Esta tese propõe uma investigação acerca da trajetória do compositor e violinista Manoel Joaquim de Macedo (1845-­-1925). Por meio de uma revisão da literatura, procura entender como surgiu o perfil biográfico do músico, perfil esse que acabou consagrado. Por outro lado, desconstrói esse perfil a partir de pesquisas recentes e dados inéditos, propondo uma nova leitura de sua biografia. Manoel Joaquim de Macedo é inserido em seu contexto social e político para melhor se entender como ele atuou como músico e quais eram suas ambições. Assim, são examinados o meio no qual ele se iniciou na música; a tradição da escola franco-­-belga de violino, na qual ele teria se formado; o meio musical carioca e mineiro do final do século XIX início do XX; e as questões político-­-ideológicas que envolveram a criação da ópera Tiradentes, seu grande projeto profissional da maturidade / This work proposes an investigation about the composer and violinist Manoel Joaquim de Macedo (1845-­-1925). Through a literature review, it tries to understand how the consecrated biography of the musician was formed. On the other hand, it deconstructs this biography from recent research and unpublished data, proposing a new biographical approach. Manoel Joaquim de Macedo is inserted in its social and political context to better understand how he acted as musician and what were his ambitions. Thus, this work examines the medium in which he began in music; the Franco-­-Belgian violin school tradition, in which he would have formed; the musical ambient of Rio de Janeiro and Minas Gerais in the late nineteenth and early twentieth century; and the political and ideological issues surrounding the creation of the opera Tiradentes, his great professional project of the maturity.

Estudo da obra para violão de César Guerra-Peixe, sua importância dentro do repertório violonístico brasileiro, através de análises feitas com base nos textos do compositor. Elaboração do perfil do compositor relacionado a obra violonística com citações e depoimentos de personalidades relevantes. Levantamento do catálogo de obras para violão solo e música de câmara com violão, apresentando dados complementares coletados durante a pesquisa de campo e de informações preservadas pelo próprio autor. Pesquisa de terminologia empregada por Guerra- Peixe compatível com o seu pensamento amadurecido pelas distintas fases criadoras frente ao repertório para violão de cunho didático e de concerto. / The study of Cesar Guerra-Peixe guitar production, its importance among the Brazilian guitar repertory, through analyses done based on the compositor texts. Bibliography elaboration related to his guitar production with quotations and testimonies of relevant personalities. Research of the catalogue of solo and chamber music guitar productions, presenting the complementary data collected during the field research and, mainly, through pieces of information preserved by the author. Research of the terminology applied by Guerra-Peixe or, at least, compatible with his thought, matured by the distinct creative phases having as a perspective the guitar repertory to didactic and concert purpose.

Este trabalho teve por objetivo analisar, a partir do estudo da trajetória musical de Geraldo Vandré, no período compreendido entre o surgimento da chamada Bossa Nacionalista na canção popular brasileira e o ano de 1968 - quando da implementação do AI 5 - a mudança de postura de certos setores do campo musical que, acompanhando as transformações ocorridas na conjuntura política do país, paulatinamente vão deixando de lado o caráter inicialmente denunciativo da bossa engajada para ingressar na luta de resistência ao regime militar. Durante este processo, foi possível observar as imbricadas relações entre a construção de um projeto estético ideológico de esquerda e a necessária ligação com o mercado fonográfico e de entretenimento, assim como o entrecruzamento com setores envolvidos com a luta armada contra o governo. / This paper had the aim of analyzing throughout the study of Geraldo Vandrés career compromised in a period between the appearance of Bossa Nacionalista in Brazilian popular song and 1968-during the AI 5 implementation- the different behavior in certain sections of the musical field that following the changes in the countrys political context leaves behind the initial bossas criticizing tone to engage in resistance with the military regime. In this process, it was possible to observe the interlinking relations between the construction of an ideological esthetic Right-wing project and the necessary connection with the entertainment and phonographic market, likewise the intersection with evolved sections with the armed struggle against the military government.

Essa tese propõe-se a investigar a relação de Cláudio Santoro com o meio musical durante toda sua trajetória como compositor, utilizando como fontes, na primeira parte do trabalho, as cartas trocadas com o musicólogo Francisco Curt Lange, com o pianista Heitor Alimonda e uma entrevista com a pianista Jocy de Oliveira sobre as cartas e sua experiência junto ao compositor. O discurso desses interlocutores expressa a troca do compositor com o meio, indicando que o percurso composicional de Santoro está relacionado aos diálogos com seu tempo e com obras musicais de sua contemporaneidade. Desse contato apreende-se as principais correntes estéticas e estilos composicionais a que a obra de Santoro esteve ligada. Na segunda parte da tese foram apresentados alguns reflexos desses diálogos em obras do repertório pianístico de Santoro através da análise musical. / This dissertation investigates the relationship between Cláudio Santoro and the musical environment along his trajectory as composer. The first part of the work examines the correspondence exchanged with musicologist Francisco Curt Lange and pianist Heitor Alimonda, and an interview with pianist Jocy de Oliveira about these letters and her interaction with the composer. These discourses express the composer\'s interchange with the music milieu, showing that Santoro\'s compositional style is related to dialogues with his time and musical works of his contemporaneous. From that contact one can distinguish the main aesthetic tendencies and compositional styles related to the work of Cláudio Santoro. The second part of this dissertation investigates, through musical analysis, the influence of these dialogues on some piano works of Cláudio Santoro.

A tese por nós defendida no texto que se segue tem como objetivo o estudo de dois importantes gêneros musicais, a modinha e o lundu, cujos processos de elaboração iniciam-se a partir da segunda metade do século XVIII no seio da sociedade luso-brasileira. Com o intuito de possibilitar uma reflexão mais abrangente do assunto, muito caro à historiografia musical em língua lusófona, são levados em consideração aqui, aspectos históricos, estilísticos e identitários. A fim de abordarmos de modo adequado a complexidade de nosso objeto de estudo, calcamos nossa metodologia, sobretudo, no estudo da história, articulado à musicologia histórica, à musicologia sistemática e à etnomusicologia. Partindo do reconhecimento de que os gêneros em questão, objeto de nosso estudo, estão ligados às transformações ocorridas no mundo luso-brasileiro e na transformação das concepções estéticas internacionais, procuramos identificá-los com o que acabou por denominar-se estética do sentimento ou sentimentalismo e com o estilo clássico que se desenvolveu na Europa durante o século XVIII, tanto na poesia quanto na música, e que paulatinamente forjaram outras formas de produção e recepção, identificadas com um novo modo de sociabilidade burguesa que dominará o século das luzes. Por outro lado, buscamos, igualmente compreender em que aspecto a cultura popular participou, contribuindo de modo significativo, para a formação desses gêneros e, por conseqüência como se dá este impacto na expressividade musical, manifesta já no período de sua formação. A partir do estudo da historiografia, buscamos estabelecer como a modinha e o lundu participam das discussões sobre uma pretensa identidade nacional, ainda calcada em pressupostos positivistas e nacionalistas do século XIX, pressupostos estes que se mantém em parte significativa na literatura do século XX. Finalmente, ao discutirmos sobre a performance, utilizando como fontes registros musicais a partir da década de 1950, procuramos identificar correntes estéticas e ideológicas presentes nesses registros, os quais denominamos paradigmas interpretativos. / The thesis we put in the following text aims to study two important musical genres, the modinha and lundu, whose process of preparation to start on the second half of the eighteenth century in Luso-brasilian society. In order to provide a more comprehensive discussion of the subject, the historical, stylistic and identity aspects that are very important to the historiography of music in Portuguese speaking countries, are taken into consideration here. In order to observe address the complexity of our object of study, we based our methodology especially in the study of history, combined with historical musicology, systematic musicology and also to ethnomusicology. Acknowledging that the genres in question, the object of our study are related to the transformations in the Luso-Brazilian society and in the international aesthetic conceptions, we identify them with what turned out to be called the aesthetic sentiment or sentimentalism, and the classical style that developed in Europe during the eighteenth century, both in poetry and music, and that built, gradually other modes of production and reception, identified with a new way of bourgeois sociability that will dominate the century of the enlightenment. On the other hand, we seek also to understand what aspect of popular culture participated for the formation of these genres, and consequently how is this impact on musical expression common to both already evident in the period of their origin. From the study of historiography related to the genres in question, as we seek to establish how modinha and lundu have participated in the discussions about national identity, yet steeped in positivist and nationalists thoughts of the 19th century that remains in significant part of the the literature of the 20th century. And finally, when we discuss about the performance, using sources such as musical recordings from the 1950s, sought to identify aesthetic and ideological currents present in these records, which we shall call interpretative paradigms.

A definição mais imediata para canção de ninar, uma das várias denominações brasileiras para este gênero poético-musical, é estabelecida por sua finalidade: canção feita para adormecer criança pequena; uma definição funcional,portanto. A análise do conteúdo poético e da forma destas canções permite identificar os elementos imprescindíveis à sua composição e eficácia estética, ampliando tal conceito. Desta maneira, a canção de ninar pode ser considerada um dos primeiros objetos culturais a que o ser humano é exposto. O medo da morte (perdas, despedidas, separações), presente nos cuidados maternos, paternos e de outros adultos com as crianças pequenas, especialmente com os recém-nascidos, penetra as canções de ninar em diferentes culturas, expressando-se em vários elementos, inclusive em suas figuras de terror. A esta linha interpretativa, substancializada por constatações advindas de uma prática clínica de atendimento psicológico às famílias de recém-nascidos, foi acrescida outra de caráter mais sociológico: o estudo de alguns textos de canções de ninar tradicionais brasileiras revelou elementos dos encontros e desencontros étnico-culturais dos diferentes povos que formaram a nação brasileira. O traço de terror, geralmente compreendido como medida disciplinar para o sono, aparece acentuado nas nossas canções também porque se origina em um ambiente colonial, escravocrata, contaminado por ameaças e hostilidades. Junto a vestígios de horror apareceram também traços de resistência e preservação cultural das etnias indígenas e negras; como se as canções de ninar fossem veículos propícios ao transporte resguardado de elementos fundamentais da cultura dos grupos humanos colonizados ou escravizados. As pesquisas e reflexões de Mário de Andrade e o estudo de acalantos compostos por artistas brasileiros contemporâneos permitiram conhecer e delinear melhor este gênero: o contexto que o origina, seu tom melancólico, sua forma curta e repetitiva, o uso da sonoridade nasal hum e da vogal u. Por sua qualidade artística, o acalanto pode revigorar o ambiente cultural que cerca o nascimento e a infância. Neste sentido, ele é potencialmente humanizador. O ambiente cultural é tão fundamental e delimitador da experiência humana quanto o ambiente físico e emocional (familiar ou institucional). Cuidar do surgimento das palavras, da sua afinação com a experiência vivida, de seu vigor e sentido; cuidar da experiência inicial com a palavra é condição para o desenvolvimento pleno deste ser de linguagem que é o homem. Assim, redimensiona-se neste estudo o conceito de puericultura que passa a abranger também as ações de cultivo da palavra e da poesia com a criança pequena. / The most immediate definition of lullaby, only one among several Brazilian denominations for this poetic-musical genre, is determined by its main purpose: a song intended for little children to fall asleep, a functional definition, therefore. The analysis of the poetical content and of the form of these songs allows us to identify the essential elements of their aesthetic composition and effectiveness, broadening such concept. Thus, the lullaby may be considered one of the first cultural objects that the human being is exposed to. The fear of death (losses, farewells, separations), present in the cares given by mothers, fathers and other grown-ups to little children, especially newborn babies, permeates the lullabies in different cultures, expressing itself in many elements, including its terror figures. To this interpretative line, based on observations derived from the practice of psychological assistance to the families of newborn babies, another one of a more sociological nature has been added: the study of some texts extracted from traditional Brazilian lullabies has revealed elements of the ethnic-cultural matches and mismatches of the different cultures that shaped the Brazilian nation. The element of terror, generally understood as a disciplinary measure for sleeping, is highlighted in our songs because it also has its origin in a colonial slave-based environment, contaminated by threats and hostilities. Along with the vestiges of horror, there have arisen traces of resistance and cultural preservation of black and indigenous ethnic groups, as if the lullabies had been proper conducive vehicles to the hedged transportation of fundamental elements of the culture of the colonized or enslaved human groups. The researches carried out by Mario de Andrade, as well as his reflections, and the study of lullabies composed by contemporary Brazilian artists allowed the better understanding and outline of this genre: the context where it comes from, its melancholic tone, its short and repetitive form, the use of the nasal sonority \'hum\' and the vowel \'u\'. For its artistic value, the lullaby can be quite refreshing for the cultural environment surrounding birth and childhood. In this sense, it is potentially humanizing.The cultural environment is as important and delimiting for human experience as the physical and emotional environment (familiar or institutional). Caring about the arising of new words, their affinity to the life experience, their vitality and sense; caring about the initial experience with words is a condition for the full development of this language-based being, the man. Hence, in this study, the concept of childcare is resized so as also to include the actions of cultivation of word and poetry with the little child.

Essa tese propõe-se a investigar a relação de Cláudio Santoro com o meio musical durante toda sua trajetória como compositor, utilizando como fontes, na primeira parte do trabalho, as cartas trocadas com o musicólogo Francisco Curt Lange, com o pianista Heitor Alimonda e uma entrevista com a pianista Jocy de Oliveira sobre as cartas e sua experiência junto ao compositor. O discurso desses interlocutores expressa a troca do compositor com o meio, indicando que o percurso composicional de Santoro está relacionado aos diálogos com seu tempo e com obras musicais de sua contemporaneidade. Desse contato apreende-se as principais correntes estéticas e estilos composicionais a que a obra de Santoro esteve ligada. Na segunda parte da tese foram apresentados alguns reflexos desses diálogos em obras do repertório pianístico de Santoro através da análise musical. / This dissertation investigates the relationship between Cláudio Santoro and the musical environment along his trajectory as composer. The first part of the work examines the correspondence exchanged with musicologist Francisco Curt Lange and pianist Heitor Alimonda, and an interview with pianist Jocy de Oliveira about these letters and her interaction with the composer. These discourses express the composer\'s interchange with the music milieu, showing that Santoro\'s compositional style is related to dialogues with his time and musical works of his contemporaneous. From that contact one can distinguish the main aesthetic tendencies and compositional styles related to the work of Cláudio Santoro. The second part of this dissertation investigates, through musical analysis, the influence of these dialogues on some piano works of Cláudio Santoro.

O tratado de contraponto, Arte Explicada de Contraponto, do lisboeta André da Silva Gomes, destaca-se na produção teórico-musical brasileira como uma obra que articula o ensino musical europeu, especialmente o português, com aquele praticado no Brasil durante o período colonial. Seu autor, quarto mestre-de-capela da Sé de São Paulo desde 1774, certamente apropriou-se dos principais modelos pedagógicos em voga na segunda metade do século XVIII, em Portugal. A única cópia encontrada de seu tratado recebeu estudos que contribuíram para a divulgação e explicação da maior parte dos preceitos dessa obra, demonstrando seu possível alcance, adquirido ao longo do século XIX. Apesar disso, a questão sobre sua recepção teórica manteve-se aberta, contendo problemas referentes aos modelos teóricos que pudessem ser verificados na obra. O objetivo geral deste trabalho é primeiro, realizar uma consolidação bibliográfica a respeito do ensino teórico-musical em Portugal ao longo dos séculos XVII e XVIII, por um lado, e, vasculhar o caminho teórico encontrado nos tratados musicais europeus que versassem, de modo explícito, sobre as regras de contraponto e as regras do acompanhamento, a fim de se verificar quais desses modelos poderiam ser identificados na obra de Silva Gomes. Como metodologia e, também, delineamento da amplitude do trabalho, elencamos os principais tratados portugueses que se encaixam em uma dessas duas categorias mencionadas, complementados oportunamente por autores espanhóis e italianos, em sua maioria. Através de análises comparativas entre os discursos desses tratados e a obra teórica de Silva Gomes, pudemos verificar a manutenção de certos cânones do ensino de música, provenientes da tradição do contraponto, e enxergar novas possibilidades de interpretação do conteúdo da Arte Explicada, através dos manuais de acompanhamento. Estes, por sua vez, sugerem caminhos aos estudos sobre a recepção teórica brasileira, pautados na tradição de ensino napolitana, cujos modelos possuíram livre trânsito entre os compositores e professores portugueses desde o século XVIII / The treatise on counterpoint Arte Explicada de Contraponto, by Lisboan André da Silva Gomes, stands out in Brazilian theoretical writings as a work which articulates European music teaching, especially Portuguese, with that conducted in Brazil during colonial period. Its author, fourth chapel master of São Paulo\'s cathedral, since 1774, certainly absorbed the main pedagogic models of Portugal in the second half of the 18th century. The only copy found of his treatise has been analyzed in few studies, which contributed to the diffusion and offered explanations for most of its precepts, demonstrating its potential range, acquired along the 19th century. However, its theoretical reception was kept open, presenting some problems regarding the possible theoretical models that could be mapped within the work. The general objective of the present work is, at first, to achieve a bibliographic consolidation concerning music theory teaching in Portugal along 17th and 18th centuries, on one hand, and on the other, to scavenge the theoretical path found in European music treatises that discuss explicitly the rules of counterpoint and accompaniment, in order to verify what are the models which could be identified within the work by Silva Gomes. As methodology and also for bounding the reach of the work, we listed the central Portuguese treatises that fit in one of the above categories, further complemented, majorly, by Spanish and Italian authors. Through comparative analyses between the discourses of such treatises and the theoretical work by Silva Gomes, we were able to verify the abiding of certain canons of music teaching, originated from the tradition of counterpoint, and to look into new possibilities of interpreting the content of Arte Explicada through manuals on accompanying. Those, in turn, suggest directions to further studies about Brazilian theoretical reception, rooted in Neapolitan tradition of teaching models, which transited freely among Portuguese composers and music teachers since the 18th century.

PINTO, Fabiane Batista. O Brasil de Chico Buarque: nação, memória e povo. 1997. 120f. Dissertação (Mestrado em Sociologia) - Universidade Federal do Ceará, Departamento de Ciências Sociais, Programa de Pós-Graduação em Sociologia, Fortaleza-CE, 1997. / Submitted by GLAUBENILSON CAVALCANTE (glaubenilson@yahoo.com.br) on 2011-11-17T13:48:56Z No. of bitstreams: 1 Pinto,FB.pdf: 537291 bytes, checksum: 699efde549cacedcb5a3a4005aa918d7 (MD5) / Approved for entry into archive by Maria Josineide Góis(josineide@ufc.br) on 2012-01-02T15:34:18Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Pinto,FB.pdf: 537291 bytes, checksum: 699efde549cacedcb5a3a4005aa918d7 (MD5) / Made available in DSpace on 2012-01-02T15:34:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pinto,FB.pdf: 537291 bytes, checksum: 699efde549cacedcb5a3a4005aa918d7 (MD5) Previous issue date: 2007 / This research analyzes Chico Buarque’s perception about Brazilian Nation, taken as reference his musical work, however not thinking about periods or specifics topics. So, looks for to show how Chico’s nation conception participates in collective memory’s construction. In relation to his music, there is interest for all than characterizes the past, present or future expectative of the Brazilian life. The national feeling’s building results of complex process. Then is necessary to utilize the theory notions: nation, art, national memory, tradition, modernity, popular music and Brazilian reality. This study concludes explaining Chico Buarque’s poetry like a hope aliment of a better country. Seeking past references, the artiste’s sensibility, as the any nation’s sensibility, is linked for future / Neste trabalho investigo a percepção de Chico Buarque sobre o Brasil como nação, tomo como análise o conjunto da obra musical deste artista sem ater-me estritamente a periodizações ou a temáticas específicas. Procuro demonstrar como este autor participa na elaboração de uma memória coletiva a partir de uma determinada concepção de país. Como uma comunidade nacional, teoricamente, é capaz de unir ou aglomerar todos os tipos e tendências sociais, sua construção é forçosamente multifacetária. Assim, interesso-me, na obra do referido autor, por tudo o quanto diga respeito à caracterização do passado, do presente e as expectativas de futuro da vida brasileira. Como a construção do sentimento nacional resulta de processos complexos, sofridos e mal explicados utilizo os seguintes aparelhos conceituais para sustentação da pesquisa: nação, arte, memória nacional, tradição, modernidade, música popular e realidade brasileira. Concluo o estudo tentando demonstrar que a poesia de Chico Buarque alimenta a esperança de um país melhor. Buscando referências no passado, a sensibilidade do artista, tal como a sensibilidade de qualquer nação, está, sempre, necessariamente, voltada para o futuro.

OLIVEIRA, Lucas Assis de. Paradigmas eruditos e o nacional-popular na música brasileira. Dos anos de 1920 à Era de Ouro do Rádio. 2016. 167f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em História, Fortaleza (CE), 2016. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2016-08-02T11:27:25Z No. of bitstreams: 1 2016_dis_laoliveira.pdf: 689337 bytes, checksum: 5500fa1a0b1215a84dbe9ac6cae43d5a (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2016-08-02T11:28:55Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_dis_laoliveira.pdf: 689337 bytes, checksum: 5500fa1a0b1215a84dbe9ac6cae43d5a (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-02T11:28:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_dis_laoliveira.pdf: 689337 bytes, checksum: 5500fa1a0b1215a84dbe9ac6cae43d5a (MD5) Previous issue date: 2016 / The present research refers to brazilian music, thought and established by musicologists and folklorists such as Mário de Andrade, Renato Almeida e Luiz Heitor Corrêa de Azevedo, from the 1920's to the "Golden Age of Radio". This analysis is held mainly in this literature, through bondings and filliations committed to the nationalization of erudite music. It comprehends the breach that separates and measures popular, performed in a pedagogical and doctrinal manner, since intellectuals seek an understanding of brazilian music history and the paradigms that should guide the recording of popular culture and also to perform a national and artistic music as a modern production. Finally, the research focuses on the criticisms the activities of the maestro Radames Gnattali as a way to face the understanding of Brazilian culture by the musicologists, failing to be tied to the concepts of popular or classical, focusing social and cultural dilemmas as the professional and national music. / Esta pesquisa diz respeito à música brasileira, pensada e instituída por musicólogos e folcloristas como Mário de Andrade, Renato Almeida e Luiz Heitor Corrêa de Azevedo, dos anos de 1920 à “Era de Ouro do Rádio”. A análise está detida, sobretudo, nessa literatura, através de laços e filiações empenhadas com a nacionalização da música erudita. Compreende a quebra que separa e dimensiona o popular, realizada de modo pedagógico e doutrinário, uma vez que os intelectuais buscam conformar um entendimento da História da Música Brasileira e os paradigmas que deveriam orientar o registro da cultura do povo, bem como realizar uma música artística nacional como fazer moderno. Por fim, a pesquisa se concentra nas críticas desferidas as atividades do maestro Radamés Gnattali, como forma de encarar o entendimento sobre a cultura brasileira por parte dos musicólogos, não conseguindo estar atada aos conceitos de popular ou erudito, concentrando os dilemas sociais e culturais quanto à profissionalização e à musica nacional.