Considérée comme une histoire pour enfants et adolescents, la saga Harry Potter, tout comme la saga Star Wars dans les années 1980, est devenue un véritable phénomène culturel et intergénérationnel. L'impact de ces livres d'abord, puis des films ensuite, se ressent toujours et ce, malgré leur conclusion en 2011. Beaucoup d'auteurs se sont principalement intéressés à la partie narrative de la saga Harry Potter en interprétant les différents sens politique, psychologique, social, etc., mais sans jamais s'attarder réellement sur la musique des films. 6Mon attention dans ce projet se portera sur la musique des deux derniers films de l'octalogie, composée par Alexandre Desplat. L'objectif de la thèse est de déterminer au moyen de diverses approches comment les thèmes narratifs principaux des deux derniers films de la saga Harry Potter (Les Reliques de la Mort, Parties I et II) sont illustrés par des marqueurs sonores. Nous nous intéresserons à l'illustration de la magie dans la Partie I en nous basant sur la théories critique de la musique de film de Claudia Gorbman en premier lieu, avant de discuter du rôle dramatique de Lily's Theme dans la Partie II en nous basant sur des études sur l'Éternel Féminin et certaines approches en musique et image de Lori Burns. Dans une dernière partie, nous montrerons comment les marqueurs sonores du Bien, de l'héroïsme et du Mal peuvent être compris en terme d'associations culturelles dans la scène du Duel Final de la Partie II avant d'analyser comment la musique agit en tant qu'agent narratif indépendant de l'image en nous basant sur les approches de Robert Hatten (marqué/non marqué) et de Steve Larson (attentes de l'auditeur). Ces approches nous permettent de montrer comment la musique participe à la création d'un univers audiovisuel cohérent et unifié avec l'image dans les deux derniers films de Harry Potter.

La musique existe depuis des siècles mais la composition de musique pour film est un art relativement nouveau. Cela implique un équilibre délicat et une attention critique aux relations entre ce que l'art visuel présente et comment la musique devrait accompagner l'image pour transmettre un sentiment. Au fur et à mesure que ce nouveau domaine de la musique évolue, les recherches et les expérimentations qui l'entourent évoluent également. Partout dans le monde, nous voyons des musiciens ainsi que des chercheurs en musique jeter un oeil à différents aspects de la façon dont la musique peut élargir l'image. Dans un pays comme l'Iran, avec une histoire du cinéma presque aussi vieille que le cinéma lui-même, il y a très peu de connaissances dans ce domaine. Seuls quelquesuns des compositeurs qui ont travaillé sur la musique de films au siècle dernier du cinéma iranien avaient une connaissance académique de la musique, sans parler de la musique pour écran. Dans cette recherche, nous examinons l'histoire de la musique pour le cinéma en Iran, depuis le tout début en 1900 jusqu'à ces dernières années. Nous présentons un bref historique des premières années ainsi qu'une analyse de la façon dont la musique s'est progressivement répandue dans la production cinématographique. Ensuite, nous discutons de quatre générations de compositeurs de films iraniens, chacune représentée par un compositeur éminent de cette génération. Nous analysons leur style et leur travail, puis nous analysons spécifiquement l'une de leurs oeuvres les plus marquantes. / Music has existed for centuries but composition of music for film is a relatively new art. It involves a delicate balance and critical attention to the relations between what the visual art presents, and how music should accompany the picture to convey a feeling. As this newly formed field of music evolves, so does the research and experimentations around it. All around the world we see musicians as well as music researchers peeking at different aspects of how music can expand the image. In a country like Iran, with a history of cinema almost as old as cinema itself, there is very little knowledge of this field. Only a few of the composers who worked on film scoring in the last century of Iranian cinema had academic knowledge of music, let alone music for the screen. In this research, we examine the history of music for cinema in Iran, from the very beginning in 1900, to the recent years. We present a brief history of the early years along with analysis of how music gradually became widespread in film production. Then we discuss four generations of Iranian film composers, each represented by a prominent composer of that generation. We analyze their style and work, then we specifically analyze one of their most prominent works.

La présente recherche, descriptive et exploratoire, vise à mettre en lumière la situation actuelle de la composition de musique de film au Québec. Notre but premier est de cerner les facteurs d'ordre technique, financier et social qui orientent la création musicale et jouent un rôle déterminant dans la composition d'oeuvres musicales pour le cinéma. Nos objectifs de recherche, au nombre de trois, visent à identifier les agents et outils qui conditionnent la composition musicale, à exposer les divers types de conditionnement et à en décrire et analyser les conséquences connexes. Pour y arriver, nous avons opté pour une stratégie de recherche qualitative basée sur la collecte de données sur le terrain. Sur le front technologique, les résultats obtenus auprès de notre échantillon montrent que les outils technologiques de composition ont notamment pour effet de « populariser » la composition musicale pour grand écran. Il ressort également qu'une utilisation inadéquate des outils de composition et d'enregistrement technologiques conduit parfois à une certaine dépréciation de la qualité des oeuvres musicales pour le cinéma. Sur le plan financier, les résultats de notre recherche montrent que des facteurs tels que le budget de composition et le souci de rentabilité influent sur la facture de la trame musicale. La qualité des oeuvres musicales peut donc être défavorablement affectée par de ce type de facteurs. Sur le plan des facteurs sociaux, notre investigation nous a permis de constater que les chefs de file de l'industrie cinématographique orientent, dans une large mesure, pour des raisons socio-commerciales, la création et la production de la trame musicale. Nous en sommes venue à la conclusion que s'il faut certes composer avec l'évolution technologique et les impératifs d'ordre financier et social, il ne faut toutefois pas négliger les aspects qualitatif et original des productions musicales. Il s'agit-là d'un juste équilibre à atteindre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Musique de film, Composition de musique de film, Facteurs technologiques, Facteurs financiers, Facteurs sociaux, Québec.

Tout au long de la vie l’individu acquiert, parfois de façon involontaire ou inconsciente, des connaissances sur son environnement, et il retient plus particulièrement les régularités. Ces connaissances, elles-mêmes, permettent de développer des attentes sur des événements futurs. Ces attentes sont utiles dans la perception et dans l'anticipation des conséquences des événements (ou des actions en cours), ce qui conduit l’individu à réagir de façon plus adéquate et plus rapide en fonction de ses prévisions. En se basant sur la théorie des « attentes musicale » de David Huron, nous proposons de créer une théorie des « attentes musico-filmiques ». L’objectif de notre thèse est d'examiner les concepts de base de la façon dont la musique de film peut créer des attentes relatives à la narration du film chez les spectateurs. Nous allons étudier comment cela affecte la façon dont ils perçoivent et interprètent le film. / Throughout our lives, we acquire (sometimes involuntary or even unconsciously) knowledge about our environment, and we retain in particular its regularities. These regularities are learned, stored as knowledge and will subsequently allow creating expectations that will facilitate the cognitive processing of the environmental information. Hence, via this process, the analysis of an expected event becomes faster and more accurate than that of an unexpected event. Based on David Huron's “musical expectation” theory, we propose to investigate, and develop a theory of “expectations about associations between the film and the music”. The aim of our thesis is to discuss the basic concepts of how film music can create particular expectations in relation to the narration of the film for viewers and how this affects the way they perceive the film and interpret the movie.

Ce travail étudie le rapport entre le langage narratif cinématographique et le discours musical contemporain. Le point de départ en a été l’étude des nouvelles créations contemporaines écrites pour accompagner certains films de l’époque du cinéma muet. Pour atteindre ces objectifs, nous sommes partis d’une vision théorique, pour arriver à l’analyse plus concrète qui nous a donné les consignes de base pour créer notre propre modèle d’analyse applicable à la composition. Ce modèle permet de préciser les concepts nous permettant d´aborder la relation entre le film et la musique selon deux axes, que nous appelons respectivement « points d’ancrage » (qui traitent des points d’articulation du discours cinématographique avec la musique) et « points de référence » (qui gèrent les éléments formels du discours cinématographique et musical). Dans la dernière partie de ce travail, nous appliquons notre modèle à la réalisation de quatre projets personnels, qui représentent une « conclusion artistique » des éléments analysés au cours de cette recherche. / This work studies the relationship between the film’s narrative language and the contemporary music speech. The starting point of this work is the study of the new contemporary scores, which were composed for silent films from the 1920’s onwards. To reach these goals, we started from a theoretical vision, to subsequently perform a practical analysis. This gave us the important points to create our analysis model to be used for music composition. This model allows us to clarify the relationship between the film and the music, based on two main axes: the “anchoring points” (giving us the articulation points between the music and the film) and the “reference points” (which deals with the formal elements of both film and music speech). In the last part of our work, we have applied our model to the composition of four personal projects, which were created as an artistic conclusion of our research.

Le regard de la société sur les avancées technologiques a été la cible de multiples remises en question. Des premiers synthétiseurs aux allures monstrueuses et presque grotesques aux instruments virtuels, les compositeurs de musique de film ont souvent port. un regard curieux sur cet instrument énigmatique, aussi singulier que versatile. Un synthétiseur est un appareil musical électronique ou un logiciel utilisé pour générer et combiner des signaux audio par des processus analogiques ou numériques . (traduit de Devine, 2013). Par un processus d’expérimentation, certains compositeurs ont relevé le défi musical d’utiliser le synthétiseur dans la musique de film. Avec le temps, ils ont trouvé en lui un outil irremplaçable. / Society's view of technological advances has been the target of many questionings. From the first monstrous and almost grotesque looking synthesizers to virtual instruments, composers of film music have often taken a curious look at this enigmatic instrument, as singular as it is versatile. A synthesizer is an "electronic musical device or software used to generate and combine audio signals through analog or digital processes" (translated from Devine, 2013). Through a process of experimentation, some composers have taken on the musical challenge of using the synthesizer in film music. Over time, they have found in it an irreplaceable tool.

Cette thèse présente les résultats d’une recherche portant sur les ciné-concerts (séance decinéma accompagnée musicalement en direct par un ou plusieurs musiciens) et ses publics.À l’aide d’une analyse sur les relations qu’entretiennent musique et cinéma et d’un examendes circonstances de la naissance des ciné-concerts aux alentours des années 1980, ce travails’attache à montrer comment le ciné-concert devient un mythe au sens où l’entend RolandBarthes élaboré autour de deux promesses : le ciné-concert est une plongée au cœur del’histoire du cinéma et une expérience spectatorielle inédite pour les publics. À partir d’uneréflexion sur les liens qu’entretient le ciné-concert avec le développement numérique dessalles de cinéma, nous comprendrons comment, tout en étant une expérience qui prend sesracines dans le passé du cinéma, c’est d’une expérience nouvelle de spectateur qu’il estquestion. Enfin, nous analyserons les liens qu’entretient cet événement avec la cinéphilie,avec la mélomanie, et enfin comment son inscription à l’éventail des pratiques culturellesparticipe au brouillage des frontières symboliques de la légitimité culturelle. / This thesis presents the results of a research about film-concerts (a movie screening wherethe music is played live by one or many musicians) and its audiences. Through an analysisof the relationship between music and cinema as well as a study of the conditions of theemergence of the film-concert around the year 1980, this work shows how the film-concertbecame a myth as per Roland Barthes’ definition. The myth is built around two promises:the film-concert allows the audience to dive into the history of cinema as well as being abrand new cultural experience. Starting from a reflection about the links between filmconcertand the digitalization of cinema, the work will show how, while this event takes itsroots from the origin of cinema, it is a new experience for the audience. Then, we willanalyze how film-concert modifies the relationship between an audience member andcinema as well as his relationship with concert and the orchestra to finally show going tofilm-concerts modifies the symbolic boundaries of cultural legitimacy.

Dans les années 1970, les cinéastes soviétiques arrivaient à faire des films de qualité malgré toutes les contraintes et bien qu’étant obligés de tourner conformément aux critères de la censure. On peut parler de l'originalité et d’une certaine liberté d'expression, comme les caractéristiques du cinéma soviétique de cette période, puisque le contrôle du contenu des films est devenu moins strict par rapport aux décennies précédentes. Ces années sont marquées par la naissance de la collaboration fructueuse du cinéaste Nikita Mikhalkov avec le compositeur Edouard Artemiev. Un regard très profond sur l’histoire et la littérature de son pays est la particularité de toutes les créations de Mikhalkov, ce qui lui a valu le Grand Prix au festival de Cannes et l'Oscar du meilleur film étranger avec Soleil trompeur (1994). Quant à Artemiev, l’auteur de l’Opéra Crime et Châtiment, la maîtrise des différents styles (musique savante, musique électronique, musique rock et musique du monde) lui a permis de posséder une large palette de possibilités pour accomplir les tâches les plus difficiles en matière de musique de film. Il s’agit donc du tandem de deux maîtres incontestables dans leurs domaines respectifs, deux artistes qui se complètent. Ce travail de recherche vise à explorer le langage musical et les choix esthétiques d’Edouard Artemiev, ainsi que les différentes fonctions de sa musique dans les films de Nikita Mikhalkov. Cette étude s’appuie sur des extraits de partitions, fournissant ainsi au lecteur des références concrètes. / In the 1970s, the Soviet filmmakers, despite of all the restraints and being obliged to conform to the censorship criteria, were able to create quality movies. It is possible to consider that the originality and a certain freedom of expression were the characteristics of the Soviet cinema at that period, due to the fact that the control over the content of movies had become less strict than in previous decades. These years were marked by the birth of the successful collaboration between the filmmaker Nikita Mikhalkov and the composer Edouard Artemiev. A deep insight of his country's history and literature is a distinctive feature of all the movies made by Mikhalkov. This particularity brought the director the Grand Prix at Cannes and the Oscar for the best foreign film for his movie Burnt by the Sun (1994). As for Artemiev, the author of the opera Crime and Punishment, his perfect knowledge of different styles (classical music, electronic music, rock and world music) allowed him to possess a wide range of possibilities in order to accomplish the most difficult tasks in creating the film music. This is the tandem of two incontestable masters in their respective fields, two artists who complement each other. This research aims to explore the musical language and the aesthetic choices of Edouard Artemiev, as well as the different functions of his music in the films of Nikita Mikhalkov. This study is based on the extracts of different scores, providing the concrete references to the reader.

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Cette version du mémoire a été tronqué des éléments de composition originale. Une version plus complète devrait être rendue disponible sous peu pour les membres de la communauté de l’Université de Montréal. / Ce mémoire est une comparaison sonore de 4 adaptations cinématographiques du même roman: L'Invasion des profanateurs (1955) de Jack Finney. J’y parle de la technologie audio que chacun des films a employé. J’essaye de comprendre et de démontrer comment cette évolution technologique a pu contribuer à faire évoluer différents aspects sonores tels que le style musical, le foley, et le design sonore. J’ai d'abord comparé les 4 films de manière plus général en me concentrant sur les thèmes musicaux, l’utilisation du foley pour faire peur, le Jump Scare et le design sonore. Ensuite, je me suis concentré sur 4 scènes communes que j’ai analysé plus en détail. Ce mémoire donne une vision partielle de l’évolution sonore dans les films de sciencefiction. / This Thesis is a sound comparison between four movies inspired by the same novel : The Body Snatchers (1955) by Jack Finney. I talk about the audio technology that each movie used and how it has contributed in the evolution of the musical style, the foley, and the sound design. At first, I compare the 4 movies in a general way : the musical themes, the use of the foley to scare the audience, the Jump Scare, and the sound design. Then, I chose 4 common scenes that I analyze more in details. This thesis gives a partial view of the evolution of sound in science fiction movies.