Ce mémoire qui accompagne mon projet de fin de maîtrise, suit également tout mon processus créatif depuis le début de ma recherche en arts. Mon travail partait d'une intention maladroite et introspective, que j’assimilais à une sorte de thérapie : essayer de déjouer les mécanismes de l’inconscient pour guérir le mal-être que j'éprouve et trouver un équilibre dans ma vie actuelle. Je pars de souvenirs intimes et les sublime afin de mettre en forme mon travail artistique et d'exorciser, d'expier ma douleur et ma mémoire. A travers cette recherche personnelle et autoréférentielle, j'ai su trouver d'autres intérêts explorés tout au long de mes écrits : des questionnements sur la présence de l'intimité et du personnage dans la performance, l'importance du champ émotionnel et la façon dont l'abstraction des émotions peut être matérialisée, le statut de l'artiste contemporain et de l’oeuvre d'art actuelle ainsi que l'importance du partage du résultat de mon cheminement avec le spectateur dans une relation empathique. Au cours de ma recherche, j'ai également pointé le terme d'installaCtion et la relation particulière qu’elle permet d’instaurer avec le spectateur, témoin du l’histoire que je raconte. Je cherche à l'impliquer émotionnellement et parfois physiquement dans l'installaCtion, qui ne fonctionnerait pas sans sa présence. La structure de mon mémoire repose sur l’instauration de mon losange émotionnel : ce blason aux contours rouges témoigne de ma vie intérieure et relie le cerveau, le coeur, les poumons et le système digestif. Cette classification de mon flux d'émotions me permet de mieux comprendre mon processus créatif et de l'analyser par un jeu d'association de notions et d'idées en relations avec ma vie organique. Le losange est aussi le reflet de la somatisation, la douleur psychique transposée en douleur physique, une thématique qui me touche car elle entretient des mécaniques énigmatiques en relation avec le cerveau et le souvenir. Le titre de mon mémoire, La douleur du dévoilement, relate de la difficulté de mener à bien une recherche éprouvante pour l'implication personnelle et émotionnelle qu'elle demande et de mon rapport intime et particulier avec le public.

Mon travail en estampe, que ce soit en lithographie, en gravure ou en sérigraphie, se base sur le principe de la création de générations par le brouillage répété de l'image-matrice. L'œuvre élaborée à partir de photographies est confrontée à une altération de l'image-initiale par un processus de transformation. Cela est la source même de la création des diverses générations ou états qui seront engendrés. Images floues et précises à la fois, mes œuvres laissent transparaître un mystère, dégagé par les variations de nuances, lesquelles jouent sur la netteté des images. La résultante de chaque phase du procédé de création permet de noter des pertes, des effacements et des transformations qui ont mené à la création de l'image. Mais encore, il y a renforcement de la temporalité de l'image-matrice en la faisant revivre dans un autre contexte. Les effets de transparence, l'utilisation de monochromes noir et blanc, le travail des textures et le souci du détail sont également des aspects omniprésents dans ma démarche artistique. Enfin, mon travail laisse place aux erreurs de parcours pour les mettre à profit.

Ce mémoire traite du processus créatif et de l’avènement de l’image dans l’œuvre, par la lumière. Comment remonter le temps en sculptant la lumière par des signes secrets afin de représenter la survivance de la brûlure? Comment représenter l’image qui, témoin de ma vulnérabilité, brûle encore? La base onirique de cette recherche représente l’intervalle du temps dans la mémoire, où se révèle l’émotion latente, montrant un passé proche et/ou éloigné, d’images réduites en cendres. La lumière est le matériau de base; c’est elle qui (re) construit l’image dans l’espace-temps, qui fixe un contact visuel avec une forme, un geste, un moment. Elle est un vecteur de création qui épouse la forme en plus de révéler et de dramatiser le lieu physique de manière inattendue. Son interaction évidente avec le vide et la transparence s’accompagne d’un questionnement théorique suscité par l’éveil d’un geste animé par les concepts d’imagination, d’émotion, de mémoire et de temps multiples. Chaque signe annonce sa disparition; c’est la conjuration d’une chose absente et des traces qui ont survécu à la perte. Vivre, c’est assumer lucidement la tension entre les absolus.

La obra de Giorgio de Chirico (1888-1978) abarca todo el siglo XX, su pintura retrata el periodo artístico que inician las vanguardias en París, continua el surrealismo, y cierra el pop-art de Andy Warhol. Esta investigación propone un recorrido arquitectónico por su imaginario metafísico, un lugar donde se reúnen enigmas modernos con mitos clásicos, chimeneas y fábricas con pórticos y ágoras, para poner de manifiesto la naturaleza de un futuro igual al pasado. Sus maniquís y autómatas escenifican el eterno retorno de Nietzsche en medio de plazas urbanas o inmersos en profundas habitaciones, desde donde alertan al espectador sobre el carácter permanente de la arquitectura y la ciudad, descifrando sus símbolos descubriremos el espíritu del mañana y la clase de vida que proyectamos para nuestros hijos y descendientes.

Texte remanié de: Thèse de doctorat--Art et archéologie--Paris 1, 2000. / Bibliogr. p. 17-18. Notes bibliogr. Index.

This thesis analyses the literature debate in the overlooked Swedish magazine Samtid och Framtid 1944–1949. The magazine was first published at the end of World War II on the initiative of publisher Johan Hansson. After an interesting start, the terms of the debate in the magazine were changed after a power struggle on the editorial level. Thus, the magazine never became the influential arena for literary discussions that it first had potential of becoming. With its initial focus on how to construct a new post-war world, the debates in the magazine, however, provide an interesting material for an investigation of attempts to renegotiate the position of literature in society. This is conducted through a perspective that focuses on the debaters’ use of metaphors, but also their specific experiences of the past and their expectations on the future. Central oppositions between aesthetic and committed ideals are highlighted, but also between individualism and collectivism. It is also demonstrated that the debates successively turned more concrete, not least focusing on the very influential Swedish literary generation of the 1940s.

Thèses (M.A.)--Université de Sherbrooke (Canada), 1997. / Titre de l'écran-titre (visionné le 20 juin 2006). Publié aussi en version papier.

Dans ce mémoire, je donne un aperçu de ma perception de ce qui m'entoure et de la manière dont j'aborde le monde à travers ma pratique artistique. Mes déplacements sur le territoire se font à l'intérieur de sites et de paysages que je m'approprie avec la photographie. Je travaille à partir de parcelles extraites du réel, des fragments issus du champ visuel et physique existant, et j'exploite leur effacement partiel à l'aide de la surexposition et du traitement des images. Le brouillage résultant advient également et inévitablement pour moi dans le souvenir que j'ai de mes prises de vue. Une fois que j'ai quitté les lieux photographiés, je m'en fais une représentation paysagère qui s'éloigne déjà du vécu in situ. Je reconstruis dès lors, à partir de cette nouvelle réalité brouillée et fragmentaire, quelque chose de concret et de praticable, qui permettra un renouvellement de l'expérience par le corps. Je travaille mes constructions en intégrant des vestiges de territoire, donnant ainsi une forme renouvelée à l'espace et au temps dont ils se sont dissociés dans la mémoire et l'acte photographique. De cette façon, je prends concrètement part au chantier cyclique du construit, de l'effacement et de ce qui les relie.

Titre de l'écran-titre (visionné le 27 novembre 2023) / Ce mémoire présente et analyse une démarche contextuelle, expérimentale, intuitive et attentive, qui, à l'envers de notre société performante et productiviste, place l'humanité, la quête de sens, la liberté et l'autonomie au cœur de ses préoccupations. La collaboration avec l'Autre constitue le point focal de cette pratique qui entrelace recherche, art et vie à travers l'activité (Kaprow, 1996), le dessin et l'écriture. Les expérimentations menées pendant plusieurs années avec mes enfants, l'interaction avec un groupe d'adultes dans le cadre d'ateliers-laboratoires à Sherpa et de nombreuses collaborations avec la flore, la faune, les éléments et les astres seront présentées et comparées. Par la suite, l'analyse portera sur la relation de la pratique avec le jeu (Gray, 2016) et l'attention ainsi qu'avec le soin, en lien avec l'esthétique matriarcale (Göttner-Abendroth, 1982). Le rapport au travail et à la productivité sera brièvement évoqué avec les travaux d'Ariane Daoust et André Gorz.

« L'originalité du travail que nous entreprenons consistera dans une démarche quantitative et statistique en vue d'apporter un éclairage nouveau. Nous allons étudier une grande partie des monuments paléo-chrétiens provenant du monde romain, principalement des catacombes et des musées de Rome. Notre étude portera sur les représentations des oiseaux, notamment des colombes, des paons et des phénix, lesquels sont les plus représentatifs et les plus représentés de l'art paléochrétien; nous laissons de côté ceux qui figurent en moins grand nombre et qui semblent moins significatifs. Nous avons limité notre étude aux épitaphes, peintures, sarcophages et mosaïques, comme monuments sur lesquels on découvre le plus de représentations d'oiseaux. […] Dans un premier chapitre, nous étudierons les scènes bibliques et symboliques où la présence de la colombe est intimement liée à celle des personnages et où elle joue un rôle essentiel: scène de Noé dans l'arche et celle du baptême du Christ; puis des scènes où la présence de la colombe est accessoire: l'histoire du prophète Jonas, des Trois Hébreux dans la fournaise et de Daniel dans la fosse aux lions. Nous verrons aussi la colombe en relation avec des allégories tels le bon Pasteur et l'Orante ainsi que sa fonction dans la représentation des mystères de la Pentecôte, de l'Incarnation et de la Trinité. La colombe comme symbole et en compagnie d'autres emblèmes sera étudiée dans le deuxième chapitre. L'étude du paon et du phénix, dont le nombre de spécimens recueillis est moins grand, fera l'objet d'un nouveau chapitre. »--Pages 2-3, 7