Esta pesquisa propõe um levantamento e estudo da obra de Milton Kurtz (1951 - 1996), arquiteto e artista que desenvolveu sua técnica basicamente calcada no desenho, participando de grupos de artistas que promoveram um debate e uma efervescência cultural no Rio Grande do Sul no final dos anos 70 e inicio dos 80. O recorte principal está vinculado à presença de uma visualidade que denota sintonia com sua contemporaneidade e com a mídia de massa. Com referenciais nas histórias em quadrinhos, revistas, jornais, anúncios publicitários, cinema e televisão, que compõem sua coleção pessoal, Kurtz constrói uma obra com intensas aproximações ao espírito característico da Pop Art. A pesquisa propõe um levantamento destas aproximações, bem como o estudo de sua poética que apresenta forte viés erótico, explorando questões do corpo e revelando ambiguidades e dualidades ligadas tanto à bidimensionalidade quanto às questões de gênero. O presente estudo visa ainda, contribuir para o devido registro na história da arte no estado, não apenas da obra de Milton Kurtz, mas também do KVHR, grupo de artistas do qual participou ativamente desde novembro de 1977 a maio de 1980, junto com Julio Viega, Paulo Haeser e Mário Röhnelt. / This research proposes a survey and study the works of Milton Kurtz (1951 - 1996), architect and artist who developed his technique essentially based on drawing, participating in groups of artists that promoted a discussion and a cultural effervescence in state of Rio Grande do Sul in the final of the 70's and beginning of the 80's. The main bias is linked to the presence of a visuality that shows a link with his contemporary and the mass media. With references in comics, magazines, newspapers, advertisements, movies and television, making up his personal collection, Kurtz produced an intense work with verifiable approaches to the spirit characteristic of Pop Art. The research proposes a survey of these approaches, and the study of his poetic feature that shows a strong bias erotic, exploring issues of body and revealing ambiguities and dualities related to the bi-dimensionality and to the gender issues. This study also aims to contribute to the proper record in the history of art in the state, not just the work of Milton Kurtz, but also the KVHR, group of artists which participated actively since November 1977 to May 1980, with Julio Viega, Paulo Haeser and Mário Röhnelt.

Donas da Beleza discute a representação do feminino na cultura ocidental, presente na produção das artistas plásticas do século XX. O estudo foi desenvolvido para examinar, a partir de uma perspectiva estética e sóciocultural, os diferentes modelos de Beleza, a forma como são propostos, como coexistem, e ainda, como se remetem mutuamente através de diferentes períodos, sem perder o foco estabelecido o olhar feminino. Este parâmetro implicou um estudo comparativo que identifica semelhanças e diferenças no modo de representação de arquétipos dominantes no imaginário de homens e mulheres. Sob o título Configurações da Beleza Feminina comparecem as categorias: Divindade, Maternidade, Inocência, Maturidade, Sensualidade e Ideal. Constitui um quadro visual de referência em que artistas e obras estão alinhados a partir da diversidade quanto ao tratamento dos temas, técnicas e contextos de produção, localizando, numa linha de tempo que compreende o século XX e suas fases de transição, uma maior abertura, sugerindo outras leituras, ou seja; outros modos de ver a imagem da mulher, a mulher artista, a história da arte. / In Owners of the Beauty I have studied the representation of feminine in the occidental culture in the production of the plastic female artists of 20th century. The study was developed to examine, from an aesthetic and socio-cultural perspective, the different models of Beauty, as they are considered, as they coexist, and still, as they relate through different periods, without losing the established focus - the feminine look. This parameter implied a comparative study that identifies similarities and differences in the way of representation of dominant archetypes in men and women imaginary. Under the heading Configurations of the Feminine Beauty these categories appear: Deity, Maternity, Innocence, Maturity, Sensuality and Ideal. It is a visual picture of reference where artists and workmanships are lined up by the diversity of treatment of subjects, techniques and contexts of production, in a time line that comprehends 20th century and its phases of transition and which imply other readings, other ways to see the image of the woman, the woman artist, the history of the art.

Made available in DSpace on 2016-04-18T21:31:34Z (GMT). No. of bitstreams: 3 Maria Lucia Cruz Suzigan1.pdf: 1190260 bytes, checksum: 97c9aaadcf81bc3264dd3fe800fb71fd (MD5) Maria Lucia Cruz Suzigan2.pdf: 3120200 bytes, checksum: a46b2c208d6dcae07c823d63205ad1f3 (MD5) Maria Lucia Cruz Suzigan3.pdf: 3253304 bytes, checksum: e1b08ad2489394f15d57020a246a8de6 (MD5) Previous issue date: 2006-09-12 / Fundo Mackenzie de Pesquisa / This work intends to discuss the pedagogical project of CLAM - Free Center of Musical Learning, one of the first schools of music in the city of São Paulo to develop a different proposal of teaching-learning from the traditional schools. The focus is on the period from March 1973 to March 2001. It is an interdisciplinary work the first one concerning a brief history of Zimbo Trio and the CLAM. The second chapter analyses all the methodology developed in the school and examples of what repertoire was used. In the third chapter is about the creation and organization of the Department of Musical Education for Children, its methodology, repertoires, recitals and the use of this teaching-learning system for public and private schools, in particular Diadema - SP public school net. / Essa dissertação propõe discutir o projeto pedagógico do CLAM Centro Livre de Aprendizagem Musical, uma das primeiras escolas de música da cidade de São Paulo a desenvolver uma proposta de ensino-aprendizagem diferente das escolas tradicionais. O estudo abrange o período de março de 1973 a março de 2001. É um trabalho interdisciplinar que está dividido em três capítulos, sendo o primeiro uma breve história sobre o Zimbo Trio e o CLAM. O segundo capítulo analisa toda a metodologia desenvolvida na escola e exemplos do repertório utilizado. No terceiro, a criação e organização do Departamento de Educação Musical para crianças, sua metodologia, repertórios, recitais e a utilização deste sistema de ensinoaprendizagem por escolas regulares do ensino público e privado, em especial as escolas da rede municipal de Diadema - SP.

Este trabalho apresenta releituras de imagens consagradas na história da arte e da arquitetura, constantes em materiais publicitários e em veículos de comunicação, assim como em fachadas arquitetônicas, visualizadas na cidade de São Paulo, no período que compreende a virada do século XX para o XXI. As releituras publicitárias focam as imagens que se tornaram famosas no mundo contemporâneo e privilegiam as que fazem referências ao mundo de tradição clássica, embora seja possível encontrar outros momentos da história, também evidenciados nas propagandas. Nas imagens arquitetônicas, enfocou-se principalmente nos aspectos de fachada que apresentam referências advindas do mundo clássico. Observou-se, a partir das duas leituras, que as referências são utilizadas pelo aspecto simbólico que elas assumem ao longo da história. / This thesis shows reinterpretation of consecrated images Art History and Architecture that are constantly found in advertising pieces and the media as well as in architectonic faces of buildings in São Paulo from the XX to XXI centurys transition. The reinterpretation of the advertising pieces focus on images that became famous in the contemporary world and highlight the ones that refer to the world of classical tradition, even though, it is possible to find other historical moments also highlighted in the advertisements. It was noticed from the two reinterpretations that those references are used because of the symbolic aspect they take throughout history.

A obra do historiador da arquitetura Manfredo Tafuri (1935-1994) mantém grande pertinência nos debates contemporâneos. Sua contribuição é caracterizada pelo rigor filológico de suas pesquisas, pela leitura crítica das utopias das vanguardas e sobretudo pelo trânsito intenso de suas análises por outras disciplinas das ciências humanas, como a filosofia, a psicologia e a sociologia. Em seus textos, o autor ladeou o Renascimento e a atualidade de diferentes modos para tecer suas argumentações, através de articulações de noções de tempo. O tempo, na prosa de Tafuri, é um objeto de estudo em si, e remonta às raízes de seu trabalho nos debates filosóficos italianos. A tese se aprofunda nesse aspecto do historiador, na determinação feita entre períodos históricos, dando ênfase ao modo como Tafuri entendia a temporalidade. Toma-se como texto de base a conferência As formas do tempo (1993), onde podemos encontrar uma síntese de suas considerações sobre o assunto, relacionando-a com os textos mais ensaísticos sobre história assinados pelo autor, que formam o corpus desta pesquisa: Teorias e história da arquitetura (1968), Projeto e utopia (1973) e Machine et memoir: a cidade na obra de Le Corbusier (1979). Estudar-se-á este núcleo considerando a hipótese de que a complexidade da obra de Tafuri reside no entremeio de tempos. Espera-se com este recorte destacar a atualidade das considerações críticas do autor sobre a arquitetura, demonstrar a interlocução de seus escritos com os debates filosóficos italianos de sua época, bem como aprofundar em alguns aspectos a interdisciplinaridade de sua teoria. / The work of Manfredo Tafuri (1935-1994) remains important for the History of Architecture. His contribuition is often summarized in the filological accent of his research subjects, the critical approach of contemporary trends in architecture and most of all for the interdisciplinarity of his writings, leaning towards other fields of humanities such as philosophy, psicology and sociology. In the overall of his work, the author established connections between Renaissance and Contemporary in different ways to make a point in his essays. The ways he framed different periods of history concerned a specific transit between notions of temporality. In Tafuri\'s work, time appears as a subject itself and denotes its philosphical origins in the political trends of Italy. This thesis seeks to shed light on one specific aspect of the work of Tafuri. It will work with his most ensaistic works regarding time: The forms of time: Venice and the Renaissance (1993) and Machine et memoir: The city in the work of Le Corbusier (1979). Along with these two articles, we will focus on two seminal books signed by the author: Theories and history of architecture (1968) and Architecture and utopia (1973). Through the study of the temporality in the work of Tafuri, we expect to broaden the understanding of his contribution, shedding light to the pertinence of his critical opinions on architecture, to the persistent dialogue his work with philosophical trends in Italy, and to give a better overall understanding of the interdisciplinary approach of his theory.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2016-10-07T11:25:04Z No. of bitstreams: 1 andreiadefreitasrodrigues.pdf: 4480860 bytes, checksum: 789f93014343f61108e9441c4c003602 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2016-10-07T12:18:00Z (GMT) No. of bitstreams: 1 andreiadefreitasrodrigues.pdf: 4480860 bytes, checksum: 789f93014343f61108e9441c4c003602 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-10-07T12:18:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 andreiadefreitasrodrigues.pdf: 4480860 bytes, checksum: 789f93014343f61108e9441c4c003602 (MD5) Previous issue date: 2009-10-14 / O tema da melancolia tem sido fonte de atenção de filósofos, médicos, artistas, historiadores, pensadores de várias áreas do conhecimento, desde tempos imemoriais. Parte desse interesse se compreende pelo mistério que guarda sua própria definição, ambivalente e fascinante, que se refere à melancolia ora como um estado de desequilíbrio doentio, ora como pecado a ser punido, ora como estado da alma que exalta a genialidade. Na história das artes, a melancolia sempre determinou uma iconografia à parte, desde a antiguidade clássica. Este trabalho trata então, da melancolia abordada por um artista em particular, em uma época específica. Tendo como ponto essencial o estudo e a interpretação da gravura “Melencolia I”, de Albrecht Dürer, este trabalho privilegiará não apenas as características formais desta obra, mas as várias possibilidades e conexões que a mesma possui com o tempo e lugar onde foi produzida, principalmente a filosofia neoplatônica de Marsilio Ficino. Percorrendo além dos limites estreitos de uma leitura puramente formalista, a pesquisa considera a obra de arte como uma relação complexa e ativa aos acontecimentos da história circundante, pensando em sua análise iconográfica como um instrumento de reconstrução do indivíduo, do ambiente, da história geral. / The topic of melancholy has been a source of attention from philosophers, doctors, artists, historians, thinkers in various fields of knowledge, since time immemorial. Part of this interest to understand the mystery that keeps its own definition, ambivalent and fascinating, which is sometimes referred to melancholy as a state of imbalance sick, sometimes as sin to be punished either as a state that exalts the soul of genius. In the history of the arts, the melancholy always the part of an iconography from ancient classic. This work is then addressed by melancholy of an artist in particular, in a specific time. With the key point the study and interpretation of the engraving "Melencolia I", by Albrecht Dürer, this work focus not only the formal characteristics of this work, but the various possibilities and connections that it has the time and place where it was produced, mainly Neo-Platonist the philosophy of Marsilio Ficin. Traveling beyond the narrow confines of a purely formalist reading, the study considers the work of art as an active and complex relationship to the events surrounding the story, thinking about his iconographic analysis as a tool for reconstruction of the individual, the environment, the general history.

Made available in DSpace on 2014-06-12T18:33:57Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo9441_1.pdf: 10613902 bytes, checksum: 80a82ac06a7a1531cc464ad08950ca57 (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2011 / No inicio dos anos 1980, especificamente na configuração das artes plásticas, uma narrativa crítica entre outras que marcaram o importante debate sobre a arte contemporânea e seus circuitos de atuação nacional , alimentou e foi alimentada pelos modos de fazer de jovens artistas, e produziu alguns enunciados sobre as maneiras e os modos de se fazer arte naqueles anos. O retorno ao fazer da pintura é anunciado em oposição a uma arte conceitual vista como fria, hermética e cerebral , marcadamente localizada nos anos 1970. Grosso modo, o discurso da crítica criara um rótulo para sintetizar a novidade: Geração 80 , pretendendo traduzir as performances de jovens artistas, em sua maioria pintores, oriundos de formação das escolas de arte localizadas no eixo Rio de Janeiro e São Paulo. Não obstante, tal generalização, como qualquer outra, não deu conta de dizer de toda uma produção artística que se espraiava em diversas poéticas e práticas, seja nessas duas metrópoles, e muito menos ao considerar as artes realizadas em outras geografias e lugares do Brasil. Nesse sentido, fez-se imperativo desnaturalizar o rótulo Geração 80 e a chamada Nova Pintura feita pelos jovens artistas, que não foi adequadamente problematizada pela crítica brasileira, considerando que a produção pictórica era desprovida de um discurso crítico que a [objetivasse] como produto pictórico portador de uma conceituação específica (Basbaum, 2001, p. 307). O processo realizado para desnaturalizar tais pressupostos imprimiu-se com a construção de uma cartografia das artes plásticas na cidade do Recife na década de 1980, feita por meio de relatos orais e de memória de artistas plásticos e críticos de arte. Realizei 42 entrevistas com roteiros abertos e essas se constituíram em textos narrativos que estão analisados no corpo da tese. Trabalhei com fontes documentais gráficas jornais, revistas, catálogos - e com as narrativas pictóricas realizadas por artistas brasileiros, sobretudo pelos artistas jovens do Recife que à época aspiravam reconhecimento para ocupar o meio artístico local e nacional. Ao longo da pesquisa um desenho cartográfico se esboçou, sendo, por meio dele, localizáveis lugares de produção, formação e exibição das artes plásticas na cidade do Recife, e maneiras de fazer e praticar a configuração e as linguagens das artes plásticas naqueles anos. Entre tensões, rearranjos e negociações os artistas plásticos jovens e os já estabelecidos à época reinventaram o campo das artes na cidade. No entanto, foram os novatos , jovens artistas, outsiders, que produziram deslocamentos nas maneiras de fazer e praticar as artes plásticas, re-atualizando os diálogos entre as tradições e o novo

No quadro internacional, foi a partir do século XVII que se começou a valorizar a arquitectura medieval, acentuando-se essa mesma valorização durante o século XIX. Só então, no primeiro quartel de Oitocentos, começam a surgir os primeiros estudos que diferenciam as características formais, construtivas e iconográficas do estilo românico face estilo ao gótico. O estabelecimento de metodologias, a definição de cronologias e a caracterização estilística criaram um quadro conceptual e lançaram as bases para o avanço da disciplina no que diz respeito à alteridade do românico relativamente ao gótico. Em Portugal, o estudo sobre românico surge tardiamente quando comparado com a restante realidade europeia. Datando de 1870 a primeira obra consagrada a este estilo artístico, o seu estudo estendeu-se até aos nossos dias, afirmando-se através de sucessivas fases de conhecimento que reflectem abordagens, temas e problemáticas bem datadas. No entanto, as conquistas e evoluções que a historiografia sobre a matéria foi fazendo, materializada num vasto número de trabalhos editados, contribuíram e muito para o conhecimento actual sobre o românico português. A imagem que se foi construindo do românico acompanha a evolução da escrita sobre este momento tão representativo da arquitectura portuguesa, conotado com a formação de Portugal e com o reinado de D. Afonso Henriques (1143-1185). Esta concepção influiu sobre o modo como se restaurou a arquitectura da época românica sensivelmente ao longo da primeira metade do século XX. E isto é tanto mais significativo quanto daqui decorre a imagem actual da arquitectura românica, tal como a conhecemos hoje. Ao longo desta ampla cronologia, destacara-se três autores pela ruptura conceptual que o seu pensamento e a sua escrita sobre românico definiram. Deve-se a Augusto Filipe Simões (1835-1884) a publicação da primeira obra consagrada à arquitectura românica, as Reliquias da architectura romano-byzantina em Portugal e particularmente na cidade de Coimbra, dada ao prelo em 1870. Com Manuel Monteiro (1879-1952) foram lançadas as bases da posterior historiografia sobre a arquitectura da época românica em Portugal, definindo tipologias, classificando dialectos, estabelecendo cronologias e identificando influências. Só mais tarde, com Carlos Alberto Ferreira de Almeida (1934-1996) é que se voltou a sentir uma nova ruptura conceptual na escrita sobre românico, tendo este autor, além de muitos outros aspectos, procurado compreender o românico na sua época e na sua profunda relação antropológica com o território onde se insere. A originalidade do românico português foi sendo reconhecida pela historiografia da especialidade. A sua íntima relação com o território, a importância nuclear que os seus testemunhos arquitectónicos assumiram na organização territorial, aos mais diversos níveis, foi sendo assimilada por aqueles que se consagram ao seu estudo. Acresce ainda a percepção da forte presença de influências estrangeiras, apesar das problemáticas que se lhe associam, adaptadas que foram num contexto muito específico, onde as pré-existências assumem um papel nuclear, acentuam ainda mais o carácter único da arquitectura portuguesa da época românica. / In the international sphere, the appreciation of the medieval architecture commenced in the 17th century and increased throughout the 19th century. Only at that stage, in the first quarter of the 1800s, do the first studies which differentiate the formal, constructive and iconographic characteristics of the Romanesque style compared to the Gothic style begin to appear. The establishment of methodologies, the definition of chronologies and the stylistic characterization created a conceptual framework and launched the grounds for the development of the discipline in what concerns the alter ego of the Romanesque in relation to the Gothic. In Portugal, the study of the Romanesque occurs rather late when compared to the remaining European reality. The first artwork devoted to this artistic style dates from 1870 and its study has been carried out until the present day, being defined through successive phases of knowledge which reflect well dated approaches, themes and problematics. Nevertheless, the historiography conquests and developments made on the subject in the meantime, which materialize in a vast number of published works, largely contributed to the actual knowledge of the Portuguese Romanesque. The image that was construed of the Romanesque escorts the evolution of writings regarding such a representative moment of Portuguese architecture, which is linked to the foundation of Portugal and the kingdom of D. Afonso Henriques (1143-1185). This understanding influenced the manner in which the Romanesque period architecture was restored roughly during the first half of the 20th century. This is even more significant whereas this results in the current image of the Romanesque architecture, as we know it today. Throughout this wide chronology, three authors are distinguished due to the conceptual breakout defined by their thoughts and their writings. The publishing of the first artwork devoted to the Romanesque architecture, the Reliquias da architectura romano-byzantina em Portugal e particularmente na cidade de Coimbra, dated 1870 is owed to Augusto Filipe Simões (1835-1884). With Manuel Monteiro (1879-1952) the grounds of the subsequent historiography on Romanesque period architecture in Portugal were launched, by defining typologies, classifying dialects, establishing chronologies and identifying influences. Only later with Carlos Alberto Ferreira de Almeida (1934-1996) a new conceptual breakout in the writings on Romanesque was felt, due to the fact that this author, amongst many other aspects, tried to understand the Romanesque in its era and its profound anthropologic relationship with the territory where it is located. The originality of the Portuguese Romanesque commenced being recognized by the Romanesque historiography. Its intimate relationship with the territory, the nuclear importance which its architectonic testimonies acquire in the territorial organization, at diversified levels, has been taken on board by those devoted to its study. Additionally, the perception of the strong presence of foreign influences, despite the associated problematics and adapted in a specific context where prior artistic existences acquired a nuclear role, enhance even more the unique character of the Portuguese architecture in the Romanesque period.

Pretende a presente dissertação estudar as transformações sofridas pela Sé do Porto no século XX, resultado da acção da Direcção-Geral dos Edifícios e Monumentos Nacionais (DGEMN). Assim, balizando a nossa pesquisa entre 1929 - ano da criação da DGEMN - e 1982 - ano da criação do Instituto Português do Património Cultural, ao qual passou a estar afecta a Sé -, foi nosso principal objectivo apurar em que medida estas transformações contribuíram para o estado em que se apresenta actualmente a fisionomia da Catedral portuense. Após o estudo dos Processos dos Arquivos da DGEMN - de Obras e Administrativos, Gráficos e Fotográficos -, dedicados a este Monumento em particular, pudemos constatar que na origem das transformações esteve todo um vasto conjunto de intervenções com vista à reabilitação arquitectónica do complexo Catedralício. Deste modo, verificámos, ainda, que estas intervenções apresentaram duas naturezas distintas, decorrentes das teorias e conceitos aplicados nas acções desenvolvidas pela DGEMN, reflexo das mudanças verificadas ao nível do ambiente cultural em torno da consciencialização da salvaguarda do Património Edificado. Assim, e sensivelmente até 1946, seguiu-se uma linha mais próxima da reintegração estilística, concretizada num restauro, deveras transformador da fisionomia do próprio Monumento. Após esta data, optou-se mais por seguir uma acção pautada pelos princípios da conservação, ou seja, da manutenção do Monumento no estado em que este foi encontrado. Para ambos os períodos tivemos sempre em atenção que no modo de tratar a envolvente do Monumento foram seguidos, aproximadamente, estes princípios e conceitos. De um modo inédito a pesquisa que realizámos veio, ainda, a revelar que toda esta atenção especial dada em Portugal aos Monumentos ao longo do século XX, em particular, teve a sua origem em todo um ambiente cultural e teórico que se foi paulatinamente desenvolvendo na cidade do Porto, a partir da acção de sensibilização protagonizada por Joaquim de Vasconcelos e por Marques Abreu e que depois se estendeu a um grupo maior, ainda restrito, o Núcleo do Porto, que adoptou como causa o culto dos Monumentos. / This dissertation intends to study the transformations undergone by the See of Oporto in the 20th century, in consequence of the action of the Direcção-Geral dos Edifícios e Monumentos Nacionais - DGEMN (General-Direction of the National Buildings and Monuments). Thus, limiting our research between 1929 - the year of DGEMN's creation - and 1982 - the year of the creation of the Instituto Português do Património Cultural (Portuguese Institute of Cultural Heritage), to which the See became formally linked -, our main goal was to find out to which extent these transformations contributed to the present state of the Oporto Cathedral's physiognomy. After studying the Files of DGEMN's Archives - of Works and Administrative, Graphic and Photographic -, related to this Monument in particular, we were able to realize that in the origin of the transformations there was a vast number of interventions with a view to architectonic rehabilitation of the Cathedral's complex. In this way, we ascertained further that these interventions were of two different natures, resulting from the theories and concepts applied in the actions developed by DGEMN, a reflex of the changes that occurred at the level of the cultural environment around the consciousness of the safeguard of the Built Heritage. In this way, and till about 1946, a course closer to stylistic reintegration was followed, realized in restoration, really transformer of the Monument's physiognomy. After this date, the main option was to follow an action regulated by the principles of conservation, in other words, of maintaining the state in which the Monument was found. For both periods we kept always in mind that in the way of treating the Monument's surroundings these principles and concepts were approximately followed. In an unprecedented way the research we made also revealed that all this special attention paid in Portugal to the Monuments during the 20th century, in particular, had its origin in a cultural and theoretical environment that developed gradually in the city of Oporto, starting with the awareness action led by Joaquim de Vasconcelos and Marques Abreu and later extended to a larger group, yet still limited, the Nucleus of Oporto, that adopted the cult of the Monuments as a cause.

Esta tese discorre sobre a Bienal de Artes Visuais do Mercosul. Exposição de arte contemporânea que ocupa vários espaços expositivos e interfere na cidade de Porto Alegre através de intervenções na paisagem e, principalmente, cultural, social, artística e economicamente. Mais especificamente buscou-se a apresentação das relações de estado e mercado na construção do projeto Bienal do Mercosul, pois ao analisar as edições iniciais das Bienais de Artes Visuais do Mercosul (1997-2003) encontramos convergências políticas entre as iniciativas públicas e privadas associadas ao evento. Este projeto cultural rapidamente se tornou referência regional e modelar para o setor local. A Bienal do Mercosul surgiu e se constituiu, com sucesso, numa era de fluxos, câmbios e impermanências de riquezas, culturas e identidades, que desafiam a promoção internacional da produção artística regional, bem como de seus agentes e mercados. Nesse processo surgem estratégias narrativas de afirmação, sistematicamente noticiadas pela mídia impressa, fonte de consulta referencial para esse trabalho. Através dos jornais e dos catálogos da mostra buscamos os pronunciamentos dos presidentes da Fundação Bienal de Artes Visuais do Mercosul, de dirigentes estatais e representantes políticos além de artistas, dos curadores da mostra, críticos de arte e jornalistas que analisam e justificam suas escolhas, opiniões e avaliações a partir dos postulados contemporâneos do mundo globalizado, evidenciando protagonismos e utopias presentes nas Bienais do Mercosul. Nessa tese procuram-se os efeitos e demonstrativos locais (Rio Grande do Sul / Porto Alegre) da afirmação corrente de que o poder faz cultura e que a cultura estabelece o poder, de acordo com a qual, os circuitos culturais e artísticos, nos moldes das Bienais do Mercosul configuram cenários privilegiados, também para a disputa de liderança e hegemonia. A relevância das Bienais do Mercosul, apesar do nome que refere a formação de um bloco para o Mercado Comum do Sul, está hoje muito mais associada ao poder de inserção internacional desse evento e seus agentes do que a capacidade de promoção e crítica da arte latinoamericana contemporânea, restrita aos países do Cone Sul e ou, fora dos padrões hegemônicos da arte globalizada. Assim, a indicação da formação de um bloco de países do Sul, MERCOSUL, expressa no nome, não significa um movimento de resistência, mas uma forma de apresentar esta Bienal, distintivamente, num mercado internacional que ostenta inúmeras bienais, como a maior mostra de arte latino-americana. / This thesis is about the Mercosul Visual Art Biennial. Exhibition of contemporary art that takes up several spaces of exposition and interferes in the city of Porto Alegre through interventions in the landscape and, above all, cultural, social, artistic and economic aspects. More specifically sought to presentation of the relations of state and market in the construction of the project Mercosul Biennial, because, when analyzing the original editions of the Mercosul Visual Art Biennial (1997-2003) we find political convergences between public and private initiatives related to the event. This project quickly became a cultural reference model for regional and local industry. The Mercosul Biennial emerged and whether it became successful in an era of flows, exchange rates and impermanence of things, cultures and identities that defy the international promotion of regional artistic production, as well as their agents and markets. In that case arise, narrative strategies of affirmation, routinely reported by the print media, consulting source of reference for this work. Through newspapers and catalogs of shows seek the pronouncements of the presidents of the Mercosul Visual Art Biennial foundation, the state leaders, political representatives as well as artists, the curators of the show, of art critics and journalists who analyze and justify their choices, opinions and assessments from the postulates of the contemporary globalized world, showing players and utopias present in the Mercosul Biennial. In this thesis attempts to test the effects and locations (Rio Grande do Sul / Porto Alegre) assertion that the current power is growing and that culture provides the power, according to which the cultural and artistic circuits, in the manner the Mercosul Biennial preferential up scenarios, also for the dispute of leadership and hegemony. The relevance of the Mercosul Biennial, despite the name that refers to the formation of a bloc for the Southern Common Market, is now much more linked to the power of international insertion of this event and its agents than the ability to promote and criticism of Contemporary Latin American Art, restricted to countries of the Southern Cone and, or, outside the hegemonic patterns of global art. Thus, an indication of the formation of a bloc of southern countries, Mercosul, expressed in name, not a movement of resistance, but a way of presenting this Biennial, clearly, in a market that boasts numerous international biennials, as the largest show of Latin American art.