Rene Drouard de Bousset (1703-1760) was an admired composer and an organist of renown. This thesis examines this musician's life and work, and attempts to bring Bousset's music, hitherto largely unknown, to the attention of musicologists and performers today. Primarily a source study, the thesis makes a survey of all known copies of Bousset's published works, addressing questions of dates, reprints and corrections. Historical context and musical style are also discussed. Particular emphasis is given to Bousset's sacred music in the French language two volumes of sacred cantatas and eight settings of Odes sacrees by Jean-Baptiste Rousseau - and its place within the French tradition of Psalm paraphrase settings. The figure of J.B. Rousseau is also examined, as the librettist of Bousset's Odes, and as an important literary contributor to French music at the turn of the eighteenth century. The source study is supplemented by a catalogue in the style of the Philidor Oeuvres database produced by the Centre de Musique Baroque de Versailles, containing all Bousset's known works, extant and lost. This exposition of Bousset's compositional output is prefaced by a biographical overview assembled principally from eighteenth century publications and archival documents. Volume II of this thesis comprises a critical performing edition of Bousset's first volume of Cantates spirituelles (1739).

Orientador: Eduardo Ostergren / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-16T23:58:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bernardes_JoseAntonioBranco_M.pdf: 6682447 bytes, checksum: 0a76b37323e7c504fdb7e3d911a327d5 (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Este trabalho procura tratar de questões práticas concernentes a uma realização historicamente informada dos recitativos do intermezzo Le Devin du Village de Jean-Jacques Rousseau (1712-1778). Não tem pretensão de responder todas as questões suscitadas pela partitura original, mas sim de proporcionar o máximo de subsídios ao artista competente - embora não especialista em música francesa de meados do séc. XVIII - que deseje conduzir (reger) esta obra. Os estudos sobre Rousseau têm privilegiado os aspectos teórico-musicais de sua obra. Neste estudo procurou-se estabelecer parâmetros de realização dos recitativos pertencentes ao Devin principalmente através da aplicação dos conceitos e práticas musicais defendidas por Rousseau e outros autores de seu tempo. Muito das sugestões propostas são fruto da aplicação dos tratados de época em apresentações de excertos de Le Devin du Village dirigidos pelo autor em 1997, 2003, 2004 e 2007. Uma performance ou realização historicamente informada deverá ser uma recriação idealizada a partir do conhecimento o mais profundo possível de seu Zeitgeist, o que a tornará necessariamente única e transiente, cada apresentação um novo acontecimento. A mera listagem e citação de fontes de época pouco pode provar por si mesma, o simples acesso a elas não seria garantia de veracidade absoluta. Vivência e experimentação artística são essenciais. Será através de erros e acertos na prática real, com posterior reflexão e ajustes, que consolidaremos uma real compreensão desse repertório. Afinal, o fazer artístico e o pesquisar acadêmico são ambos linguagens distintas e dificilmente comunicáveis e seria um grande engodo postular uma reprodução idêntica àquela ocorrida séculos atrás. De fato, não é possível abandonarmos nossa individualidade, que é realmente do séc. XXI. Compete-nos, através de um estudo profundo, adquirir a capacidade de atuar no estilo e pensamento de época como uma segunda natureza, unindo os diversos campos envolvidos em um todo coerente no atual contexto de realização artística. Enfim, o exercício do goût / Abstract: This work seeks to address practical issues concerning the performance of recitatives from Jean-Jacques Rousseau's (1712-1778) intermezzo Le Devin du Village from a historically informed perspective. There is no pretension in answering all issues raised raised upon examination of the original score, rather to offer musical, technical and stylistic subsidies to the competent musician - not necessarily expert on mid-18th century French music - when faced with the task of conducting this work. Studies about Rousseau have for the most part tended to favor the music-theoretical aspects of his works. In this study the author proposes to establish parameters for the performance of these recitatives mainly through the application of the concepts taken from historical music treatises and musical practices advocated by Rousseau himself and contemporary authors. Many of the proposed suggestions are the result of practical experiences acquired during the performances of excerpts from Le Devin du Village conducted by the author in 1997, 2003, 2004 and 2007. Several ideas discussed by in this dissertation will allow for an idealized re-creation of this intermezzo stemming from the deepest possible possible knowledge of its Zeitgeist, which will necessarily be unique and transient. The mere citation of historical sources nothing can prove by itself; direct access to these sources is no guarantee of absolute musical veracity. The artistic musicmaking and academic research are two distinct languages and of difficult intercommunicability. We are a "child of our time". It is our responsability, however, acquire a deeper historical knowledge for a keener insight into the style and thought of that epoch in order to develop the ability to act and perform as if it were one's own second nature. Hopefully it will unite the various fields of the art involved in making a coherent whole resulting in a new context of artistic realization. The exercise of bon goût at last / Mestrado / Musica / Mestre em Música

Ce travail porte sur les appropriations musicales et discursives du jazz dans le monde musical savant français. Fondé sur la méthode des transferts culturels, il propose une histoire croisée de la musique savante en France, de la diffusion des répertoires de jazz en Europe et de leur perception. La réflexion s’appuie sur un corpus systématique des œuvres savantes influencées le jazz et des textes que lui consacrent compositeurs et critiques. Les unes comme les autres contribuent à différentes tentatives de redéfinition d’une identité française de la musique. Les appropriations du jazz renouvellent également une conception de la musique populaire propre au XIXe siècle. Elles valorisent des sujets auparavant considérés comme triviaux et proposent un son nouveau, tantôt associé au modernisme anglo-saxon, tantôt au primitivisme « nègre ». Enfin, elles participent à la remise au goût du jour d’un classicisme protéiforme. Les aspects qui viennent d’être mentionnés font l’objet d’une périodisation et d’une thématisation. Si les premiers cake-walks des années 1900 sont mis au service d’un exotisme « nègre », les emprunts au jazz relèvent, dix ans plus tard, d’un geste avant-gardiste et nationaliste. À partir du milieu des années 1920, suite aux efforts fructueux de Jean Wiéner pour légitimer le jazz, de nouveaux compositeurs s’y intéressent dans la perspective d’un classicisme désormais plus cosmopolite. Un discours spécialisé émerge. Tout en distinguant différents paradigmes de l’appropriation du jazz, cette étude entend jeter un éclairage nouveau sur la production musicale savante dans la France des années 1900-1930 et sur les rencontres entre différentes traditions musicales. / This thesis deals with the musical and discursive appropriations of jazz in the French musical world. Inspired the approach of cultural transfers and crosses the history of French art music in France and the history of its diffusion and perception in Europe. To do so, it draws upon a corpus of art music pieces influenced by jazz and of texts written by composers and critics. This corpus contribute to different redefinitions of an alleged French musical identity. What is more, appropriations of jazz renew a conception of popular music that goes back to the beginning of the 19th century. They also valorize topics that were considered as trivial and they display a new kind of sound, evoking Anglo-saxon modernism or « negro » primitivism.The different aspects mentionned above are presented in a chronological and thematic fashion. In the 1900s, the first cake-walks contribute to a tradition of « negro » exoticsm. Ten years after, borrowing to jazz has become an avant-gardist gesture, and a response to nationalist motivations. Thanks to Jean Wiéner’s efforts in order to legitimize jazz, a new group of composers and critics take an interest in it. Jazz then becomes a means to assert a more cosmopolitan classicism.This thesis identifies different paradigms of the appropriation of jazz in France. More broadly, it sheds new light on musical creation in the French art music world between 1900-1930, and on musical encounters between different musical traditions.

Ce mémoire porte sur la convergence des compositeurs français Georges Migot (1891-1976) et André Jolivet (1905-1974) au cours des années 1930 sur le plan de leurs idées en esthétique musicale, de leur démarche compositionnelle, et de leur implication administrative sur la scène musicale parisienne. Ceci a pour but de mieux comprendre l’amitié spéciale entre Migot et Jolivet, mesurer son influence sur leurs personnalités musicales, observer son impact sur leur engagement commun au sein de la société de concert La Spirale, et, plus globalement, évaluer sa portée sur l’ensemble de la scène musicale française. Actuellement, Stravinsky, Ravel et le Groupe des Six prennent une grande place dans les histoires de la vie musicale française de l’entre-deux-guerres. Ultimement, cette étude cherche à favoriser une meilleure compréhension de la variété des manifestations musicales dans le Paris des années 1930. Le premier chapitre de ce mémoire examine les idées esthétiques respectives de Migot et Jolivet et discute leurs similitudes. Le deuxième chapitre se penche sur l’engagement des deux compositeurs au sein de la société de concert La Spirale (1935-1937). Relativement peu étudié, cet organisme est néanmoins connu pour avoir servi d’incubateur au groupe La Jeune France (1936-1942), une association réunissant Olivier Messiaen, Daniel-Lesur, André Jolivet et Yves Beaudrier. À travers l’examen des activités de La Spirale, ce mémoire propose non seulement une liste revue et corrigée de toutes les œuvres présentées dans ses concerts, mais rend également compte de la nature de l’engagement de Jolivet et Migot en son sein. Finalement, le troisième chapitre propose une analyse comparative d’une sélection de mouvements tirés de deux recueils pour piano solo de Migot et Jolivet, respectivement Le Zodiaque (1931-1932) et Mana (1935). Les analyses se concentrent sur les structures de hauteurs et l’organisation motivique (pratiques modales ou sérielles, constructions accordiques inspirées par la série des harmoniques, procédés motiviques) et sur les proportions temporelles. Dans certains mouvements, les événements structurels semblent être gouvernés par des notions mathématiques telles que le Nombre d’or ou les nombres de la suite de Fibonacci. / This Master’s thesis explores the convergences between the French composers Georges Migot (1891-1976) and André Jolivet (1905-1974) during the 1930s, in terms of their respective musical aesthetics, compositional techniques, and involvement in the Parisian music scene. The aim is to provide a clearer picture of the relationship between Migot and Jolivet, to evaluate its influence upon their musical ideas and shared interest in the development of the concert society La Spirale, and to assess its significance in the wider sphere of French music. Currently, music history of this period is saturated with writings on Stravinsky, Ravel, and the Groupe des six. This study seeks to provide a better understanding of the other various musical manifestations in 1930s Paris. The first chapter of this thesis consists of an examination of Migot and Jolivet’s respective aesthetics ideas and a discussion of their similarities. The second chapter explores a shared project of the two composers: the concert society La Spirale (1935-1937). While largely un-studied, this organization is known for having given rise to the group La Jeune France (1936-1942), an association formed by Olivier Messiaen, Daniel-Lesur, André Jolivet, and Yves Beaudrier, as the first three also took part in the executive of the former society. Through an exploration of La Spirale’s activities, this thesis not only provides a complete and revisited list of all works performed at its concerts, but also qualifies the involvement of Jolivet and Migot. Finally, this research will conclude with a comparative analysis of select movements from solo piano collections by Migot and Jolivet, Le Zodiaque (1931-1932) and Mana (1935), respectively. While Migot uses a more modal language to convey his lyrism, Jolivet employs an emancipated post-tonal idiom. This analysis will take into consideration pitch and motivic structure (modal and serial practices) and temporal sequences. Moreover, it will provide an examination of the use of the Golden Mean and the Fibonacci series in some pieces.

Cette version de la thèse a été tronquée de certains éléments protégés par le droit d’auteur. / Our study explores the musical universe of French animation during the first two decades of sound cinema, with the aim of showing the extent of a phenomenon that has never been studied in its entirety. The context of the era is characterized by the participation of a considerable number of “art music” composers, whose contribution to animation constitutes a lesser-known aspect of their career. Through the study of unpublished archival documents and press articles of the time, the subject is approached mainly from a historical perspective, in order to situate apparently exceptional cases in the context of the artistic networks that allowed the creation of these works. The thesis is constructed following a chrono-thematic plan. In our history, we integrate elements of film music analysis to illustrate emblematic cases of the different tendencies of the time. The study of the period 1930–1939 highlights the “artisanal” aspect of the productions of the time. Our attention focuses specifically on lesser-known cases, including those of Jean Françaix and Pierre Vellones. The second chapter is devoted to director André Vigneau and his collaboration with Henri Cliquet-Pleyel. Our exploration continues with the study of two iconic pre-war films: La Fortune enchantée by Pierre Charbonnier (music by Henri Sauguet) and Barbe Bleue by René Bertrand (music by Maurice Jaubert). In addition, we focus on “auteur” animated advertising films and the work of Alexandre Alexeïeff, marked by his collaboration with Poulenc, Auric, Milhaud and Roland-Manuel. Another key figure in French animation is the composer Jean Wiéner, to whom we devote a monographic chapter, which details his collaboration with the animator Paul Grimault. Our study of the Vichy era (1940–1944) focuses on the growing role of the state in financing animated films. This trend is illustrated by two emblematic cases of “highbrow” cartoons: Callisto, la petite nymphe de Diane by André-Édouard Marty (music by Honegger and Roland-Manuel) and La Chasse infernale by Jean and Alex Giaume (music by Tony Aubin). Finally, in the last chapter, we examine the post-war years and, most notably, a forgotten composer of film music, Guy Bernard. On the other hand, if André Jolivet is far from being forgotten, the cartoon music he composed during the 1940s represents a largely unknown part of his career. / Notre étude explore l’univers musical de l’animation française au cours des deux premières décennies du cinéma sonore, dans le but de montrer l’ampleur d’un phénomène qui n’a jamais été étudié dans son ensemble. Le contexte de l’époque se caractérise par la participation d’un nombre considérable de compositeurs et compositrices de musique « savante », dont le cinéma d’animation constitue un aspect encore peu connu de leur carrière. À travers l’étude de documents d’archives inédits et d’articles de presse de l’époque, le sujet est abordé principalement dans une perspective historique, afin de situer des cas apparemment exceptionnels dans le contexte des réseaux artistiques qui ont permis la création de ces œuvres. La thèse est construite en suivant un plan chrono-thématique. Au cours de notre histoire, nous intégrons des étapes d’analyse musico-filmique qui illustrent des cas emblématiques des différentes tendances esthétiques de l’époque. L’étude de la période 1930–1939 met en évidence l’aspect « artisanal » des productions de l’époque. Notre attention porte spécifiquement sur des cas peu connus, dont ceux de Jean Françaix et de Pierre Vellones. Le deuxième chapitre est consacré au réalisateur André Vigneau et à sa collaboration avec Henri Cliquet-Pleyel. Notre exploration continue à travers l’étude de deux films iconiques d’avant-guerre : La Fortune enchantée de Pierre Charbonnier (musique d’Henri Sauguet) et Barbe Bleue de René Bertrand (musique de Maurice Jaubert). Une importance particulière est accordée au cinéma d’animation publicitaire « d’auteur » et à l’œuvre d’Alexandre Alexeïeff, marquée par la collaboration avec Poulenc, Auric, Milhaud et Roland-Manuel. Une autre figure clé du dessin animé français est le compositeur Jean Wiéner, auquel nous consacrons un chapitre monographique qui examine particulièrement sa collaboration avec Paul Grimault. Pour la période de l’Occupation (1940–1944) nous évoquons le rôle croissant de l’État dans la subvention de films d’animation. Cette tendance est illustrée par deux cas de dessins animés « savants » : Callisto, la petite nymphe de Diane d’André-Édouard Marty (musique d’Honegger et Roland-Manuel) et La Chasse infernale de Jean et Alex Giaume (musique de Tony Aubin). Nous terminons sur un panorama de l’immédiat après-guerre, notamment autour d’une figure oubliée de la musique de film, Guy Bernard. En revanche, si le nom d’André Jolivet est loin d’être oublié, ses musiques de dessins animés des années 40 représentent un aspect méconnu de son œuvre.

Le répertoire profane imprimé dans la seconde moitié du XVIe siècle et au début du XVIIe siècle est riche de multiples objets musicaux, si l'on en croit tout du moins la diversité lexicale des titres de volumes publiés en France. Alors que dans la première moitié du XVIe siècle, le terme « chanson » est le titre incontournable placé en tête de volume par les imprimeurs de musique, à partir des années 1550 fleurissent de nouvelles appellations comme « chanson en forme de voix de ville », « ode », « chanson en façon d'air », « air de cour », « air », « dialogue », « sonnet », « Amours », « poésie », « quatrain », « chansonnette mesurée », « villanelle », « mascarade », « ballet », « récit » ou « vers mesurez ». Ces multiples dénominations ne renvoient toutefois pas nécessairement à des objets musicaux différents : pour exemple, au XVIe siècle, une même pièce peut être indifféremment appelée « chanson » et « ode » selon les publications. Cette observation amène à supposer que ces termes ne désignent pas des catégories s'excluant les unes les autres. Ces différentes rubriques sont au contraire poreuses, et leurs contours paraissent parfois vagues aux yeux du chercheur, notamment parce que les théoriciens de la musique, en particulier à la Renaissance, ne définissent pas les dénominations que l'on trouve dans les imprimés. Pour cette raison, l'enjeu de ce travail consiste à observer et à comprendre quelles sont les réalités éditoriales et musicales que recoupent les classifications et les termes utilisés dans les livres. Ce faisant, il s'agit de mettre en lumière le rôle clef de l'imprimeur de musique dans la fabrication matérielle du livre, et de se demander ainsi quelle est la part qu'il prend dans les mutations musicales. / The french repertory printed during the second half of the sixteenth century and at the beginning of the seventeenth century is rich of many musical objects. If in the first half of the sixteenth century, the term « chanson » is the only title used in the editions, other denominations appear from 1552 as « chanson en forme de voix de ville », « ode », « chanson en façon d'air », « air de cour », « air », « dialogue », « sonnet », « Amours », « poésie », « quatrain », « chansonnette mesurée », « villanelle », « mascarade », « ballet », « récit » or « vers mesurez ». These denominations don't designate necessarly differents musical objects : for exemple, during the sixteenth century a same work could sometime be named « chanson » and « ode ». This observation tends to suppose that these terms don't designate indepedant categories. On the contrary, these headings are porous, and their outlines seems sometime vague, in particular because the renaissance music theorists don't define the terms used in the prints. For this reason, the goal of this dissertation consist to observe and understand what are the editorial and musical realities which tally with the classifications and the terms used in the collections. Thus, we would like to highlight the role of the music printer in the making of the book, and to wonder what is the part he takes in the musical mutations.