Figures du sujet dans le roman fin de siècle des années 1990-2000, interroge, dans une perspective socio-poétique, les dispositions que prend le sujet dans deux espaces littéraires et culturels, à partir d'une étude synchronique de quelques romans tunisiens et français contemporains : Hayet ou la passion d'Elles d'Anouar Attia, Un an de Jean Echenoz, Monsieur L... d'Azza Filali, La Télévision de Jean-Philippe Toussaint et Dondog d'Antoine Volodine. Notre point de départ a été le constat d'une orientation post-formaliste dans les discours critiques littéraire et philosophique qui marquent un " retour spectral " du sujet historique. Des problèmes esthétiques, épistémologiques et poétiques sont mis en relation. Plus qu'une crise du personnage, une déficience ludique du narrateur est notée dans le corpus français. Dans une perspective sociocritique, le déficit du narrateur renvoie à une crise des institutions plutôt qu'à un abandon du projet politique de la modernité. Dans les romans tunisiens, la crise du sujet personnage est isolée. L'autorité du narrateur est maintenue, tout en étant déjouée pour signifier un écart et un désir : créer les conditions de possibilité d'une ouverture de l'expérience. La " narration discordante " est l'expression d'un problème de lisibilité du monde de la fiction. Toutefois, d'un point de vue pragmatique, les stratégies narratives de la discordance deviennent ce qui aiguise la présence du sujet lecteur, sollicité pour une contribution à la lisibilité de l'histoire. Nous y lisons, dans les deux cultures, une invitation du discours littéraire au sujet historique à tenter de tracer les contours d'une modernité politique inédite.

Dans Offices, Mallarmé érige en modèle esthétique la figuration liturgique, dont les gestes stylisés indiquent l'invisible, ce "soi" qui est dieu et qui, se tenant en retrait au tréfonds de l'intimité humaine, ne peut être saisi dans les formes courantes de la rationalité et de la vie sociale, d'où la triple métaphore symboliste de la séparation : hermétisme, aristocratie, élection. Le geste liturgie du poème opère une soustraction : il retranche du réel un temps et un espace sacrés, cercle magique que sont l'ile de prose, la vitre des fenêtres ou chez Yeats une étreinte rêvée, métaphore d'un éden fictif où les choses sont restituées à leur virginité, ou se produit une idéalisation du monde qui permette sa superposition avec le ciel intérieur de l'âme. Dans cette fête qu'est le poème, le geste réactualise le jaillissement premier du monde, fait surgir une enfance fictive de la terre, annule les conséquences de la chute réinterprétée comme la distance qui sépare la réalité du rêve, ressaisit le soi originaire dans le mythe pour raviver symboliquement la banalité, il sacre et glorifie. l'idéalisation liturgie et poétique exige une double forme d'abstraction, dématérialisant et schématisant, éclairée à la lumière de la théorie kantienne du schème comme instrument de passage et de participation, dans les deux sens, du matériel au spirituel, du concret à l'abstrait, du visible, comme instrument de suggestion indirecte et de figuration mythique. Le geste poétique volatilise les êtres pour libérer une forme schématique, idéale, susceptible de coïncider avec les "rythmes essentiels" du soi, de sorte qu'advienne une correspondance symbolique entre le réel et ce que rêve en l'homme sa part métaphoriquement divine en tant que créative et récréative. Sont étudies chez les trois auteurs, dans cette perspective de l'abstraction mythique et liturgie suggérée par Mallarmé, plusieurs figures ainsi que deux schèmes essentiels de leur poésie : le schème baptismal et celui du néant irradiant, qui visent à produire une restauration de l'être sans sa splendeur originelle.

Ce travail présente la manière dont le regard d'Elizabeth Bishop appréhende le monde en refusant toute illusion de familiarité. Il étudie les diverses stratégies de défamiliarisation qui invitent le lecteur à redécouvrir les surprises que peuvent réserver l'ordinaire et le quotidien, ainsi que le rapport qui s'instaure entre le sujet lyrique et le monde dans ces conditions. Il s'agit d'analyser comment l'affleurement de l'étrange ou de l'informe dans le familier et l'intime permet d'accéder à une reconnaissance du soi plus ample et plus authentique. L'écriture de Bishop remet inlassablement en question la stabilité de la réalité, y compris celle du sujet, ainsi que toute notion d'acquis, ou d'acquisition dans le temps. C'est ainsi que sa voix - sa signature - se singularise et qu'elle se démarque de ses pairs, mais aussi de la société à laquelle elle appartient. Ce qui s'affirme au travers de son écriture n'est paradoxalement fait que d'incertitude et de vulnérabilité. Le sujet qui s'y forme se construit sur de l'éphémère, sur ses propres limites ; il ne peut s'appuyer que sur la découverte de l'aliénation exogène mais également endogène à laquelle il est confronté. Simultanément, cette écriture cherche des moyens de maintenir le sujet, par la résonance d'échos, par le foisonnement, la prolifération, autant de techniques qui le ramènent incessamment au manque, au vide, à la faille qu'elles sont supposées masquer. Cette thèse propose d'interroger le rapport entre perte et création dans l'œuvre de Bishop, la manière dont la création se nourrit de la perte, et dont elle entraîne le lecteur dans cette transaction, l'incluant par là-même dans le processus créatif.

La présente recherche est une approche transdisciplinaire et pluridisciplinaire qui a pour objet principal, la réévaluation et la redéfinition du concept du mythe littéraire, en abordant la vision des sciences biologiques, plus précisément la génétique dont les instruments et concepts servent de notre point de vue à la reconfiguration des structures déjà classiques de l'imaginaire. Nous avons comme objectif de proposer une définition du mythe qui rend compte de son évolution dans les cultures, non pas une définition statique, immobile ; mais une définition qui suppose l'idée de l'évolution. Le biologiste anglais, Richard Dawkins, écrit en 1976 Le Gène égoïste, dans lequel il explique que "toute vie évolue en fonction des chances de survie des entités répliquées". Selon lui, le gène est la principale unité de sélection dans l'évolution. Dawkins invente aussi le concept de " mème " comme étant l'unité de l'évolution culturelle par analogie avec le gène. Donc, il estime qu'il y a un rapport très fort entre la génétique et la culture humaine, autrement dit, entre le monde physique, le cerveau humain et l'imaginaire. Claude Lévi-Strauss dans, Roger Caillois, Gilbert Durand et Richard Dawkins voyaient une liaison forte entre l'imaginaire et la biologie. Mais, leurs recherches n'aboutissent pas à présenter un modèle concret. Ce que nous essayerons de présenter dans notre recherche, est un nouveau parcours vers ce but avec le nouvel outil de la génétique. Nous étudions quelque domaine crucial de l'imaginaire tel que l'origine ou le Big Bang de l'imaginaire, la frontière dans l'imaginaire et le réel, le tableau des gènes littéraires et les codes des gènes littéraires. C'est une sorte de redécouverte de l'imaginaire basé sur le gène et mythe littéraire. Pour prouver notre point de vue, nous appliquons la méthode du repérage des gènes littéraires sur un récit. Cette recherche transdisciplinaire veut mettre en évidence que le mythe, comme il est défini par les mythologues, les ethnographes, les anthropologues etc., n'est pas seulement un phénomène culturel, religieux, historique, ou déterminé par les représentations littéraires, mais il est en fait, déterminé par les structures génétiques qui préparent l'homme à la propension et la compétence de raconter des " histoires "/ des " récits ".

Cette recherche porte sur la poésie portugaise de la deuxième moitié du XXe siècle, plus précisément sur l'œuvre poétique et métapoétique de Sophia de Mello Breyner Andresen, Eugénio de Andrade et António Ramos Rosa. Ces auteurs révèlent une positivité marquée par une grande confiance dans le dire poétique. Celui-ci est perçu comme potentialité conciliatrice entre le sujet, le monde et la parole. C'est ainsi que la Poésie constitue chez eux une gnose ou une connaissance. Quoique néoromantique, c'est dans une mythification modérée de la parole poétique toujours entre la crainte et le désir que chaque poème invente sa possibilité. Après la crise du langage qui a mené à une poésie fataliste, leur originalité réside dans la capacité de réinventer ou reconstruire un sens pour le dire poétique et d'y puiser une énergie réparatrice. Dans cette construction de sens, l'image poétique assure un rôle essentiel et le thème de la nudité apparaît comme un paradigme de la vérité. Ainsi, le rapport complémentaire entre imagination productive et expérience vécue trouve une place importante dans cette réflexion au le sens où c'est ce rapport qui permet que la fable et le réel cohabitent dans le poème.

Pourquoi le passé colonial français lointain (esclavagisme aux Antilles entre XVe et XIXe siècles) ou plus récent (Algérie française de 1830 à 1962 ; colonisation française en Afrique de 1895 à 1958) hante les œuvres d'écrivains francophones en postcolonialisme ? Comment l'irrésolution de tensions historiques façonne les récits de l'Antillaise Maryse Condé (Célanire cou-coupé, La Belle Créole) et de l'Algérienne Assia Djebar (Les nuits de Strasbourg, La disparition de la langue française) ? Par l'étude de personnages aux frontières mémorielle, territoriale et identitaire, ces auteurs déroulent les maux de l'histoire à travers le prisme de la mémoire. Les décès, assassinats et tortures, et la pérennité de cette violence à travers les générations soulignent l'irrésolution d'une mémoire coloniale et impérialiste. Avec la question de l'altérité et du regard porté sur la figure de l'autre, cette étude analyse des frictions identitaires : solidarité ethnique et sociale ; cercle vicieux qui lie bourreaux et victimes ; stigmatisation du couple mixte ; transgression des codes sociaux soulignant leur inanité ; communauté LGBTI et propension individuelle à intérioriser des préjugés malgré leur préjudice ; peurs issues de l'indéterminisme de personnages métis. Avec des personnages passeurs de frontières, la marge et le centre, la frontière et l'entre-deux deviennent des espaces d'exploration d'un multiculturalisme illimité. C'est donc une décolonisation des imaginaires dont il est question.

Le lien entre Paris et la Turquie remonte à l'ouverture des relations diplomatiques entre les deux pays au 17e siècle. Depuis lors, la culture, la langue et la littérature françaises occupent une place importante au sein de l'intelligentsia turque, première victime de l'instabilité que connaît le pays depuis 1960. Paris a ainsi joué le rôle de fenêtre sur l'Occident, conduisant des générations d'écrivains à cultiver le mythe de la Ville Lumière, cité de l'amour, des révolutions et des libertés. Le débat sur la place de la Turquie en Europe justifiait une étude approfondie des images de Paris dans la littérature turque contemporaine. Pour ce faire, il s'agissait de se pencher sur trois écrivains, qui œuvrent sous l'ombre de leur aîné, le précurseur Attilâ Ilhan, décédé en 2005. Demir Özlü, le solitaire nauséeux pour qui Paris reste un rêve inaccessible, Nedim Gürsel, l'amoureux prolixe qui en fit sa maîtresse, et Enis Batur, l'explorateur scientifique qui en scruta chacune des pierres, ont, chacun à leur façon, placé Paris au cœur de leur production littéraire, préservant ainsi la place particulière dont jouit la capitale française dans l'imaginaire turc. Au travers de leurs exils et errances, ils servent de pont entre une Turquie traditionnellement enracinée dans l'Orient et Paris, qui incarne un Occident tantôt flamboyant, tantôt décadent mais toujours obsessionnel. Le fait qu'ils soient constamment tiraillés entre deux langues, deux cultures et deux lieux, Paris d'une part et Istanbul et la Turquie d'autre part, les conduit à une lancinante et permanente quête de leur identité d'homme et d'écrivain.

Cette thèse est le fruit d'une étude comparative de la peinture et de la poésie des XVIe et XVIIe siècles. Dans ce document, la poésie et la peinture se répondent, s'entrecroisent, s'éclairent à tour de rôle, grâce à une analyse comparée des similitudes et différences qu'elles expriment sur le même thème, qui est le portrait satirique baroque. Notre étude est ancrée dans une approche esthétique de l'univers visuel baroque, et met l'accent sur la réception des œuvres d'art par le spectateur. Quant à la poésie, nous nous éloignerons du modèle classique de la satire, pour pénétrer la littérature satirique, riche d'une langue imagée, et bien souvent obscène. Notre thèse est composée de cinq chapitres. Nous donnerons tout d'abord une définition du portrait en poésie et en peinture. Dans un deuxième temps, nous montrerons qu'en représentant un individu, l'artiste dévoile également son âme, et que, dans cette époque tourmentée, l'âme apparaît à travers laideur et difformité dans les portraits sociaux et misogynes. Le troisième chapitre sera consacré à la notion d'esthétique paradoxale, qui montre l'homme et l'univers de façon renversée, comme un écho au monde bouleversé du tournant de XVIème siècle, avec les conséquences que cela implique sur le récepteur de l'œuvre d'art. Nous analyserons ensuite plus particulièrement la poésie misogyne de Sigogne, avant de conclure notre travail sur l'étude du monde fantastique et surnaturel qui s'empare de sa poésie, et de la poésie baroque de manière générale.

L'objet de cette recherche est de revisiter la notion d'intrigue dans le Nouveau Roman après une campagne de dénigrement théorique menée par certains nouveaux romanciers. Une reconsidération qui s'inspire essentiellement des travaux de Paul Ricoeur sur " La Mise en intrigue " et qui se fonde principalement sur les études récentes de Raphaël Baroni sur " la tension narrative ". Dans la première partie il s'agit de remettre en perspective littéraire et critique cette notion en la confrontant au roman dit " traditionnel " et en parcourant les travaux nombreux des écrivains, critiques et théoriciens qui ont abordé cette question.La deuxième partie est concrètement une mise en chantier où sont éprouvées les idées de fiction, de passion, de suspense et de tension.Enfin la dernière partie est une sorte de reprise d'un modèle précis d'intrigue qui est celui du roman policier dans la perspective de mettre en évidence son aspect passionnant et passionnel.

Les textes de Maria Velho da Costa et de Teolinda Gersão sont habités par des paysages, des archétypes et des autoréflexivités configurés dans des marges, lieux périphériques, qui révèlent simultanément la place centrale occupée par le sujet féminin. La notion de paysage, matière de la première partie de cette étude, s'articule avec celle d'archétype (de relation archétypique) et d'autoréflexivité, notions traitées respectivement dans la deuxième et troisième parties, à travers - une coordonnée commune - l'espace envisagé sous les trois aspects suivants : le physique, le social et le mental. Les paysages apparaissent dans une marge physique par rapport au centre occupé par le sujet qui les construit. Les archétypes de l'Amazone, de la Sorcière et de la Folle, dans lesquels les personnages féminins se retrouvent, actualisent leur exclusion du cercle social en les renvoyant vers les marges périphériques que peuvent être la nature sauvage ou l'asile psychiatrique. L'autoréflexivité à la marge du texte, " à côté " de ce qui serait censé être le contenu de l'œuvre, s'avère un lieu marginal par rapport au centre traditionnellement occupé par la diégèse. L'intention sous-jacente à cette étude est d'analyser les configurations de paysages, d'archétypes, de relations archétypiques et de réflexions sur l'écriture au sein des récits fictionnels, qui manifestent une dimension marginale périphérique et paradoxalement contribuent à l'actualisation des subjectivités et des quêtes identitaires " au féminin " recherchées par les Auteurs, les narratrices et les personnages femmes dont la vitalité centrale déstabilise dichotomies et dualismes.