anos 1882 e 1891. Por meio de catálogos e pesquisa de campo junto a acervos e coleções, procuramos fazer o levantamento de obras do pintor nesse período. A análise das paisagens foi realizada buscando apreender a percepção do artista em relação aos espaços representados. Em diálogo com a fenomenologia, foram utilizados como articulação teórica a noção de conversibilidade de Merleau-Ponty, o conceito de metaxu como explicado por Emanuele Coccia, e, ainda, a relação entre paisagem in visu e paisagem in situ proposta por Anne Cauquelin. A produção de Caron é contextualizada em sua época, sendo considerados os possíveis diálogos com artistas que lhe eram contemporâneos. Desse modo, ao refletir sobre sua pintura de paisagem, refletimos sobre esse gênero também no âmbito da arte brasileira do século XIX. / between the years 1882 and 1891. Through catalogs and field research with collections, we sought to survey the painter's works during that period. The analysis of the landscapes was carried out seeking to apprehend the perception of the artist in relation to the spaces represented. In dialogue with phenomenology, the notion of convertibility of Merleau-Ponty, the concept of metaxu as explained by Emanuele Coccia, and the relation between in visu and in situ landscape proposed by Anne Cauquelin were used as theoretical articulation. The production of Caron is contextualized in his time, being considered the possible dialogues with artists that were him contemporaries. Thus, in considering on his landscape painting, we think over this genre also in the context of nineteenth-century Brazilian art.

A presente investigação versa sobre as controvérsias acerca da institucionalização da história da arte no Brasil, tendo como objeto central os debates sobre a criação de cursos de graduação na área, por meio do qual objetiva-se refletir sobre a formação e a presença do historiador da arte no Brasil e questionar a relevância da autonomia institucional e epistemológica da história da arte. Pretende-se, a partir de uma história das instituições, empreender uma reflexão epistemológica sobre a presença da história da arte e a formação do historiador da arte no Brasil. Procura-se demonstrar a tese de que a preocupação em constituir um espaço de formação específica em história da arte em nível de graduação e a problematização das histórias da arte produzidas nas universidades brasileiras (evidente, por exemplo, na forma como são propostos os currículos destes cursos) são fundamentais ao debate acerca do que se compreende por história da arte no Brasil hoje e estão diretamente relacionadas ao amadurecimento e à consolidação da autonomia da história da arte enquanto campo científico no país. Para isso, avaliou-se que as particularidades que envolvem a constituição e a configuração atual da história da arte no Brasil poderiam ser mais bem compreendidas retomando o que outrora se projetou, revendo os percursos e avaliando os percalços, de forma a revelar o lugar que a história da arte ocupa hoje no âmbito científico brasileiro. O período histórico que o projeto de pesquisa abrange tem como marco inicial a década de 1950, quando teve início uma série de manifestações favoráveis à criação de um curso superior de história da arte, com destaque para a atuação do historiador da arte Mario Barata. Em 1963, foi criado o primeiro curso específico na área, alocado na estrutura do extinto Instituto de Belas Artes do Rio de Janeiro (IBA-RJ), que originou o bacharelado hoje oferecido pelo Instituto de Artes da Universidade do Estado do Rio de Janeiro (ART/UERJ). O recorte estende-se até as duas primeiras décadas do século XXI, quando ocorreram importantes reformulações naquele curso e foram criados quatro outros, vinculados à Escola de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da Universidade Federal de São Paulo (EFLCH/UNIFESP); à Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro (EBA/UFRJ); ao Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (IA/UFRGS); e ao Instituto de Artes da Universidade de Brasília (IdA/UnB). Por fim, propõe-se que o reconhecimento das especificidades e limitações da história da disciplina no Brasil possa ajudar a compreender o que significa hoje produzir história da arte entre nós, bem como criar condições fecundas para que se possa prosseguir a partir de tais questionamentos. / The present research deals with the controversies about the institutionalization of art history in Brazil. Its main object is the debates about the creation of undergraduate courses in the area, through which the objective is to reflect on the formation and the presence of the art historian in Brazil and to question the relevance of the institutional and epistemological autonomy of art history. The intention is to, through the study of the history of the institutions, undertake an epistemological reflection on the presence of art history and the formation of the art historian in Brazil. It is sought to demonstrate the thesis that the concern to constitute a space of specific formation in art history at graduation level and the problematization of the histories of art produced in the Brazilian universities (evident, for example, in the forms that the curriculum to those courses are proposed) are fundamental to the debate about what is understood by art history in Brazil today and are directly related to the maturation and consolidation of the autonomy of art history as a scientific field in the country. For this purpose, it was evaluated that the particularities that involve the constitution and the current configuration of art history in Brazil could be better understood by taking back what was once projected, reviewing the routes and evaluating the mishaps, in order to reveal the place that art history occupies today in the Brazilian scientific scope. The historical period that the research project covers has as its initial mark in the 1950s, when a series of demonstrations favoring the creation of an advanced course in art history began, highlighting here the performance of art historian Mario Barata. The creation of the first specific course in the area was in 1963, in the former Instituto de Belas Artes do Rio de Janeiro (IBA-RJ), which originated the bachelors degree, offered today by the Instituto de Artes da Universidade do Estado do Rio de Janeiro (ART/UERJ). The time range extends to the first two decades of the twenty-first century, when major reformulations occurred in that course and four others were created, linked to the Escola de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da Universidade Federal de São Paulo (EFLCH/UNIFESP); the Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro (EBA/UFRJ); the Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (IA/UFRGS); and the Instituto de Artes da Universidade de Brasília (IdA/UnB). Lastly, it is proposed that the recognition of the specificities and limitations of the history of the discipline in Brazil can help to understand what today means to produce art history among us, as well as to create fertile conditions to continue through such questions.

A presente dissertação tem como objetivo analisar a obra de Alberto da Veiga Guignard (1896-1962), focalizando especialmente seu percurso nas décadas de 1930 e 1940, período em que ela constituiu alguns de seus aspectos poéticos decisivos um vocabulário lírico ligado ao prosaico e o apreço por uma pintura de superfície. O estudo busca mostrar como esses aspectos sobretudo o lirismo colhido a materiais humildes da vida cotidiana podem estar ligados à proximidade do pintor com os poetas Manuel Bandeira e Murilo Mendes e, de outro modo, também com a imaginação onírica do artista Ismael Nery, que de algum modo dialoga com as paisagens imaginárias que marcam tão fortemente a pintura de Guignard. A dissertação procurou discutir a obra do pintor no quadro do modernismo brasileiro, principalmente no que concerne à questão nacional-popular, presente na pintura de Guignard de modo muito mais sutil e refratado, conforme se argumenta, do que em muitos de seus contemporâneos da geração modernista dos anos 1930. / The following essay has the objective of analyzing the work of Alberto da Veiga Guignard (1896 1962), especially focusing on his 1930s and 1940s trajectory, period on which his works most poetics aspects were constituted a lyric vocabulary linked to the prosaic and the esteem of the surface painting. The study searches how these aspects particularly the lyricism and the humble everyday life material can connect this painter to poets Manuel Bandeira and Murilo Mendes and, in another way, also with the imagination of the artist Ismael Nery, who, in some ways, dialogues with imaginary landscapes that strongly appear on Guignard. The dissertation discusses the work of this painter within the Brazilian Modernism, especially on what concerns the popularnational issues, present on Guignards paintings in a much more subtle and refracted way, as it is said, compared to his generations contemporaries Brazilian Modernists of the 1930s.

A presente tese estuda a produção artística de oratórios domésticos manufaturados no Brasil, sobretudo nos séculos XVIII e XIX, e que hoje se encontram recolhidos às dependências de museus brasileiros, públicos e particulares. Também, a tese procura compreender a dinâmica de sua trajetória no contexto doméstico, tomando, em particular, a São Paulo setecentista e oitocentista como cenário ilustrativo. Para esta abordagem, prima-se em observar tais artefatos religiosos ante seus dois distintos universos funcionais, respectivamente: de cunho devocional, em que os mesmos se destinam comumente às práticas da oração; e de cunho litúrgico, quando especialmente preparados para a orientação das celebrações oficiais da Igreja católica. Assim, baseando-se nas informações oferecidas por um conjunto de testemunhos pertinentes, de fontes textuais e diante do próprio acervo de oratórios elencado para análise, chega-se a uma leitura bastante aproximada do trabalho artístico realizado em torno desta produção, bem como das formas de organização dos espaços da morada, no contexto das vivências religiosas do catolicismo, corroborando a hipótese de que tais artefatos figuravam como protagonistas de complexas relações, humanas e materiais, que ali se estabeleciam. / This thesis studies the artistic production of the domestic oratories made in Brazil, especially in the 18th and 19yh centuries that have been kept now in public or private Brazilian museums. The thesis also tries to understand the dynamics of its course within the domestic context having São Paulo, particularly in the eighteenth and nineteenth centuries as illustrative scenery. Concerning this approach, it is of utmost importance to observe such religious artifacts in their two distinct functional universes, respectively those of a devotional feature, when they are commonly intended to the act of praying, and those of a liturgical aspect when they were specially prepared for directing the official celebrations of the Roman Catholic Church. Therefore, based upon information provided by a set of pertinent evidence, textual sources and before the collection of oratories that were chosen to be used for the analysis, a very close understanding of the artistic work performed towards this production, as well as the ways of organizing the spaces in a home within the context of the religious experiences of Catholicism, confirming the hypothesis that such artifacts were seen as the protagonists of the complex human and material relations that were establish there.

Na segunda metade do século XX, a relação entre pintura e fotografia se modifica.. Pintores como Andy Warhol e Gerhard Richter partem de imagens ordinárias e esquemáticas como modelo para as suas pinturas. Warhol assume os procedimentos gráficos e seriais dos meios de comunicação de massa, Richter representa com óleo sobre tela a superfície e a luz da imagem fotográfica. Essas novas práticas têm impactos decisivos na história da arte. Esta tese pretende levantar as relações entre pintura e fotografia na obra de Warhol e Richter. Tentaremos relacioná-los com um contexto mais amplo da arte do pós-guerra na Europa e nos Estados Unidos e entender como isso sugere uma mudança no sentido da arte depois da década de 1960. / From mid 20th century, the relations between painting and photography changes. Painters like Andy Warhol and Gerhard Richter use ordinary and schematic images as a model for their paintings. Warhol assumes the graphic and serial procedures of the mass media, Richter represents with oil on canvas the surface and the light of the photographic image. These new practices have a decisive impacts on the history of art. This thesis aims to raise questions on the impact of the photography in the work of Warhol and Richter. We will try to relate them to a wider context of postwar art in Europe and the United States and to understand how this suggests a change in the direction of the visual arts after the 1960s.

Esta tese defende que a arte pode profanar o real ao produzir suas realidades poéticas. Ou seja: a criação artística detém a potência de destituir regimes de visibilidade, dizibilidade e pensabilidade, dando a eles novos usos e os devolvendo ao domínio dos homens. A principal questão é saber como isso ocorre. Quer dizer: quais são essas operações da arte capazes de desativar mecanismos de subjetivação ao mesmo tempo em que produzem outros? Como isso se realiza e que saberes pode-se recolher daí? Toda esta investigação parte da pintura Mapa de Lopo Homem II, de Adriana Varejão. Seguimos suas pistas na companhia de pensadores da arte, da ciência e da filosofia, com destaque para Georges Didi-Huberman, Giorgio Agamben, Jacques Lacan, Jacques Rancière, Jean Baudrillard e Hal Foster, de maneira a produzir uma teoria crítica que colabore com a interpretação da arte hoje, num viés estético e político. Se parece lugarcomum dizer que a arte produz transformações culturais, o ponto desta tese é ligeiramente diferente: saber como a experiência estética pode transgredir a simbolização, fazendo irromper significados que desconstruam estruturas culturais, atentando contra a idealização da realidade em seus valores morais, econômicos, sociais, intelectuais etc. Interessa a nós o aspecto inesperado da realização artística, seu teor de insurgência, seu flerte com o esquizo. Enfim, queremos olhar para o que pode haver de destrutivo, paradoxal ou desestruturante na elaboração poética promovida pela arte visual e que resistências se levantam contra o processo. Para isso, nos inspiramos no conceito de Real lacaniano. E dizemos que a conformação artística é o mapa que se traça sobre o território numa profanação do real: sistematização ficcional e ilusória, síntese posta como realidade, representação interpretativa necessariamente parcial, insuficiente, faltosa. Que não consegue ser viva como a experiência, mas a revive, recria, interpreta, representa e reapresenta, toma-a para si e formaliza, desenha contornos, acumula camadas, esquematiza estrategicamente conforme seus próprios jogos de poder. / This thesis argues that art can desecrate the Real by producing poetic realities. This means that artistic creation has the power of deposing regimens of the visible, speakable and thinkable, of giving them new uses and of returning them to the realm of men. The main question is knowing how this happens. Which operations of art may deactivate some mechanisms of subjectivation at the same time that they produce others? How does this happen, and what knowledge can be acquired from that process? All this research originates from the painting Map of Lopo Homem II, by Adriana Varejão. We followed the paintings hints in the company of thinkers from the arts, sciences and philosophy fields, with special mention to Georges Didi-Huberman, Giorgio Agamben, Jacques Lacan, Jacques Rancière, Jean Baudrillard and Hal Foster, in order to produce a critical theory that could collaborate with the interpretation of art today, in an aesthetical and political point of view. If it seems commonplace to say that art produces cultural transformations, the point of this thesis is slightly different: it is to learn how the aesthetic experience can transgress symbolization, bursting meanings that deconstruct cultural structures, attacking the idealization of reality in its moral, economic, social, intellectual values, etc. We are interested in the unexpected aspect of artistic achievement, its insurgency content, its flirtation with the schizo. We want to look at what can be destructive, paradoxical or destructuring in the poetic elaboration promoted by visual art and which resistances arise against the process. For this, we are inspired by the Lacanian concept of the Real. And we say that the artistic conformation is the map drawn on the territory in a profanation of the real: fictional and illusory systematization, synthesis put as reality, necessarily partial interpretative representation, insufficient, lacking. That cannot be alive as an experience, but revives it, recreates it, interprets it, represents it and resubmit it, takes and formalizes it, draws contours, accumulates layers and strategically schematizes according to its own power plays.

Nesta tese foi abordada a união dos pintores que estiveram juntos no Palacete Santa Helena por cerca de cinco anos, de 1935 a 1940, bem como as produções pictóricas dos mesmos, em especial as que se referem às pinturas de gênero produzidas neste período. Por meio da análise destas obras observamos como estes pintores construíram a imagem de São Paulo no período em que dividiram o ateliê no Palacete Santa Helena. Suas pinturas sugerem uma modernização às avessas da cidade, pois ao invés de produzirem imagens de uma São Paulo urbana, industrial, a partir de cenas nas quais há um ambiente atribulado, com muitas pessoas, carros e edifícios elementos que propõem diretamente a idéia de modernização da cidade notamos que as obras destes pintores nos mostram em grande parte os arrabaldes, as cercanias da cidade e não o centro. De maneira diferente, o pintor italiano Fulvio Pennacchi apresenta, em seus cartazes publicitários da década de 1930, a modernização da cidade de forma mais direta, pois enfatiza o crescimento e desenvolvimento de São Paulo por meio de imagens que mostram produtos decorrentes da industrialização, como o café, o cigarro, os chapéus, o carro e o pneu. Em contrapartida, a São Paulo apresentada pelos pintores do Palacete Santa Helena, incluso Pennacchi, é o lugar povoado por gente humilde, trabalhadores e trabalhadoras que vivem na roça ou em bairros mais afastados do centro de São Paulo, lugar onde muitas vezes também executam suas atividades laborais e inclusive desfrutam os momentos de lazer. Quando estes pintores abordam em suas obras a temática dos trabalhadores urbanos, retratam-nos como fazendo parte de uma engrenagem que auxilia na construção, crescimento e desenvolvimento da cidade e é quando aparecem nas telas destes pintores alguns elementos que sugerem mais diretamente a modernização da cidade, muito vinculada à industrialização. Desse modo, a partir da análise destas obras, podemos notar que a imagem que se tem de São Paulo é a da cidade que se deseja moderna, na qual a periferia está em contraposição ao centro, onde a presença do rural sugere uma etapa anterior ao urbano, e o popular presente principalmente nos arrabaldes sugere a tradição que na cidade vai sendo substituída pela modernização dos edifícios, pela substituição de comportamentos, pela aquisição de novos produtos, de novos modos de vida, hábitos e costumes. A São Paulo na pintura de gênero destes pintores é a cidade dos homens da prática, dos imigrantes e filhos de imigrantes, assim como eles o são. A raiz social é o que os conjumina como grupo. No que diz respeito às temáticas abordadas em suas obras, estes pintores, quando comparados entre si, se aproximam. Já quando se trata da linguagem visual utilizada em suas composições, há dissonâncias entre eles, pois utilizam referências diferentes. Estas referências têm como fonte alguns artistas modernistas do período, aos quais algumas vezes os pintores do Palacete se aproximam também no que concerne às temáticas tratadas. Assim, os pintores do Santa Helena apresentam as imagens da São Paulo de 1935 a 1940, nas quais observamos uma cidade que tem a modernização construída às avessas, pelo fato de os elementos compositivos muitas vezes não se relacionarem diretamente com a modernização da cidade, mas que sugerem esse processo. Desse modo, com originalidade e peculiaridades comuns e dissonantes, estes pintores produziram uma obra muito vinculada ao modernismo da segunda metade da década de 1930. / This work is about the union of painters who have been together in Palacete Santa Helena for roughly five years time, from 1935 to 1940, as well as the pictorial works made by them, particularly those referring to the genre scenes made in the period. Through the observation of these works, we see how painters built the image of São Paulo in the period they shared the Santa Helena studio. Their paintings suggest a backwards modernization of the city as they represent much more images from the suburbs instead of the urban and industrial São Paulo, based on busy scenarios, with lots of people, cars and buildings elements that suggest the idea of modernization of the city we observed that Santa Helena painters works and the majority of these paintings showed us the environs of the city not the downtown. Differently, the Italian painter Fulvio Pennacchi shows in his advertisement banners from the 1930s, the modernization of the city straight forward, as he focuses on the growth and development of São Paulo through pictures coming from industrialization at that time, such as coffee, tobacco, hats, cars and tires. On the another hand, the São Paulo showed in the screens of Palacete Santa Helenas painters is a place of humble people, workers who live either in the countryside or in the suburbs. This same place is scenario of labor and leisure activities. When urban workers are the thematic pictured by the painters, they are shown as part of an engine that pushes the construction, growth and development of the city. It is when some elements which suggest the modernization of the city pops up in their screens, pretty much involved with its industrialization. From the analysis of the paintings, it can be observed that São Paulo wants to be a modern city, in which the suburb is on opposite side of the town where the presence of agricultural elements suggest a previous stage to the urban ones, and the popular manifestation mainly in suburbs suggests the tradition in the city had being substituted by the modernization of the buildings, for the change of behaviors, the acquisition of new products, new ways of life and habits. The São Paulo seen from the genre painting of painters is a city of hands on men, of immigrants and immigrants sons as they are, indeed. The social root is what unite them as a group. Concerning the thematic in their paintings, these painters, when compared to each other, converge. However, there are differences regarding the visual identity employed in their paintings as different references are used among them. These references come from some modernist artists of the period which also show some similarity to Palacetes painters concerning the thematic approached. Then, the Santa Helenas painters show images of São Paulo from 1935 until 1940, which is possible to observe a city that has its modernization build backwards, by the fact the elements that compose the paintings frequently do not have direct relation with the modernization of the city but simply suggest it. This way, with originality and some common and dissonant particularities if compared among the painters, originally created paintings tied up to the modernism of the second half of the 1930s.

A presente tese se propõe a fazer uma leitura mais acurada do manuscrito - Da Fabrica que falece a cidade de Lisboa (1571), de autoria do arquiteto iluminador Francisco de Holanda, inédito até meados do século XIX, quando foi descoberto pelo conde Athanasius Raczynski (1788-1874), na Biblioteca de Jesus em Lisboa, resgatando o artista-teórico do anonimato para ser devidamente reconhecido pela historiografia da arte e da arquitetura, como figura central para a compreensão dos novos valores estéticos propostos em Portugal no século XVI. Esta pesquisa enfoca particularmente a relação entre arquitetura e cidade presente no manuscrito que reúne, nas -lembranças, uma série de imagens destinadas a conferir um perfil monumental a Lisboa, cidade capital do reino e modelo para as principais colônias portuguesas. Nosso novo olhar sobre Da Fabrica que falece procura verificar a hipótese de que o manuscrito deva ser interpretado como um memorial de arquitetura aplicado à cidade, onde o arquiteto elabora imagens retóricas para promover a Renovatio urbis de Lisboa. Como - Rainha de um vasto império português a capital deveria ser transformada à imagem da magnificência da Roma Antiga e imperial, um topos que já vinha sendo reiterado nas principais cortes italianas entre os séculos XV e XVI e que nas palavras de Holanda assume um tom muito particular. Os ensaios destacam a importância assumida por Holanda, enquanto arquiteto conselheiro régio, que interpreta as aspirações artísticas e políticas conflitantes da corte de D. João III (1521-1557) e D. Sebastião (1568-1578). E em função das experiências vivenciadas na Itália, sobretudo em Roma, Florença e Veneza, através de levantamentos, do estudo da Antiguidade, da arquitetura Imperial e do contato mantido com artistas italianos ele propõe a renovação da cidade capital decalcada no modelo antigo. Nossa pesquisa começa com apresentação do manuscrito original (1571) e, na seqüência, sua primeira edição por Luiz Joaquim dos Santos Marrocos (1814), feita a pedido do Príncipe Regente D. João VI, no Rio de Janeiro, com anotações e comentários. A seguir o trabalho recolhe elementos destacando Francisco de Holanda, homem da corte, das letras e da arte no século XVI; Francisco de Holanda e Da Fábrica que falece a cidade de Lisboa um programa para a Renovatio urbis. / This thesis proposes an accurate reading of the manuscript - Da Fabrica que falece à cidade de Lisboa (1571), authored by illuminator architect Francisco de Holanda, unpublished until the mid-nineteenth century, when it was discovered by count Athanasius Raczynski (1788-1874), in the Library of Jesus in Lisbon, redeeming the artist-theoretical from the anonymity to be properly by the historiography of the art and of the architecture, as central figure for e understanding of the new aesthetic values proposed in Portugal in the 16th century . This survey focuses particularly on the relationship between architecture and city in the manuscript that brings together, in the \"memories\", a series of images to give a monumental profile to Lisbon, the capital city of the Kingdom and template for the main Portuguese colonies. Our new vision on Da Fabrica checks the hypothesis that the manuscript should be interpreted as a memorial of architecture applied to the city, wherein the architect prepares rhetorical images to promote the Renovatio urbis of Lisbon. As - Queen of a vast Empire Portuguese capital should be transformed to the image of the magnificence of ancient Rome and imperial, a topus that had already been reiterated in the main Italian courts between the 15th and 16th centuries and which in the words of Holanda takes a tone very particular. The tests highlight the role played by Holanda, while architect-regal Councilor, which interprets the artistic and politic aspirations conflicting of court of D. João III and D.Sebastião. And in light of experiences experienced in Italy, especially in Rome, Florence and Venice, through surveys, the study of antiquity, Imperial architecture and the contact maintained with Italian artists he proposes the renewal of the capital city inspired on the old template. Our research begins with the presentation of the original manuscript (1571) and, in the sequence, its first edition by Luiz Joaquim dos Santos Marrocos (1814), done at the request of the Regent prince D. João VI, with annotations and comments. The following work collects elements highlighting Francisco de Holanda, courtly, letter and art man Francisco de Holanda and Da Fabrica que falece à cidade de Lisboa, a program to the Renovatio urbis of Lisbon.

A pesquisa apresenta uma análise sobre o Curso de Especialização em Arte/Educação da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, que esteve ativo entre 1984 e 2001, fundado pela Profa. Dra. Ana Mae Tavares Bastos Barbosa e pela Profa. Dra. Regina Stela Barcelos Machado, procurando estabelecer um estudo histórico de seu desenvolvimento na universidade e refletindo sobre sua importância no cenário de transformações da área de Arte/ Educação nas últimas décadas no país. Além disso, o estudo busca compreender as proposições formativas promovidas por este curso de pós-graduação lato sensu que, potencialmente, impulsionou o desenvolvimento de seus alunos, alguns dos quais, posteriormente, seguiram suas próprias pesquisas, em nível de mestrado e doutorado, e ingressaram na carreira acadêmica, tornando-se formadores de arte/educadores. Para tanto, foram realizadas análises de documentos dos arquivos da Comissão de Cultura e Extensão Universitária da ECA e do Núcleo de Apoio à Cultura e Extensão em Promoção da Arte na Educação (NACE/NUPAE), bem como a captação de relatos de nove pessoas envolvidas no curso, entre fundadoras, excoordenadoras, ex-professoras e ex-alunos, incluindo minha própria narrativa. Assim, neste trabalho, a narrativa foi adotada em um processo ambivalente tanto como caminho de pesquisa pelos dados recolhidos como pelo aporte teórico de reflexões sobre formação de educadores, apoiado em Paul Ricouer, John Dewey, Walter Benjamin e Regina Machado, permitindo o reconhecimento do Curso de Especialização em Arte/ Educação da ECA/USP (1984-2001) como um desvio propositor na estrada da formação de educadores, ou seja, como uma ousada iniciativa que marcou presença nas transformações do panorama da Arte/Educação no Brasil. / The research presents an analysis about the Specialization Course in Art/Education of the Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, which was active between 1984 and 2001, created by Dr. Ana Mae Tavares Bastos Barbosa, and Dr. Regina Stela Barcelos Machado, seeking to establish a historical study of its development in the university and reflecting on its importance in the scenario of transformations of the area of Art/ Education in the last decades in the country. In addition, the study seeks to understand the formative propositions promoted by this lato sensu postgraduate course that, potentially, stimulated the development of its students, some of whom subsequently pursued their own research, at master\'s and doctoral level, and entered the academic career, becoming teacher educators themselves. In order to do so, analyzes of documents from the archives of the Comissão de Cultura e Extensão Universitária da ECA and the Núcleo de Apoio à Cultura e Extensão em Promoção da Arte na Educação (NACE/NUPAE) were carried out, as well as the capture of reports of nine people involved In the course, between founders, former coordinators, teachers and students, including my own narrative. Thus, the narrative was adopted in an ambivalent process in this work, both as a research route for the collected data, as well as by the theoretical contribution of reflections about teacher education, supported by Paul Ricouer, John Dewey, Walter Benjamin and Regina Machado, allowing the recognition of the Specialization Course in Art/Education of the ECA/USP (1984-2001) as a purposeful detour on the road of teacher\'s education, in other words, as a daring initiative that marked its presence in the art/education\'s scenario in Brazil.

A dissertação aqui presente procura cartografar a produção artística da brasileira Regina Vater, desde seu período de formação durante os anos 60 no Rio de Janeiro, até meados da década de 90, quando já fixara residência nos EUA. Vater é contemporânea de um período fértil da produção plástica nacional, tendo participado tanto dos pressupostos figurativos dos anos 60, até os conceitualismos dos 70, culminando assim nas décadas seguintes em um ecologismo artístico votivo que se perpetua até os dias atuais. Nesse percurso, deu-se ênfase nas relações entre sua produção artística e o movimento feminista brasileiro, procurando com isso estabelecer vínculos teóricos e críticos com as principais questões feministas em voga e as práticas artísticas conceitualistas e de vanguarda. / The dissertation presented here seeks to chart the artistic production of the Brazilian artist Regina Vater, since her formation during the period of 60`s in Rio de Janeiro until the mid-90´s, when she already set residence in the U.S.. Vater is contemporary of a fertile plastic production in the country, taking part in both figurative assumptions of 60´s, until the conceptualism of 70´s, thus leading to the following decades in an artistic votive environmentalism that is perpetuated to this day. In this course, was placed emphasis on the relationship between artistic production and Brazilian feminist movement, seeking to establish theorists and critics links with the principal feminist issues and practices in vogue and the artistic avant-garde and conceptual.