Thèse réalisée en cotutelle avec l'Université Paris-Sorbonne et l'Université de Montréal. Composition du jury : M. Laurent Cugny (Université Paris-Sorbonne) ; M. Michel Duchesneau (Université de Montréal) ; M. Philippe Gumplowicz (Université d'Evry-Val d'Essonne) ; Mme Barbara Kelly (Keele University - Royal Northern College of Music) ; M. François de Médicis (Université de Montréal) ; M. Christopher Moore (Université d'Ottawa) / Cette version de la thèse a été tronquée de certains éléments protégés par le droit d’auteur (exemples musicaux et iconographie). Par conséquent, ces éléments n'apparaissent pas dans le document. / Ce travail envisage les appropriations musicales et discursives du jazz dans le monde musical savant français. Fondé sur la méthode des transferts culturels, il propose une histoire croisée de la musique savante française, de la diffusion des répertoires de jazz en Europe et de leur perception. La réflexion s’appuie sur un corpus systématique des œuvres savantes influencées le jazz et des textes que lui consacrent compositeurs et critiques. La réflexion se fonde sur l’établissement d’un corpus systématique des œuvres savantes influencées le jazz et des textes que lui consacrent compositeurs et critiques. Une analyse informée par des données issues de l’esthétique et de l’histoire culturelle montre que ces œuvres contribuèrent à différentes entreprises de redéfinition d’une identité française de la musique. Les appropriations du jazz remettent également en cause une conception de la musique populaire propre au XIXe siècle. Elles valorisent des sujets auparavant considérés comme triviaux et proposent un son nouveau, tantôt associé au modernisme mécaniste des États-Unis, tantôt à l’énergie débridée attribuée au primitivisme nègre. Enfin, elles participent à la remise au goût du jour d’un classicisme protéiforme. Ces différents aspects font l’objet d’une périodisation et d’une thématisation. Si les premiers cake-walks des années 1900 sont mis au service d’un exotisme « nègre », les emprunts au jazz à la fin des années 1910 relèvent d’un geste avant-gardiste au service d’un projet nationaliste de rétablissement de l’identité française de la musique. À partir du milieu des années 1920, suite aux efforts fructueux de Jean Wiéner pour légitimer le jazz aux yeux du monde musical savant, un discours spécialisé émerge. De nouveaux compositeurs s’y intéressent, dans la perspective d’un classicisme désormais plus cosmopolite. Tout en faisant émerger différents paradigmes de l’appropriation du jazz (cocteauiste, stravinskien, ravélien, entre autres), ce travail vise à jeter un éclairage nouveau sur la production musicale savante dans la France de l’entre-deux-guerres et sur les rencontres entre différentes traditions musicales. / This thesis deals with the musical and discursive appropriations of jazz in the French musical world. Inspired the approach of cultural transfers and crosses the history of French art music in France and the history of its diffusion and perception in Europe. To do so, it draws upon a corpus of art music pieces influenced by jazz and of texts written by composers and critics. This corpus contributes to different redefinitions of an alleged French musical identity. What is more, appropriations of jazz renew a conception of popular music that goes back to the beginning of the 19th century. They also valorize topics previously considered as trivial, and they display a new kind of sound, evoking Anglo-saxon modernism or « negro » primitivism. The different aspects mentionned above are presented in a chronological and thematic fashion. In the 1900s, the first cake-walks contribute to a tradition of « negro » exoticsm. Ten years after, borrowing to jazz has become an avant-gardist gesture, and a response to nationalist motivations. Thanks to Jean Wiéner’s efforts in order to legitimize jazz, a new group of composers and critics take an interest in it. Jazz then becomes a means to assert a more cosmopolitan classicism. This thesis identifies different paradigms of the appropriation of jazz in France. More broadly, it sheds new light on musical creation in the French art music world between 1900-1930, and on musical encounters between different musical traditions.

Five French organ composers, representative of the period from Widor to the present time, are identified in this study, and a comparative analysis of the works of each is made. The introduction includes the source of the data, the scope of the problem, the purpose of the study, the method of procedure, a brief historical background of the new French school of music, general characteristics of modern French music, and specific idioms of contemporary French organ composers, as exemplified in the works of the organists selected: Charles Marie Widor, Louis Vierne, Charles Tournemire, Marcel Dupre, and Joseph Bonnet. The compositions and musical contributions of Widor, Vierne, Tournemire, Dupre, and Bonnet, respectively, are discussed in Chapter II through Chapter VI. Chapter VII states a summary of the study and the conclusions drawn,

This study has three purposes: first, to point out the stylistic elements of music that are present in the piano works of Debussy and Ravel; second, to determine how the composers have used these elements; and third, to discover the effects that have been achieved through individual uses of the elements.

This thesis discusses the life and work of the eighteenth-century French composer, Julie Pinel. Pinel’s extant music comprises one collection of music, Nouveau recueil d’airs sérieux et à boire à une et deux voix, de Brunettes à 2 dessus, scène pastorale, et cantatille avec accompagnement, published in 1737, of which a critical edition has been produced in volume II of this thesis. There is little information regarding Pinel’s life and work, however, the preface and privilège included in her Nouveau recueil provide some clues as to Pinel’s biography. Her life and music are examined, with reference to the social, literary and musical environment she was working in. An added dimension is that Pinel was working as a professional musicienne at a time when women were beginning to find their voice and place in professional society. Pinel claims authorship of the majority of the poems in her collection, and the rest come from anonymous sources. Pinel’s literary and musical output illustrates her obvious knowledge of the current trends in eighteenth-century France, with most of her poetry written for a female poetic voice, displaying many of the fashionable themes of the day. Her music displays a variety of styles, ranging from simple airs in binary form, traditionally found in most French airs sérieux et à boire, to the operatic, and the fashionable rococo styles.

No human condition is invested with more diverse and complex perceptions, ideals and emotions than childhood. Although it has long been accorded a particular significance in the context of his life and work, Maurice Ravel’s conception of childhood, together with the musical language through which it found expression, has never been the subject of a detailed, extended study. This thesis, therefore, explores the roles and realisations of childhood in Ravel’s music, arguing that they were inextricably linked with the language, traditions and idioms of the literary fairytale – an hypothesis Ravel himself supported when he wrote that his intention in his fairytale-based Ma mère l'Oye was to evoke ‘the poetry of childhood’. Through a study of these intertwined themes, the thesis develops new analytical and interpretative approaches to three major works: the piano duet suite Ma mère l’Oye (1910), the Trois chansons for mixed choir (1914-1915), and the opera L’Enfant et les sortilèges (1919-1925). These works span a fifteen-year period that saw a decisive evolution in Ravel’s compositional style, and was crucially impacted by the great cataclysm of the First World War. Ravel deliberately aligned his music with the traditions of the fairytale through the creation and expressive manipulation of musical and dramatic structure, language, gesture and perspective. One may trace the voice and presence of the storyteller in Ma mère l’Oye, a work dedicated to two children for whom Ravel was a favourite companion and teller of fairytales. L’Enfant et les sortilèges presents a detailed portrait of its eponymous Child, set within a fairytale in which traditional elements combine with a complexity of dramatic, musical and psychological construction that invokes the zeitgeist of the 1920s. The shadows of real events intrude more disturbingly upon the Trois chansons, whose distorted fairytale narratives represent a direct and personal response to the War. In its balance of musical interpretation and explication, supported by a clearly defined historical and philosophical context, the study yields new insights into a central facet of Ravel’s musical identity. / http://proxy.library.adelaide.edu.au/login?url= http://library.adelaide.edu.au/cgi-bin/Pwebrecon.cgi?BBID=1348982 / Thesis (Ph.D.) - University of Adelaide, Elder Conservatorium of Music, 2008

Dubuisson (fl.1666-c.1685) is the sole French viol player-composer between Nicolas Hotman (1613-1663) and Le Sieur de Sainte-Colombe (d.c.1700) whose works are extant. His four suites from a Library of Congress manuscript (1666) are the oldest dated French music for the bass viol; his approximately 125 pieces are contained in five manuscript sources. This thesis brings together, for the first time, all the music from the five sources for study and analysis. Together with the few biographical details, this material is used to assess his position within the French viol school. Brief histories of the viol and the suite in France precede a discussion of Dubuisson's contributions to the evolution of the genre.

Am Anfang des 19. Jahrhunderts übernahm das Pariser Conservatoire verschiedene Aspekte der italienischen Lehrmethoden, insbesondere die Partimenti. Diese französische Tradition begann mit dem Traktat Charles-Simon Catels (1802) und entwickelte sich durch die Publikationen von François-Joseph Fétis (1844), Théodore Dubois (1891), und Charles Koechlin (1927–30) weiter. Henri Challans 380 Basses et chants donnés (1960) ist eine der letzten Veröffentlichungen der französischen Partimento-Tradition. Dieser Beitrag gibt einen Überblick über Challans Traktat. Challan lehrt unter anderem Kadenz- und Sequenz-Muster, wie sie auch in den Orgelwerken von César Franck, Gabriel Fauré, Alexandre Guilmant und Louis Vierne auftreten. Es lässt sich zeigen, dass solche Satzmodelle wichtige Bestandteile der Improvisationspraxis dieser Organisten-Komponisten waren. Zu den typischsten Stimmführungsmustern des französisch-romantischen Stils gehören Kadenzen, die ich ›plagale Varianten‹ nenne, weil sie von der typischen Plagal-Kadenz abweichen. Manche stilistischen Eigenschaften, die wir heute als charakteristisch für Komponisten dieser Schule verstehen, waren von der Partimento-Tradition am Pariser Conservatoire geprägt. / In the early nineteenth century, the Paris Conservatory adopted various aspects of Italian teaching methods, especially partimenti1891), and Charles Koechlin (1927–30). Henri Challan’s 380 Basses et chants donnés (1960) is one of the last publications of the French partimento tradition. The present article gives an overview of Challan’s treatise. Challan presents various cadences and sequences that also appear in the organ works of César Franck, Gabriel Fauré, Alexandre Guilmant, and Louis Vierne. Such voice-leading models were integral elements of the improvisational practice of these organist-composers. Among the most typical voice-leading patterns of the French-romantic style are cadences that I term »plagal variants,« since they deviate from typical plagal cadences. Many stylistic characteristics typical for composers of this school were influenced by the partimento tradition at the Paris Conservatory.

Le scandale est un concept qui suscite l’intérêt des chercheurs de plusieurs disciplines comme l’histoire de l’art, la sociologie ou la politique, mais moins ceux du domaine musical savant. Il s’agit d’une chose surprenante étant donné que certains des scandales les plus flamboyants ont pris place sur les scènes musicales. La période qui correspond à la IIIe République en France est remplie de ces œuvres célèbres qui ont suscité réactions violentes et négatives chez une grande partie de l’auditoire. Qu’est-ce qui a déclenché de telles passions? Quels sont les facteurs qui peuvent expliquer le rejet de ces œuvres au moment de leur présentation? L’objectif de ce mémoire est de présenter ces différents scandales d’envergure et de proposer une schématisation plus claire des actions des différents acteurs du champ sous la forme d’un système simple axé autour de la métaphore conceptuelle de l’opposition entre une force centrifuge, exercée par l’œuvre sur le champ, et une force centripète, exercée par le champ sur l’œuvre. Axée principalement autour de la lutte en constante évolution entre les traditionalistes et les modernes, la recherche réalisée présente sept cas particuliers entre 1902 et 1924 : Pelléas et Mélisande de Claude Debussy (1902), Le Sacre du Printemps d’Igor Stravinski (1913), Salomé de Richard Strauss (1907), les Histoires naturelles de Maurice Ravel (1907), le Pierrot Lunaire et la musique atonale d’Arnold Schoenberg à Paris (1922), Parade d’Érik Satie (1917) et 1finalement Relâche du même compositeur (1924). La question qui sera posée est la suivante : Comment les forces en action, qu’elles soient sociales, politiques, culturelles ou esthétiques, qui entourent la présentation d’une œuvre scandaleuse affectent-t-elles sa réception et son acceptation auprès du public et des acteurs du champ musical? / Scandal is a concept that attracts the interest of researchers in many disciplines, such as art history, sociology and politics, but less so in the field of scholarly music. This is surprising, given that some of the most flamboyant scandals have taken place on the musical stage. The period corresponding to the Third Republic in France is full of these famous works, which provoked violent and negative reactions from large sections of the audience. What triggered such passions? What factors might explain the rejection of these works at the time of their presentation? The aim of this dissertation is to present these various large-scale scandals and propose a clearer schematization of the actions of the various players in the field in the form of a simple system centered around the conceptual metaphor of the opposition between a centrifugal force, exerted by the work on the field, and a centripetal force, exerted by the field on the work. Focusing mainly on the constantly evolving struggle between traditionalists and moderns, the research carried out presents seven specific cases between 1902 and 1924: Claude Debussy's Pelléas et Mélisande (1902), Igor Stravinsky's Le Sacre du Printemps (1913), Richard Strauss's Salomé (1907), Maurice Ravel's Histoires naturelles (1907), Arnold Schoenberg's Pierrot Lunaire and atonal music in Paris (1922), Érik Satie's Parade (1917) and finally Relâche by the same composer (1924). The question that will be asked is: How do the social, political, cultural and aesthetic forces at work around the presentation of a scandalous work affect its reception and acceptance by the public and those involved in the musical field?

Thèse soutenue le 27 février 2015 devant un jury composé par Marie-Hélène Benoit-Otis (présidente, Université de Montréal), François de Médicis (Université de Montréal), Christopher Moore (Université d'Ottawa) et Michel Duchesneau (Université de Montréal). / « École de Paris » est une expression souvent utilisée pour désigner un groupe de compositeurs étrangers ayant résidé à Paris dans l’entre-deux-guerres. Toutefois, « École de Paris » dénomme des réalités différentes selon les sources. Dans un sens élargi, le terme comprend tous les compositeurs de toute époque ayant vécu au moins une partie de leur vie à Paris. Dans son sens le plus strict, il désigne le prétendu regroupement de quatre à six compositeurs arrivés à Paris dans les années 1920 et comprenant notamment Conrad Beck, Tibor Harsányi, Bohuslav Martinů, Marcel Mihalovici, Alexandre Tansman et Alexandre Tchérepnine. Dans le but de revisiter l’histoire de l’utilisation de cette expression, nous avons reconstitué le discours complexe et contradictoire à propos de la question « qu’est-ce que l’École de Paris? ». Notre « enquête », qui s’est déroulée à travers des documents historiques de l’entre-deux-guerres ainsi que des textes historiographiques et de vulgarisation parus jusqu’à nos jours, nous a mené à la conclusion que l’École de Paris est un phénomène discursif que chaque acteur a pu manipuler à sa guise, car aucun fait ne justifie une utilisation univoque de cette expression dans le milieu musical parisien des années 1920-1930. L’étude de la programmation musicale nous a permis notamment de démontrer qu’aucun évènement regroupant les compositeurs considérés comme des « membres » de l’École de Paris n’a jamais eu lieu entre 1920 et 1940. Par la suite, nous avons contextualisé ce discours pour comprendre quels faits et quelle rhétorique dominante l’ont rendu possible. L’expression utilisée en musique est une extension de celle introduite dans le milieu des arts visuels dans les années 1920, dictée par la tendance dominante dans le Paris cosmopolite à marquer une distinction nette entre les Français et les étrangers. Nous avons à ce propos approfondi les différentes formes de nationalisme musical, et leur rôle dans la création d’un discours faisant de l’École de Paris une question stylistique – une position qui affirme l’existence d’un « style École de Paris » distinct de la « musique française ». En plus des reconstitutions du discours des tiers et du contexte, nous avons interrogé les discours tenus par les compositeurs concernés. L’étude de plusieurs documents inédits nous apprend que ces compositeurs s’opposent fermement, dans l’entre-deux-guerres, aux tentatives de les considérer comme un groupe. Mais qu’après la Seconde Guerre mondiale, ils épousent le discours favorable à l’image homogène et cohérente d’une École de Paris, contribuant ainsi à sa fortune historiographique. / “School of Paris” (École de Paris) is a term often used to indicate a group of foreign composers who resided in Paris in the years between World War I and II. However, depending on the source, “School of Paris” can have various meanings. In a broader sense, it includes all composers in any era who lived at least part of their lives in Paris. In its strictest sense, it refers to the alleged group of four to six composers who arrived in Paris in the 1920s: Conrad Beck, Tibor Harsányi, Bohuslav Martinů, Marcel Mihalovici, Alexandre Tansman, and Alexander Tcherepnin. In order to revisit the history of the use of this term, we have reconstructed the complex and contradictory discourse concerning the question: “what is the School of Paris?”. Our “investigation”, which took place through historical documents of the interwar years, as well as historiographical and popularized texts published up to today, led us to the conclusion that the School of Paris is a discursive phenomenon that each performer could manipulate at will, since no factual evidence justifies an unequivocal use of this term in the Parisian musical milieu of the 1920s and 1930s. Most notably, the study of musical programming allowed us to demonstrate that no particular event or gathering of the so-called “members” of the School of Paris ever took place between 1920 and 1940. Subsequently, we have contextualized this discourse to understand which facts and which prominent rhetoric made it possible. The term used in music is an extension of that which was introduced in the milieu of visual arts in the 1920s, dictated by the dominant tendency in cosmopolitan Paris to make a clear distinction between the French and the non-French. In this light, we have thoroughly examined the different forms of musical nationalism and their role in creating a discourse on the School of Paris as a question of style — a position that asserts the existence of a “School of Paris style”, distinct from that of “French music”. In addition to the reconstructions of third party and contextualized discourse, we have examined the discourses held by the composers in question. The study of several unpublished documents shows us that these composers were strongly opposed, during the interwar years, to attempts to treat them as a group. Not until after the Second World War do they couple this discourse with the favourable image of a homogeneous and coherent School of Paris, thus contributing to its historiographical fortune.

Ce mémoire propose d’explorer quel(s) statut(s) sont accordés aux compositeurs contemporains dans le contexte musical parisien des premières années du XXe siècle à travers une analyse de la presse musicale spécialisée de l’époque. Le corpus de notre recherche est constitué de trois revues, chacune ancrée dans des sphères de sociabilités bien distinctes : La Revue musicale (histoire et critique), une « revue savante » proche du milieu de la Schola cantorum ; Le Mercure musical, une « petite revue » d’avant-garde militant en faveur de la musique de Maurice Ravel ; et Musica, une « grande revue » destinée à un lectorat issu de la petite bourgeoisie en plein essor, essentiellement féminin et pratiquant la musique en amateur. Cette étude révèle que la traditionnelle opposition entre la conception du compositeur-artisan et celle du compositeur-génie issue de la fin du XVIIIe siècle et du XIXe siècle voit apparaître un troisième joueur à l’aube du XXe siècle : le compositeur-vedette, un statut qui était jusqu’alors généralement réservé aux interprètes. Ces trois statuts coexistent dans le panorama de la presse musicale du tournant du XXe siècle, et leur promotion par certains organes de presse spécifiques répond à une logique tantôt esthétique, tantôt économique. Il se dégage de cette étude que la presse musicale constitue non seulement un indice des variations qu’a subies la figure du compositeur dans le spectre de la grandeur en culture, mais qu’elle a également joué un rôle actif dans ces transformations. / This master thesis proposes a look of various statuses given to contemporary composers in the Parisian musical context at the beginning of the 20th century, through an analysis of the specialised press of that period. The corpus of my research consists in three different journals, each one with its own distinct sphere of sociability: La revue musicale (histoire et critique), a scholarly publication close to the Schola cantorum; Le Mercure musical, an avant-garde publication which has championed Maurice Ravel’s music; and a third, Musica, a magazine with a much larger audience, intended for the growing middle class, and which readership is mostly constituted of women and music learners. This thesis reveals that the traditional opposition between the concepts of craftman-composer and of genius-composer — a concept deriving from the end of the 18th century and the 19th century — sees the rise of a third component at the beginning of the 20th century: the star-composer, a status which was until then only limited to performers. Those three statuses coexisted throughout the musical press during the early 20th century. Their promotion by specific publications was in some cases done for aesthetic reasons and in others for economical motives. The outcome of this study reveals that the musical press is not only an indicator of the changes in the composers’ status within the array of cultural greatness, but it has also played an active role in these transformations.