinematography was not developed at the time). These events are specified in the thesis as well as the Czech film industry in terms of local and foreign production, distribution, film - makers and organizations. A lot of news from Czech lands was published in the German press due to close connections between Czech and German cinematography which was only further interconnected after the formation of the Protectorate. The analytical portion comprises a historical comparison of texts from daily Der Film - Kurier, weekly Der Film and monthly Der deutsche Film. The articles are divided according to their topics and compared with each other in concurrent periods. The character and impletion was changed by...

Ce travail de recherche a pour but de retracer l’évolution de la représentation cinématographique de la population d’origine maghrébine en France et de mettre en perspective l’analyse des procédés esthétiques et cinématographiques dans l’œuvre d’Abdellatif Kechiche.Les trois étapes constituant ce travail restituent les tournants majeurs qui jalonnent cette histoire, partant de l’émergence du « travailleur immigré » comme figure cinématographique, en passant par la prise en charge des jeunes Franco-Maghrébins, enfants des premiers immigrés, de leur propre image à l’écran, et aboutissant au cinéma d’Abdellatif Kechiche comme syncrétisme de ce mouvement.Une analyse esthétique d’un corpus de films choisis permet d’appréhender la spécificité de ce mouvement qui débute dans les années soixante-dix et s’affirme au milieu des années quatre-vingt avec la sortie du film Le Thé au harem d’Archimède de Mehdi Charef. Il s’agit par là même d’interroger l’appellation « cinéma beur » employée pour désigner les cinéastes franco-maghrébins qui émergent dans le sillage de Mehdi Charef. Le cinéma d’Abdellatif Kechiche se situe à la fois en continuité et en rupture avec ce courant. Cette recherche révèle les mécanismes artistiques à l’œuvre dans ses films et permet d’initier une réflexion sur la singularité de son écriture, ainsi que sur l’avènement d’une cinématographie qui interroge le cinéma français sur sa capacité à recomposer la réalité dans sa dimension actuelle et polymorphe. / The objective of this research is to trace the evolution of the cinematographic representation of the Maghrebi population in France, and to put into perspective an analysis of Abdellatif Kechiche’s aesthetic and cinematographic processes.The three steps of this analysis cover the decisive points marking this evolution, from the starting point of the “immigrant labourer” as a cinematographic figure, followed by the appropriation of their self-image on screen by first-generation Franco-Maghrebi youth and finishing with Abdellatif Kechiche’s cinema as a syncretism of this movement.An aesthetic analysis of a selection of films allows us to grasp the specificity of this movement, which began in the 1970s and asserted itself in the 1980s with the release of Mehdi Charef’s “Tea in the Harem” (“Le Thé au harem d’Archimède”). This allows us to question the notion of “Beur Cinema”, which was used to describe the Franco-Maghrebi directors who followed in Mehdi Charef’s footsteps. The cinema of Abdellatif Kechiche is both a continuation of, and a departure from this movement. This research highlights the artistic mechanisms at work in his oeuvre and initiates a reflection on the singularity of his writing, as well as on the establishment of a cinematography that questions French cinema in terms of its ability to recompose reality in its current and polymorphous dimension.

Работа посвящена изучению характерных особенностей публичных выступлений. Объектом исследования являются особенности речей современных американских кинорежиссеров, а предметом – дискурсивные особенности речей современных американских кинорежиссеров в рамках арт-дискурса. Цель исследования – выявить характерные особенности речей современных американских кинорежиссеров в рамках арт-дискурса. Материалом данного исследования послужили интервью семи современных американских кинорежиссеров (Ричарда Линклейтера, Пола Томаса Андерсона, Стивена Содерберга, Квентина Тарантино, Ноа Баумбаха, Уэса Андерсона, Дэвида Финчера) об их недавно вышедших в прокат фильмах и о киноискусстве в целом. В первой части работы рассматриваются множественные определения понятий дискурса и раскрываются особенности дискурс-анализа как комплекса подходов и методов. Далее для практической части работы из всех подходов выбирается подход критического дискурс-анализа Т. ван Дейка как более оптимальный по средствам осуществления и по результатам, которые позволяет получить. Во второй части исследования применяется выбранный подход и проводится дискурс-анализ эмпирических материалов, транскрипты которых размещены в приложениях. В результате исследования удалось обнаружить, что большое количество общих особенностей речей кинорежиссеров находится на лексическом и фонетическом уровнях языка. Главными сходствами в речах режиссеров являются использование разговорной лексики, терминов и специальных слов, употребление дискурсивных слов, заполнение пауз звуками и применение элизии. Актуальность исследования обуславливается тем, что киноискусство – один из самых влиятельных инструментов аудиовизуального воздействия на общественное сознание. Аудиовизуальность в наше время все чаще становится значимым атрибутом современной массовой культуры, позволяя реализовывать манипулятивные стратегии и оказывая скрытое воздействие на человеческое подсознание. Эти факторы подтверждают необходимость многомерного и междисциплинарного изучения медиапространства и медиапродуктов, принадлежащих ему. Данное исследование расширяет представление о дискурсе в сфере искусства. / The work is devoted to the study of salient features of public speeches. The object of the study is the features of the speeches of modern American filmmakers. The subject of the research is discursive features of the speeches of modern American filmmakers within the framework of art discourse. The objective of the research is to identify salient features of the speeches of modern American filmmakers in the framework of art discourse. The material of the study is the interviews with seven modern American filmmakers (Richard Linklater, Paul Thomas Anderson, Steven Soderbergh, Quentin Tarantino, Noah Baumbach, Wes Anderson, David Fincher) about their recently released films and cinematography in general. In the first part of the work, multiple definitions of the notion of discourse are considered and features of discourse analysis as a complex of approaches and methods are revealed. Then, for the practical part of the work, T. A. van Dijk’s approach of critical discourse analysis is chosen from all the approaches as the more convenient in terms of the implementation and the results that it allows to obtain. In the second part of the study, the chosen approach is applied and the discourse analysis of the empirical materials is carried out. The transcripts of the interviews are placed in appendices. As a result of the study, a large number of common features of the filmmakers’ speeches is found at the lexical and phonetic levels of the language. The main similarities in the speeches of the filmmakers are the use of colloquial vocabulary, terms, special words, discursive words, filling pauses with sounds, and the use of elision. The topicality of the research is determined by the fact that cinematography is one of the most influential tools of audiovisual effect on social consciousness. Audiovisuality is becoming a significant attribute of modern mass culture, allowing the implementation of manipulative strategies and having a hidden impact on the human subconscious. These factors confirm the need for the multidimensional and interdisciplinary study of the media space and media products belonging to it. This study expands the understanding of art discourse.

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Ce projet de thèse est centré sur l’étude de la censure en tant que processus socio-politique, révélateur des logiques individuelles et institutionnelles qui se conjuguent dans la réalisation d’un film. Cette recherche est axée sur la période 1965-1989, « l’époque Nicolae Ceaușescu », remarquable par la quantité de films censurés. Pour ce faire, nous avons consacré la première partie du travail à l’analyse de l’organisation de la cinématographie roumaine, considérée dans le contexte politique, social et économique d’après la 2de Guerre Mondiale et jusqu’à la chute du régime. Une attention particulière est accordée ici à l’évolution des institutions de contrôle de la culture ainsi qu’aux discours qui façonnent les normes de la création cinématographique. Pour comprendre les différentes formes que peut revêtir la censure, nous nous situons ensuite à un niveau intermédiaire d’analyse, celui des institutions. Nous avons ainsi identifié et analysé plusieurs structures, comme les studios de production, l’Association des Cinéastes, la Radio Europe Libre, la Securitate, dont les fonctions censoriales vont du guidage à la répression. Dans la dernière partie de cette analyse, nous nous penchons sur des cinéastes et des films importants de la période. Nous avons fait le choix d’analyser les trajectoires des réalisateurs les plus représentatifs de la période, par le prisme de leurs dossiers de surveillance établis par la police politique. La Securitate les surveille parce qu’ils ont en commun une vision « non-conforme » de la réalité socialiste ; ce faisant, celle-ci révèle ce qui était (in)désirable dans la réalité socialiste. Enfin, pour illustrer comment la censure affecte la matière des films, nous proposons l’analyse de quelques cas notoires de film interdits, mais aussi de films qui permettent d’exemplifier en détail différents tabous, diverses formes d’intervention ou les réactions des réalisateurs à toute sorte de pressions. Le fait de choisir la censure comme un angle d’analyse privilégié est utile pour comprendre les contraintes, les servitudes et les espaces de liberté des cinéastes, les contradictions, les dits, et les non-dits du régime. / This PhD project focuses on the study of censorship as a socio-political process, revealing the individual and institutional logics that conjugate in the process of filmmaking. The research analyzes the period 1965-1989, which is the "Nicolae Ceauşescu era", remarkable for the amount of censored films.In conducting my research, I dedicated the first part of the work to the analysis of the Romanian cinematography organization, considered in the political, social and economic context, from the 2nd World War until the fall of the Communist regime. Particular attention is paid here to the evolution of culture control institutions and to the discourses, especially those of the Communist Party leaders, which shape the standards of the film production. In order to understand various possible forms of censorship, I then approached an intermediate level of analysis, that of institutions. Thus, I identified and analyzed several structures such as production studios, the Filmmakers’ Association, Radio Free Europe and the political police, whose censorial functions varied from guidance to repression.In the last part of this work, I looked into filmmakers’ biographies and important films of the period. I chose to analyze the trajectories of the period’s most representative filmmakers through the lenses of their surveillance files made by the political police. The Securitate monitored them because they shared a "non-compliant" vision of the socialist reality; while doing so, the political police revealed what was acceptable or undesirable in that reality. Finally, in order to illustrate how censorship affects films, I propose the analysis of some notorious cases of banned film, but also of films that exemplify various taboos, detailed forms of intervention or reactions of the filmmakers to any kind of pressure. Choosing censorship as a main angle of analysis is useful for the comprehension of the filmmakers’ constraints, servitudes and liberties, but also the understanding of contradictions, of what is made visible or kept silently hidden by the regime.

Notre travail se consacre à l’étude exhaustive de l’œuvre cinématographique et théorique du cinéaste coréen contemporain Jang Sun-woo. Celui-ci fut d’abord un critique et un théoricien du cinéma, son concept de « Cinéma ouvert » (1982) vise à introduire et à penser un « nouveau cinéma ». Jang Sun-woo souligne le besoin d’une critique, d’une invention formelle et aussi d’une théorie pour le cinéma coréen saisie dans la logique de son Histoire. En particulier, le cinéaste coréen s’y positionne pour réaliser un cinéma en vue de l’harmonie entre l’individu et la communauté.Le « Cinéma ouvert » est un concept qui fusionne le cinéma et le théâtre. Il est influencé, d’une part par le Madanggeuk, le théâtre moderne coréen composé de plusieurs unités plus ou moins indépendantes de la narration, et d’autre part, par la théorie du montage d’Eisenstein travaillant sur la dialectique entre la continuité et la discontinuité. Pour Jang Sun-woo, l’œuvre reste ouverte, c’est-à-dire non close sur elle-même, au sens où elle ne s’achève qu’au moment de la réception par le spectateur. Les films intègrent explicitement l’expérience du spectateur, proposent le dialogue avec celui-ci et créent des initiatives en matière d’interpellation. Pour ce faire, ils emploient la répétition, la métamorphose, l’analogie, l’allégorie, l’abstraction et certaines formes d’hybridation. Notre monographie observe l’évolution de l’œuvre de Jang Sun-woo dans son ensemble (critiques, films, publications), en approfondissant les questions essentielles et spécifiques que celle-ci soulève : comment les notions de Minjung (peuple), de masse, de spectateur évoluent-elles ? L’esthétique de l’ouverture peut-elle permettre d’émanciper le spectateur et à quel type de changement aspire-t-elle ? Enfin, quel rituel Jang Sun-woo organise-t-il en vue de réaliser l’Utopie ? / This thesis devotes itself to the analysis of the film and the theoretical work of Korean contemporary director Jang Sun-woo. He was initially a critic and a film theorist, his concept of "Open Cinema" (1982) aims to introduce about "the new cinema" which accentuates the need of the critics, the formal invention and also a theory for the Korean cinema with the consideration about its historical context. In particular, Jang Sun-woo insists on making a movie with the harmony between the individual and the community.The "Open Cinema" is a concept that combines the aesthetic of the film and the theater. Firstly, it is influenced by the Madanggeuk, the modern Korean theater is composed with several acts more or less independent of the narrative. Secondly, it is inspired by Eisenstein’s theory of editing which is based on the dialectic form between the continuity and the discontinuity. For Jang Sun-woo, the film remains open in a sense that it finds its conclusion in the interpretation of the audience. In his idea, the film incorporates the experience of the audience and creates his interpellation. To realize that, Jang Sun-woo proposes several rhetorics of image like repetition, metamorphosis, analogy, allegory, abstraction, and certain forms of hybridization.Our monograph observes the evolution of Jang Sun-woo’s whole work (critics, films, publications) which raises the essential and specific questions: how the concepts of the Minjung (people), the mass and the audience were developed? Can the aesthetics of openness allow the audience to be emancipated and what kind of change it implies? Finally, what sort of ceremonial Jang Sun-woo organizes for performing Utopia?