Tese de mestrado. Multimédia. Faculdade de Engenharia. Universidade do Porto. 2009

Objetivos Entre los objetivos que nos marcamos en este trabajo están, sobre todo, los que pretenden explicar la naturaleza musical del flamenco y sus orígenes, a saber: 1. Determinar cuál es la naturaleza estético-musical que define al género flamenco, para poder calificar qué es flamenco y qué no lo es. 2. Delimitar históricamente hasta dónde se remontan estos antecedentes estético-musicales para poder referirnos a ellos como flamenco o preflamenco. 3. Analizar y explicar las características musicales de todos los estilos flamencos, realizando una clasificación de los mismos atendiendo a estas características. 4. Establecer un criterio de transcripción musical coherente con la práctica interpretativa flamenca y con sus antecedentes musicales. 5. Estudiar la música coetánea al nacimiento del género flamenco que pueda relacionarse con él, para así compararla y poder descubrir posibles influencias. 6. Establecer un criterio a la hora de considerar una mayor o menor antigüedad en los estilos conservados por tradición oral o en grabaciones históricas. 7. Estudiar las características estilísticas de las letras flamencas, sus orígenes, transmisión y transformación, así como su posible papel en la transmisión de melodías de cantos populares asociadas a las mismas. 8. Determinar las figuras artísticas más importantes en el nacimiento y desarrollo del género flamenco, estudiando a fondo sus aportaciones. Metodología La labor de investigación ha consistido en el análisis de los diferentes estilos musicales del flamenco y su estudio temporal, usando todas las fuentes documentales posibles. El primer punto de partida ha sido el estudio de la naturaleza musical de los cantes flamencos que surgen hacia mediados del siglo XIX. Para ello nos hemos servido de la herramienta de la transcripción musical. Con ella hemos llevado al papel los cantes flamencos conservados en grabaciones desde aproximadamente 1895, época en la que se graban los primeros cilindros de flamenco en España. De forma paralela hemos estudiado las partituras de la misma época que reflejan cantes flamencos, también piezas instrumentales y de baile, tanto de corte flamenco como de escuela bolera. Igualmente se han estudiado las recopilaciones de cantos populares del siglo XIX. Se han rastreado los posibles antecedentes guitarrísticos en las publicaciones de guitarra barroca y música renacentista. Lo mismo hemos hecho con el repertorio de música para canto con acompañamiento. El resto de documentación estudiada y la de carácter bibliográfico es en su mayoría documentos y textos coetáneos a la época de estudio. Se han consultado periódicos del siglo XIX, revistas, libros de viaje, libros sobre musicología, diccionarios bibliográficos, libretos teatrales, etc. y diversos blogs de gran calidad en Internet. Conclusiones El cante flamenco se forma musicalmente a partir de la amplia nómina de cantos tradicionales y populares que existen en la Península. La naturaleza musical de los cantes flamencos y su forma de acompañamiento coincide con cantos tradicionales fuertemente arraigados en la cultura popular española, como son: fandangos, jotas, seguidillas, romances y cantos de trabajo. Estas modalidades nutrirán el repertorio de los artistas del género primero llamado andaluz y luego flamenco, transformándose posteriormente en los estilos flamencos que estarán por surgir a lo largo del siglo XIX, como fueron: cañas, polos, livianas, serranas, peteneras, seguiriyas, jaleos, cantiñas, soleares, cantes sin guitarra y, muy a finales del siglo XIX, tangos y bulerías. Los antecedentes musicales más remotos del flamenco los encontramos en la música del siglo XVI, en algunos pasacalles, romanescas y folías; y luego en la del XVII en algunas jácaras y canarios. La música para guitarra del siglo XVIII y su lenguaje idiomático, con la técnica del rasgueo, será el antecedente más importante y la base fundamental del llamado “toque flamenco” de acompañamiento que se irá definiendo a lo largo del siglo XIX. Se ha detectado una importante relación entre la música flamenca y músicas venidas de América, proceso que se remonta hasta el siglo XVI. La cercanía al continente africano y la trata de esclavos desde el siglo XIV es un factor a tener en cuenta en cuanto al trasvase de ritmos, bailes y músicas desde África a España, algo que vino ocurriendo tiempo antes de su viaje hacia América. Una vez afincadas estas músicas en las colonias de ultramar sufrieron una transformación con el paso del tiempo y un posterior trasvase hacia la Península por los principales puertos de embarque con el Nuevo Mundo, como fueron Cádiz y Sevilla. Es a mediados del siglo XIX cuando de forma evidente encontramos descripciones de música, cantos y bailes relacionados con el flamenco que conocemos, con su expresividad y estética. Los antecedentes directos pueden remontarse al último cuarto del siglo XVIII, cuando afloran los primeros datos de ciertas fiestas y bailes de candil en los que se canta y baila con un carácter muy relacionado con el flamenco, apareciendo los primeros nombres de cantes y bailes que formarán parte del repertorio posterior. También aparecen los nombres de los primeros artistas y dinastías familiares de cantaores y cantaoras importantes. El papel de Silverio Franconetti como uno de los primeros empresarios en sacarle partido al flamenco y como codificador y creador de estilos de cante parece decisivo en el desarrollo del flamenco. Su personalidad artística dejó una impronta de gran relevancia en casi todas las modalidades en boga en su tiempo: cañas, polos, serranas, seguiriyas y soleares, transmitiéndose sus formas de cante en sus discípulos y cantaores posteriores. Al igual que Silverio, otros importantes artistas antes que él y otros posteriores se han encargado de ampliar la nómina de variantes en los estilos flamencos, apareciendo sus nombres dentro de las diversas modalidades flamencas. Otras creaciones han pasado de forma anónima, sin atribución ninguna. / Musical training of «Cante Flamenco». Around the figure of Silverio Franconetti (1830-1889) Guillermo Castro Buendía Objectives The specific objectives that we set ourselves in this work are, above all, those who purport to explain the musical nature of flamenco and its origins: 1. Determine what is the musical nature that defines Flamenco genre, to qualify what flamenco is and what it is not. 2. Define historically to where these musical nature that date to be able to refer to them as Flamenco or Pre-flamenco depending on the presence of these defining elements. 3. Analyze and explain the musical characteristics of all Flamenco styles, performing a classification thereof according to these characteristics. 4. Establish a coherent musical transcription on Flamenco music. 5. Study the coetaneous music to the birth of the flamenco genre that can interact with it, to compare it and to discover possible influences. 6. Establish a guideline when considering the antiquity of styles preserved by oral tradition or historical recordings. 7. Study of the stylistic features of the flamenco lyrics, origins, transmission and transformation, as well as their possible role in the transmission of folk songs melodies associated with them. 8. Determine the most important artistic figures in the birth and development of the flamenco genre, studying their contributions. Methodology The research work has consisted of the analysis of the different musical styles of flamenco and its study temporarily, using all possible documentary sources. The first point of departure has been the study of the musical nature of the flamenco songs that arise around the middle of the 19th century. For this purpose we have transcribed Flamenco songs preserved in recordings since about 1895, time in which are recorded the first cylinder of flamenco in Spain. We have studied the scores from the same period reflecting flamenco songs. At the same time we have studied parts instrumental and dance. We have also studied the collections of folk songs performed by folklorists who approached them in the 19th century and guitar Baroque and Renaissance music publications. Same thing we’ve done with the Repertoire of music for voice with accompaniment. The rest of studied documentation is mostly contemporary to the time of study. We had viewed newspapers of 19th-century, magazines, travel books, books of musicology, bibliographic dictionaries, theatrical scripts, etc. and various flamenco blogs of high quality on the Internet. Conclusions Flamenco music is formed from traditional songs that exist on Spain. The musical nature of the flamenco songs and their accompaniment coincides with traditional songs strongly rooted in the Spanish popular culture, such as: fandangos, jotas, seguidillas, romances and worksongs. These modalities will be subsequently becoming Flamenco styles throughout the 19th century, as they were: Cañas, Polos, Livianas, Serranas, Peteneras, Seguiriyas, Jaleos, Cantiñas, Soleares, songs without guitar and very end of the 19th century, Tangos and Bulerías. We find the most remote musical elements of flamenco in the music of the 16th century, in some Passacagliaz, Romanesques and Folias; and then in the 17TH in some Jacaras and Canaries. Guitar music of the 18th century and his idiomatic language, with the technique of strumming, will be the most important antecedent and the fundamental basis of the flamenco playing, that it will be defined during the 19th century. We have detected an important relationship between flamenco and music from America, process that dates back to the 16th century. The proximity of Africa and the slave trade from the 14th century is a factor to keep in mind regarding the transfer of rhythms, dances and music from Africa to Spain, something that came to happening time before their journey to America. These music in the colonies overseas suffered a transformation with the past of time and arrived again to the Peninsula by the main ports with the new world, such as Cádiz and Seville. It is in the mid-19th century when, clearly, we find descriptions of music, singing and dancing flamenco we know. The direct antecedents can be traced back to the last quarter of the 18th century, when are related the first data of parties and dances of candle with songs and dances with flamenco character, appearing the first names of songs and dances that will be part of a later repertoire. There are also the names of the first artists and family dynasties of singers and dancers. The role of Silverio Franconetti as one of the first businessmen in flamenco and encoder and creator of song styles seem decisive in the development of flamenco. His artistic personality left a mark of great importance in almost all modalities in his time: Cañas, Polos, Serranas, Seguiriyas and Soleares, transmitting his way of singing in his disciples and later singers.

En la última década, en el campo de la música identificada no sin conflictos con lo juvenil, adquiere notoriedad en la Argentina un tipo de agrupamiento de músicos y productores estéticos identificado como "sello", alrededor del cual se despliegan formas de producción musical diferentes a las del período previo, a partir de una vinculación novedosa entre los avances tecnológicos y los cambios en las condiciones de mercantilización de los productos musicales. En ese marco, esta tesis se interroga por el conjunto de prácticas que reproducen un "sello", asimismo, indaga acerca de sus formas de sustentabilidad y su valor como institución particular y clave de los mundos de la música "independiente" contemporánea. Para estos fines, se propone el desarrollo de un trabajo de campo etnográfico con sellos de la ciudad de La Plata, que contempla la residencia con los sujetos de investigación, experiencias de observación participante, entrevistas abiertas y trabajo con fuentes documentales de diversa clase. Esta investigación, a través de un abordaje etnográfico, se orienta hacia la caracterización de un período, a partir del cambio en las formas de emergencia de lo musical. Es desde la consideración de ese mismo hecho que asume también la posibilidad de contribuir a las conceptualizaciones analíticas emergentes sobre la articulación entre la música y la sociedad.

Orientador: Carlos Eduardo Di Stasi / Banca: Eduardo Seincman / Banca: Leandro Barsalini / Banca: José Leonardo do Nascimento / Banca: Yara Borges Caznok / Resumo: Esta pesquisa é dedicada ao estudo da trajetória artística e da obra musical do intérprete e compositor Jackson do Pandeiro (1919 - 1982) e suas relações no campo da Música Popular Brasileira (MPB). Jackson ocupa um lugar de destaque na história da MPB, sendo apontado por diversos artistas, como Gilberto Gil, Lenine, João Bosco, Gal Costa, Guinga, entre muitos outros, como referência fundamental para este campo artístico e cultural, influenciando suas próprias obras musicais. A produção artística de Jackson é muito diversificada, constituindo-se de gêneros musicais variados como o coco, o samba, o forró, a marcha carnavalesca, o baião, entre outros, relacionados à pluralidade de identificações que participaram de sua formação artística e cultural, e que é observada neste estudo por meio das ideias do antropólogo Victor Turner, notadamente sobre o conceito de liminaridade e seu desdobramento na noção de liminóide. A Tese sustentada aqui é que Jackson do Pandeiro se caracterizou por uma condição liminar/liminóide que, associada ao seu virtuosismo como artista/intérprete, possibilitou-lhe realizar uma série de mediações, por meio de sua obra, que lhe trouxeram destaque no campo da MPB, desde o período em que estava em atividade e mesmo após a sua morte, em 1982, chegando até o momento atual, em 2017. Para tanto, este trabalho investiga a trajetória artística de Jackson do Pandeiro procurando verificar de que modo foram realizadas estas mediações e as formas como sua figura foi r... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This research is dedicated to the study of the artistic trajectory and musical work of the performer and composer Jackson do Pandeiro (1919 - 1982) and their relations in the field of Brazilian Popular Music (BPM). Jackson has a prominent place in the history of BPM, being pointed by several artists, as Gilberto Gil, Lenine, João Bosco, Gal Costa, Guinga, among many others, to be a fundamental reference for this artistic and cultural field, influencing their own musical works. The artistic production of Jackson is very diversified, constituted by a variety of musical genres as the coco, the samba, the forró, the carnival march, the baião, among others, related to the plurality of identifications that participated in his artistic and cultural formation, and which is observed in this study through the ideas of the anthropologist Victor Turner, notably on the concept of liminality and its unfolding in the notion of liminoid. The thesis held here is that Jackson do Pandeiro was characterized by a liminal/liminoid condition that, combined with his virtuosity as an artist/performer, enabled him to make a series of mediations, through his work, that brought him prominence in the field of BPM, from the period in which he was active and even after his death, in 1982, reaching the present moment, in 2017. In order to do so, this work investigates the artistic trajectory of Jackson do Pandeiro, seeking to verify how these mediations were realized and the ways in which his figure was resignified over time, including the observation of discourses that permeate the field of BPM and contributed to the construction and consolidation of his image as the "King of Rhythm". In this investigation there is also a study on Jackson's vocal performance, especially focused on his form of rhythmic-melodic enunciation, popularly called "divisão" ... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

Submitted by Rafael Palmeira (rafapalmeiraa@gmail.com) on 2018-05-16T19:45:02Z No. of bitstreams: 1 trabalho final Rafael Palmeira.pdf: 13668093 bytes, checksum: bc97dbfee2c0d6a50dd9da25afe10560 (MD5) / Approved for entry into archive by Nilson Nascimento Souza (nilson@ufba.br) on 2018-06-11T10:46:25Z (GMT) No. of bitstreams: 1 trabalho final Rafael Palmeira.pdf: 13668093 bytes, checksum: bc97dbfee2c0d6a50dd9da25afe10560 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-06-11T10:46:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 trabalho final Rafael Palmeira.pdf: 13668093 bytes, checksum: bc97dbfee2c0d6a50dd9da25afe10560 (MD5) / Este documento compreende o trabalho final apresentado ao Programa de Pós-Graduação Profissional em Música da UFBA e tem como principal objetivo propor adaptações de ritmos do Candomblé Ketu para o instrumento Bateria, a partir das práticas do músico e alabê Iuri Passos. Inicialmente será apresentado um Memorial, onde um resumo da história musical do autor, enfatizando a trajetória percorrida durante o curso, estará descrito. Em seguida um artigo acadêmico, que elabora apontamentos iniciais sobre uma Teoria da Aprendizagem da Bateria, será compartilhado. Na sequência, o resultado da pesquisa será apresentado em formato de livro-método para o instrumento bateria, onde quatro ritmos do Candomblé Ketu, e suas respectivas adaptações na Bateria, serão explorados. As variações e adaptações descritas no método estão compartilhadas também em um DVD anexado ao final do mesmo. Encerrando, serão apresentados relatórios descrevendo as práticas realizadas no período. / This document includes the final work presented to the Professional Postgraduate Program in Music of UFBA and its main objective is to propose adaptations of Candomblé Ketu rhythms for drumset, from de pratices of the musician and alabê Iuri Passos. Initially will be presented a Memorial, where the summary of the musical history of the author, emphasizing the trajectory covered during the course, will be described. Then an academic article that elaborates initial notes on a Theory of Learning of the Drumset will be shared. In the sequence, the search result will be presented in book-method format for the instrument, where four rhythms of Candomblé Ketu and their respective adaptations in the drums will be explained. The transcripts and adaptations described in the method will also be shared in audiovisual format, in DVD attached at the end of it. Closing, reports, describing the practices performed in the period, will be presented.

Submitted by Laurisabel Maria de Ana da Silva (silvalaurisabel@gmail.com) on 2018-05-21T19:22:21Z No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO FINAL 10 dez. 2014-1.pdf: 4539658 bytes, checksum: 5f9c656013f2a2f2015f4ac944b657f8 (MD5) / Approved for entry into archive by Nilson Nascimento Souza (nilson@ufba.br) on 2018-06-11T10:54:02Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO FINAL 10 dez. 2014-1.pdf: 4539658 bytes, checksum: 5f9c656013f2a2f2015f4ac944b657f8 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-06-11T10:54:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO FINAL 10 dez. 2014-1.pdf: 4539658 bytes, checksum: 5f9c656013f2a2f2015f4ac944b657f8 (MD5) / CAPES- Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / RESUMO O presente trabalho compreende a investigação, descrição e análise dos jazes atuantes na cidade de Salvador na década de 1950 e tem como objetivo avaliar a importância destas agremiações musicais e as representações socioculturais refletidas em suas performances. Serão discutidas questões relacionadas à chegada dessas formações instrumentais na cidade e apresentadas descrições e características adquiridas por eles em contato com os movimentos culturais desenvolvidos em Salvador. Além disto, serão considerados os locais onde estes grupos se apresentavam, sejam clubes, residências ou auditórios de rádios bem como a aquisição de repertório relacionada às práticas de audição desenvolvidas pelos músicos, cantores e cantoras. Será analisada, ainda, a presença das mulheres nestes grupos musicais e nos ambientes onde eles atuavam. Ao final, serão apresentados os procedimentos utilizados na pesquisa etnográfica e em arquivos, os/as entrevistados/as durante a pesquisa e considerações acerca da inserção destes grupos musicais na vida cultural e social da cidade. / ABSTRACT This work refers to a research, description and analysis of active jazes, in the city of Salvador, in the 1950s and aims to access the importance of these musical associations and sociocultural representations reflected in his performance. Issues related to the arrival of these instrumental ensembles in the city, descriptions and characteristics acquired by them in touch with the cultural movements developed in Salvador will be discussed. Also, are considered the places where these groups are presented: clubs, auditoriums and radio’s studiums, as well as the acquisition of repertoire related to the practice of listening developed by musicians and singers. The presence of women in these musical groups and in the environments where they will be worked further analyzed. Finally, the procedures used in ethnographic research and file as well as the respondents during the research and considerations regarding the integration of these musical groups in cultural will be presented as well as considerations to social life of the city.

La presente investigación tiene como propósito el estudio de la música chicha. Este género musical, como producto de una serie de circunstancias que se han producido en estas tres últimas décadas, se ha convertido en un fenómeno socio-cultural de importancia. Su consumo mayoritario y su impacto en el país, sobre todo desde los años 1980 en adelante, ha despertado un inusitado interés, no sólo de cultores y detractores también de la intelectualidad, de estudiosos de la cultura, de científicos sociales que han visto en ella la manifestación de un Perú de esta época, discutiendo su rol dentro de la cultura peruana. / Tesis

Orientadora: Lia Vera Tomás / Banca: Ricardo Nascimento Fabbrini / Banca: Mário Rodrigues Videira / Banca: Marcos José Cruz Mesquita / Banca: Mauricio Funcia de Bonis / Resumo: O filósofo francês Jean-François Lyotard (1924-1998) desenvolve uma estética calcada no conceito de sublime a partir de seus escritos sobre arte pertencentes às décadas de 1980 e 1990. Tais formulações são pertencentes ao seu período filosófico caracterizado como virada kantiana, embasado na leitura da filosofia crítica de Kant, porém, com nuances de influência burkeana. O presente trabalho tem por objetivo investigar os conceitos descritores desta estética do sublime de Lyotard, bem como a maneira como eles são utilizados no comentário de questões da música, em especial, das vanguardas musicais do século XX. Pretende-se problematizar o papel da música na constituição da estética de Lyotard, bem como o alcance e adequação dos compositores elencados pelo filósofo como exemplos de autores comprometidos com os valores do sublime. Apresenta-se por hipótese principal a afirmação de que o sublime de Lyotard encontra uma adequação privilegiada e singular na obra do compositor norte-americano Morton Feldman (1926-1987), devido à busca pelo despojamento do espírito-sujeito-consciência presente tanto na obra do filósofo quanto na obra ensaística e musical do compositor. Como consequência, conclui-se que uma crítica musical que deseja abordar as presentes questões do sublime demanda uma escrita ensaística que ecoa uma filosofia do acontecimento, evocando a abertura de determinação da linguagem em favor de uma maneira (e não um método) de investigação de tipo reflexiva, nos termos da lei... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The French philosopher Jean-François Lyotard (1924-1998) develops an aesthetic based on the concept of sublime from his writings on art from the decades of 1980 and 1990. Such formulations belong to his philosophical period characterized as Kantian turn, based on the reading of Kant's critical philosophy, but with nuances of Burke's influence. The present work aims to investigate the descriptive concepts of Lyotard's aesthetic of the sublime, as well as the way they are used in the commentary of music issues, especially those of the musical avant-gardes of the twentieth century. It is intended to problematize the role of music in the constitution of Lyotard's aesthetics, as well as the scope and appropriateness of the composers listed by the philosopher as examples of authors committed to the values of the sublime. The main hypothesis is the assertion that Lyotard's sublime finds a privileged and singular fit in the work of the American composer Morton Feldman (1926-1987), due to the search for the divestiture of the spirit-subject-consciousness present both in the work of the philosopher and in the essayist and musical work of the composer. As a consequence, it is concluded that a musical critique that wants to address the present issues of the sublime demands an essayist writing that echoes a philosophy of the event, evoking the opening of language determination toward a manner (and not a method) of reflexive type of investigation, in terms of Lyotard's reading of the Kant'... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

Orientador: Paulo Eduardo Teixeira / Banca: Lídia Maria Viana Possas / Banca: Maria Valéria Barbosa / Banca: Maísa Faleiros da Cunha / Banca: Carlos de Almeida Prado Bacellar / Resumo: Este trabalho objetivou estudar as relações de conflitos na prática musical dos séculos XVIII e XIX, vividas, sobretudo, a partir da formação do bispado (1745) na cidade de São Paulo. Estruturou-se, para tanto, mediante a exploração meticulosa de vasta documentação avulsa, cartas, ofícios e estatutos que forneceram grande quantidade de informações sobre a prática e os conflitos na música, não obstante a presença de novos atores, como mulheres, negros e seus descendentes exercendo a prática musical no cotidiano da cidade. A fundação do bispado na cidade de São Paulo provocou transformações perceptíveis ‒ seja pela construção da Catedral da Sé, seja pela estruturação do culto religioso segundo os preceitos estabelecidos no Concílio de Trento, que se espelhavam no modelo da Sé de Lisboa ‒, desse modo, fortalecendo o padroado conservador representado por Dom Frei Manuel da Ressurreição, o terceiro bispo da Sé (1772-1789). O jogo de poderes eclesiástico e civil, ora unindo-se para realizar e decidir em favor dos seus interesses, ora buscando alternativas para exercer controle sobre a prática da "música de violinos", representaram algumas das rupturas e desordens no meio musical em tela. / Abstract: This work aims at studying the conflictive relations in the musical practice of the eighteenth and nineteenth centuries, mainly those that emergedafter the formation of the bishopric (1745) in the city of São Paulo. It is structured through the meticulous exploration of vast documentation, letters, statutes, which provided a great deal of information about the practice and conflicts in music, despite the presence of new actors such as women, Black people and their descendants practicing music in the daily life of the city. The foundation of the bishopric in the city of São Paulo provoked noticeable transformations, such as the construction of the Sé Cathedral, as well as the structuring of religious worship according to the precepts established at the Council of Trent and following the model of the Lisbon Cathedral, strengthening the Conservative patron, represented by Don Friar Manuel da Ressurreição, the third bishop of the Sé Cathedral in São Paulo (1772-1789). The struggle between ecclesiastical and civil powers, sometimes uniting to create and decide in favor of their interests, sometimes seeking alternatives to exercise control over the practice of "violin music", represented some of the ruptures and disorders in the musical environment. / Doutor

Este trabalho investiga os processos composicionais utilizados na composição das peças Polyakanthos, para flauta/flauta piccolo, clarinete/clarinete baixo, percussão, piano, violino e violoncelo; A grande ilusão do carnaval, para cinco vozes, fagote, dois teclados eletrônicos e contrabaixo elétrico; K'uei, peça eletroacústica; e Pampa Guarany, para fagote e orquestra de cordas. A estética das peças é baseada em dualismo complementar, fazendo com que posições contrárias coexistam numa associação interdependente, nas diversas etapas do processo composicional. Os processos composicionais enfocados são o ímpeto de criação, que no contexto deste trabalho é a primeira concretização da idéia composicional; a utilização de materiais preexistentes, definidos como configurações de sons e silêncios extraídos de obras de outros compositores; o projeto da estrutura formal, contendo as intenções expressivas em comparação com o resultado final de cada peça, verificando causas e conseqüências dos ajustes feitos durante o processo composicional; definição dos materiais de alturas e ritmos, derivados dos materiais preexistentes ou criados, nos quais foram aplicadas as técnicas de transformações de Arnold Schoenberg, León Biriotti e Charles Wuorinen; e o uso de peças-solo como cantus firmus para a criação de estruturas polifônicas nos movimentos de Polyakanthos.