Orientador: Carlos Eduardo Di Stasi / Coorientador: Alberto Tsuyoshi Ikeda / Banca: Herom Vargas Silva / Banca: Alexandre Francischini / Resumo: Esta pesquisa aborda parte da obra do compositor, arranjador, cantor, instrumentista, escritor e performer Antônio José Santana Martins, popularmente conhecido como Tom Zé. Propôs-se uma análise transdisciplinar sobre a sua produção artística situada entre os anos de 1967 e 1976, discutindo cinco discos do músico, reveladores da transição entre estes dois momentos, desde o início de sua carreira (1967) - em sua fase tropicalista -, até seu disco Estudando o samba, gravado em 1976. Este disco se mostrou de grande importância, pois, de acordo com o compositor H. J. Koellreutter (1915-2005), inaugurou - por meio da música Toc - uma nova proposta na estrutura composicional do artista, enquadrando-se na Estética Relativista do Impreciso e do Paradoxal e no conceito de tempo quadridimensional do teórico alemão. Este conceito, posteriormente, direcionou a pesquisa para outras noções associadas a mudanças de paradigma, observadas tanto na arte quanto na ciência moderna (física quântica e relativista) dos séculos XX e XXI. Buscou-se nesta pesquisa, elencar elementos na obra de Tom Zé condizentes à esta mudança paradigmática, com o intuito de compreender com maior profundidade as transformações estéticas e composicionais do artista no recorte temporal selecionado. Como uma análise estritamente técnico-musical convencional não seria capaz de envolver a totalidade da obra deste artista multimidiático, seu trabalho ainda foi analisado sob aspectos estéticos, históricos e sociopolíticos que englobam, justificam e podem contribuir para a compreensão de sua música. Assim, também foram verificadas as letras das músicas, performances, indumentárias, além dos seus discursos; considerando-se ainda materiais como artigos, entrevistas, capas de discos, entre outros. Desta forma, foi possível constatar as diversas nuances e gradações do compositor em suas transformações musicais / Abstract: This research broaches part of the work of the composer, arranger, singer, player, writer and performer Antônio José Santana Martins, popularly known as Tom Zé. It was proposed a transdisciplinar analysis about his artistic production placed between the years 1967 and 1976, discussing five records of the musician, revealers of the transition between these two moments, since the beginning of his career (1967) - in his tropicalist phase - until his album Estudando o samba, recorded in 1976. This LP showed large importance because, according to the composer H. J. Koellreutter (1915-2005), it inaugurated - through the music Toc - a new proposal in the compositional structure of the artist, that fits in the Relativistic aesthetics of Imprecise and Paradoxical and in the concept of quadridimensional time of the German theorist. This concept subsequently directed the research to other notions associated with paradigm shifts, observed both in art and in modern science (quantum and relativistic physics) of the XX and XXI centuries. It was sought in this study, to list elements in Tom Zé's opus consistent with this paradigm shift, in order to understand more deeply the aesthetic and compositional changes of the artist in the time frame selected. As a strictly conventional technical and musical analysis would not be capable to involve this multimidiatic artist's totality work, his job was also analyzed under aesthetic, historical and socio-political aspects that encompass, justify and can contribute to his music comprehension. Therefore, also the lyrics, performances, clothing were verified, in addition to his discourses; considering even materials like articles, interviews, album covers etc. Thus, it was possible to observe the different nuances and gradations of the composer in his musical transformations / Mestre

Orientador: Marcos Fernandes Pupo Nogueira / Banca: Achille Guido Picchi / Banca: Maurício Funcia de Bonis / Banca: Adriana Lopes da Cunha Moreira / Banca: Paulo de Tarso Camargo Cambraia Salles / Resumo: Esta pesquisa investiga a relação texto-música e as estratégias de composição musical em obras que tomam um texto poético como ponto de partida. As obras estudadas foram Pétala Petulância de Eduardo Guimarães Álvares, sobre poemas de Alícia Duarte Penna, Le Fruit Ardent (do Portrait de Nadia Boulanger) de Almeida Prado, baseada em poema de Paul Valéry e As Estrelasde Harry Crowl, sobre poema de Cruz e Sousa. O estudo dessas obras envolveu a análise musical baseada na análise motívica a partir de Schoenberg, na Teoria dos Conjuntos a partir de Forte, Oliveira, Straus, além de referências a outros teóricos musicais como Motte e Cook. Também foi realizada uma análise poética dos textos musicados, baseada em Bosi, Cândido, Jakobson, Goldstein e Tavares, complementada pela leitura de estudos sobre Cruz e Sousa (realizados por Bastide, Rabello, entre outros) e Paul Valéry (realizados por Andersen, Daniel Lefèvre, entre outros). A partir de uma comparação entre as obras estudadas, esta pesquisa verificou como a diferença entre os poemas escolhidos por cada compositor se reflete nas relações entre texto e música. A maior abstração ou, diferentemente, a maior concretude das imagens dos poemas influencia na maneira como são percebidos os elos entre um poema e a composição musical nele baseada. Esta tese detectou também que o interesse dos compositores abordados pelas imagens dos textos musicados está associado a uma busca de sonoridades e texturas musicais específicas. Esta pesquisa demonstrou que muitas conexões entre poesia e música resultam do fato de as duas linguagens se desenrolarem no tempo e envolverem relações de similaridade e contraste entre momentos distintos de seu percurso temporal. Um poema, quando declamado, inclui várias pausas, decorrentes de fatores sintáticos, semânticos, métricos ou formais, e um importante ponto de contato ou de tensão entre poema... / Abstract: This research investigates the text-music relationship and strategies of musical composition in works that take a poetic text as a point of departure. The works approached were Pétala Petulânciaby Eduardo Guimarães Álvares on poems by Alícia Duarte Penna, Le Fruit Ardent (from Portrait de Nadia Boulanger) by Almeida Prado, on a poem by Paul Valéry and As Estrelasby Harry Crowl, on a poem by Cruz e Sousa. The study of this works involves a musical analysis making use of a MotivicAnalysis based on Schoenberg and of the Set Theory based on Forte, Oliveira and Straus. It also refers to other musical theorists such as Cook and Motte. This study encompass too a poetic analysis of the texts of the musical pieces approached, based on Bosi, Cândido, Goldstein, Jakobson and Tavares, complemented by studies on Cruz e Sousa (by Bastide, Rabello) and on Paul Valéry (by Andersen and Daniel Lefèvre). This research has verified that the differences between the poems chosen by each composer affect the text-music relationship. This study demonstrates that many connections between poetry and music results from the fact thatboth are temporal languages and involve relations of similarity and contrast between different moments of their temporal trajectory. This research has also explained elements of the musical pieces that sometimes are independent of the text, such as their motivic elaboration. / Doutor

Orientador(a): Marcos Fernandes Pupo Nogueira / Banca: Luiz Fiaminghi / Banca: Maurício De Bonis / Resumo: O presente trabalho propõe uma abordagem teórica/analítica do conceito e aspectos estruturais de um procedimento explorado por compositores no período barroco conhecido por polifonia latente. Neste período, diversos compositores buscaram expressar uma textura polifônica em uma linha melódica única. Primeiramente, este trabalho consiste em comparar os aspectos estruturais da melodia e polifonia com os da polifonia latente, e em segundo lugar, expor, qualificar e determinar os métodos e estratégias composicionais empregados nas obras analisadas e, assim explicitar aquilo que está latente pela ocultação da multiplicidade de partes em uma linha melódica única, resultando em uma textura polifônica latente. Para o cumprimento dos objetivos propostos adotamos diferentes estudos teóricos, analíticos e históricos, dos quais destacamos Albert Bregman (1994), Alexander Ringer (2001), Allen Forte e Steven Gilbert (1982), Arnold Schoenberg (2001), Ernst Kurth (1991), e Walter Piston (1947), estes autores, entre outros, fundamentaram o desenvolvimento do trabalho e a análise das peças, Presto da Fantasia VII em Mib maior para violino desacompanhado de Telemann, e Allemande da Partita em Lá menor para flauta desacompanhada - BWV 1013 de Bach. Verificamos que a aparente melodia que se apresenta na polifonia latente possui características melódicas e polifônicas diferentes, devido a múltiplas continuidades e unidades que a caracteriza. E que, a organização vertical e horizontal explicita na... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The present work proposes a theoretical/analytical approach to the concept and structural aspects of a procedure explored by composers in the baroque period known as latent polyphony. In this period, several composers sought to express a polyphonic texture in a single melodic line. First, this work consists of comparing the structural aspects of melody and polyphony with those of latent polyphony, and secondly, exposing, qualifying and determining the compositional methods and strategies employed in the analyzed works and thus explaining what is hidden by the occultation of the multiplicity of parts in a single melodic line, resulting in a latent polyphonic texture. In order to fulfill the proposed objectives, we adopted different theoretical, analytical and historical studies, such as Albert Bregman (1994), Alexander Ringer (2001), Allen Forte and Steven Gilbert (1982), Arnold Schoenberg (2001), Ernst Kurth, and Walter Piston (1947), these authors, among others, founded the development of the work and the analysis of the pieces, Presto of Fantasia VII in Mib major for unaccompanied violin by Telemann, and Allemande of Partita in A minor for unaccompanied flute - BWV 1013 by Bach. We verified that the apparent melody that displays in the latent polyphony has different melodic and polyphonic characteristics, due to the multiple continuities and units that characterizes it. And that, the explicit vertical and horizontal organization in polyphony is condensed into a single... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Orientador: Palmira Petratti Teixeira / Resumo: Este estudo volta-se para um tema de história cultural. O objeto de análise deste trabalho é a trajetória do violão modesto e discriminado por vários segmentos da sociedade brasileira no início deste século, para o mais utilizado na música popular e erudita. Há fortes indícios de que foi trazido para o Brasil pelos jesuítas. Foi muito difundido em nosso país como acompanhador de canções nostálgicas e bailados e por isso, por muito tempo, considerado um eterno companheiro de seresteiros, e associado às camadas mais humildes da população. Nas primeiras décadas deste século, com a visita de grandes violonistas estrangeiros somada ao advento do gramofone e do rádio, o violão recuperou seu prestígio junto às camadas mais abastadas, tanto de São Paulo quanto da capital federal, demostrando-se ágil e com grandes recursos sonoros / Abstract: This is a study of an aspect of cultural history. The object of analysis is the trajectory of the guitar, from a modest instrument discriminated against by various segments of Brazilian society at the beginning of the 20th century to one frequently used in popular and concert music today. There are strong indications that it was brought to Brazil by Jesuit priests. Its use was wide-spread in our country to accompany nostalgic songs and ballads and, for this reason, it was long considered the eternal companion of the 'seresteiros' and associated with the more humble levels of the population. During the first decades of the 20th century, with the tournées of great foreign guitarists in conjunction with the advent of the radio and gramophone, the guitar recuperated its prestige with the upper classes in São Paulo and Rio de Janeiro, demonstrating great agility and sonorous possibilities / Doutor

Orientador: Paulo Augusto Castagna / Banca: Marcos Fernandes Pupo Nogueira / Banca: Lia Vera Tomás / Banca: Mônica Isabel Lucas / Banca: Carin Zwilling / Resumo: Esta Tese procura elucidar o impacto local e internacional do "Muzico e Moderno Systema para Solfejar sem Confuzão", método escrito em 1776 por Luís Álvares Pinto, músico pernambucano do século XVIII. A importância do método não se encontra somente no fato de este ser um texto brasileiro ainda não estudado, mas especialmente em seu conteúdo, que de acordo com pesquisas recentes, é o primeiro tratado em língua portuguesa a defender a prática um novo sistema de solfejo, baseado no heptacorde, também conhecido como "solfejo francês". A primeira descrição conhecida do solfejo heptacordal francês, por um teórico luso-brasileiro, está presente na "Escola de Canto de Órgão" escrita pelo Padre Caetano de Melo de Jesus em 1759, sendo que o mesmo advoga pela manutenção do sistema hexacordal aretino. Apenas dois anos após, em 1761, Álvares Pinto defende o sistema francês em sua "Arte de Solfejar", primeiro método escrito pelo músico pernambucano e localizado na Biblioteca Nacional de Portugal. Foi somente em 1778 que o solfejo francês foi mencionado por um teórico português, no tratado "O Eclesiástico Instruído" de Frei Bernardo da Conceição. O "Muzico e Moderno Systema" representa uma revisão ampliada do conteúdo da breve "Arte de Solfejar", descrevendo o seu método a partir de Observações amplas e complexas, fundamentadas em autores dos séculos XVII e XVIII, especialmente Sebastien de Brossard. No decorrer desta pesquisa iremos analisar o método do "Muzico e Moderno Systema", relacion... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This thesis aims at elucidating the local and international impact of "Muzico e Moderno Systema para Solfejar sem Confuzão", method written in 1776 by Luís Álvares Pinto, a eighteenth century musician born in Pernambuco, Brazil. The importance of this method is not only the fact that it remains practically unstudied, but especially in its content, which according to recent researches, is the first theoretical music text to defend the practice of a new solmization system, based on the heptachord, also known as French solmization. The first known description of the French heptachordal solmization, by a Portuguese-Brazilian theorist was found in "Escola de Canto de Órgão", written by the Brazilian priest Caetano de Mello de Jesus, in 1759, although he still supports maintaining the hexachordal system of Guido of Arezzo. Only two years later, in 1761, Álvares Pinto defends the French system in the "Arte de Sofejar", first method written by the Brazilian musician and located in the Portuguese National Library. It eas only in 1778 that this French solmization was first mentioned by a Portuguese music theorist, in the treatise "O Eclesiástico Instruído" by Friar Bernardo da Conceição. The "Muzico e Moderno Systema" is a expanded revision of the content present in the brief method "Arte de Solfejar", describing its system with large and complex Observations, based on authors of the seventeenth and eighteenth centuries, especially Sebastien de Brossard. During this research we will ex... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

Esta dissertação é composta de quatro capítulos. O primeiro, de caráter lexicográfico, explora os campos semânticos de oito termos capciosos comuns às teorias linguística, narrativa, semiótica e musical. O Segundo faz uma analogia entre sistema musical e língua natural segundo oito princípios que delimitamos do pensamento saussuriano. O terceiro cuida do sentido musical imanente defendido pelos analistas de música, afilhados do pensamento de Hanslick, da escola formalista dos séculos XIX e XX. O quarto, e último capítulo, intitulado hermenêutica, trata das linhas que criativamente extraem sentido semântico de estruturas musicais. / This dissertation consists of four chapters. The first of lexicographical nature, explores the semantic fields of eight specious terms common to linguistic, narrative, semiotic and musical theories. The second is an analogy between music system and natural language according to eight principles that delimit the Saussurean thought. The third takes care of the immanent musical sense advocated by music analysts, godchildren of Hanslick\'s thought, the formalist school of the nineteenth and twentieth centuries. The fourth and final chapter, entitled hermeneutics deals with lines that draw creatively semantic sense of musical structures.

O presente estudo visa demonstrar as características pós-modernas na música exemplificadas através da obra Rimsky de Gilberto Mendes. Partimos da análise das referencialidades aí encontradas para informar e elucidar esta modalidade de composição contemporânea. Vincula, ao exame das questões estéticas implícitas na obra, a abordagem do livro do mesmo autor Uma Odisséia Musical dos mares do Sul à elegância pop/art déco procurando desvelar a compreensão do discurso ideológico subjacente. O tema sobre o pós-modernismo, não encerrando um consenso, persegue até hoje a necessidade de busca de um método que contribua para precisar um critério que permita sua devida explicação. Nossa tentativa de análise objetivou esclarecer os procedimentos que norteiam as composições e os pressupostos pós-modernos, a saber: fragmentação, citação, justaposição, descontinuidade. O pós-modernismo instaura um novo paradigma em nossa atualidade que requer (para que possa ser entendido em seu devido alcance) um exame preciso do modo de produção das obras e das conceituações daí decorrentes, sujeitos a polêmicas. Esta constatação demandou, no decurso desta pesquisa que se investigasse sobre questões filosóficas, epistemológicas e ideológicas como parte não só intrínseca, mas inevitável de seu objeto, estritamente amalgamadas em suas implicações estéticas. Transita portanto, pelas querelas teóricas, estéticas e ideológicas modernas e pósmodernas, apontando as teses conflitantes daí decorrentes. Intenta, neste sentido, abordar os limites conceituais que se aproximam e se distanciam do Modernismo que possam contribuir à reflexão da arte na atualidade. / The present study aims at demonstrating the postmodern characteristics in music, as per Gilberto Mendes Rimsky composition. The starting point is an analysis of the references herein found, in order to inform and elucidate this modality of cotemporary art. It links to the analysis of aesthetic matters implicit in the composition, the approach of the book by the same author Uma odisséia musical dos mares do sul elegância pop/art déco (A musical odyssey from the southern seas to the pop/art deco elegance) seeks to unveil the understanding of the underlying ideological speech. The postmodernism theme, not holding exactly a consensus, still pursues the need to seek a method that can contribute to define a criterion enabling its proper explanation. Our analysis attempt aims at clearing up the procedures that guide the compositions and the postmodern projects, namely: fragmentation, quotation, juxtaposition, discontinuity. Postmodernism establishes a new paradigm in our present time which requires (so that it can be understood in its proper wideness of range) an accurate examination of the mode of production of the pieces and of the conceptualities originating from there, subject to controversies. During this research, this evidence demanded the investigation of philosophical, epistemological and ideological issues, not only as an inherent part, but also unavoidable of its object, strictly amalgamated in its aesthetic implications. Therefore, it passes through the theoretical, aesthetic, ideological, modern and postmodern controversies, pointing to the conflicting thesis resulting from there. It attempts therein, to approach the conceptual limits that come close and keep away from modernism which can contribute to the epistemological reflection of art in the present time.

El presente trabajo fue concebido a partir de la hipótesis que la práctica musical en las iglesias bautistas de Chile, inserta en una correspondiente red de usos y funciones, tiene una vinculación estrecha con los procesos históricos generales tanto socioculturales como musicales articulados a nivel nacional o internacional. Como primer paso para validar esta hipótesis se formula como objetivo básico describir en términos globales la historia de la práctica musical en las iglesias afiliadas a la Convención Evangélica Bautista de Chile (CEBACH), el repertorio musical usado en ellas y el discurso que los líderes bautistas manejan acerca de su música. En el capítulo I se realiza una presentación general del protestantismo evangélico latinoamericano y de las principales iglesias evangélicas establecidas en Chile con el fin de enmarcar con mayor claridad el universo de estudio. Los capítulos II, III y IV se articulan a partir de los tres ejes fundamentales de nuestra aproximación, la historia, el repertorio y el discurso émico. El capítulo II corresponde a un panorama de la historia de la música en las iglesias bautistas chilenas, donde damos cuenta del repertorio y del discurso émico en cada etapa identificada. El capítulo III corresponde a un acercamiento al repertorio musical usado en estas iglesias, donde consideramos la historia de sus principales categorías y fuentes matizada con comentarios puntuales de líderes evangélicos. Por su parte, en el capítulo IV se expone una aproximación a dos iglesias bautistas visitadas en Santiago, donde se da cuenta de la historia de cada una de ellas, el repertorio musical que usan y la opinión de sus líderes. A partir del trabajo realizado, se desprenden conclusiones que apuntan a una validación de la hipótesis inicial en cuanto al uso y función de la música en las iglesias bautistas chilenas y en cuanto al valor que la música posee en este sector social en términos de concreción cultural e identitaria. Se presentan además algunas de las proyecciones que surgen del estudio realizado y que debieran constituir referencias para futuras investigaciones en este ámbito.

Orientador: Dorotéa Machado Kerr / Banca: Heloísa Helena Fortes Zani / Banca: Giacomo Bartoloni / Resumo: Essa pesquisa é uma proposta de reflexão sobre a obra para piano solo do compositor paulista Nilson Lombardi. Em termos gerais, atenta para as principais tipificações de sua escrita musical, especialmente o caráter miniatural. Para tanto, estrutura-se em três partes: O compositor e a obra é um estudo que realiza um delineamento biográfico do compositor, percorrendo diferentes períodos da formação e reconhecendo eventos que atuaram no seu desenvolvimento artístico. Intenciona disponibilizar o contexto histórico-estético de sua produção; A miniatura musical, conceito e histórico busca a designação (e conceitualização) de termo miniatura na historiografia da música ocidental, localizando-o especialmente no período romântico - onde demonstra firmar-se enquanto gênero musical definido; A miniatura em Nilson Lombardi é a parte do estudo que verifica os recursos composicionais empregados na elaboração dessas obras. Desenvolve uma metodologia de análise que considera os conceitos levantados na seção anterior do trabalho e, concomitantemente com as premissas descritas pelo autor, realiza uma investigação que configura o termo miniatura na obra para piano do compositor. / Abstract: The present research proposes a reflection regarding the piano solo works of the paulista composer Nilson Lombardi. In general terms, it deals with the main characteristics of his musical writing, with especial attention to its miniatural character. In order to achieve that, this work is divided into three parts. Composer and his works is a study about Lombardi's biography, including different moments of his formation and recognizing events that had taken a place in his production. the second part, Musical miniature, its concept and its history aims to describe and to concept the term miniature throughout occidental music historiography, but specially dating it into the romantic period, when it seems to had been strongly established as a defined musical genre. And Miniature in Nilson Lombardi is the research part that verifies compositional resources used in his works, trough an analysis methodology that uses the concepts from the previous sections: concomitant with author's described premises, it realizes an investigation that configures and characterizes the term miniature into the piano works of Nilson Lombardi. / Mestre

Orientador: Martha Herr / Banca: Márcia Aparecida Baldin Guimarães / Banca: Adriana Giarola Kayama / Banca: Angelo José Fernandes / Banca: Lenine Alves dos Santos / Resumo: A parceria entre a poetisa Suzanna de Campos e o compositor Camargo Guarnieri resultou em 18 canções para canto e piano. Neste estudo apresentamos as principais características poéticas e musicais de cada uma das canções desses dois artistas proporcionando, assim, um leque de informações e dados que objetivam servir de inspiração para o intérprete. No estudo da poesia, apresentamos o poema original, sua forma, seu ritmo, sua métrica e sua sonoridade. No estudo da música, fornecemos informações sobre a melodia, o ritmo, a dinâmica, o acompanhamento e a forma da canção. Os aspectos musicais foram destacados a partir do texto, já que foi ele o primeiro a inspirar o compositor e é através dele que os intérpretes podem desvendar os segredos da canção, para que o ouvinte receba a plenitude de seu significado poético e musical. Através do estudo das canções pudemos constatar uma íntima relação entre a escrita da linha vocal de Guarnieri e a prolação livre do português brasileiro. A metodologia proposta e utilizada para o estudo das canções é resultado da compilação de ideias e sugestões de vários musicólogos e da própria autora e, além de contribuir para a riqueza interpretativa das 18 canções estudadas, pode servir de modelo para estudo de outras canções. Um levantamento das principais características estilísticas de composição das canções foi feita, com intuito de familiarizar o leitor com a escrita guarnieriana. Todas as 18 canções foram editoradas com base nos manuscritos do compositor e essa editoração apresenta transcrição fonética e tradução para o inglês. / Abstract: The partnership between the poet Suzanna de Campos and the composer Camargo Guarnieri resulted in 18 art songs for voice and piano. In the current work, we present the main poetical and musical characteristics of each of the songs by those artists, offering, thus, a host of information and data that aim at serving as inspiration for the interpreter. When studying the poem, we presented the original text, its form, rhythm, meter and sonority. When studying the music, we pro vided information about the melody, the rhythm, the dynamics, the accompaniment and the form of the song. The musical aspects were highlighted using the text as lens, being as it was the first inspiration to the composer and it is through it that interpret ers can uncover the secrets of the song, so that the listener receives the plenitude of its poetical and musical meaning. Through the study of the art songs, we could evidence an intimate relationship between Guarnieri's vocal lines and the free prolation of the Brazilian Portuguese. The methodology proposed and used for studying the songs is the result of the compilation of ideas and suggestions from various musicologists and the author herself and, beyond contributing to the interpretative riches of the 18 songs studied, may serve as a model for the study of other songs. A survey of the main compositional stylistic characteristics of the songs was undertaken, with the objective of getting the reader acquainted with Guarnieri's writing traits. All of the 18 art songs were edited using the composer's manuscripts and this editoration includes phonetic transcriptions and translations into English. / Doutor