O crítico de arte americano Clement Greenberg dedica especial atençãoà teoria estética em seus textos dos anos 1970, sobretudo ao juízo de gosto. Esta pesquisa busca evidenciar um aspecto importante na discussão estética em Greenberg, qual seja, a possibilidade de aprimoramento do gosto. Para tal, também se faz necessária uma compreensão de seu sistema crítico, articulando os Seminários por ele ministrados nos anos 70 e seus textos críticos desde os anos 30. Dentro da teoria estética moderna formulada por Greenberg, os textos reunidos em Estética Domésticaservem de base para a investigação do ponto central da pesquisa. Apesar disso, não se pode perder de vista o grande espectro coberto pela obra do crítico, uma vez que seus textos dialogam entre si, retomando e alinhavando os diversos temas abordados. / The american art critic Clement Greenberg pays special attention to the aesthetics in his texts of the 1970s, and to the taste judgement most of all. This study try to put light over an important aspect of Greenberg theory: the taste improvement possibility. To do so, it\'s imperative to comprehend Greenberg\'s critical system, considering his Seminars and also his critics since the 30s. The essays presented on Homemade Estheticswill base the investigations about the central point of interest in this study, having in mind the modern theory formulated by Greenberg. But it\'s necessary, beside this, to consider the great diversity of his work, once his texts can have a dialogue.

O crítico de arte americano Clement Greenberg dedica especial atençãoà teoria estética em seus textos dos anos 1970, sobretudo ao juízo de gosto. Esta pesquisa busca evidenciar um aspecto importante na discussão estética em Greenberg, qual seja, a possibilidade de aprimoramento do gosto. Para tal, também se faz necessária uma compreensão de seu sistema crítico, articulando os Seminários por ele ministrados nos anos 70 e seus textos críticos desde os anos 30. Dentro da teoria estética moderna formulada por Greenberg, os textos reunidos em Estética Domésticaservem de base para a investigação do ponto central da pesquisa. Apesar disso, não se pode perder de vista o grande espectro coberto pela obra do crítico, uma vez que seus textos dialogam entre si, retomando e alinhavando os diversos temas abordados. / The american art critic Clement Greenberg pays special attention to the aesthetics in his texts of the 1970s, and to the taste judgement most of all. This study try to put light over an important aspect of Greenberg theory: the taste improvement possibility. To do so, it\'s imperative to comprehend Greenberg\'s critical system, considering his Seminars and also his critics since the 30s. The essays presented on Homemade Estheticswill base the investigations about the central point of interest in this study, having in mind the modern theory formulated by Greenberg. But it\'s necessary, beside this, to consider the great diversity of his work, once his texts can have a dialogue.

A presente dissertação visa analisar os conceitos de mimesis e tragédia nas diferentes abordagens dos filósofos Platão e Aristóteles. O problema principal que condiciona a análise é a relação entre, de um lado, as obras de arte e, de outro, a realidade e os juízos morais. Esse problema é estudado através de uma análise dos principais textos nos quais os respectivos filósofos elaboraram suas reflexões sobre o tema, a saber, os livros II-III e X da República de Platão e A Poética de Aristóteles. Nessas diferentes obras vemos progressivamente a elaboração da primeira reflexão ocidental sobre a atividade artística em geral, com ênfase especial sobre a poesia trágica. A polêmica platônica em torno da mimesis e da tragédia tem por objetivo servir de pano de fundo para a compreensão da tese aristotélica de que a ação poética é distinta da ação tal como estruturada na vida, e, isso, em função da prioridade “ontológica” concedida à ação trágica com relação aos caracteres. A tese platônica relativa à arte, é de que a mimesis está na origem da perversão da alma intelectiva e racional capaz de estabelecer a verdade a partir da rememoração da Forma transcendente. Como a tragédia é a imitação da aparência visível das coisas, o que o poeta faz é absorver a coisa sensível em uma imagem parcial, isto é, um pequeno pedaço da coisa, visto que ela, quando sustentada unicamente pela posição do olhar do artista, estilhaça-se em uma multiplicidade cambiante de imagens que essa mesma coisa pode fornecer. É apenas a Forma transcendente que pode bloquear essa proliferação incessante de imagens que distorcem a imagem absoluta das virtudes e da verdade. Ao contrário, em Aristóteles, não vemos nada dessa redução da intriga (mythos) trágica aos conceitos discursivos ou aos valores estáveis éticos. Ao estabelecer o mythos como princípio formal da tragédia, Aristóteles subordina as demais partes constituintes da tragédia à ação enquanto disposição dos fatos em sistema. Assim, caracteres, discursos racionalmente articulados, espetáculo, etc., situam-se em uma posição secundária e subordinada correspondente ao princípio material, deixando-se, dessa maneira, determinar-se pela estrutura simultaneamente lógica e emocional da tragédia. Isso tem como consequência interditar a redução e a imobilização da tragédia em juízos morais enfáticos. / This thesis aims to analyze the concepts of mimesis and tragedy in the different approaches of the philosophers Plato and Aristotle. The main problem which makes the analysis is the relationship between, on one hand, works of art and, on the other, reality and moral judgments. This problem is studied through an analysis of texts in which their philosophers developed their thoughts on the subject, namely, books II-III and X of Plato's Republic and Aristotle's Poetics. In these various works gradually we build the first Western reflection on the artistic activity in general, with special emphasis on the tragic poetry. The controversy around the Platonic mimesis and tragedy aims to serve as the backdrop for understanding the Aristotelian view that the action as structured in life is distinct from the poetic action, and this, according to the priority "ontological" given the tragic action in relation to the characters. The Platonic theory on art is that mimesis is the origin of the perversion of the intellect and rational able to establish the truth from the transcendent form of remembrance. As the tragedy is the imitation of the visible appearance of things, what the poet does is absorb the sensible thing in a partial image, ie, a small piece of it, since she sustained only when the position of the artist's eye, shatters into a multiplicity changing images that that same thing can provide. In the transcendent Form is assigned the role of this interdict ceaseless proliferation of images that distort the image absolute virtues and truth. In contrast, in Aristotle, we see nothing that reduction of the tragic plot (mythos) to the concepts or discursive ethical values stable. In establishing the mythos as a formal principle of tragedy, Aristotle makes the other constituent parts of the tragedy to action as the facts available in the system. Thus, characters, speeches rationally articulated, performance, etc., lie in a secondary and subordinate position corresponding to the material principle, leaving themselves in this way be determined by the tragic structure both logical and emotional. This has the effect of banning the reduction and immobilization of the tragedy in emphatic moral judgments.

Submitted by Rosivalda Pereira (mrs.pereira@ufma.br) on 2017-06-28T17:46:12Z No. of bitstreams: 1 AnaJaciraOliveira.pdf: 1541747 bytes, checksum: f55c1e62400b40f4ab2554ffce162c92 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-06-28T17:46:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 AnaJaciraOliveira.pdf: 1541747 bytes, checksum: f55c1e62400b40f4ab2554ffce162c92 (MD5) Previous issue date: 2017-01-20 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / The expressions of the contemporary art provoke, today, a large discussion about topics not considered in the tradition of the art as institution. In this context, the ability to establish relationships between people presents itself as an opening that involves the artistic and political universe. Highlighting the space-time elements that constitute this relationship, the objective was to analyze how they are based on the aesthetic phenomenon of contemporary visual art, a potential public own of political action. This analysis is based on the political conceptions of Hannah Arendt, which involves the conditioning activities of human life on Earth, the objective nature of art, the activities of the spirit, and the author's appropriation of the Kantian judgment of taste. The context analyzed assumes importance when establishing a link between aesthetics and politics, because the taste refers to an extended thought about what appears. The analysis of the political potential of taste refers to the context in which the public space falls apart and in which an aesthetized society emerges. Considering the performance of artists who broke with the notion of beautiful and artistic object, we find in the poetic proposals of Banksy, collective woodcut Map and Beth Moysés, elements that makes up the manifestations that express the search for a relationship with the public based on the re-signification Of space and time, and that is given by the reflection about the way the places are constituted in the urban space. The notion of place was thought here, from the conceptions of the geographer Yi-Fu Tuan. Besides, the search searched sought the theoretical contribution of Anne Cauquelin, Vera Pallamin and Nicolas Bourriaud, authors who think about the proposals of contemporary art. Also, the philosopher Gilles Deleuze's reflections about the time, which dialogue with the tradition of thought concerning to the theme - especially Henri Bergson - contextualize the role it exercises in the relations occasioned by art between man and space, and which point to the Possibility of a re-signification of values from the perception of spaces and times lived. The phenomena of contemporary visual art inhabit in time and re-signify the urban space, constituting possible places of speech of the individual, as well as of the collective. / As expressões da Arte Contemporânea provocam hoje ampla discussão sobre temas que foram desconsiderados na tradição da arte enquanto instituição. Neste contexto, a capacidade de estabelecer relações entre pessoas apresenta-se como uma abertura que envolve o universo artístico e o político. Destacando os elementos espaço-temporais que constituem esta relação, objetivou-se analisar como eles fundamentam nos fenômenos estéticos da arte visual contemporânea, um potencial público próprio da ação política. Esta análise parte das concepções políticas da pensadora Hannah Arendt, que envolve as atividades condicionantes da vida humana na Terra, a natureza objetiva da arte, as atividades do espírito e a apropriação que a autora faz do juízo de gosto kantiano. O contexto analisado assume importância ao estabelecer um elo entre estética e política, pois o gosto remete a um pensamento alargado acerca daquilo que aparece. A análise do potencial político do gosto remete ao contexto em que o espaço público se desfaz e no qual a noção de sociedade emerge. Considerando a atuação de artistas que romperam com a noção de belo e de objeto artístico, encontramos, nas propostas poéticas de Banksy, coletivo Mapa Xilográfico e Beth Moysés, elementos que compõem as manifestações que expressam a busca de uma relação com o público, baseada na ressignificação do espaço e do tempo, e que se dá pela reflexão acerca da forma como os lugares se constituem no espaço urbano. A noção de lugar foi pensada, aqui, a partir das concepções do geógrafo Yi-Fu Tuan. Além disso, a pesquisa buscou o aporte teórico de Anne Cauquelin, Vera Pallamin e Nicolas Bourriaud, autores que pensam sobre as propostas da Arte Contemporânea. Também, as reflexões do filósofo Gilles Deleuze acerca do tempo, que dialogam com a tradição do pensamento relativas ao tema - com destaque para Henri Bergson -, contextualizam o papel que este exerce nas relações ocasionadas pela arte entre homem e espaço e que apontam para a possibilidade de uma ressignificação de valores a partir da percepção de espaços e tempos vividos. Os fenômenos da arte visual contemporânea habitam no tempo e ressignificam o espaço urbano, constituindo possíveis lugares de fala do indivíduo, bem como do coletivo.

A dissertação Sobre as verdades da ficção propõe um debate a respeito da relação entre os conceitos de ficção e real. Busca-se a defesa da hipótese de que a reavaliação desses termos contemporaneamente permite fortalecer a arte enquanto importante elemento formador da cultura. Para isso, constrói-se um caminho teórico que garante a base para uma análise crítica das dinâmicas da literatura brasileira contemporânea, fundada em regras que possibilitem a verificação de sua validade mas não em conceitos que limitem os horizontes de sua recepção. O caminho percorrido começa na análise do sujeito como conceito teórico fundamental para se pensar a linguagem e a construção de conhecimento. A literatura envolve diversas possibilidades de manifestação subjetiva, dentre as quais a construção da linguagem e do conhecimento que determinam a forma como lidamos com o mundo e como o construímos a partir das leituras que fazemos dele. Ao determinar-se o sujeito, se desenvolverá a importância e a evolução do conceito de ficção na construção literária e como a análise dos atos que a envolvem permite associá-la ao conceito de verdade e situá-la num quadro de valores que possibilita o livre movimento da criatividade mas mantém o objeto de arte inserido contextualmente. São analisadas três obras literárias brasileiras contemporâneas relevantes para o desenvolvimento teórico que se pretende: o romance Budapeste, de Chico Buarque; e o romance-teatro A tragédia brasileira e o conto O Monstro, ambos de Sérgio SantAnna. Cada uma das narrativas possibilita o desdobramento teórico das relações entre ficção e real através da análise das subjetividades presentes no texto, enquanto discurso, e no contexto de sua enunciação / The dissertation About fictions truths proposes a discussion about the relation between fiction and real theoretical concepts. The defense of the hypotheses that contemporary revaluation of those terms allows to strength the art as an important culture foundation element is aimed. For this, a theoretical path is built to guarantee the bases for a critical analyses of the contemporary Brazilian literature, based on rules that aloud its own validity verification system instead of on concepts that limits its reception horizon. The path begins on subject analyses as a fundamental theoretical concept for the study of the language and the knowledge construction. Literature aloud many possibilities of subjective manifestation, as the construction of languages and knowledge that imposes the way as we deal with the world and how we build it following the interpretation that we do about it. As the subject is constructed, the importance and the evolution of fictions concept in the literary construction is developed, and once that the analyses of its acts, aloud to associate it to the truth concept and insert it into a valuations frame system that allows the free creativitys movement but maintain the art object inside a context. Three relevant Brazilian contemporary literary works are analyzed in the dissertations ending: the romance Budapeste, by Chico Buarque; e o romance-theater A tragédia brasileira and the narrative O Monstro, both by Sérgio SantAnna. Each one of the stories allows to deep the complexity of relations between fiction and real beyond the text subjectivities analyses

A presente dissertação visa analisar os conceitos de mimesis e tragédia nas diferentes abordagens dos filósofos Platão e Aristóteles. O problema principal que condiciona a análise é a relação entre, de um lado, as obras de arte e, de outro, a realidade e os juízos morais. Esse problema é estudado através de uma análise dos principais textos nos quais os respectivos filósofos elaboraram suas reflexões sobre o tema, a saber, os livros II-III e X da República de Platão e A Poética de Aristóteles. Nessas diferentes obras vemos progressivamente a elaboração da primeira reflexão ocidental sobre a atividade artística em geral, com ênfase especial sobre a poesia trágica. A polêmica platônica em torno da mimesis e da tragédia tem por objetivo servir de pano de fundo para a compreensão da tese aristotélica de que a ação poética é distinta da ação tal como estruturada na vida, e, isso, em função da prioridade “ontológica” concedida à ação trágica com relação aos caracteres. A tese platônica relativa à arte, é de que a mimesis está na origem da perversão da alma intelectiva e racional capaz de estabelecer a verdade a partir da rememoração da Forma transcendente. Como a tragédia é a imitação da aparência visível das coisas, o que o poeta faz é absorver a coisa sensível em uma imagem parcial, isto é, um pequeno pedaço da coisa, visto que ela, quando sustentada unicamente pela posição do olhar do artista, estilhaça-se em uma multiplicidade cambiante de imagens que essa mesma coisa pode fornecer. É apenas a Forma transcendente que pode bloquear essa proliferação incessante de imagens que distorcem a imagem absoluta das virtudes e da verdade. Ao contrário, em Aristóteles, não vemos nada dessa redução da intriga (mythos) trágica aos conceitos discursivos ou aos valores estáveis éticos. Ao estabelecer o mythos como princípio formal da tragédia, Aristóteles subordina as demais partes constituintes da tragédia à ação enquanto disposição dos fatos em sistema. Assim, caracteres, discursos racionalmente articulados, espetáculo, etc., situam-se em uma posição secundária e subordinada correspondente ao princípio material, deixando-se, dessa maneira, determinar-se pela estrutura simultaneamente lógica e emocional da tragédia. Isso tem como consequência interditar a redução e a imobilização da tragédia em juízos morais enfáticos. / This thesis aims to analyze the concepts of mimesis and tragedy in the different approaches of the philosophers Plato and Aristotle. The main problem which makes the analysis is the relationship between, on one hand, works of art and, on the other, reality and moral judgments. This problem is studied through an analysis of texts in which their philosophers developed their thoughts on the subject, namely, books II-III and X of Plato's Republic and Aristotle's Poetics. In these various works gradually we build the first Western reflection on the artistic activity in general, with special emphasis on the tragic poetry. The controversy around the Platonic mimesis and tragedy aims to serve as the backdrop for understanding the Aristotelian view that the action as structured in life is distinct from the poetic action, and this, according to the priority "ontological" given the tragic action in relation to the characters. The Platonic theory on art is that mimesis is the origin of the perversion of the intellect and rational able to establish the truth from the transcendent form of remembrance. As the tragedy is the imitation of the visible appearance of things, what the poet does is absorb the sensible thing in a partial image, ie, a small piece of it, since she sustained only when the position of the artist's eye, shatters into a multiplicity changing images that that same thing can provide. In the transcendent Form is assigned the role of this interdict ceaseless proliferation of images that distort the image absolute virtues and truth. In contrast, in Aristotle, we see nothing that reduction of the tragic plot (mythos) to the concepts or discursive ethical values stable. In establishing the mythos as a formal principle of tragedy, Aristotle makes the other constituent parts of the tragedy to action as the facts available in the system. Thus, characters, speeches rationally articulated, performance, etc., lie in a secondary and subordinate position corresponding to the material principle, leaving themselves in this way be determined by the tragic structure both logical and emotional. This has the effect of banning the reduction and immobilization of the tragedy in emphatic moral judgments.

A presente dissertação visa analisar os conceitos de mimesis e tragédia nas diferentes abordagens dos filósofos Platão e Aristóteles. O problema principal que condiciona a análise é a relação entre, de um lado, as obras de arte e, de outro, a realidade e os juízos morais. Esse problema é estudado através de uma análise dos principais textos nos quais os respectivos filósofos elaboraram suas reflexões sobre o tema, a saber, os livros II-III e X da República de Platão e A Poética de Aristóteles. Nessas diferentes obras vemos progressivamente a elaboração da primeira reflexão ocidental sobre a atividade artística em geral, com ênfase especial sobre a poesia trágica. A polêmica platônica em torno da mimesis e da tragédia tem por objetivo servir de pano de fundo para a compreensão da tese aristotélica de que a ação poética é distinta da ação tal como estruturada na vida, e, isso, em função da prioridade “ontológica” concedida à ação trágica com relação aos caracteres. A tese platônica relativa à arte, é de que a mimesis está na origem da perversão da alma intelectiva e racional capaz de estabelecer a verdade a partir da rememoração da Forma transcendente. Como a tragédia é a imitação da aparência visível das coisas, o que o poeta faz é absorver a coisa sensível em uma imagem parcial, isto é, um pequeno pedaço da coisa, visto que ela, quando sustentada unicamente pela posição do olhar do artista, estilhaça-se em uma multiplicidade cambiante de imagens que essa mesma coisa pode fornecer. É apenas a Forma transcendente que pode bloquear essa proliferação incessante de imagens que distorcem a imagem absoluta das virtudes e da verdade. Ao contrário, em Aristóteles, não vemos nada dessa redução da intriga (mythos) trágica aos conceitos discursivos ou aos valores estáveis éticos. Ao estabelecer o mythos como princípio formal da tragédia, Aristóteles subordina as demais partes constituintes da tragédia à ação enquanto disposição dos fatos em sistema. Assim, caracteres, discursos racionalmente articulados, espetáculo, etc., situam-se em uma posição secundária e subordinada correspondente ao princípio material, deixando-se, dessa maneira, determinar-se pela estrutura simultaneamente lógica e emocional da tragédia. Isso tem como consequência interditar a redução e a imobilização da tragédia em juízos morais enfáticos. / This thesis aims to analyze the concepts of mimesis and tragedy in the different approaches of the philosophers Plato and Aristotle. The main problem which makes the analysis is the relationship between, on one hand, works of art and, on the other, reality and moral judgments. This problem is studied through an analysis of texts in which their philosophers developed their thoughts on the subject, namely, books II-III and X of Plato's Republic and Aristotle's Poetics. In these various works gradually we build the first Western reflection on the artistic activity in general, with special emphasis on the tragic poetry. The controversy around the Platonic mimesis and tragedy aims to serve as the backdrop for understanding the Aristotelian view that the action as structured in life is distinct from the poetic action, and this, according to the priority "ontological" given the tragic action in relation to the characters. The Platonic theory on art is that mimesis is the origin of the perversion of the intellect and rational able to establish the truth from the transcendent form of remembrance. As the tragedy is the imitation of the visible appearance of things, what the poet does is absorb the sensible thing in a partial image, ie, a small piece of it, since she sustained only when the position of the artist's eye, shatters into a multiplicity changing images that that same thing can provide. In the transcendent Form is assigned the role of this interdict ceaseless proliferation of images that distort the image absolute virtues and truth. In contrast, in Aristotle, we see nothing that reduction of the tragic plot (mythos) to the concepts or discursive ethical values stable. In establishing the mythos as a formal principle of tragedy, Aristotle makes the other constituent parts of the tragedy to action as the facts available in the system. Thus, characters, speeches rationally articulated, performance, etc., lie in a secondary and subordinate position corresponding to the material principle, leaving themselves in this way be determined by the tragic structure both logical and emotional. This has the effect of banning the reduction and immobilization of the tragedy in emphatic moral judgments.

A dissertação Sobre as verdades da ficção propõe um debate a respeito da relação entre os conceitos de ficção e real. Busca-se a defesa da hipótese de que a reavaliação desses termos contemporaneamente permite fortalecer a arte enquanto importante elemento formador da cultura. Para isso, constrói-se um caminho teórico que garante a base para uma análise crítica das dinâmicas da literatura brasileira contemporânea, fundada em regras que possibilitem a verificação de sua validade mas não em conceitos que limitem os horizontes de sua recepção. O caminho percorrido começa na análise do sujeito como conceito teórico fundamental para se pensar a linguagem e a construção de conhecimento. A literatura envolve diversas possibilidades de manifestação subjetiva, dentre as quais a construção da linguagem e do conhecimento que determinam a forma como lidamos com o mundo e como o construímos a partir das leituras que fazemos dele. Ao determinar-se o sujeito, se desenvolverá a importância e a evolução do conceito de ficção na construção literária e como a análise dos atos que a envolvem permite associá-la ao conceito de verdade e situá-la num quadro de valores que possibilita o livre movimento da criatividade mas mantém o objeto de arte inserido contextualmente. São analisadas três obras literárias brasileiras contemporâneas relevantes para o desenvolvimento teórico que se pretende: o romance Budapeste, de Chico Buarque; e o romance-teatro A tragédia brasileira e o conto O Monstro, ambos de Sérgio SantAnna. Cada uma das narrativas possibilita o desdobramento teórico das relações entre ficção e real através da análise das subjetividades presentes no texto, enquanto discurso, e no contexto de sua enunciação / The dissertation About fictions truths proposes a discussion about the relation between fiction and real theoretical concepts. The defense of the hypotheses that contemporary revaluation of those terms allows to strength the art as an important culture foundation element is aimed. For this, a theoretical path is built to guarantee the bases for a critical analyses of the contemporary Brazilian literature, based on rules that aloud its own validity verification system instead of on concepts that limits its reception horizon. The path begins on subject analyses as a fundamental theoretical concept for the study of the language and the knowledge construction. Literature aloud many possibilities of subjective manifestation, as the construction of languages and knowledge that imposes the way as we deal with the world and how we build it following the interpretation that we do about it. As the subject is constructed, the importance and the evolution of fictions concept in the literary construction is developed, and once that the analyses of its acts, aloud to associate it to the truth concept and insert it into a valuations frame system that allows the free creativitys movement but maintain the art object inside a context. Three relevant Brazilian contemporary literary works are analyzed in the dissertations ending: the romance Budapeste, by Chico Buarque; e o romance-theater A tragédia brasileira and the narrative O Monstro, both by Sérgio SantAnna. Each one of the stories allows to deep the complexity of relations between fiction and real beyond the text subjectivities analyses

Submitted by Silvana Teresinha Dornelles Studzinski (sstudzinski) on 2016-11-16T17:05:38Z No. of bitstreams: 1 Danton Guilherme Oestreich_.pdf: 658443 bytes, checksum: d5f5339cace57449e1ae2d5125e7c3d7 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-11-16T17:05:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Danton Guilherme Oestreich_.pdf: 658443 bytes, checksum: d5f5339cace57449e1ae2d5125e7c3d7 (MD5) Previous issue date: 2016-08-30 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Gadamer desenvolve sua ontologia da obra de arte recorrendo ao conceito de jogo para expressar o modo de ser obra da arte, salientando a importância de libertar o conceito do significado subjetivo que, desde a estética de Kant, prevaleceu para a abordagem da arte bela. A julgar pela natureza hermenêutica da sua investigação, ele parece ter em vista a intenção de contrapor a necessidade de uma mediação histórica do conteúdo da arte diante da noção estética que privilegia a simples distinção formal da arte. De fato, isto sugere um confronto com a noção de jogo livre das faculdades da imaginação e do entendimento de Kant que se refere ao estado ideal do ânimo quando este está inclinado a reconhecer algo como belo e que é autônomo de questões de conteúdo na perspectiva de uma distinção formal. Além disso, para Kant, no caso das obras de arte, a possibilidade de ajuizamento da beleza seria mediada pelo conceito de forma da arte em questão, onde a música acaba sendo definida como o “belo jogo das sensações do ouvido”. Cabe perceber, desta forma, que na música encontramos uma confluência das dimensões estética, hermenêutica e formal através do mesmo conceito de jogo, o que permite considerar a leitura gadameriana do juízo estético sob as peculiaridades da arte musical. Assim, o propósito deste estudo é averiguar a tensão existente entre uma consideração do belo musical enquanto dependente de uma autonomia estética ou enquanto dotado de questões de conteúdo para o qual a forma tem que ser referente. Esta situação problema será apresentada a partir da forma musical de um exemplo específico – a saber: o final da primeira sonata Royal Winter Music de Hans Werner Henze – para mostrar como aspectos da teoria kantiana e gadameriana podem ser significativos para a compreensão da experiência musical. / Gadamer develops its ontology of the artwork using the play concept to express the mode of being of the work of art, stressing the importance of freeing the concept from the subjective meaning that, since Kant's aesthetics, prevailed in the approach the beautiful art. Judging by the hermeneutic nature of his research, he seems to have in mind the intention of counteracting the need for a art content's historical mediation on the aesthetic notion that favors simple formal distinction of art. In fact, this suggests a confrontation with Kant's notion of free play of the faculties of imagination and understanding, referred to the ideal state of mind when it is inclined to recognize something as beautiful and autonomous from content issues in a perspective of formal distinction. Moreover, for Kant, in the case of works of art, the possibility of beauty judgment would be mediated by the concept of art form in question, where the music ends up being defined as the "beautiful play of ear sensations”. In this way, it should be noted that in music we find a confluence of aesthetic, hermeneutics and formal's dimensions through the same play concept, what allowing the consideration of Gadamer's reading of aesthetic judgment under the peculiarities of musical art. Thus, the purpose of this study is to ascertain the tension between a consideration of the musical beautiful as dependent on an aesthetic autonomy or as endowed with content issues for which the musical form has to be related. This problem situation is presented from the musical form of a specific example – namely: the end of the Hans Werner Henze's Royal Winter Music first sonata – to show how aspects of the theories of Kant and Gadamer can be significant for understanding the musical experience.

Submitted by Viviane Narducci Ferraz (vnarducci@uol.com.br) on 2012-10-28T19:05:41Z No. of bitstreams: 1 F - Versão Final completa 09-10-2012.pdf: 1206127 bytes, checksum: ac955ae22b10eb27a03b8ebc2090fb2c (MD5) / Approved for entry into archive by ÁUREA CORRÊA DA FONSECA CORRÊA DA FONSECA (aurea.fonseca@fgv.br) on 2012-11-05T13:10:33Z (GMT) No. of bitstreams: 1 F - Versão Final completa 09-10-2012.pdf: 1206127 bytes, checksum: ac955ae22b10eb27a03b8ebc2090fb2c (MD5) / Approved for entry into archive by Marcia Bacha (marcia.bacha@fgv.br) on 2012-11-07T16:36:20Z (GMT) No. of bitstreams: 1 F - Versão Final completa 09-10-2012.pdf: 1206127 bytes, checksum: ac955ae22b10eb27a03b8ebc2090fb2c (MD5) / Made available in DSpace on 2012-11-07T16:36:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 F - Versão Final completa 09-10-2012.pdf: 1206127 bytes, checksum: ac955ae22b10eb27a03b8ebc2090fb2c (MD5) Previous issue date: 2012-08-27 / Despite the effort expended by organizational researchers and scholars to understand and monitor the changes and transformations in the everyday life of organizations, it is known that there are still variables that the rationalist positivism view, hegemonically present in the studies conducted in the last century, have failed to reveal. In order to advance studies and research to acknowledge the subjectivity that permeates the members of organizations, we sought to identify, from the perspective of the aesthetic approach, how the employees at the Brazilian Institute of Geography and Statistics (IBGE) assimilated the changes in organizational culture occurred at the institution from the 90s of last century. From the perspective of phenomenological hermeneutics, we carried out ethnographic research, and, as the researcher is an employee at the organization studied, the research also has autoethnographic components. The field research was conducted in four areas and the data was collected through participant observation and 57 interviews. The fieldnotes and interviews were transcribed and subjected to content analysis. The field findings were presented in 11 categories that represent the aesthetic judgments of the employees belonging to the group surveyed, about the changes in organizational culture in recent decades: the beautiful, the sacred, the picturesque, the graceful, the sublime, the comic, the ugly, the sadness, the tragic, the rhythm, the unspeakable. The study concluded that the knowledge gained by members of the organization, from their sensory experiences and their aesthetic judgments, is influenced as much as it influence the organization’s own culture. / A despeito do esforço despendido pelos pesquisadores e estudiosos organizacionais em compreender e acompanhar as mudanças e transformações ocorridas no cotidiano das organizações, sabe-se que ainda existem variáveis que a corrente racionalista positivista, hegemonicamente presente nos estudos realizados no século passado, ainda não conseguiram desvelar. Com o objetivo de avançar em estudos e pesquisas que admitam a subjetividade que permeia os integrantes das organizações, buscou-se identificar, sob a ótica da abordagem estética, como os servidores do Instituto Brasileiro de Geografia e Estatística (IBGE) apreenderam as mudanças na cultura organizacional ocorridas na instituição a partir da década de 90 do século passado. A partir da perspectiva fenomenológica hermenêutica, realizou-se pesquisa tipo etnográfica e, como a pesquisadora pertence ao quadro de servidores da organização estudada, a pesquisa possui também caráter autoetnográfico. A pesquisa de campo foi realizada em quatro órgãos singulares e a coleta dos dados ocorreu por meio da observação participante e em 57 entrevistas. As anotações de campo e as entrevistas foram transcritas e submetidas à análise de conteúdo. As revelações do campo foram apresentadas em 11 categorias que representam os juízos estéticos dos servidores, pertencentes ao grupo pesquisado, acerca das mudanças ocorridas na cultura organizacional nas últimas décadas: o belo, o sagrado, o pitoresco, o gracioso, o sublime o cômico, o feio, a tristeza, o trágico o ritmo, o indizível. O estudo concluiu que o conhecimento adquirido pelos integrantes da organização, a partir de suas experiências sensoriais e seus juízos estéticos, tanto é influenciado quanto possui influência sobre sua cultura.