With particular focus on the processes of rewriting and adaptation of works by Marguerite Duras, this study will examine the generic, stylistic, and thematic differences between the novel Un Barrage contre le Pacifique (The Sea Wall) and the play adapted from that novel, L'Eden Cinéma (Eden Cinema). The transition from narrative to drama first of all implies formal changes, but we will see that with Marguerite Duras, the texts are often hybrid, thereby minimizing the generic differences between the novel and the theatrical adaptation and accentuating their similarities. In terms of style, we can perceive a more feminine tendency ; however it is especially at the thematic level that we find significant differences, whether because of a change in family relationships which seem to undergo a healing process, or because of Suzanne, the main character’s gradual emancipation. Thanks to the use of comparisons, analyses and hypotheses already published by Duras’ literary critics, we will not only compare these two works but we will also see under what circumstances these hypotheses are applicable to our own corpus. We will analyze the relationships between the characters, taking into account their alienation and submission, their contradictory feelings of love and hatred, and escalating tensions between them with the goal of determining the link between the generic and thematic changes between the two texts. Ultimately, we will ask ourselves if it is through the rewriting of her own family narrative that the author can not only emancipate herself but also represent herself in her text. / Thesis (Master, French) -- Queen's University, 2009-09-22 12:12:00.371

Quand on entend parler de l'écriture migrante, Sergio Kokis est un nom récurrent dans le corpus littéraire puisque ses oeuvres sont déterminées par son expérience migratoire. Le pavillon des miroirs est le premier roman de Sergio Kokis où les deux mondes et les deux imaginaires typiques de la littérature migrante sont intégrés. Son narrateur voit sa vie changer à travers les miroirs du souvenir, où les événements du passé sont évoqués et reflétés à partir d’un présent et d’un milieu qui lui restent étrangers. Le récit témoigne de la dualité qui habite le narrateur en raison de la rupture existentielle dans sa vie, créée par un exil intérieur, le déracinement et finalement le déplacement du Brésil au Québec. La mise en scène du roman nous montre ce caractère double du narrateur, caractéristique renforcée par son statut d’altérité. Le passé et le présent, l’ici et l’ailleurs, la friction entre le soi et l’autre produisent chez le narrateur une mutation identitaire constante, témoignant d’une l’hybridité identitaire qui résulte de la quête de son identité. Dans ce mémoire, je présenterai quelques notions théoriques qui me permettront d'aborder certaines manifestations d’hybridité du roman, analyser la fonction de la langue, des tableaux et de la psychanalyse pour communiquer l'imaginaire et le réel.

Quand on entend parler de l'écriture migrante, Sergio Kokis est un nom récurrent dans le corpus littéraire puisque ses oeuvres sont déterminées par son expérience migratoire. Le pavillon des miroirs est le premier roman de Sergio Kokis où les deux mondes et les deux imaginaires typiques de la littérature migrante sont intégrés. Son narrateur voit sa vie changer à travers les miroirs du souvenir, où les événements du passé sont évoqués et reflétés à partir d’un présent et d’un milieu qui lui restent étrangers. Le récit témoigne de la dualité qui habite le narrateur en raison de la rupture existentielle dans sa vie, créée par un exil intérieur, le déracinement et finalement le déplacement du Brésil au Québec. La mise en scène du roman nous montre ce caractère double du narrateur, caractéristique renforcée par son statut d’altérité. Le passé et le présent, l’ici et l’ailleurs, la friction entre le soi et l’autre produisent chez le narrateur une mutation identitaire constante, témoignant d’une l’hybridité identitaire qui résulte de la quête de son identité. Dans ce mémoire, je présenterai quelques notions théoriques qui me permettront d'aborder certaines manifestations d’hybridité du roman, analyser la fonction de la langue, des tableaux et de la psychanalyse pour communiquer l'imaginaire et le réel.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Le présent mémoire porte sur un recueil de nouvelles de Tonino Benacquista, La machine à broyer les petites filles paru en 1993. Ces textes appartiennent à un genre doublement marginalisé : les nouvelles policières. Nous avons tenté de comprendre de quelle manière les trois principaux sous-genres criminels s'entremêlent dans les textes de Benacquista, ainsi que les effets de cette hybridité. Nous avons d'abord dégagé les principales constantes théoriques du récit criminel et de ses trois principaux sous-genres, soit le récit à énigme, le récit à suspense et le récit noir. Puis, avant même de nous consacrer à l'analyse proprement dite des nouvelles, nous avons tenté de mieux comprendre les traits de la nouvelle et les influences qu'ils peuvent avoir sur les récits criminels de Benacquista. Dans la seconde partie, nous avons analysé les treize nouvelles criminelles du recueil de Benacquista. Le premier constat fut que les textes de La machine à broyer les petites filles présentent presque tous une forte coloration noire, entre autres parce que l'auteur s'amuse à transgresser les frontières entre les catégories, entre autres à travers les natures des crimes et de l'énigme. Cela transparait également à travers l'étrangeté des personnages et des lieux, le ton distant des narrateurs ainsi que la focalisation. Par ailleurs, l'ironie et la subversion, traits appartenant autant à la nouvelle qu'au récit noir, teintent toutes les nouvelles. Mais, plus que tout, ces récits incitent à réfléchir aux notions complexes que sont l'impunité et la culpabilité.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Dans les années 1990, l’Australie met en place une politique de réconciliation s’étalant sur dix ans et visant à développer une meilleure relation entre Australiens aborigènes et non-aborigènes. Cette politique est fondée sur la reconnaissance de l’existence continue de tensions entre les deux communautés, et ce malgré une plus grande reconnaissance de la place des Aborigènes en Australie depuis les années 1970. La relation complexe entre Australiens aborigènes et non-aborigènes – en particulier "blancs" et dont les origines sont anglo-celtes – est le résultat du processus de colonisation, des politiques ultérieures conçues pour contrôler la population aborigène, et de la domination des Aborigènes par l’Australie "blanche" au cours de l’histoire. Du fait des politiques discriminatoires, de nombreuses familles aborigènes décidèrent de cacher leurs origines et de se faire passer pour blanches. De nombreux enfants métisses à la peau claire furent enlevés à leurs familles et perdirent leurs liens avec leurs familles aborigènes. Aujourd’hui, un nombre grandissant d’Australiens choisissent de revendiquer leur identité Aborigène et de reprendre possession d’un héritage dont ils ont été privés. Mais si avoir des origines aborigènes n’est plus source de honte, en revanche, le chemin à parcourir pour retrouver son identité aborigène peut être difficile. Cette étude analyse les parcours identitaires de onze Australiens élevés dans une culture "blanche" anglo-celte et qui ont des origines aborigènes. L’analyse de leurs perceptions de l’identité aborigène révèle la prédominance des discours "blancs" sur les Aborigènes en Australie aujourd’hui, mais aussi la présence de discours essentialistes restreignant la définition de l’identité aborigène, et maintenant utilisés par la communauté aborigène afin de contrôler cette définition. L’analyse de la relation d’opposition entre Aborigènes et Australiens "blancs" dans l’Australie contemporaine révèle la difficulté à revendiquer à la fois des origines "blanches" et "noires", ainsi que des identités multiples. / In the 1990s, Australia set up a ten-year policy of reconciliation aiming at developing a better relationship between Indigenous people and the wider Australian community. This policy was based on the recognition of the enduring dichotomy between both communities despite an increasing acknowledgement of the place of Indigenous people in Australia since the 1970s. The complex relationship between Indigenous and non-Indigenous Australians – and especially ‘white’ Anglo-Celtic Australians – is the result of the process of colonisation, of the subsequent policies designed to control Indigenous people, and of the historical domination of ‘white’ Australia over Indigenous people. As a result of discriminatory policies, many Indigenous families decided to hide their heritage and ‘passed’ into ‘white’ society. Many mixed-race and fair-skinned children were taken from their families and lost their connection with their Indigenous relatives. Today, an increasing number of Australians choose to identify as Indigenous and to reclaim a heritage they were deprived of. But although having Indigenous heritage is no longer regarded as shameful, the road back to Indigeneity can be a difficult one. This study is the analysis of the identity journeys of eleven Australians who were raised in a ‘white’, Anglo-Celtic Australian culture and who have Indigenous heritage. Their perceptions of Indigeneity are analysed to reveal the dominance of ‘white’ discourses about Indigeneity in today’s Australia, but also the presence of restricting essentialist discourses now used by the Indigenous community to keep control over the definition of Indigenous identity. The analysis of the oppositional relationship between Indigenous and ‘white’ Australians in contemporary Australia reveals the difficulty of embracing both ‘white’ and ‘black’ heritages and of claiming multiple identities.

Au cœur des métamorphoses esthétiques de la littérature africaine d’expression française, il apparaît une forme particulière d’écriture qui rompt avec le récit terne et linéaire des écrivains de la période post-coloniale. Aussi, cette nouvelle manière d’écrire donne naissance à une nouvelle génération d’écrivains francophones qui proposent aux lecteurs une littérature plus crue, plus sensuelle voire plus sexuelle. Celle-ci se donne désormais pour objectif de critiquer les mœurs sociales à travers la description de divers personnages de romans en proie à la complexité de leur monde intime. Cette nouvelle conception romanesque nous inscrit dans une tendance littéraire actuelle visant à lire l’universel dans l’intimité. De fait, la particularité de notre thèse réside dans sa capacité à amener le lecteur à voir le lien qui pourrait exister entre l’écriture du corps et la quête de l’identité dans la littérature contemporaine d’Afrique francophone. Ceci serait en effet possible à travers l'analyse psychocritique de certaines œuvres des auteurs qui la compose, comme celles de l'écrivain franco-togolais Sami TCHAK. Ces investigations conduisent ainsi le lecteur à se demander de quelle manière l'écriture du corps, à travers celle de la sexualité, peut véhiculer un discours capable de permettre au sujet écrivant de se révéler à lui-même. Ce choix esthétique de la transgression, aussi bien sur le fond que sur la forme, semble être en réalité un prétexte à la reconfiguration stylistique de la littérature africaine contemporaine par cette nouvelle génération d'écrivains. / In the heart of the aesthetic transformations of African literature of French expression, a special form of writing that breaks with the dull and linear narrative of the writers of the post-colonial period appears. Also, this new way of writing gives way to a new generation of francophone writers who offers readers a more raw, more sensual, more sexual literature. It is now intended to criticize social mores through the description of various characters from novels which are prey to the complexity of their intimate world. This new form of writing has enrolled us in a current literary trend that allows to introduce the universal character in the intimacy. In fact, the peculiarity of our thesis lies in its ability to lead the reader to perceive the link that may exist between the writing of the body and the quest for identity in contemporary literature of francophone Africa. This would be possible through the analysis of psychological critics of some literary works such as those of the Franco-Togolese writer Sami TCHAK. This research leads the reader to wonder how the writing of the body, through that of sexuality, can convey a literary discourse capable of allowing the writer to have a better understanding of himself. This aesthetic choice of transgression seems to actually be a pretext for the stylistic reconfiguration of contemporary African literature thanks to this new generation of writers.

Dans l’histoire des Juifs d’Europe rien n’illumine autant que le mouvement des Lumières (XVIIIe siècle), rien n’est plus troublant que la comparaison entre le sujet national et l'étranger (fin du XIXe siècle), rien n’est plus sinistre que la dévastation de ce qui semblait immuable, en vue d’un but déterminé : pureté raciale. Le nazisme triomphant (début du XXe siècle) a tout fait pour anéantir la diaspora juive. En dehors même de la destruction physique, la résolution de la question juive se présente comme démolition à la fois du patrimoine et de l’identité juifs. Ce qui change dès lors, c’est l’ensemble des rapports sociaux. Le sentiment d’insécurité devient une obsession, qui longtemps après la guerre continue à hanter les survivants. Ce que nous voyons dans Une histoire familiale de la peur, c’est l’impact qu’a l’Holocauste sur le devenir des Juifs polonais. Agata Tuszyńska (deuxième génération des survivants) a eu une période de déni et une période de révolte, puis est venu l’âge de l’acceptation, avec une volonté de restaurer des liens socioculturels entre le monde disparu et le monde contemporain. Le refus de jugement sur la fièvre antisémite, rend caduque la saisie du sens exacte de l’extermination au lendemain de la guerre. Le silence des rescapés couvre d’ombre des siècles d’existence des Juifs polonais. Il enferme les victimes dans un monde de souffrance incommunicable. Dans ces circonstances le deuil du génocide ne réussit pas. Ce qui les empêche de faire ce travail ce sont les défenses psychiques, l’incompréhension sociale et l’oubli de soi. La Shoah devient alors un jeu de confessions et de concepts imprécis, où s’introduisent le vide et le non-sens. / A period of triumphant Nazism (in the beginning of XXth century) imposed in all Europe an abrupt stop: it made everything to annihilate the Jewish Diaspora. Outside even of physical destruction, this resolution of the “Jewish issue” is present as demolition at the same time of the heritage and of the Jewish identity. A lack of apogee is cause by a long way of tolerance and a hard work of integration. What changes from then on, is all the social relationships. The feeling of insecurity becomes an obsession and continues to haunt the survivors long after the end of the War. We can see that in the example of “Rodzinna historia leku” (A family history of the fear) it is the impact which has the Holocaust on the future of Polish Jews. Agata Tuszynska, professor, journalist (the second generation of the survivors) had a period of denial and a period of revolt, then came the age of the acceptance, with a desire to restore socio-cultural links between the disappeared and the contemporary world. The refusal of judgment on a kind of anti-Semitic fever, according to the criterion of the good and the bad, makes null the seizure of the correct meaning of the extermination after the War. The silence of the survivors overshadows the centuries of existence of the Polish Jews. It locks the victims into a world of incommunicable suffering. It is thus obvious that, in these circumstances to mourn and come to terms with the genocide can’t be succeeded. What prevents them from making this work of memory, except the psychic defenses, the social incomprehension and the self-forgetfulness. Shoah becomes then a mix of confessions and concepts, where get the space and the nonsense.

Malgré l’inversion de la signification du cynisme, ses deux acceptions principalesconservent de troublantes similitudes. Tout cynisme se montre : il s’exhibe par le dénuementexemplaire des ascètes comme par les possessions des parvenus. Le cynisme est doncontologiquement théâtral. Par son association à la dérision des valeurs ou à celle de leurabsence, il se rapproche plus spécifiquement de la comédie. Cynisme et comédie ont unemême ambivalence en partage.La relation des dramaturges à l’utile dulci s’est rarement révélée aussi complexe etévolutive qu’entre 1685 et 1750. Leurs postures par rapport à la place du rire et de la moraleau théâtre influent sur leurs manières de représenter le cynisme et l’amoralité. Mais leurappréciation des arcanes des subversions morale et amorale détermine réciproquement lapoétique de leurs comédies.Dancourt, Lesage, Regnard et autres joyeux drilles couvrent de leurs sarcasmes uneamoralité collective qu’ils dédaignent de corriger. En réaction à leurs provocations, leurscenseurs ligués dénoncèrent la corruption du théâtre et entreprirent sa réforme. La comédie setransforme notamment en chaire publique, grâce à l’action de Destouches qui substitue lamoralisation au rire. C’est en moralistes que Dufresny et Marivaux envisagent, en revanche,la genèse, les causes et les implications des travers moraux. Ils découvrent que, au siècle desLumières, les ténèbres prévalent : le Mal gangrène société, individus et langage. Sublimantleur pessimisme, leur désir d’y remédier les incite alors à évaluer, avec Delisle, la possibilitéde restaurer le cynisme antique pour réenchanter leur monde / Inspite of the inversion of the meaning of cynicism, its two variants do preserve somedisquieting affinities. All cynicism must make itself visible: it exhibits itself in the ascetic’soustanding privation as much as in the parvenu’s gallery of possessions. Cynicism is thenontologically theatrical. Through its association with the mocking of values or with theirabsence, it shares closer ties with comedy. Both partake of the same ambivalence.The dramatists’ relationship to the utile dulci has rarely shown itself to be a complex andevolving as in the period between 1685 and 1750. Their stances in connection with the placeof laughter and morality in theatre bears strongly on the way cynicism and amorality arerepresented. Yet, their appreciation of the well-guarded secrets of subversions, wether moralor amoral, determines in turn their own comic poetics.Dancourt, Lesage, Regnard and other wanton libertines screen with their sarcasm acollective amorality they are loath to redress. In response to their provocations, their consorsunited to denounce the theatre’s corruption and brace up for reform. Comedy, steps then intothe pulpit owing to Destouche’s contribution substituting moralization for laughter. It is asmoralists, however, that Dufresny and Marivaux conceive the genesis, causes, andimplications of moral defects. They came to realize that in the Age of Enlightenment,darkness still prevailed: Evil corrupt society, the individual and language. The call forredemption, with the sublimation of pessimism it breeds steers them forth to evaluate, alongwith Delisle, the possibility of restoring classical cynicism in the aim of bringing enchantmentback to their worlds