Ce mémoire qui accompagne mon projet de fin de maîtrise, suit également tout mon processus créatif depuis le début de ma recherche en arts. Mon travail partait d'une intention maladroite et introspective, que j’assimilais à une sorte de thérapie : essayer de déjouer les mécanismes de l’inconscient pour guérir le mal-être que j'éprouve et trouver un équilibre dans ma vie actuelle. Je pars de souvenirs intimes et les sublime afin de mettre en forme mon travail artistique et d'exorciser, d'expier ma douleur et ma mémoire. A travers cette recherche personnelle et autoréférentielle, j'ai su trouver d'autres intérêts explorés tout au long de mes écrits : des questionnements sur la présence de l'intimité et du personnage dans la performance, l'importance du champ émotionnel et la façon dont l'abstraction des émotions peut être matérialisée, le statut de l'artiste contemporain et de l’oeuvre d'art actuelle ainsi que l'importance du partage du résultat de mon cheminement avec le spectateur dans une relation empathique. Au cours de ma recherche, j'ai également pointé le terme d'installaCtion et la relation particulière qu’elle permet d’instaurer avec le spectateur, témoin du l’histoire que je raconte. Je cherche à l'impliquer émotionnellement et parfois physiquement dans l'installaCtion, qui ne fonctionnerait pas sans sa présence. La structure de mon mémoire repose sur l’instauration de mon losange émotionnel : ce blason aux contours rouges témoigne de ma vie intérieure et relie le cerveau, le coeur, les poumons et le système digestif. Cette classification de mon flux d'émotions me permet de mieux comprendre mon processus créatif et de l'analyser par un jeu d'association de notions et d'idées en relations avec ma vie organique. Le losange est aussi le reflet de la somatisation, la douleur psychique transposée en douleur physique, une thématique qui me touche car elle entretient des mécaniques énigmatiques en relation avec le cerveau et le souvenir. Le titre de mon mémoire, La douleur du dévoilement, relate de la difficulté de mener à bien une recherche éprouvante pour l'implication personnelle et émotionnelle qu'elle demande et de mon rapport intime et particulier avec le public.

Ce mémoire traite du processus créatif et de l’avènement de l’image dans l’œuvre, par la lumière. Comment remonter le temps en sculptant la lumière par des signes secrets afin de représenter la survivance de la brûlure? Comment représenter l’image qui, témoin de ma vulnérabilité, brûle encore? La base onirique de cette recherche représente l’intervalle du temps dans la mémoire, où se révèle l’émotion latente, montrant un passé proche et/ou éloigné, d’images réduites en cendres. La lumière est le matériau de base; c’est elle qui (re) construit l’image dans l’espace-temps, qui fixe un contact visuel avec une forme, un geste, un moment. Elle est un vecteur de création qui épouse la forme en plus de révéler et de dramatiser le lieu physique de manière inattendue. Son interaction évidente avec le vide et la transparence s’accompagne d’un questionnement théorique suscité par l’éveil d’un geste animé par les concepts d’imagination, d’émotion, de mémoire et de temps multiples. Chaque signe annonce sa disparition; c’est la conjuration d’une chose absente et des traces qui ont survécu à la perte. Vivre, c’est assumer lucidement la tension entre les absolus.

Mon travail en estampe, que ce soit en lithographie, en gravure ou en sérigraphie, se base sur le principe de la création de générations par le brouillage répété de l'image-matrice. L'œuvre élaborée à partir de photographies est confrontée à une altération de l'image-initiale par un processus de transformation. Cela est la source même de la création des diverses générations ou états qui seront engendrés. Images floues et précises à la fois, mes œuvres laissent transparaître un mystère, dégagé par les variations de nuances, lesquelles jouent sur la netteté des images. La résultante de chaque phase du procédé de création permet de noter des pertes, des effacements et des transformations qui ont mené à la création de l'image. Mais encore, il y a renforcement de la temporalité de l'image-matrice en la faisant revivre dans un autre contexte. Les effets de transparence, l'utilisation de monochromes noir et blanc, le travail des textures et le souci du détail sont également des aspects omniprésents dans ma démarche artistique. Enfin, mon travail laisse place aux erreurs de parcours pour les mettre à profit.

La obra de Giorgio de Chirico (1888-1978) abarca todo el siglo XX, su pintura retrata el periodo artístico que inician las vanguardias en París, continua el surrealismo, y cierra el pop-art de Andy Warhol. Esta investigación propone un recorrido arquitectónico por su imaginario metafísico, un lugar donde se reúnen enigmas modernos con mitos clásicos, chimeneas y fábricas con pórticos y ágoras, para poner de manifiesto la naturaleza de un futuro igual al pasado. Sus maniquís y autómatas escenifican el eterno retorno de Nietzsche en medio de plazas urbanas o inmersos en profundas habitaciones, desde donde alertan al espectador sobre el carácter permanente de la arquitectura y la ciudad, descifrando sus símbolos descubriremos el espíritu del mañana y la clase de vida que proyectamos para nuestros hijos y descendientes.

Texte remanié de: Thèse de doctorat--Art et archéologie--Paris 1, 2000. / Bibliogr. p. 17-18. Notes bibliogr. Index.

This thesis analyses the literature debate in the overlooked Swedish magazine Samtid och Framtid 1944–1949. The magazine was first published at the end of World War II on the initiative of publisher Johan Hansson. After an interesting start, the terms of the debate in the magazine were changed after a power struggle on the editorial level. Thus, the magazine never became the influential arena for literary discussions that it first had potential of becoming. With its initial focus on how to construct a new post-war world, the debates in the magazine, however, provide an interesting material for an investigation of attempts to renegotiate the position of literature in society. This is conducted through a perspective that focuses on the debaters’ use of metaphors, but also their specific experiences of the past and their expectations on the future. Central oppositions between aesthetic and committed ideals are highlighted, but also between individualism and collectivism. It is also demonstrated that the debates successively turned more concrete, not least focusing on the very influential Swedish literary generation of the 1940s.

Thèses (M.A.)--Université de Sherbrooke (Canada), 1997. / Titre de l'écran-titre (visionné le 20 juin 2006). Publié aussi en version papier.

Ce texte, résolument descriptif, plutôt que théorique, trace le développement critique d'un corpus de création en installation vidéo, depuis ses premières manifestations liminaires jusqu'à son aboutissement en fin des études de maîtrise. L'approche descriptive vise à faire ressortir, progressivement, les évènements, telles des « figures », destinées à former un lexique de mon travail actuel. Il est espéré qu'une dimension conceptuelle implicite de ces figures se dégage par la justesse de la description qui a proposé par exemple des notions actives telles l'écran perméable, le « en lieu réel », le télescopage temporel, la zone de temporalité, le cumul en flux, la boucle ouverte.

Le présent texte propose une incursion dans mon univers photographique. J'ai voulu m'accorder un temps de réflexions après plusieurs années à parcourir les territoires maritimes et terrestres. Il est composé de notes de terrain enchâssé à des réflexions personnelles sur la photographie, sur ce qui m'influence et ce qui a teinté mon approche. L'emphase est mise sur l'expérience de terrain, la collecte de matériaux bruts et le déplacement qui sont constitutif de ma pratique artistique. Je reviens sur la création de trois projets réalisés entre 2019 et 2022. Ces projets m'ont emmené sur différents territoires, certains plus familiers que d'autres. Sur les berges du Saguenay au Québec, le long des pointes de terres de la Louisiane, et à travers les anciens pays satellites de l'Union soviétique en Europe de l'Est. Ces projets n'ont pas été réfléchis pour faire sens ensemble, ils sont la somme de divers questionnements qui m'ont occupé durant les 3 dernières années. C'est pourquoi j'ai privilégié la trace écrite afin d'apporter une autre perspective sur mon travail qui est essentiellement une pratique de l'image. / This text can be seen as an incursion into my photographic universe. After years of honing a practice based on exploring marine and terrestrial landscapes, it was time for a moment of reflection. The resulting work takes the form of field notes interlaced with personal reflections on the history and practice of photography and notes on what has influenced my practice and approach. The centre of my process is most often what might be literally characterized as field work : I travel to gather raw materials. Here, I reflect on the creation process of three projects completed between 2019 and 2022 which led me into familiar and unfamiliar lands from the banks of the Saguenay River in Quebec to Louisiana to the former Soviet satellite states in Eastern Europe. The projects in question were not expressly designed to work together; rather, they represent the sum of various interrogations that have guided my practice over the last three years. This is one reason I have focused on exploring written traces, adding a new perspective that will broaden the scope of my image-based practice.

Ce mémoire présente En quête de chemins illusoires, un diptyque qui est aussi un bas-relief à la suite du traitement singulier de sa toile. Cette œuvre tente d'exprimer l'énergie et le foisonnement qui caractérisent les illusions visuelles à partir desquelles je peins et invite à plonger au cœur d'une collection de narrations compliquées, vivantes, composites et dont l'interprétation est ouverte. En quête de chemins illusoires, ce sont d'abord deux peintures de très grand format réalisées dans une manière distincte, le multilemma. Entre figuration et abstraction, son originalité consiste d'abord dans l'abandon de toute intention formelle, c'est-à-dire sans choix préalable de sujets et dans le délaissement de toute recherche de narration. La manière multilemmée implique également une présentation tridimensionnelle qui se distingue du simple accrochage. Ainsi, les effets de gonflement et de drapé créés par un capitonnage irrégulier complètent l'œuvre et lui apportent du volume. Cette manipulation ajoute aussi au brouillage des formes peintes et à leur enchevêtrement. L'ambition derrière En quête de chemins illusoires est triple. Elle correspond en premier lieu au désir d'allonger l'activité perceptive, d'assurer que le premier coup d'œil à l'œuvre se transforme en une halte généreuse et de longue durée. En conséquence, elle vise aussi à favoriser le phénomène de l'attention qui entraîne une complexification de l'interprétation. Enfin, elle cherche à générer une illusion de mouvement à partir des effets induits par une fixation prolongée, à savoir le déplacement et la déformation des éléments qui entourent les zones sous regard. À l'instar des œuvres des artistes du fluxus du siècle dernier, En quête de chemins illusoires veut supprimer l'idée d'une création finie en mettant de l'avant l'importance de son interprétation / This master' thesis presents En quête de chemins illusoires (Towards Illusory Paths), a diptych which is also a bas-relief following its unique hanging. It tries to express the idea of energy and abundance that characterizes the visual illusions from which I paint and invites to get away with a collection of complicated, full of life, composite and open interpretation narratives. En quête de chemins illusoires is, first of all, two very large canvas paintings made in a distinctive way, multilemma. Between figuration and abstraction, its originality consists in the abandonment of any formal intention, that is to say without prior choice of subjects or any conscious search of narrative. The multilemmé way also involves a three-dimensional presentation that differs from a single hanging. Thus, the swelling and draping effects created by irregular padding complete the work and give it volume. This manipulation also adds to the blurring of the painted shapes and their entanglement. The ambition behind En quête de chemins illusoires is threefold. It is driven in the first place by the desire to lengthen perceptual activity, to ensure that the first glance to the work will turn into a generous and longer halt. Consequently, it also aims at encouraging the phenomenon of attention which leads to a complication of the interpretation. Finally, it seeks to generate an illusion of movement from the effects induced by prolonged fixation, namely the displacement and deformation of the elements that surround the areas under gaze. Like the fluxus artist's works of the last century, En quête de chemins illusoires wants to suppress the idea of a finite work, by putting forward the importance of its interpretation.