Made available in DSpace on 2014-06-11T19:27:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2009-06-17Bitstream added on 2014-06-13T19:35:38Z : No. of bitstreams: 1 batista_gs_me_ia.pdf: 2073531 bytes, checksum: a55c07f0cac8a7ae6122a25baef41954 (MD5) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / Estudo sobre a vida e as atividades do construtor alemão Guilherme Berner (1907- 1954), radicado no Estado do Rio de Janeiro. Trata-se de um estudo de caso que visa informar sobre a história do órgão de tubos na cidade do Rio de Janeiro e, conseqüentemente, no Brasil. Os documentos pessoais foram consultados no arquivo de Berner, cedido para esta pesquisa por seu filho Walter Berner. O texto final, tendo por propósito a elaboração de um catálogo desses instrumentos, baseia-se em levantamento bibliográfico – dissertações, livros, artigos e entrevistas – bem como em pesquisa de campo sobre os órgãos construídos por Berner na cidade do Rio de Janeiro e Petrópolis. Nesse estudo procurou-se explanar sobre as condições de manutenção desses instrumentos, o contexto sacro-religioso em que estão inseridos e sua importância como documentos da atividade musical no Rio de Janeiro. / Study of the life and activities of the German organ builder Guilherme Berner (1907- 1954), based in the state of Rio de Janeiro. It is a case study which seeks to inform about the history of the pipe organ in the city of Rio de Janeiro and, consequently, in Brazil. The personal documents were consulted in Berner’s arquives, lent to this research by his son, Walter Berner. The final text is based on a bibliographical list of dissertations, books, articles and interviews with organists, organ builders and religious authorities, as well as on the results of field work done on the organs constructed by Berner in the cities of Rio de Janeiro and Petropolis, in order to catalog these instruments. This study presents the maintenance conditions of these instruments, the sacred-religious context in which they are inserted and their importance as documents of the musical activity in Rio de Janeiro.

Made available in DSpace on 2015-08-18T17:46:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fabrizio Di Sarno.pdf: 1414929 bytes, checksum: 2d0361e38e0a0c44208eedb54c9ec08e (MD5) Previous issue date: 2011-12-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / O objetivo desta pesquisa é estudar o papel do Teremin (considerado o primeiro instrumento musical eletrônico da história) na trilha sonora do cinema norteamericano. Para tanto, procuramos fazer um levantamento desde o princípio de seu uso na indústria cinematográfica dos Estados Unidos. Constatamos cinco momentos cruciais do uso do Teremin nesta cinematografia: os três primeiros compreendem, respectivamente, as décadas de 1930, 1940 e 1950; no quarto período, iniciado em 1966, o uso do instrumento entra em decadência ao perder a força de representação que vinha tendo até então; o quinto período tem início no princípio dos anos 90, neste momento o uso do instrumento é recuperado pelo cinema norte-americano sob uma nova perspectiva. O Teremin é visto de duas maneiras nesta pesquisa: 1) como instrumento melódico; 2) como produtor de efeitos sonoros. Nos dois casos procuramos entender as estratégias utilizadas pelas trilhas sonoras que levam a representação do estranho, do desconhecido, do monstruoso. O percurso histórico do instrumento pelo cinema norte-americano aponta para motivações que o fazem lugar ideal para representar efeitos sonoros que tem seu uso associado a um território governado por fenômenos inexplicáveis. O processo de representação ao qual o Teremin foi associado acompanha um período histórico singular, que vai do nazi-fascismo, passa pela Guerra Fria e desemboca na queda do muro de Berlim. No entanto, no início dos anos 60, o instrumento perde seu poder de sedução no momento em que, por exemplo, as viagens espaciais começam a se tornar realidade. Além de catalogar os filmes mais importantes que fazem uso do Teremin como instrumento melódico ou como instrumento responsável pela execução de efeitos sonoros, estudamos os tipos de uso do som do instrumento, para que se possa entender a sua influência no imaginário cinematográfico norte-americano.

Orientador: Edmundo Pacheco Hora / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-25T11:49:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gatti_Patricia_D.pdf: 6570909 bytes, checksum: c3770189cc77bccf38252c20f45300eb (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: O presente estudo propõe um olhar diferenciado sobre o cravo que busca ir além de sua identificação, do ponto de vista organológico e de repertório, exclusivamente com um projeto da música erudita europeia. A partir de uma reconstrução do percurso histórico do instrumento ¿ no que diz respeito aos seus aspectos construtivos, repertório ou na prática interpretativa ¿ traçam-se considerações sobre os vários debates estéticos acerca da sua adoção, a questão da autenticidade, que remete a critérios de fidelidade e legitimidade do instrumento e da sua flexibilização. Numa segunda linha de abordagem histórica do percurso do instrumento, busca-se refazer a trajetória da inserção do cravo no Brasil, com destaque em São Paulo e Campinas, a partir das referências do período colonial, das décadas de 1950 a 1970, até a formação do primeiro curso superior de cravo na Universidade Estadual de Campinas. Nesse trajeto desenhado interviram diversidade de concepções relacionadas a hábitos culturais e exigências de gostos musicais, conduzindo-se uma leitura menos restritiva dos usos do cravo ou "cravos". Dialogando com o panorama de diversidade de práticas musicais, evidencia-se a presença sutil, mas significativa do cravo em manifestações musicais modernas da cultura pop, tais como Rock, Jovem Guarda e Tropicalismo, entre outras. O estudo também aborda repertórios da atualidade, escrito para o cravo em linguagem da música brasileira de fonte popular. Por meio de dois estudos de caso, apresenta leitura analítica de peças escritas para dueto instrumental com cravo dos compositores: José Eduardo Gramani (1944-1998), que escreveu quarenta e sete peças para "cravo e rabeca", e Ricardo Matsuda (n. 1965), que compôs doze peças para "cravo e viola caipira". Buscou-se o referencial da Teoria das Tópicas, como ferramenta analítica proposta a partir do material musical usado, obtendo-se a caracterização do discurso musical para compreensão da musicalidade brasileira. O enfoque analítico orienta não só os leitores a compreenderem os mecanismos estruturais e traços significativos de peças selecionadas, mas também promovem uma possível escuta informada e um diálogo com dois autores que deixam registros musicais criativos e expressivos para o cravo, em sons com tempero e atmosfera de brasilidade / Abstract: The present study proposes a differentiated look at the harpsichord which seeks beyond its identification, from the organological and repertoire¿s viewpoint, solely with a European "soft music" project. From a reconstruction of the instrument¿s historical course ¿ regarding its constructive, repertoire and practice aspects ¿ considerations are traced about the many aesthetical debates over its adoption and authenticity, referring to accuracy and legitimacy criteria of the harpsichord and its pliancy. In a second historical approach to the instrument¿s course, the study aims to reconstruct the trajectory of its Brazilian insertion highlighting São Paulo and Campinas, from references from the Colonial period, of the 1950¿s to 70¿s, until the formation of the first higher education course in harpsichord at the Universidade Estadual de Campinas (State University of Campinas). Over that course of events, intervened a variety of conceptions related to cultural manners and demands of musical tastes, with a much less restrictive reading of the uses of harpsichord, or "harpsichords", being conducted. Dialoguing with the diverse panorama of musical practices, the study evidences the subtle, but significant presence of the harpsichord in modern pop culture music manifestations, such as Rock, Jovem Guarda, Tropicalismo, among others. It also approaches current repertoire written for harpsichord in the language of Brazilian popular-sourced music. Through two instance studies, it presents analytical readings of compositions for instrumental duets with harpsichord from composers José Eduardo Gramani (1944-1998), who wrote forty seven works for harpsichord and Brazilian fiddle, and Ricardo Matsuda (b. 1965), who composed twelve works for harpsichord and Brazilian ten-stringed guitar. The Topic Theory¿s referential was sought as the proposed analytical tool for the musical material utilized, obtaining the characterization of the musical speech as to comprehend Brazilian musicality. Such foci of analysis guide not only the readers as to comprehend the structural mechanisms and significant features of selected works, but also does promote an informed listening and a dialogue with the two authors, which leave creative and expressive musical records for the harpsichord, in sounds with particular Brazilian temper and atmosphere / Doutorado / Praticas Interpretativas / Doutora em Música

Orientador: Edmundo Pacheco Hora / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-23T23:46:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zumpano_NiviaGasparini_D.pdf: 2081333 bytes, checksum: 2bd12f885adec4fb185459793cebd470 (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: O presente trabalho apresenta uma reflexão a respeito da expressividade cravística com ênfase em alguns parâmetros da execução. Para tanto, foram delimitados fatores associados à expressividade a partir da literatura especializada e, na etapa seguinte, realizou-se um estudo sobre sua influência na sonoridade do instrumento, procurando-se destacar questões relativas à possibilidade de dinâmica no cravo. Com o objetivo de verificar a maneira como a expressividade tem sido abordada no contexto de aprendizado cravístico e a forma como os estudantes manipulam os parâmetros analisados, realizou-se também uma pesquisa com alunos e ex-alunos de diversas Instituições de Ensino do país. Ao final, a análise dos resultados obtidos possibilitou a visualização da forma como os parâmetros podem influenciar acusticamente a sonoridade na execução, permitindo concluir que sua manipulação pelo intérprete amplia as possibilidades expressivas do instrumento / Abstract: In this thesis we offer a discussion about harpsichord's expressiveness with emphasis on some performance parameters. Thus, we defined some factors associated to the expressiveness from the specialized literature and in the next step we performed a study about its influence on harpsichord's sound, seeking to highlight the instrument dynamic possibilities. In order to check how the expressiveness has been addressed in the context of harpsichords' learning and how students manipulate the parameters, we also carried out a survey involving harpsichord students in different educational institutions. Finally, the results' analysis showed us how expressive parameters can influence acoustically the harpsichord sound, allowing conclude that performer's manipulation expands the instrument expressive possibilities / Doutorado / Fundamentos Teoricos / Doutora em Música

La batería es un instrumento que se ha establecido en diversos géneros y estilos alrededor del mundo. En el contexto actual, esto suele coincidir con la fusión de diversas músicas del mundo y elementos del jazz, el lenguaje predilecto del set de batería. Dentro de estos elementos, podemos destacar la inclusión de métricas irregulares. Por otro lado, el festejo afroperuano es un género musical extendido y popular en el Perú. Esta música es ejecutada en un ensamble de percusión tradicional, compuesto por cajón, quijada y cajita, con incorporaciones de la cultura afrocubana como las congas, el cencerro y el bongó. Además, el festejo ha sido adaptado a diversos formatos, siendo fusionado con otras expresiones nacionales y extranjeras. En este contexto, la integración de métricas irregulares en el festejo contribuye a su desarrollo, ya que es un aspecto poco abordado en la experimentación de este estilo. Así mismo, esta inclusión es una puerta de entrada a que se utilicen métricas irregulares en otras músicas del Perú. Por lo que, tomando de referencia las adaptaciones hechas en músicas tradicionales latinoamericanas, este trabajo pretende transformar los patrones de los instrumentos tradicionales utilizados en el festejo a métricas irregulares para trasladar algunas opciones al set de batería. Se experimenta con compases de 3, 5 y 7 pulsos dentro de la subdivisión ternaria propia del festejo, sin afectar la posición de los pulsos. También se establece una jerarquía de figuras en base a la función que ejerce cada una de ellas en los patrones estándares de los instrumentos tradicionales para luego sustraer o adicionar golpes dependiendo de la necesidad de la métrica. Por último, la batería es contextualizada en distintas combinaciones de elencos de percusión, supliendo el rol de algún instrumento. El resultado final no es una respuesta absoluta, es una propuesta presentada como un intento de continuar el legado del jazz afroperuano en distintos contextos y bajo conceptos de uso actual.

La presente investigación surge por el interés de analizar las transferencias rítmicas y tímbricas de la percusión afroperuana a la batería y su aplicación en el Jazz Afroperuano; debido a la falta de estudios exhaustivos para su ejecución e interpretación, esta adaptación se viene desarrollando con éxito tanto en el Perú como en el extranjero desde hace más de una década. En este trabajo se examina la cultura del jazz y su relación con la batería, así como las características fundamentales y la performance musical. Además, se realiza un estudio sobre la percusión afroperuana, incluyendo sus ritmos, instrumentos, características, patrones y notación musical. A través del análisis de fragmentos musicales desde una perspectiva rítmica e interpretativa, se establecen criterios importantes para la realización de las transferencias rítmicas y tímbricas de los instrumentos afroperuanos a la batería, y su aplicación en el “Jazz drumming” Afroperuano. Este trabajo incluye ejemplos, transcripciones y análisis recopilados en una metodología de aprendizaje para comprender y aplicar la fusión de estos dos géneros musicales. La metodología de la investigación es cualitativa, analítica, historiográfica y autoetnográfica. / The present research arises from the interest in analyzing the rhythmic and timbral transfers of Afro-Peruvian percussion to the drum set and its application in Afro-Peruvian Jazz. Due to the lack of exhaustive studies for its execution and interpretation, this adaptation has been successfully developed both in Peru and abroad for more than a decade. In this work, the culture of jazz and its relationship with the drum set are examined, as well as its fundamental characteristics and musical performance. In addition, a study is carried out on Afro-Peruvian percussion, including its rhythms, instruments, characteristics, patterns, and musical notation. Through the analysis of musical fragments from a rhythmic and interpretive perspective, important criteria are established for the realization of rhythmic and timbral transfers from Afro-Peruvian instruments to the drum set, and their application in Afro-Peruvian Jazz drumming. This work includes examples, transcriptions, and analyses gathered in a learning methodology for understanding and applying the fusion of these two musical genres. The research methodology is qualitative, analytical, historiographical, and autoethnographic.

O ensino de instrumento musical é uma prática educativa que mantém vínculos com a tradição de transmissão de conhecimento entre mestre e aprendiz. Contudo, as mudanças ocorridas na sociedade nas últimas décadas trouxeram novas demandas ao ensino de música, implicando na necessidade de um contexto mais flexível de ensino. Neste cenário, o conceito de estilo motivacional possibilita uma discussão atualizada sobre o papel do professor na motivação do aluno, abstraídos por meio de traços característicos para dois estilos antagônicos, chamados de controle e promoção de autonomia. Por meio deste referencial teórico, o objetivo geral do estudo constituiu-se em investigar o estilo motivacional de professores de instrumento que atuam em escolas de música. Como metodologia primeiramente realizou-se a adaptação de uma escala que avalia o estilo motivacional do professor e posteriormente um survey com 358 professores de instrumento musical. Como resultado das propriedades psicométricas da escala constatou-se que não houve adequação ao modelo teórico, porém foi possível sugerir uma nova interpretação dos construtos, considerando controle e promoção de autonomia como fatores ortogonais. Esta interpretação serviu como base para a análise dos dados. Como resultado, as questões de gênero emergiram com um contraste acentuado ao constatar-se que homens possuem maior tendência para o controle. Da mesma forma, as questões trabalhistas relacionam-se com o estilo motivacional, considerando que professores de escola pública tendem a ser mais controladores em relação a professores de escola privada. Variáveis como idade, tempo de atuação e perfil de formação não parecem influenciar o estilo motivacional dos professores de música. Ao final, considera-se que o estilo motivacional do professor de instrumento é influenciado pelas questões de gênero e por questões trabalhistas ligadas a escola de música. Conclui-se também que a interpretação teórica proposta neste trabalho incita a realização de mais estudos que abordem a dinâmica do ensino individual de instrumento musical. / The instrumental musical education is an educational practice that maintains bonds with the tradition of knowledge transmission between master and apprentice. However, the changes occurred in society in recent decades have brought new demands to music education, implying the need for an education with a context more flexible. In this scenery, the concept of motivational style enables an updated discussion about the teacher's role in the student’s motivation abstracted through featureless for two antagonistic styles, called controlling and autonomy support. Through this theoretical reference, the general objective of this study was set up in investigating the motivational style of instrumental music teachers who work in music schools. In the methodology, first was accomplished an adaptation of a scale that evaluates the teacher’s motivational style and later was conducted a survey with 358 instrumental music teachers. As the psychometric properties results of the scale was found that there was no adjustment to the theoretical model, but we can suggest a new interpretation of the constructs, considering controlling and autonomy support as orthogonal factors. This interpretation was useful for the data analysis. As the result, gender issues emerged with an emphasized contrast when it was noticed that men have a greater tendency to the control. At the same way, the labor issues are related to the motivational style, considering that teachers from a public school tend to be more controlling than teachers from a private school. Variables such as age, work experience and background profile don’t seem to influence the instrumental music teachers’ motivational style. In the end, it is considered that instrumental music teachers’ motivational style is influenced by gender issues and labor issues related to music school. Thus, we also conclude that the theoretical interpretation proposed in this work stimulates the accomplishment for further studies that approach the dynamics of one-to-one music teaching.

O ensino de instrumento musical é uma prática educativa que mantém vínculos com a tradição de transmissão de conhecimento entre mestre e aprendiz. Contudo, as mudanças ocorridas na sociedade nas últimas décadas trouxeram novas demandas ao ensino de música, implicando na necessidade de um contexto mais flexível de ensino. Neste cenário, o conceito de estilo motivacional possibilita uma discussão atualizada sobre o papel do professor na motivação do aluno, abstraídos por meio de traços característicos para dois estilos antagônicos, chamados de controle e promoção de autonomia. Por meio deste referencial teórico, o objetivo geral do estudo constituiu-se em investigar o estilo motivacional de professores de instrumento que atuam em escolas de música. Como metodologia primeiramente realizou-se a adaptação de uma escala que avalia o estilo motivacional do professor e posteriormente um survey com 358 professores de instrumento musical. Como resultado das propriedades psicométricas da escala constatou-se que não houve adequação ao modelo teórico, porém foi possível sugerir uma nova interpretação dos construtos, considerando controle e promoção de autonomia como fatores ortogonais. Esta interpretação serviu como base para a análise dos dados. Como resultado, as questões de gênero emergiram com um contraste acentuado ao constatar-se que homens possuem maior tendência para o controle. Da mesma forma, as questões trabalhistas relacionam-se com o estilo motivacional, considerando que professores de escola pública tendem a ser mais controladores em relação a professores de escola privada. Variáveis como idade, tempo de atuação e perfil de formação não parecem influenciar o estilo motivacional dos professores de música. Ao final, considera-se que o estilo motivacional do professor de instrumento é influenciado pelas questões de gênero e por questões trabalhistas ligadas a escola de música. Conclui-se também que a interpretação teórica proposta neste trabalho incita a realização de mais estudos que abordem a dinâmica do ensino individual de instrumento musical. / The instrumental musical education is an educational practice that maintains bonds with the tradition of knowledge transmission between master and apprentice. However, the changes occurred in society in recent decades have brought new demands to music education, implying the need for an education with a context more flexible. In this scenery, the concept of motivational style enables an updated discussion about the teacher's role in the student’s motivation abstracted through featureless for two antagonistic styles, called controlling and autonomy support. Through this theoretical reference, the general objective of this study was set up in investigating the motivational style of instrumental music teachers who work in music schools. In the methodology, first was accomplished an adaptation of a scale that evaluates the teacher’s motivational style and later was conducted a survey with 358 instrumental music teachers. As the psychometric properties results of the scale was found that there was no adjustment to the theoretical model, but we can suggest a new interpretation of the constructs, considering controlling and autonomy support as orthogonal factors. This interpretation was useful for the data analysis. As the result, gender issues emerged with an emphasized contrast when it was noticed that men have a greater tendency to the control. At the same way, the labor issues are related to the motivational style, considering that teachers from a public school tend to be more controlling than teachers from a private school. Variables such as age, work experience and background profile don’t seem to influence the instrumental music teachers’ motivational style. In the end, it is considered that instrumental music teachers’ motivational style is influenced by gender issues and labor issues related to music school. Thus, we also conclude that the theoretical interpretation proposed in this work stimulates the accomplishment for further studies that approach the dynamics of one-to-one music teaching.

Submitted by Erika Demachki (erikademachki@gmail.com) on 2018-07-03T19:07:00Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Hugo Macêdo Serrão Moreno - 2018.pdf: 3848431 bytes, checksum: 6b579e719a578578a7fbf3325b5a9bdd (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2018-07-04T12:31:14Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Hugo Macêdo Serrão Moreno - 2018.pdf: 3848431 bytes, checksum: 6b579e719a578578a7fbf3325b5a9bdd (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-04T12:31:15Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Hugo Macêdo Serrão Moreno - 2018.pdf: 3848431 bytes, checksum: 6b579e719a578578a7fbf3325b5a9bdd (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2018-06-06 / Outro / The purpose of this paper is to discuss aspects of artistic research recommended by Marcel Cobussen (COBUSSEN, 2007) relevant to musical artistic creation and clarinet performance, especially the relation between clarinet and clarinetist. It is intended to discuss this relation beyond the traditional modern framing of the subject/object relationship, inserted in a poetic context. We consider it is important to launch a critical view on the artistic knowledge produced inside universities, and to reflect about questions of truth from the poetic dimension. To this end, we use Heidegger’s ontological statute as an overcoming exclusivity of world relations and its consequences in relation to the limits imposed by science in the production of knowledge. This limitation is consolidated through the dissociation between earthman and the world; body and soul; intelligibility and sensitivity in relation to an artistic approach. More than a scientific limit, such dissociation ratifies the intramundane and teleological sense of the Western man from the perspective of the Cartesian modern conception. Starting from an artistic perspective, poetic – creative –, we investigated the the happening of the clarinetist performance. However, we will not think about that relation as an isolated and closed event. Furthermore, we will not use concepts of musical criticism or aesthetics. In a poetic approach, Art claims an immediate and singular manifestation, not by parts or representations. These representations relate to the Work through rational mediation, as in the theory of knowledge. Our investigation proceeded from relations of interpretation since the immediatism of the senses (FOGEL, 2007). This conjunction of relationships is arranged in a sense beyond or below Cartesian objectivity. The intention of poetic production is the unveiling of the work – Aletheia. Therefore, we produced two recitals with pieces by Brazilian composers in which the clarinetist’s performance displays a sensitive and cohesive manifestation working in its own sense, which is performance as a factor intrinsic to the work of art. In this regard, the truth of a work is the process of manifestation of its own sense. After all, a work only exists with its performance, which is a part of the work. The unveiling of a work, according to (HEIDEGGER, 2010), manifests in the gap of work, art and artist. This gap as well as the relations established in the course of this research turns in results impregnated in the interpretation itself. About the Tripartite’s relationship in the work of art, according Heidegger, we perceive that the artist experiences a series of relations still not much discussed, because in general there is favoring of a technical and analytical understanding of the performance and little is spoken of the artistic experience. / O presente trabalho tem o objetivo discutir aspectos da pesquisa artística preconizada por Marcel Cobussen (COBUSSEN, 2007), pertinentes à criação artística musical e à performance à clarineta, especialmente no que se refere à relação entre a clarineta e o clarinetista. Pretendemos aqui discutir tal relação para além do enquadramento moderno tradicional da relação sujeito/objeto, inserida num contexto poético de investigação. Entendemos ser importante lançar um olhar crítico sobre a questão da produção do conhecimento artístico dentro da academia, além de refletir sobre a questão da verdade advinda desde a dimensão poética. Para tanto, compartilhamos do estatuto ontológico Heideggeriano como superação da exclusividade das relações de mundo e suas consequências no que diz respeito aos limites impostos pela ciência na produção de conhecimento. Tal limitação consolida-se por meio da dissociação no homem de terra e mundo; corpo e alma; inteligibilidade e sensibilidade, em relação ao trato artístico. Mais que um limite científico, esta dissociação ratifica a lida intra-mundana e teleológica do homem ocidental desde a perspectiva da concepção moderna cartesiana. A partir da perspectiva artística, poética – criativa –, investigamos o acontecer da performance do clarinetista. No entanto, não o fazemos considerando a relação que aí ocorre como fenômeno isolado e fechado, tampouco a partir do pré-conceito da crítica estética ou como resultado de aná-lise predeterminada. Numa abordagem poética, a arte reivindica sua manifestação imediata e singular, não por partes ou por representações. Tais representações só estabelecem relação com a obra por mediação racional, como na teoria do conhecimento. Construímos nossa investigação a partir das relações dispostas na interpretação desde o imediato dos sentidos (FOGEL, 2007), con-juntura de relações além, ou aquém, da objetividade cartesiana. O sentido da produção poética é o des-velamento da obra – Alétheia. A partir desta perspectiva, foram produzidos dois recitais com obras de compositores brasileiros, nos quais a interpretação do clarinetista emerge como manifestação sensível e coesa à obra, instaurando um sentido próprio, ou seja, a interpretação como fator inerente à obra de arte. Neste sentido, a verdade da obra é o processo de manifestação de um sentido próprio em sua realização. Afinal, a obra só é com a interpretação, esta faz parte do ser da obra. O des-velamento da obra, segundo Heidegger (HEIDEGGER, 2010), se manifesta na abertura de cada elemento envolvido no processo: obra, arte e artista. Esta abertura bem como as relações por ela dispostas empreenderam no caminhar desta investigação resultados impregnados na própria interpretação. Sob a relação tripartite na obra de arte apontada por Heidegger, percebemos que o artista experimenta uma série de relações ainda pouco discutidas, pois em geral há um favorecimento de uma compreensão técnica e analítica da performance e pouco se fala da ou pensa a experiência artística.

O ensino de instrumento musical é uma prática educativa que mantém vínculos com a tradição de transmissão de conhecimento entre mestre e aprendiz. Contudo, as mudanças ocorridas na sociedade nas últimas décadas trouxeram novas demandas ao ensino de música, implicando na necessidade de um contexto mais flexível de ensino. Neste cenário, o conceito de estilo motivacional possibilita uma discussão atualizada sobre o papel do professor na motivação do aluno, abstraídos por meio de traços característicos para dois estilos antagônicos, chamados de controle e promoção de autonomia. Por meio deste referencial teórico, o objetivo geral do estudo constituiu-se em investigar o estilo motivacional de professores de instrumento que atuam em escolas de música. Como metodologia primeiramente realizou-se a adaptação de uma escala que avalia o estilo motivacional do professor e posteriormente um survey com 358 professores de instrumento musical. Como resultado das propriedades psicométricas da escala constatou-se que não houve adequação ao modelo teórico, porém foi possível sugerir uma nova interpretação dos construtos, considerando controle e promoção de autonomia como fatores ortogonais. Esta interpretação serviu como base para a análise dos dados. Como resultado, as questões de gênero emergiram com um contraste acentuado ao constatar-se que homens possuem maior tendência para o controle. Da mesma forma, as questões trabalhistas relacionam-se com o estilo motivacional, considerando que professores de escola pública tendem a ser mais controladores em relação a professores de escola privada. Variáveis como idade, tempo de atuação e perfil de formação não parecem influenciar o estilo motivacional dos professores de música. Ao final, considera-se que o estilo motivacional do professor de instrumento é influenciado pelas questões de gênero e por questões trabalhistas ligadas a escola de música. Conclui-se também que a interpretação teórica proposta neste trabalho incita a realização de mais estudos que abordem a dinâmica do ensino individual de instrumento musical. / The instrumental musical education is an educational practice that maintains bonds with the tradition of knowledge transmission between master and apprentice. However, the changes occurred in society in recent decades have brought new demands to music education, implying the need for an education with a context more flexible. In this scenery, the concept of motivational style enables an updated discussion about the teacher's role in the student’s motivation abstracted through featureless for two antagonistic styles, called controlling and autonomy support. Through this theoretical reference, the general objective of this study was set up in investigating the motivational style of instrumental music teachers who work in music schools. In the methodology, first was accomplished an adaptation of a scale that evaluates the teacher’s motivational style and later was conducted a survey with 358 instrumental music teachers. As the psychometric properties results of the scale was found that there was no adjustment to the theoretical model, but we can suggest a new interpretation of the constructs, considering controlling and autonomy support as orthogonal factors. This interpretation was useful for the data analysis. As the result, gender issues emerged with an emphasized contrast when it was noticed that men have a greater tendency to the control. At the same way, the labor issues are related to the motivational style, considering that teachers from a public school tend to be more controlling than teachers from a private school. Variables such as age, work experience and background profile don’t seem to influence the instrumental music teachers’ motivational style. In the end, it is considered that instrumental music teachers’ motivational style is influenced by gender issues and labor issues related to music school. Thus, we also conclude that the theoretical interpretation proposed in this work stimulates the accomplishment for further studies that approach the dynamics of one-to-one music teaching.