Ce texte accompagne mon exposition finale, ma pratique, mon projet. Je l’ai conçu ainsi comme partie intégrante du tout, mais sa lecture seule sans accès au reste pourrait aussi être considérée dans le cas où l’un ou plusieurs des aspects particuliers de celui-ci intéressentle lecteur. Notons aussi l’importance des figures qui témoignent justement de ce qui ne sera pas décrit, mais qui vont naturellement dans le même sens que ce qui l’est. La méthodologie générale est de présenter l’universel duquel le mécanisme et l’existence du particulier peuvent être compris et interprétés.Il sera question ici de définir le champ et mode d’action de l’art et de la philosophiede ma pratique, depréciser la vie de l’artiste en tant que projet ainsi quede proposer l’art en tant que décor. L’ensemble vise à être reçucomme un questionnement, une recherche, une tentative de compréhension et d’expression de notre nature humaine.Celle-ciest interprétéede deux façons; premièrement comme ce qui fait la spécificité de l’humain et deuxièmement par le paradoxe de la création d’une nature qui serait proprement humaine.

*Conversations matérielles (récits poreux/mécaniques liminales)* est un projet de mémoire-création qui questionne les relations entre humain et non-humain, à travers une recherche sur l'intériorité de l'objet, son langage et sa puissance d'agir et d'échanger. Dans des petits chantiers poreux, des natures mortes et des tableaux vivants, les matières brutes, ou plus domestiquées, agiront les unes sur les autres pour former et déformer des récits, suggérant leur propre dimension du vivant.

En réponse à la sensation de déconnexion avec l'environnement que je perçois et ressens, ma pratique tend à rentrer en contact avec différents éléments du lieu dans lequel je me trouve. Sans cesse à l'affût, le milieu dans lequel j'avance influence directement mon travail et les thématiques que j'aborde. Mon processus se manifeste le plus souvent par une répétition du même geste et un rythme qui témoigne d'une endurance, ce qui révèle la notion de durée. J'explore la présentation des œuvres en rouleau, apportant une symbolique reliée au passage du temps. Je cherche à créer une tension entre la douceur de mes gestes et la destruction de la nature que je remarque au quotidien. À travers les points de contact que je forme avec mon environnement, je tente de créer une sensation de continuité. Accompagnant mon projet, ce mémoire offre les clefs de compréhension de l'exposition Les arbres sont fatigués. / In response to the sense of disconnection with the environment that I feel, my artistic practice explores ways to reconnect. Attentive to my surroundings, the location in which I find my self directly influences my work and chosen themes. My work methods, such as repeating the same gesture and rhythmic movements, require endurance and incorporate the notion of duration and a sense of time. I attempt to create a tension between the delicacy of my gestures and the destruction of nature which I notice on a daily basis. I explore presenting my work as rolls to symbolise the passage the time. Through the points of contact I have with my environment, I seek to create a sense of continuity. Accompanying my project, this thesis provides a guide to understanding the exhibition Les arbres sont fatigués (The Trees are Tired).

Dans ce mémoire, je donne un aperçu de ma perception de ce qui m'entoure et de la manière dont j'aborde le monde à travers ma pratique artistique. Mes déplacements sur le territoire se font à l'intérieur de sites et de paysages que je m'approprie avec la photographie. Je travaille à partir de parcelles extraites du réel, des fragments issus du champ visuel et physique existant, et j'exploite leur effacement partiel à l'aide de la surexposition et du traitement des images. Le brouillage résultant advient également et inévitablement pour moi dans le souvenir que j'ai de mes prises de vue. Une fois que j'ai quitté les lieux photographiés, je m'en fais une représentation paysagère qui s'éloigne déjà du vécu in situ. Je reconstruis dès lors, à partir de cette nouvelle réalité brouillée et fragmentaire, quelque chose de concret et de praticable, qui permettra un renouvellement de l'expérience par le corps. Je travaille mes constructions en intégrant des vestiges de territoire, donnant ainsi une forme renouvelée à l'espace et au temps dont ils se sont dissociés dans la mémoire et l'acte photographique. De cette façon, je prends concrètement part au chantier cyclique du construit, de l'effacement et de ce qui les relie.

Titre de l'écran-titre (visionné le 27 novembre 2023) / Ce mémoire présente et analyse une démarche contextuelle, expérimentale, intuitive et attentive, qui, à l'envers de notre société performante et productiviste, place l'humanité, la quête de sens, la liberté et l'autonomie au cœur de ses préoccupations. La collaboration avec l'Autre constitue le point focal de cette pratique qui entrelace recherche, art et vie à travers l'activité (Kaprow, 1996), le dessin et l'écriture. Les expérimentations menées pendant plusieurs années avec mes enfants, l'interaction avec un groupe d'adultes dans le cadre d'ateliers-laboratoires à Sherpa et de nombreuses collaborations avec la flore, la faune, les éléments et les astres seront présentées et comparées. Par la suite, l'analyse portera sur la relation de la pratique avec le jeu (Gray, 2016) et l'attention ainsi qu'avec le soin, en lien avec l'esthétique matriarcale (Göttner-Abendroth, 1982). Le rapport au travail et à la productivité sera brièvement évoqué avec les travaux d'Ariane Daoust et André Gorz.

« L'originalité du travail que nous entreprenons consistera dans une démarche quantitative et statistique en vue d'apporter un éclairage nouveau. Nous allons étudier une grande partie des monuments paléo-chrétiens provenant du monde romain, principalement des catacombes et des musées de Rome. Notre étude portera sur les représentations des oiseaux, notamment des colombes, des paons et des phénix, lesquels sont les plus représentatifs et les plus représentés de l'art paléochrétien; nous laissons de côté ceux qui figurent en moins grand nombre et qui semblent moins significatifs. Nous avons limité notre étude aux épitaphes, peintures, sarcophages et mosaïques, comme monuments sur lesquels on découvre le plus de représentations d'oiseaux. […] Dans un premier chapitre, nous étudierons les scènes bibliques et symboliques où la présence de la colombe est intimement liée à celle des personnages et où elle joue un rôle essentiel: scène de Noé dans l'arche et celle du baptême du Christ; puis des scènes où la présence de la colombe est accessoire: l'histoire du prophète Jonas, des Trois Hébreux dans la fournaise et de Daniel dans la fosse aux lions. Nous verrons aussi la colombe en relation avec des allégories tels le bon Pasteur et l'Orante ainsi que sa fonction dans la représentation des mystères de la Pentecôte, de l'Incarnation et de la Trinité. La colombe comme symbole et en compagnie d'autres emblèmes sera étudiée dans le deuxième chapitre. L'étude du paon et du phénix, dont le nombre de spécimens recueillis est moins grand, fera l'objet d'un nouveau chapitre. »--Pages 2-3, 7

Le présent texte propose une incursion dans mon univers photographique. J'ai voulu m'accorder un temps de réflexions après plusieurs années à parcourir les territoires maritimes et terrestres. Il est composé de notes de terrain enchâssé à des réflexions personnelles sur la photographie, sur ce qui m'influence et ce qui a teinté mon approche. L'emphase est mise sur l'expérience de terrain, la collecte de matériaux bruts et le déplacement qui sont constitutif de ma pratique artistique. Je reviens sur la création de trois projets réalisés entre 2019 et 2022. Ces projets m'ont emmené sur différents territoires, certains plus familiers que d'autres. Sur les berges du Saguenay au Québec, le long des pointes de terres de la Louisiane, et à travers les anciens pays satellites de l'Union soviétique en Europe de l'Est. Ces projets n'ont pas été réfléchis pour faire sens ensemble, ils sont la somme de divers questionnements qui m'ont occupé durant les 3 dernières années. C'est pourquoi j'ai privilégié la trace écrite afin d'apporter une autre perspective sur mon travail qui est essentiellement une pratique de l'image. / This text can be seen as an incursion into my photographic universe. After years of honing a practice based on exploring marine and terrestrial landscapes, it was time for a moment of reflection. The resulting work takes the form of field notes interlaced with personal reflections on the history and practice of photography and notes on what has influenced my practice and approach. The centre of my process is most often what might be literally characterized as field work : I travel to gather raw materials. Here, I reflect on the creation process of three projects completed between 2019 and 2022 which led me into familiar and unfamiliar lands from the banks of the Saguenay River in Quebec to Louisiana to the former Soviet satellite states in Eastern Europe. The projects in question were not expressly designed to work together; rather, they represent the sum of various interrogations that have guided my practice over the last three years. This is one reason I have focused on exploring written traces, adding a new perspective that will broaden the scope of my image-based practice.

Ce mémoire présente En quête de chemins illusoires, un diptyque qui est aussi un bas-relief à la suite du traitement singulier de sa toile. Cette œuvre tente d'exprimer l'énergie et le foisonnement qui caractérisent les illusions visuelles à partir desquelles je peins et invite à plonger au cœur d'une collection de narrations compliquées, vivantes, composites et dont l'interprétation est ouverte. En quête de chemins illusoires, ce sont d'abord deux peintures de très grand format réalisées dans une manière distincte, le multilemma. Entre figuration et abstraction, son originalité consiste d'abord dans l'abandon de toute intention formelle, c'est-à-dire sans choix préalable de sujets et dans le délaissement de toute recherche de narration. La manière multilemmée implique également une présentation tridimensionnelle qui se distingue du simple accrochage. Ainsi, les effets de gonflement et de drapé créés par un capitonnage irrégulier complètent l'œuvre et lui apportent du volume. Cette manipulation ajoute aussi au brouillage des formes peintes et à leur enchevêtrement. L'ambition derrière En quête de chemins illusoires est triple. Elle correspond en premier lieu au désir d'allonger l'activité perceptive, d'assurer que le premier coup d'œil à l'œuvre se transforme en une halte généreuse et de longue durée. En conséquence, elle vise aussi à favoriser le phénomène de l'attention qui entraîne une complexification de l'interprétation. Enfin, elle cherche à générer une illusion de mouvement à partir des effets induits par une fixation prolongée, à savoir le déplacement et la déformation des éléments qui entourent les zones sous regard. À l'instar des œuvres des artistes du fluxus du siècle dernier, En quête de chemins illusoires veut supprimer l'idée d'une création finie en mettant de l'avant l'importance de son interprétation / This master' thesis presents En quête de chemins illusoires (Towards Illusory Paths), a diptych which is also a bas-relief following its unique hanging. It tries to express the idea of energy and abundance that characterizes the visual illusions from which I paint and invites to get away with a collection of complicated, full of life, composite and open interpretation narratives. En quête de chemins illusoires is, first of all, two very large canvas paintings made in a distinctive way, multilemma. Between figuration and abstraction, its originality consists in the abandonment of any formal intention, that is to say without prior choice of subjects or any conscious search of narrative. The multilemmé way also involves a three-dimensional presentation that differs from a single hanging. Thus, the swelling and draping effects created by irregular padding complete the work and give it volume. This manipulation also adds to the blurring of the painted shapes and their entanglement. The ambition behind En quête de chemins illusoires is threefold. It is driven in the first place by the desire to lengthen perceptual activity, to ensure that the first glance to the work will turn into a generous and longer halt. Consequently, it also aims at encouraging the phenomenon of attention which leads to a complication of the interpretation. Finally, it seeks to generate an illusion of movement from the effects induced by prolonged fixation, namely the displacement and deformation of the elements that surround the areas under gaze. Like the fluxus artist's works of the last century, En quête de chemins illusoires wants to suppress the idea of a finite work, by putting forward the importance of its interpretation.

354241\u J’ai commencé par regarder les objets et les murs. Je me suis demandée à quel point ces objets et ces murs, en fait, toutes les choses matérielles, étaient vraies. J’ai pensé qu’elles trouvaient leur vérité dans une double existence : une existence matérielle et une existence par le langage. Mais il y a quelque chose de factuel et d’acquis qui nous fait requestionner ces deux vérités. Alors, j’ai voulu déconstruire, comme on regarderait chaque timbre dans une collection de timbres. Et c’est par l’art que je m’applique à cet exercice-là, déconstruire pour être la plus proche de ce qui existe vraiment, et pour comprendre l’existence, aussi, par la représentation. Pour cette déconstruction je parlerai sans hiérarchisation d’espace, d’étendue, de grille, de maison jaune, d’image mentale, de lieu, de cuisine, de tapis, d’objet, de chaise, de table au milieu de la route, d’Idée, de «monde des idées», d’acquis, d’utilité, de traduction, de langage, de mots, d’intellectualisation du concret, d’observation contemplative, d’inutilité, de (re)présentation, d’image, de peinture bien sûr et, de forme.

Ce document de recherche-création fait état des réflexions qui m'ont habitée ces deux dernières années quant à la manière d'aborder l'entre-deux en tant que matière en arts visuels. Ce mémoire aborde, principalement, la relation de mutualisme qui opère entre les pratiques du dessin et de la peinture par rapport à celle de la sculpture. Il s'agit donc d'une étude sur la métamorphose sous plusieurs angles : dans l'œuvre, dans son pigment, dans sa relation aux autres œuvres et dans la signification de ses formes. Sous l'esthétique du biomorphisme, ma recherche use du multiple pour explorer ces formes qui évoquent le vivant sans pourtant imposer une lecture explicite. Par la prolifération des propositions ; par l'abondance des dessins, sculptures de céramique et autres subjectils, l'exposition qui accompagne ce mémoire présente diverses œuvres hybrides dont les différents états de transformation vont de : la forme à l'informe, du bidimensionnel au tridimensionnel, et de l'objet d'art unique à l'ensemble d'œuvres. Je recommande la lecture de ce document à toute personne s'intéressant aux états liminaires, aux pratiques matérielles de l'art et aux formes émanant du vivant.