Dans ce travail on essaye de donner une définition et une historicisation de ce qu’on appelle « littérature italienne de la migration ». Il y a tout de suite une distinction à faire entre les écrivains étrangers qui écrivaient en italien avant le grand flux migratoire des années ’80 et ceux qui sont issus de cette vague, dont la thèse s’occupe dans une manière plus spécifique (années 1989-2007). Les changements sociaux et culturels que les nouveaux immigrés ont apporté, ont transformé l’Italie de pays d’émigration en pays d’immigration. Au niveau littéraire ces écrivains ont d’abord utilisé un langage standard, pour se faire comprendre du public et pour témoigner les difficultés du voyage migratoire et de l’intégration ;les dernières œuvres, pourtant, analysées dans la deuxième partie de la thèse, ont été écrites par des écrivains qui manipulent plus facilement la langue italienne, utilisant un plurilinguisme témoin d’un lien très stricte entre oralité et écriture, et entre langue d’origine et langue d’accueil. Enfin, les oeuvres des écrivains italophones postcoloniaux et de ceux issus de la deuxième génération peuvent rapporter la littérature italienne contemporaine avec des autres situation (France, Allemagne, Angleterre, Etats Unis) qui semblent très similaires.<p><p><p>ENGLISH: On this work we want to give a definition about “Italian Migrant Literature”. There is a difference between writers came in Italy before or after the migration’s fluxes on the 80’s. With this social and cultural changes, Italy became immigration country. First, migrant writers used a standard language, to have a big public and to talk about migration. Last works are more interesting because they use a plurilingualism that can show the relationship between oral and write. Finally, Postcolonial Italian writers and Second Generation writers make a connection with the literary situation in the other countries (France, Germany, Britain, United States). <p><p><p> / Doctorat en Langues et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2015-2016 / Les termes de couleur, anciens ou modernes, ne peuvent être réduits à la dénomination de catégories servant à diviser le spectre des visibles : cet ensemble lexical unique mérite d’être considéré comme un phénomène linguistique et littéraire à part entière. Pourtant, trop souvent encore, les études portant sur le vocabulaire de la couleur tendent à subordonner le système langagier au phénomène physique, conséquence indirecte de la recherche d’objectivité qu’une vision positiviste attribue aux sciences de la nature. Les termes de couleur sont alors examinés selon des critères qui ne correspondent pas à leur véritable essence – une attitude qui, dans le cas des langues anciennes, mène à des constats d’imprécision injustifiés. Dans les faits, l’emploi des termes de couleur transcende largement la dimension visuelle : leur nature se révèle essentiellement subjective, et ce à plus forte raison dans les textes littéraires, dont se compose l’essentiel du matériel dont nous disposons pour étudier les cas du grec et du latin. Plutôt que de mettre l’accent sur les différences entre conceptions anciennes et modernes, cette étude aborde la couleur en tant que phénomène culturel dans une optique de continuité ; elle vise à montrer que l’analyse littéraire de textes poétiques anciens peut nourrir une réflexion sur la nature des couleurs et sur les processus qui mènent à leur conceptualisation. Après avoir posé les bases d’une réflexion sur la nature de la couleur (Chapitre I), cette thèse étudie le traitement poétique des termes de couleur et, de façon plus générale, l’utilisation des procédés littéraires faisant appel au chromatisme, chez les élégiaques latins (Ovide, Properce, Tibulle et le Corpus Tibullianum) et Catulle, à partir de leurs principaux modèles grecs d’époque alexandrine (Théocrite, Callimaque) et archaïque (poésie lyrique et épopée homérique). L’étude se focalise autour de quatre grands thèmes qui correspondent à des images littéraires développées par les poètes élégiaques – le « petit livre coloré » (Chapitre II), le « portrait en rouge et blanc » (Chapitre III), l’« amant pâle » (Chapitre IV) et la « mer céruléenne » (Chapitre V). Le corpus principal, approché dans l’ordre chronologique inverse, est envisagé sous l’angle de la réécriture. En effet, l’imitation émulative se trouve au cœur du processus créatif des poètes latins, qui élaborent leur identité d’auteurs en réinventant les vers de leurs prédécesseurs ; ce procédé amène les poètes à reprendre et à enrichir des images littéraires colorées, donnant naissance à des topoi et à des associations d’idées qui, au fil des siècles, tendent à se cristalliser sous la forme de termes de couleur abstraits. / Color terms, in modern and ancient languages alike, cannot be reduced to sections of the visible spectrum: this complex and rather unique lexical ensemble deserves our full attention as a linguistic and literary phenomenon. Yet color vocabulary is still too often regarded as an imperfect means to describe visual perceptions, a system that fails to achieve the precision of optical science. This idea, a consequence of the quest for objectivity which natural sciences are hoped to provide, does not reflect the true nature of color terms and induces an important bias in their study: as a result, many classical philologists have come to judge Greek and Latin color vocabularies as underdeveloped and their use by ancient authors as clumsy. The purpose of color terms is not limited to description in terms of chromatic acuteness: in fact, this vocabulary proves to be subjective by nature. This is even truer about its literary use, and literature constitutes the main material available to study color terms in Greek and Latin. Instead of looking for differences between ancient and modern conceptions, this study focuses on continuity and on color as a cultural phenomenon; its aim is to show that the analysis of ancient poetry can contribute to a more general reflection on the nature of colors and to our understanding of how they become concepts. Beginning with a chapter devoted to the nature of color (Chapter I), this dissertation studies the poetic treatment of color terms and, more generally, the use of literary devices pertaining to chromatism in Roman Elegists (Ovid, Propertius, Tibullus and the Corpus Tibullianum) and Catullus, as well as in their Greek models from the Hellenistic (Theocritus, Callimachus) and Archaic (lyric poetry and Homeric epics) periods. The study focuses on four poetic figures – the “little, colorful book” (Chapter II), the “red and white portrait” (Chapter III), the “pale lover” (Chapter IV) and the “cerulean sea” (Chapter V). Each of these chapters surveys the meaning of Latin vocabulary and expressions through the Greek verses they refer to. The corpus is approached in reverse chronological order, with more specific attention paid to intertextuality and rewriting: imitatio plays in fact a crucial role in the creative process of Latin poets, who construct their identity as authors as they interpret and transform pre-existing text. The colorful imageries that are thus being developed over centuries give birth to topoi and strong associations between emotions and realities that tend to crystallize in the form of abstract color terms.

Cette recherche-création effectuée dans le cadre d’études de deuxième cycle présente une analyse de l’adaptation télévisuelle récente de meurtriers fictifs notoires. Dans la première partie, un essai retrace la façon dont ont été transposés pour la télévision les personnages de Norman Bates (Psycho, 1960) et d’Hannibal Lecter (The Silence of the Lambs, 1991) ainsi que les mécanismes qui ont été déployés afin d’étoffer ces protagonistes et leurs forces d’action. Dans la deuxième partie, on présente la création d’une série télévisée librement inspirée du personnage de John Doe (Seven, 1995). Cette section décrit les différentes étapes du processus d’élaboration d’une œuvre télévisuelle, incluant la démarche d’adaptation, le sujet de la saison, la description des personnages, la structure narrative et les milieux de l’action, les résumés et synopsis des épisodes. Par la suite, un des épisodes a été scénarisé.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdorales, 2015-2016 / Ce mémoire traite globalement du goût pour l’expérience désagréable. Plus précisément, il y est question de l’expérience de la musique noise en concert, à travers sa réception chez les auditeurs et auditrices d’Anvers, de Bruxelles et de Gand. Afin d’aborder ce phénomène, cet ouvrage observe les attentes et les évaluations de l’expérience esthétique, ainsi que les facteurs la facilitant. L’analyse présentée fait interagir différentes théories et différents concepts qui aident ensemble à comprendre la complexité de l’expérience du concert noise, autant aux niveaux affectif, évaluatif, identitaire que social. Partant, les comportements et les discours sont centraux pour la compréhension de ce phénomène. Nous verrons de la sorte le rapport particulier que le spectateur entretien avec l’objet de cette musique, et comment ce rapport facilite l’expérience et permet ultimement qu’on l’apprécie. / This master’s thesis deals globally with the taste for the unpleasant experience. Specifically, it discusses the experiences of noise music in concert, through its reception among listeners in Antwerp, Brussels and Ghent. To address this phenomenon, this work observes the expectations and evaluations of aesthetic experience, as well as the facilitating factors. The analysis made to interact different theories and concepts that help all to understand the complexity of the experience of noise music concert, both in the affective, the evaluative, the identity than the social levels. Consequently, behaviors and discourses are central to the understanding of this phenomenon. We will see in this way the special relationship that the spectator carries with this music's object, and how this relation facilitates the experience and ultimately helps its appreciation.

Jean de la Croix occupe une place unique dans l'histoire de l'Occident, à la fois un saint et un mystique, reconnu comme tel par la tradition chrétienne, et un poète célébré par toute la littérature espagnole. À ce titre, l'exemple de Jean de la Croix peut apporter un éclairage précieux à l'étude de la poésie mystique et l'art mystique en général. Tandis que depuis le romantisme, la poésie côtoie la mystique et en revendique le nom, l'oeuvre et l'itinéraire de Jean de la Croix nous permettent de mieux saisir les liens qui unissent ces expériences, tout en les distinguant. Le même problème est abordé en première partie à travers un recueil original, « Viendra le printemps ». Ce que les concepts n'arrivent pas à dire, la poésie le suggère à travers les images et les silences qui la constituent.

Cette thèse, complémentaire à deux récitals donnés dans le cadre de la réalisation d’un doctorat en études pédagogiques et pratiques musicales instrumentales, a comme fil conducteur l’enseignement collectif du trombone au Brésil et examine le trombone sous trois angles : historique, pédagogique et dans une perspective d’interprétation musicale. Bien que le sujet ne soit pas nouveau, le projet présente une réflexion, sur le trombone et son enseignement, encore inexplorée en raison principalement du répertoire sélectionné pour la présente étude. En effet, à notre connaissance, le répertoire populaire brésilien n’a jusqu’à maintenant pas fait l’objet d’arrangements musicaux écrits, en vue d’une exploitation non seulement en contexte de représentation publique, mais aussi avec des visées pédagogiques. Les morceaux choisis ont été retenus en raison de leur contenu, qui présente un vocabulaire musical lié à la culture régionale de quatre des cinq régions géographiques du Brésil. Dans le processus de réalisation du projet, les morceaux choisis ont fait l’objet d’arrangements dans la perspective qu’ils servent comme outil pédagogique pour la formation en trombone, en contexte de musique brésilienne. Les arrangements ont été conçus pour des ensembles réduits, où le trombone tient fréquemment le rôle de soliste. Ainsi, au-delà des concepts et techniques issus de la formation traditionnelle reçue, l’interprétation des arrangements a été une occasion pour le doctorant et soliste de présenter, à travers l'improvisation dans le langage de la musique populaire brésilienne, les résultats de processus développés au cours des deux dernières années. Les partitions sont annexées au texte de la thèse, afin d'illustrer certains propos et avec l’objectif de soutenir les recherches futures dans ce domaine. La thèse est divisée en quatre chapitres lesquels, bien que présentés séparément, possèdent entre eux d’étroites relations. Le premier chapitre donne un aperçu général de l'histoire de l'instrument, à travers les cinq siècles de son existence. Le deuxième chapitre s’articule autour de l'histoire de la musique brésilienne et de la présence du trombone au Brésil. Le troisième chapitre présente d’abord un aperçu de l’enseignement artistique et musical au Brésil au 20e et 21e siècle, poursuit en abordant la situation de l'enseignement du trombone au Brésil et aboutit à une proposition favorisant l’apprentissage du trombone en contexte d’enseignement musical collectif. Finalement, le quatrième chapitre fait un retour sur l’expérience musicale vécue dans le premier volet du projet, celui se rapportant à la pratique musicale instrumentale, établit des liens et trace des pistes dans une perspective d’enseignement et d’apprentissage du trombone. / This thesis, in conjunction with two recitals given toward fulfillment of a doctoral degree in pedagogical studies and instrumental musical practices, addresses collective teaching of the trombone in Brazil and examines the trombone from three perspectives: historical, educational and that of musical performance. Although the topic is not new, the project offers a reflection, on the trombone and how it is taught, unexplored mainly due to the repertoire selected for this study. Indeed, to our knowledge, written musical arrangements of the Brazilian popular repertoire have, until now, not been undertaken with a view both toward public performance as well as with pedagogical aims. The chosen pieces were selected because of their content, which presents a musical vocabulary related to the regional cultures of four of the five geographic regions of Brazil: the Northeast, the Midwest, the Southwest and the South. During the course of this project, the selected pieces were arranged such that they could serve as pedagogical tools for trombone training in the context of Brazilian music. The arrangements were designed for small ensembles, in which the trombone often plays the role of soloist. Thus, beyond the concepts and techniques gained through traditional training, performing the arrangements gave the doctoral student and soloist the opportunity to present, through the language of Brazilian popular music improvisation, the outcomes of processes developed over the past two years. Scores are appended to the text of the thesis, in order to illustrate certain remarks and with the goal of supporting future research in this area. The thesis is divided into four chapters, which, although presented separately, are closely related. The first chapter provides an overview of the history of the instrument through the five centuries of its existence. The second chapter focuses on the history of Brazilian music and on the presence of the trombone in Brazil. The third chapter begins with an overview of the artistic and musical education in Brazil in the twentieth and twenty-first centuries, then addresses the situation of teaching the trombone in Brazil, ultimately leading to a proposal to promote learning the trombone in the context of collective music education. Finally, the fourth chapter looks back at the musical experiences of the first part of this project, as an account of instrumental music practice, establishing links and following lines of thought with the perspective of teaching and learning the trombone.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009 / Théorie de la pratique - pratique de la théorie, cette thèse oscille entre ces deux pôles en dégageant différentes avenues d'utilisation de l'image animée (vidéo) au théâtre, d'où le terme vidéoscénique. Le théâtre des dernières années s'est beaucoup tourné vers les nouvelles technologies, particulièrement vers ces médias de l'image et du son, afin de renouveler à la fois le langage dramatique et scénique. Peu d'ouvrages ont été consacrés aux diverses relations entre cet art de présence qu'est le théâtre et cet art de la reproduction visuelle qu'est la vidéo. Pour arriver à bien circonscrire cette rencontre intermédiatique, beaucoup d'approches sont possibles et cette thèse prend le parti pris d'une approche médiologique afin de globaliser l'impact d'un média autonome sur un autre. Selon Régis Debray, ± Une médiologie n'a pas pour finalité la délivrance d'un message. Elle se contente d'étudier les procédés par lesquels un message s'expédie, circule et trouve preneur ¿.1 Il est donc question d'observer comment la vidéoscénique se manifeste techniquement puis comment elle s'inscrit dans l'espace et dans le temps. En prenant appui sur un modèle de communication développé par Maletzke, il s'agit ensuite d'examiner et de saisir les objectifs des créateurs qui ont recours à un pareil média et finalement prendre en considération les incidences systémiques inhérentes à la réception de cette médiation. Dans un premier temps, une mise en contexte des usages vidéoscéniques s'impose et le champ d'études, même s'il s'agit d'une théorie générale de la pratique, examine essentiellement la production théâtrale québécoise répartie sur trente-cinq années (1967-2002).

Le mémoire s'articule selon deux axes. Tout d'abord il y a une pièce dramatique intitulée Nous irons mourir par un soir de spectacle. Cette tragi-comédie est la base d'une réflexion sur la personnalité anomique telle que proposée par le sociologue Jean Duvignaud dans Hérésie et subversion : essai sur l'anomie. En effet, le texte dramatique met en scène un couple de vagabonds qui se présente chacun comme un spécimen de personnage anomique. Aubée Berluée, la première, est l'individu incapable de respecter les règles imposées par un groupe social. Par son caractère subversif, elle s'exclut elle-même du groupe jusqu'à se voir désignée comme bouc émissaire et sacrifiée sur la place publique. À l'opposé, le personnage d'Edmond Danité accepte de s'adapter aux normes sociales. Cependant, avant d'être entièrement intégré au groupe, il doit subir une épreuve d'initiation qui, pour lui, prendra la forme du meurtre de sa compagne de route (Aubée Berluée).