Orientador: Dorotéa Machado Kerr / Banca: Any Raquel Souza de Carvalho / Banca: Marcos Pupo Nogueira / Resumo: Esta dissertação trata da situação e das condições da disciplina Análise Musical em determinadas instituições de ensino superior da cidade de São Paulo, principalmente nos aspectos referentes à metodologia e fundamentação teórica que embasa seu ensino. Está estruturada em duas grandes partes: 1) Considerações sobre a Análise, como uma subárea do campo musical e como disciplina específica em cursos superiores de Música, com apresentação de modelos teóricos que vem sendo utilizados; 2) Discussão sobre a Análise Musical como disciplina em instituições com curso de Música em nível superior na cidade de São Paulo. Nesta parte é também realizado um estudo crítico e interpretativo (análise qualitativa) a partir da investigação dos planos de ensino de Análise da FASM, UNESP e UNICSUL, para conhecimento da fundamentação teórica e dos procedimentos metodológicos de ensino e de avaliação de resultados na disciplina. Os dados foram coletados e analisados principalmente a partir dos referenciais teóricos de Calais (2007) e Triviños (2009). A Análise Musical está presente em nove de 11 instituições paulistanas que oferecem cursos superiores em Música. Nas três instituições selecionadas para estudo, as metodologias são baseadas em modelos tradicionais europeus e as bibliografias são constituídas essencialmente por teóricos estrangeiros e do século XX, como Schoenberg (1996), LaRue (1989), Cook (1987) Berry (1987, 1989), entre outros. Foi constatada a necessidade de publicações na subárea por autores nacionais, e que a considerem como objeto de estudo em si mesmo. A lacuna entre os conhecimentos analíticos e as realizações musicais práticas, por parte dos alunos, é um dos desafios apontados por docentes. A coleta e apreciação... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This dissertation deals with the situation and the conditions of the Musical Analysis course in certain institutions of higher education in the city of São Paulo, mainly in aspects related to methodology and the theoretical framework that underlies its teaching. It is structured into two main parts: 1) Considerations on Analysis, as a subarea of the musical field as a specific subject in music in higher education institutions, with the presentation of theoretical models that have been used; 2) Discussion about the Musical Analysis as a subject in higher education institutions with Music courses in São Paulo. This part also contains a critical and interpretative (qualitative analysis) study, based on the research of Analysis educational course plans of FASM, UNESP e UNICSUL, to gain knowledge of the theoretical and methodological procedures of teaching and assessment of results on this subject. Data was collected and analyzed mainly from the theoretical framework of Calais (2007) and Triviños (2009). Musical Analysis is present in nine of 11 institutions from São Paulo offering higher education courses in Music. In all three institutions selected for the study, the methodologies are based on traditional European models and bibliographies are composed mainly by foreigners and theorists of the twentieth century, such as Schoenberg (1996), LaRue (1989), Cook (1987) Berry (1987, 1989), among others. This study demonstrated the need for publications by national authors in the subarea, and the need to consider the Music Analysis as object of a study in itself. The knowledge gap between the analytical and practical musical achievements, by students, is one of the challenges identified by teachers. The collection and critical assessment of data needs to be made, from time to time, to observe trends, needs and challenges encountered, and thus, among... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

O presente trabalho pretende dar continuidade à pesquisa de Mestrado concluída em 2002 na PUC-SP, sobre um método de análise das Zeitgestalten, voltado para a performance musical. Tendo por base o livro Denken und spielen (Pensar e tocar), escrito pelo pianista e pedagogo alemão Prof. J. Uhde, em parceria com a filósofa e pianista Profa. Dra. R. Wieland (1989) pesquisou-se naquela época os fundamentos teóricos do método, tendo sido analisadas as Zeitgestalten de peças para piano solo. O projeto de Doutorado tem como objetivo principal, compreender os limites e aplicações deste procedimento metodológico na Prática Instrumental de Música de Câmara, não desenvolvido pelos autores. A obra escolhida para esta pesquisa foi escrita em 1930 por um importante compositor pertencente à História da Música Brasileira do final do século XIX e início do XX. Trata-se do Trio em sol menor para piano e cordas, de Francisco Braga, obra de representatividade dentro daquele período histórico. Após encontro com a Profa. Dra. R. Wieland, em janeiro de 2008, ocasião em que foram discutidos assuntos relacionados a Zeitgestalt em obras camerísticas, e analisada o 1º mov. do Trio em sol menor, o trabalho foi direcionado à escrita da tese e ao estudo analítico-interpretativo da obra, junto a um trio formado por jovens estudantes de música do curso de graduação, formado especialmente para este projeto. Pode-se dizer após esta investigação, que o método de Uhde e Wieland se aplica, sim, em repertório camerístico tendo trazido resultados bastante positivos. Faz parte também desta pesquisa, além da questão analítica-interpretativa, a questão editorial. / The present work extends the research presented for Masters concluded in 2002 at PUC-SP, on a method of analysis of Zeitgestalten towards musical performance. On that occasion it was carried out a study on the theoretical foundations of the method and the Zeitgestalten analysis of pieces for piano solo, based on the book Denken und spielen (Thinking and Play) written by the German pianist and pedagogue, Prof. J.Uhde, in partnership with the philosopher and pianist Prof. Doctor R. Wieland (1989). The actual project aims the understanding of the limits and applications of this methodological procedure in the Performance of Chamber Music, which is not developed by those authors. For that purpose the chosen musical work belongs to Francisco Braga, na important composer who lived between the end of the 19th century and the beginning of the 20th century and is part of the Brazilian Music History. The composition written in 1930 is the Trio in g minor for piano, violin and cello, a work of representativiness within that period of history. After meeting with Prof. Dr. R. Wieland in January 2008, when issues related to Zeitgestalt in Chamber Music works were discussed and the analysis of the first movement of the Trio in g minor was done, the work was directed towards the writing of the thesis and the interpretative-analytical study of it, with a trio constituted by young music students from the graduation course formed specifically for this project. Doubtless the method of Wieland and Uhde certainly applies to Chamber repertoire, and the results brought highly positive results. The work also includes, besides the analytical-interpretative question, the editorial matters results.

Os objetivos desta tese de doutorado são: ampliar a compreensão da música contemporânea a partir do pensamento filosófico de Bergson, Bachelard e Messiaen sobre o tempo; discutir a expansão do conceito de ritmo no século XX; e aproximar do processo de composição musical a noção de plano das artes visuais. Dada a natureza específica da experiência temporal em música, essas ferramentas teóricas proporcionarão uma abordagem original do repertório contemporâneo, entendendo suas composições como processos de transformações simultâneas, constituídos de planos sonoros multidimensionais. / The objectives of this thesis are: to expand the understanding of contemporary music by applying time concepts developed by Bergson, Bachelard and Messiaen; to discuss the expansion of the concept of rhythm in the 20th century; and to approximate the concepts of planes in visual arts to the process of music composition. Given the nature of temporal experience in music, these analytical tools will enable an original approach to the contemporary repertoire, by applying the concepts of simultaneous transformation processes and multidimensional sound planes.

Esta pesquisa tem como objetivo investigar as influências e traços da retórica na gênese das formas musicais. Parte-se do pressuposto de que, a partir do desenvolvimento de uma música instrumental autônoma, emancipada da palavra, a herança retórica contribuiu para a disposição formal do material sonoro, bem como para harmonizar coerentemente as relações entre forma e conteúdo. O estudo propõe uma visão da retórica grega e latina contraposta à abordagem tradicionalmente sistemática das formas musicais. Ambas são, então, relacionadas por meio dos conceitos retóricomusicais, estabelecidos e codificados preponderantemente no século XVIII, em consonância com a fundamentação aristotélica. Esta intersecção permite uma reavaliação das práticas analíticas, enriquecendo-as a partir da introdução da metáfora da oração e da função persuasiva que integram o processo composicional. Vislumbra-se, por tais procedimentos, a reavaliação das possibilidades semânticas ocultas pela codificação sintática. / This research aims to investigate the influences and traces of rhetoric in the genesis of the musical forms. It is based on the assumption that, starting from the development of an autonomous instrumental music, emancipated from the word, the rhetoric inheritance contributed for the formal disposition of sonorous material, as well to harmonize coherently the relation between structure and content. The study proposes a vision of Greek and Latin rhetoric as compared to the traditionally systematic approach of the musical forms. Both are, then, related through rhetoric-musical concepts, established and codified predominantly in the eighteenth century, in consonance with the Aristotelic bases. This intersection permits a re-evaluation of the analytical practices, enriching them with the introduction of the metaphor of the oration and by the persuasive function that integrates the compositional process. One gains a glimpse, that through such procedures, of the re-evaluation of the semantical possibilities hidden by the syntactic codification.

In Appalachian Spring, Aaron Copland creates a unique tonal environment. Although often considered a tonal work, it contains many non-functional progressions and techniques that belie common-practice norms. The entire first movement, and sections of other movements contain no harmonic motion, in part because tonic and dominant chords sound together as a single sonority. In other movements, harmonic motion, in part because tonic and dominant chords sound together as a single sonority. In other movements, harmonic motion is increased by shifts to third-related keys, and non-functional progressions. Also, the variations on the melody "Simple Gifts" never employ common-practice techniques. Through the free use of materials, Copland creates an individualistic example of tonality in twentieth-century music.

Este trabalho irá discutir o emprego da forma sonata na música atonal da primeira metade do século XX a partir das análises das seguintes sonatas para piano: Opus No. 1 de Alban Berg, Opus 33a de Arnold Schoenberg e a Sonata 1942 de Cláudio Santoro. Em comum estas obras apresentam seu plano estrutural de forma sonata resultante de procedimentos composicionais desligados do sistema de funcionalidades do tonalismo. O objetivo será verificar como a forma sonata pode ser estruturada a partir de técnicas dodecafônicas, qual a relevância do uso desta forma clássica para a técnica empregada e através de quais procedimentos construtivos esta forma se faz possível dentro de uma linguagem atonal, já que se origina da realização da harmonia tonal tradicional. A pesquisa fundamenta-se em ferramentas analíticas e em corpo teórico desenvolvido na área musicológica nas últimas décadas, principalmente. Como conclusão irá apresentar os elementos composicionais e conceituais que conectam as obras entre si e com a tradição clássica da forma sonata, além de apontar para a ocorrência de técnicas composicionais importantes para o desenvolvimento da música a partir da primeira metade do século XX. / This thesis studies the use of Sonata form in the atonal music of the first half of the XXth Century, based in the analysis of the following Piano Sonatas: Alban Bergs Opus 1, Arnold Schoenbergs Op.33a e Claudio Santoros Sonata 1942. These works share procedures of developing structural plans similar to Sonata forms that use compositional procedures disconnected from the functions of the tonal system. Our main purpose will be to verify how a Sonata may be structured after dodecaphonic techniques. Other goals is to evaluate the relevance of the use of a classical form for the method of the dodecaphonic technique, and what are the developing procedures that allow this form to be employed in the atonal language, since it originated in close connection with the traditional tonal harmony. The research is based in analytical techniques and in the body of knowledge developed by recent musicological analysis. As a conclusion it presents the compositional and conceptual elements that connect the three works and also each of them with the classical tradition of the Sonata form. Besides that it points also to the use of compositional techniques important for the development of the musical language after the first half of the XXth Century.

O balé Agon é considerado o ápice da produção conjunta entre Stravinsky e o coreógrafo russo George Balanchine, e sua concepção foi repleta de descontinuidades. As ideias iniciais que motivaram a composição do balé datam de 1948, entretanto, Stravinsky começou a esboçar os primeiros rascunhos somente no final de 1953 e concluiu a obra, após algumas interrupções, em meados de 1957. Durante os anos de criação do balé, Stravinsky operou mudanças significativas em seu processo composicional, alguns movimentos remetem ao diatonismo de seu período neoclássico, enquanto outros são construídos a partir de elaborações seriais, desenvolvidas pelo compositor após o início da década de 1950. Este trabalho expõe os diferentes aspectos envolvidos na concepção do balé e, através da análise dos processos composicionais presentes na obra, busca determinar pontos de conexão em meio às referências díspares estabelecidas no diálogo entre música e dança. / The ballet Agon is considered the apex of the partnership between Stravinsky and the russian choreographer George Balanchine, and its creation was full of discontinuities. The initial ideas that motivated the composition of the ballet came up in 1948, but only in the end of 1953 Stravinsky began sketching the first drafts, and then in 1957, after some interruptions, he completed the work. During this years, Stravinsky made significant changes in his compositional process, some movements refers to the diatonicism of his neoclassical period, while others are constructed from serial elaborations, all of them developed by the composer after the 1950s. This dissertation expounds the several different aspects about the creation of the ballet and through the analysis of the compositional processes in the work, it attempts to determine the connection among the disparate references established in the dialogue between music and dance.

O presente trabalho tem por objetivo investigar as possibilidades de aplicação dos principais conceitos da solmização e do contraponto na música inglesa entre os séculos XVI e XVII. Para a realização deste propósito, partindo de uma extensa pesquisa bibliográfica, foram selecionados os tratados de William Bathe (c. 1596), Thomas Morley (1597), Thomas Campion (c. 1613), John Playford (1655) e Christopher Simpson (1667) que foram sistematicamente estudados. Em seguida, selecionaram-se 40 canções compostas pelos autores das preceptivas acima. As peças foram analisadas de forma a verificar se as regras do contraponto e da solmização oferecidas nos tratados possibilitam uma aplicação prática real nos exemplos musicais, e, de forma geral, se os preceitos contidos nos tratados permitem o efetivo aprendizado da solmização e do contraponto. Considerando a escassez de trabalhos em português discorrendo especificamente sobre a solmização e sobre o contraponto na música inglesa, este trabalho oferece uma contribuição relevante para futuros estudos sobre o assunto. / The objective of this study is to investigate the possibilities of the use of the main concepts of solmization and counterpoint in the English music betweeen the XVI and XVII centuries. To this purpose, I carried a comprehensive bibliographical research and then selected and systematically studied the following treatises: William Bathe (c. 1596), Thomas Morley (1597), Thomas Campion (c. 1613), John Playford (1655) and Christopher Simpson (1667). Secondly, I chose and analyzed 40 songs by these authors in order to verify if the rules of counterpoint and solmization presented in the treatises in actual fact enable a practical use in the musical samples and, broadly speaking, if the precepts found in the treatises promote the effective learning of solmization and counterpoint. Taking into consideration the lack of studies in the Portuguese language specifically covering solmization and counterpoint in the English music, this study offers a relevant contribution to future studies on this subject.

Este trabalho tem como objetivo apresentar um modelo de análise musical que fundamenta uma possibilidade interpretativa dos Lieder - gênero musical resultante da fusão das linguagens poética e musical - de Clara Schumann, pianista e compositora alemã do século XIX que teve papel relevante no cenário musical de sua época, realizando a primeira audição e divulgação da obra de muitos dos seus contemporâneos, especialmente de seu marido, Robert Schumann. As análises evidenciam o elevado nível artístico dessas composições, as quais abordam questões relacionadas ao período romântico em um contexto musical extremamente elaborado. A gravação que acompanha esta dissertação pretende oferecer um esboço de possibilidades para a interpretação dos Lieder analisados. / This paper introduces a musical analysis model which underlies an interpretative possibility of the Lieder - musical form resulting from the fusion of poetry and music - by Clara Schumann, German pianist and composer of the 19th Century. Her role in the musical scenario was quite relevant, since she held first auditions and thus disseminated the works of many contemporary composers, specially her husband, Robert Schumann. The analysis corroborates the high artistic level of these compositions, which bring into contact with issues related to the romantic period in a highly elaborated musical work. The included CD offers interpretation possibilities for the analyzed Lieder.

Claude Debussy n’est pas habituellement un compositeur dont on associe la production musicale à l’humour. Il existe pourtant un Debussy humoriste, trop souvent oublié, qu’il est nécessaire de réhabiliter afin d’obtenir une image plus fidèle de son œuvre. Pour comprendre les raisons pour lesquelles on n’a pas, à ce jour, accordé à l’humour de Debussy la place qu’il mérite dans son style et sa production, nous dirigeons nos investigations vers les différents maillons de la relation esthétique à son œuvre, tels que les décrit Jean-Jacques Nattiez : le poïétique et l’esthésique. Il s’agit alors d’observer les facteurs risquant d’amener les différents rouages à se gripper dans la perception et la compréhension du comique musical. / Claude Debussy isn’t a composer whose musical production tends to be associated to humour. However, one must consider and rehabilitate a humorist Debussy, too often forgotten, if one wants to obtain a more faithfull idea of his work. In order to understand the reasons why one has not, until this day, accorded to Debussy’s humour the role it deserved in his style and production, we will investigate the different steps of the aesthetical relation with his work, as described by Jean-Jacques Nattiez: the poïetic and the aesthesic. We shall observe the downside risk that may seize up the mechanism of comic perception and understanding in music.