Orientador: Lia Vera Tomás / Banca: Vladimir Pinheiro Safatle / Banca: Marcos Pupo Nogueira / Resumo: Essa pesquisa é fruto de uma interface entre música e filosofia. Trata-se de analisar o filme Ludwig van, de Mauricio Kagel, realizado em 1970 por ocasião do bicentenário de Beethoven, a partir de dois aspectos pouco conhecidos da teoria de Theodor Adorno, que aparecem sobretudo em seus últimos textos. O primeiro diz respeito a um certo uso do fragmento que está ligado à identificação com materiais musicais do passado fetichizados, não como uma retomada, mas com um uso crítico, onde os resquícios tonais aparecem como ruínas. O segundo refere-se a um redimensionamento da questão da reprodutibilidade técnica em Adorno e aponta para as possibilidades críticas da montagem cinematográfica através dos recursos da justaposição e da ruptura temporal. Ludwig van, ao fazer uma colagem com obras de Beethoven, alterando timbres e andamento, reúne esses dois aspectos. / Abstract: This research springs from an interface between Music and Philosophy. It is an analysis of the film Ludwig van, by Mauricio Kagel, produced in 1970 on the occasion of the bicentenary of Beethoven; the analysis is based upon two premises not widely known within the theoretical corpus of Theodor Adorno, which are especially conspicuous in his last writings. The first is concerned with a usage of fragment that is bound to identification with fetishized musical material from the past, not for recovery, but instead recused with a deep sense of critics, where tonal reminiscences appear as ruins. The second is concerned with a reshaping of the question dealing with technical reproducibility in Adorno and points out to the critic possibilities of cinematographic montage through the resources of juxtaposition and temporal rupture. The film Ludwig van, by undertaking a collage with the Beethoven works, altering timbres and tempo, brings these two ideas together. / Mestre

Orientador : Prof. Dr. Maurício Soares Dottori / Dissertação (mestrado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Artes, Comunicação e Design, Programa de Pós-Graduação em Música. Defesa: Curitiba, 20/03/2017 / Inclui referências : f. 80-81 / Resumo: O conceito de emergência está relacionado ao comportamento de sistemas complexos, a partir dos quais emergem propriedades com novas qualidades a nível superior às qualidades de sua configuração de base. Neste memorial de composição, aplico o conceito de emergência ao processo de composição musical como via na qual convergem procedimentos mecanicistas e o juízo reflexivo do compositor, e por meio da qual saltam, a partir da multiplicidade que subsume à liberdade criadora, propriedades emergentes associadas à configuração formal e às qualidades estéticas e expressivas inerentes ao objeto estético. Palavras-chave: Composição musical. Emergência-música. Estética. / Abstract: The concept of emergence is related to the behavior of the complexes systems, from which properties emerge with new qualities in a superior level than the qualities of its grounding configuration. In this memorial of composition, I apply the concept of emergence to the process of musical composition as the way in which converge the composer's mechanist procedures and the reflexive judgment , and through which spring, from the multiplicity that is subsumed to the creative liberty, emergent properties associated with the formal configuration and the aesthetics and expressive qualities inherent to the aesthetic object. Key-words: Musical composition. Emergence-music. Aesthetics.

Orientador: Ernesto Giovanni Boccara / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-03T18:50:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Vaidergorn_Izaak_M.pdf: 55892175 bytes, checksum: 11c8251a19420eb1fded7b31817da6a6 (MD5) Previous issue date: 2003 / Resumo: Vivemos a era da anestésica. O espaço caótico, a estética alienante, a hipertextualidade tornaram o homem des-abrigado, simbolicamente. Abrigá-lo significa permiti-lo que habite novamente suas idéias e seus sonhos estesicamente, com sentimento, recuperando dessa forma seu arquétipo ancestral de (AR)riscar. Viver e fazer é sempre um risco / Abstract: We lived the era of anaesthesia. The chaotic space, the alienating aesthetics, the hypertextuality turned the men uncovered, un-sheltered. To shelter him again means allow him to inhabts their ideas and their dreams recovering in his ancestral way the archetype of risk. Live and do is always a risk / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Lia Vera Tomás / Banca: Graziela Bortz / Banca: Mario Videira / Resumo: Merleau-Ponty em O Visível e o Invisível apontou que, nas ciências clássicas, a interpretação e o estudo da realidade física mais recente venham sendo confrontados em seus pressupostos ontológicos de cunho cartesiano. Neste sentido, hoje assume-se como possível parte essencial, intrínseca e inalienável da constituição ontológica da realidade, a relação mutuamente tecida entre observado e observador, e isto conflita com o conceito cartesiano de dicotomia absoluta entre objeto e sujeito. Se nossa hipótese se demonstrar correta, é provável que verifiquemos o mesmo problema com relação à ontologia da música, visto a prolífica e controversa variedade de interpretações dadas ao fazer e fruir musical a partir do séc. XX. Em face dessas considerações, nossa hipótese é a de que talvez seja também necessário considerar, como intrínseco e inalienável à ontologia da música, as relações mutuamente tecidas entre observado (música) e observador (escuta) / Abstract: In The Visible and the Invisible Merleau-Ponty pointed out that, in the classical sciences, interpretation and study of the most recent physical reality has been questioned in its Cartesian ontological presuppositions. In this sense, today it is assumed as possible that the relationship mutually woven between observer and observed could be responsible to the ontological constitution of reality itself, and it conflicts with the Cartesian concept of absolute dichotomy between subject and object. If our hypothesis is correct, this work will reveal that the same problem is present also in the ontology of music, in face of the prolific and controversial variety of interpretations of making and enjoing music from the Twentieth Century. Given these considerations, our hypothesis is that it should be necessity to consider that the relationship mutually woven between observer (listening) and observed (music) concerns to the ontological constitution of music itself / Mestre

Orientador: Lia Vera Tomás / Banca: Marcos José Cruz Mesquita / Banca: Mário Rodrigues Videira Júnior / Resumo: A primeira obra que René Descartes redigiu foi Compendium Musicæ em 1618, sendo esta sua primeira experimentação com o futuro método cartesiano. Sendo uma obra de juventude, o autor deve ter estudado sobre música em sua formação, principalmente no colégio de La Flèche. Convencionalmente, têm-se a obra de Gioseffo Zarlino como a principal fonte, devido a ser citada no Compendium; no entanto, os estudos em torno do texto têm relativizado essa influência. Como o texto parte de uma definição de música e oito proposições sobre as quais o restante é desenvolvido, verificar como estas aparecem em outros tratados da época permite deduzir as possíveis fontes musicais utilizadas pelo autor. O trabalho inicia com uma necessária reconstituição do contexto filosófico e musical de sua época; seguida de uma análise sobre as concepções jesuíticas de conhecimento e música. Dessa forma, pode-se verificar o que motivou o autor a escrever sobre música, como os debates em torna desta. A semelhança de sua obra madura, o texto propõe uma virada metodológica o qual só é percebido tendo em mente o contexto de época. Após uma interpretação tanto da definição de música como das oito proposições, pode-se compará-las com outras obras da época para verificar suas fontes musicais. Com esse processo pode-se evidenciar a influência de Aristóteles, Aristóxeno de Tarento, Jean de Murs, Pontus de Tyard, Gioseffo Zarlino e Francisco de Salinas. / Abstract: The first work that René Descartes wrote was the Compendium Mu sic æ in 1618, this was his first experiment with the future cartesian method. As a work of youth, the author must have studied music in your education, mainly in the college of La Flèche . Conventionally, the work of Gioseffo Zarlino had been considered the main source, because was cited in the Compendium . Since the text starts with music ́s definition and eight propositions, about which the rest of work was developed; check the way that them appear in other treatises of the time could help to deduce the poss ible musical sources that the author used .This dissertation starts with a necessary reconstitution of philosophical and musical context of the epoch, followed by an analysis of jesuits conceptions of knowledge and music. In this way, it can be considered w hat motivated the author to write about music, as his the debates. In resemblance to his mature work, the text proposes a methodological turn that is only perceived with the context of the time in mind. After an interpretation of the definition of the musi c and the eight propositions, it could be possible compare with the others works form the epoch to verify his musical sources. With this process, it could evidence the influence of Aristotle, Aristoxenus, Jean de Murs, Pontus de Tyard, Gioseffo Zarlino and Francisco de Salinas / Mestre

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Orientador(a): Florivaldo Menezes Filho / Banca: Nahim Marun / Banca: Yara Caznok / Banca: Leonardo Martinelli / Banca: Paulo Zuben / Resumo: Nesta tese são analisadas as técnicas compositivas utilizadas por Luciano Berio e Flo Menezes e são comparadas suas respectivas concepções musicais, tentando demonstrar um comum embasamento dessas ideias no pensamento estruturalista. Para tanto, a primeira parte deste trabalho é dedicada a analisar as diversas proposições teóricas do estruturalismo com os argumentos de Claude Lévi-Strauss, Umberto Eco e Vladimir Propp. Seguimos com algumas ponderações de Ferdinand de Saussure, Roman Jakobson e Roland Barthes sobre questões de linguística e, por fim, com conceitos da estética musical, presentes nas reflexões de Enrico Fubini, considerando também algumas das especulações elaboradas por Theodor Adorno, Robert Jauss, Edmund Husserl e Maurice Merleau-Ponty. Na segunda parte, as formulações apresentadas são declinadas no universo conceitual de Berio e Menezes, evidenciando as perspectivas teóricas individuais dos dois compositores. Em seguida, são analisadas exaustivamente as duas obras para harpa solo escritas pelos dois autores: Sequenza II, de Berio, e …donde solo las plantas suenan…, de Menezes, com especial atenção ao processo genético e compositivo. Nessa etapa de análise e confronto, procuramos validar a hipótese de que a reelaboração peculiar e a aplicação subjacente de princípios filosóficos e musicais de matriz estruturalista resultam na presença do Belo nas obras dos dois compositores / Abstract: This research analyses the compositional techniques used by Luciano Berio and Flo Menezes, and compares their musical conceptions trying to demonstrate a common origin of these ideas in Structuralism. In order to reach this aim, the first part of this essay is dedicated to analyse the different theoretical propositions of the Structuralism based on the arguments of Claude Lévi-Strauss, Umberto Eco and Vladimir Propp. We then proceed with some considerations about Linguistics issues by Ferdinand de Saussure, Roman Jakobson and Roland Barthes. Lastly, there is an elaboration of musical esthetics concepts, following Enrico Fubini's perspective, and considering some of the contributions in this field by Theodor Adorno, Robert Jauss, Edmund Husserl and Maurice Merleau-Ponty. In the second part, these philosophical views are applied to Berio's and Menezes' conceptual universe, underlining the individual theoretical perspectives of the two composers. Then, we analyse the two compositions for harp solo written by the two authors: Sequenza II by Berio and …donde solo las plantas suenan…by Menezes, giving special attention to the genetic and compositional process. In this stage, we support the hypothesis that the implicit use of philosophical and musical structuralistic principles resulted in the presence of Beauty in the two composers' pieces / Doutor

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas, Programa de Pós-Graduação em Psicologia, Florianópolis, 2012 / Made available in DSpace on 2013-06-25T23:28:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 313532.pdf: 829089 bytes, checksum: 6f4118e5acf8d41572a6524a695a68a5 (MD5) / Este trabalho tem como objetivo compreender de que modo se dão as relações estéticas e os processos de criação no encontro entre músicos que se dedicam, em coletivos, ao trabalho acústico da improvisação musical. Compreendemos a música como uma linguagem reflexivo-afetiva, capaz de produzir sentidos compartilháveis e ao mesmo tempo singulares, e o sujeito como constituído historicamente por relações dialéticas e dialógicas. Como procedimentos metodológicos, fomos orientados pelos apontamentos de Vygotski e de Bakhtin, além do método progressivo-regressivo de Sartre. Realizamos entrevistas com dois sujeitos de pesquisa e participamos de sessões de improvisação musical, com o objetivo de compreender de que modo a prática da improvisação atua como produtora de sentidos nas relações entre os sujeitos que compõe um pequeno coletivo musical. A criação, compreendida nas perspectivas de Bakhtin e de Vygotski, pressupõe sujeitos em relação dialógica, marcados pela polifonia e envolvidos na produção de uma obra musical em devir. Dentre os resultados, compreendemos que o ato da performance musical em grupo gera as condições para que, na relações entre os músicos que aí se estabelece, se torne possível apreender a música esteticamente. Os participantes de uma sessão de improvisação musical estão engajados na música tanto como ouvintes, interpretando as produções que são objetivadas, subjetivando o material sonoro e as percepções que tem dos outros músicos, quanto como intérpretes e improvisadores. É no encontro com o outro que os músicos ressignificam suas experiências anteriores, em um movimento mediado pela imaginação e pela linguagem musical, capaz de produzir o novo através do processo de criação. / Abstract : This work has the objective of comprehending how the aesthetic relations and the processes of creation occur while musicians dedicate themselves to the acoustic work and musical improvisation. We comprehend the music as a reflexive-affective language, able to produce sharable meanings and singular meanings at the same time, and the subject constituted historically by dialectic and dialogic relations. As methodological proccedure, we were guided by Vygotsky and Bakhtin pointings, in addition of the progressive/regressive method of Sartre. We submitted two subjects to interviews and we joined improvisation music sessions with the objective of comprehend the way improvisation acts as producer of meanings among the subjects that compound the group. The creation comprehended in the Bakhtin and Vygotsky perspectives presumpts subjectives in dialogical relation, characterized by polyphony and envolved in the production of a new musical feature in becoming. In the middle of the sort of results, we comprehended that the act of the group musical performance generates the conditions that, in relations established about musicians, makes possible to learn the music aesthetically. The participants of a jam session are as engaged as listeners, interpretating the productions that are objectivated, subjectivating the sound material and the perceptions that they have about the other musicians, as interpreters and improvisers. It is in the meeting with the other that the musicians ressignify their precedent experiences, in a movement mediated by imagination and by the musical language, capable of producing the new through the proccess of creation.

Made available in DSpace on 2015-03-03T11:52:34Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-08-15Bitstream added on 2015-03-03T12:06:27Z : No. of bitstreams: 1 000809487.pdf: 707389 bytes, checksum: c339580866959c06c58f6c2c5523be64 (MD5) / O presente trabalho pretende discutir o conceito de fetichismo na música de T. W. Adorno considerando que ele pode auxiliar no desenvolvimento de uma educação musical crítica e emancipatória. As principais referências são suas obras de crítica musical, mas se buscará também uma atualização do pensamento do autor frente à nova configuração histórica atual. Para Adorno a crítica ao fetichismo na música vai além da discussão acerca da Indústria Cultural, remetendo ao contexto sacrificial e ritualístico presente no surgimento da música e às características do processo de racionalização e desencantamento do mundo que, na modernidade, se refletem nela. Tal conceito apresenta-se, na obra adorniana, em três âmbitos intimamente relacionados: o âmbito da música séria e da estética musical, incluindo as dimensões técnica, da produção e da execução; o âmbito social incluindo as funções e utilidades que os variados estilos musicais vêm assumindo ao longo do tempo, e o âmbito subjetivo, incluindo uma discussão sobre a relação que os ouvintes estabelecem com as mais variadas produções musicais. A semiformação dominante no campo musical torna necessário pensar a educação em sua dupla dimensão, tanto adaptativa como crítica, mas ressaltando esta última e os limites impostos pela indústria cultural musical para a formação / This thesis discusses T. W. Adorno’s concept of fetishism in music considering his relevance to develop a critical and emancipatory musical education. The main references are his works on musical criticism, but it also seek an update of the author's thinking ahead to the new current historical setting. The Adorno’s critique of fetishism in music goes beyond the discussion of Cultural Industry, it referring the sacrificial and ritualistic context in the emergence of the music and the characteristics of rationalization and disenchantment of the world that, in modernity, keep in the music. This concept is articulated in Adorno's work in three related areas: the scope of serious music and musical aesthetics, including technical dimensions, production and execution; the social context including the functions and values that varied musical styles have assumed over time, and the subjective sphere, including a discussion of the relationship listeners have with the musical productions. The dominant semiformation in the musical field makes it necessary to think about education in a dual dimension, both adaptive as critical, but emphasizing the latter and the limits imposed by the music industry for education

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:27:26Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2013-07-19Bitstream added on 2014-06-13T19:14:54Z : No. of bitstreams: 1 lacerda_vm_me_ia.pdf: 1810350 bytes, checksum: 09b69e22e382c38dff50f2c8a8494e03 (MD5) / Merleau-Ponty em O Visível e o Invisível apontou que, nas ciências clássicas, a interpretação e o estudo da realidade física mais recente venham sendo confrontados em seus pressupostos ontológicos de cunho cartesiano. Neste sentido, hoje assume-se como possível parte essencial, intrínseca e inalienável da constituição ontológica da realidade, a relação mutuamente tecida entre observado e observador, e isto conflita com o conceito cartesiano de dicotomia absoluta entre objeto e sujeito. Se nossa hipótese se demonstrar correta, é provável que verifiquemos o mesmo problema com relação à ontologia da música, visto a prolífica e controversa variedade de interpretações dadas ao fazer e fruir musical a partir do séc. XX. Em face dessas considerações, nossa hipótese é a de que talvez seja também necessário considerar, como intrínseco e inalienável à ontologia da música, as relações mutuamente tecidas entre observado (música) e observador (escuta) / In The Visible and the Invisible Merleau-Ponty pointed out that, in the classical sciences, interpretation and study of the most recent physical reality has been questioned in its Cartesian ontological presuppositions. In this sense, today it is assumed as possible that the relationship mutually woven between observer and observed could be responsible to the ontological constitution of reality itself, and it conflicts with the Cartesian concept of absolute dichotomy between subject and object. If our hypothesis is correct, this work will reveal that the same problem is present also in the ontology of music, in face of the prolific and controversial variety of interpretations of making and enjoing music from the Twentieth Century. Given these considerations, our hypothesis is that it should be necessity to consider that the relationship mutually woven between observer (listening) and observed (music) concerns to the ontological constitution of music itself