La présente thèse se propose de comprendre la production musicale d’Astor Piazzolla, notamment la façon particulière dont le compositeur réalise le dialogue entre musique populaire urbaine et musique savante. Pour ce faire, nous avons repéré quatre courants musicaux principaux dont il a été possible de tracer les origines dans son œuvre : le tango, base structurelle de sa musique, le jazz, la musique baroque et la musique savante moderne. Après avoir montré leur présence dans la première partie, nous procédons à l’analyse de l’articulation particulière de ces éléments dans la deuxième. Certains traits du tango semblent privilégiés dans ce métissage, en constituant des éléments de base repérables principalement par des gestes mélodiques, des modèles d’accompagnement et des timbres caractéristiques très fréquemment employés, qui assurent aussi bien la cohésion et l’unité musicale que l’identité du genre urbain argentin. Cette fusion musicale utilise à de nombreuses reprises des caractéristiques communes des musiques métissées comme stratégie de réussite de l’alliage musical ; on constate dans certains passages un subtil et soigneux dosage des ingrédients musicaux utilisés. Le discours du compositeur, analysé au dernier chapitre, nous a permis en outre de dégager trois aspects de ce rapport entre populaire et savant : la recherche d’une identité, en produisant une musique qui représente la ville de Buenos Aires et l’Argentine ; un rapport aux avant-gardes modernistes, en cherchant à exprimer l’ère de son temps et à symboliser la nouveauté à travers une musique moderne ; la recherche d’une légitimité, apparue notamment sous l’expression de l’« élévation » du tango. / The aim of the present thesis is to understand the musical production of Piazzolla, especially the particular dialogue between popular and art music in his work. To do so, we located four main musical streams which origins were possible to trace: the tango, structural basis of his music, the jazz, the baroque music and the modern art music. Having shown their presence in the first part, we proceed to the analysis of the particular articulation of these elements in the second one. Certain features of the tango seem favored in this junction, constituting the basic elements mainly through the presence of melodic gestures, accompaniment models and characteristic timbres very frequently used, which assure the cohesion and musical unity as well as the identity of the Argentine urban genre. On numerous occasions, his fusion employs common characteristics of the several music crossed as a strategy for reaching the musical jointure; we also noticed in certain passages a subtle and careful dosage of the musical ingredients used. The speech of the composer analyzed in the last chapter still allowed us to identify three aspects of this relationship between popular and art music: the search for an identity, by producing a music which represents the city of Buenos Aires and Argentina; a relationship with the modernist avant-gardes, in an attempt to express the present time and to symbolize the novelty through a modern music; and the quest for legitimacy, appeared notably under the expression of the "rise" of the tango.

Doctorat en sciences sociales, politiques et économiques / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Francis POULENC (1899-1963) a été particulièrement influencé par la musique populaire de son époque. Pour étudier cet aspect de son œuvre, notre recherche s’appuiera sur la production musicale du compositeur, sur ses nombreux témoignages (correspondances, émissions radiophoniques et divers écrits) et sur tous les documents liés à la création et à la réception de ses œuvres. Le compositeur du Bal masqué n’imitait pas la musique populaire mais en empruntait quelques éléments : tel un peintre, il réalisait des « portraits de music-hall ». Afin d’apprécier cette imprégnation, nos analyses portent sur différents paramètres musicaux : la mélodie, le rythme, l’harmonie, les structures, l’orchestration et la vocalité. La finalité de notre travail s’inscrivant dans des perspectives socioculturelles, l’analyse de ces aspects techniques ne se dissocie pas du contexte historique lié au compositeur et plus largement au Groupe des Six. / The composer Francis Poulenc (1899-1963) was particularly influenced by the popular music of his time. In order to study this very specific aspect of his works, our research will take into account the musical production of the composer, his personal testimonies (such as correspondence, radio programs and various pieces of writing) and all documents related to the creation and reception of his works.When composing Bal Masqué (The Masked Ball) the composer’s aim was not to copy popular music but just to make use of some of its characteristics. Just like a painter he created what he would call ‘portraits de music-hall’ (‘Music-hall portraits’). For this impregnation to be fully appreciated, our analyses will tackle different musical parameters such as melody, rhythm, harmony, structures, orchestration and vocal effects. The purpose of our research involving socio-cultural perspectives, the analysis of those technical aspects cannot be dissociated from the historical context relative to the composer and, to a wider extent, to the ‘Groupe des Six’.

Ce mémoire porte sur la notion de résistance sous-culturelle chez la sous-culture straight edge dans le contexte du Québec et s’intéresse à la place et au rôle de la musique hardcore à travers cette résistance. S’inscrivant dans le domaine de la sociomusicologie, il est le résultat d’une étude de terrain menée à l’aide d’entretiens auprès de participants à la sous-culture straight edge québécoise. Il s’intéresse au développement de la culture straight edge dans le contexte du Québec et à son organisation en marge de l’industrie culturelle mainstream en explorant son lien et son positionnement par rapport à la scène hardcore québécoise. Cette enquête se penche sur la perception de l’identité sous-culturelle ainsi que sur la représentation du système de valeurs straight edge chez les participants à la sous-culture. Il explore également, à travers l’analyse du discours des participants, leur conception de la société mainstream, des structures de pouvoir et de l’idéologie dominante afin de comprendre leur conception de la résistance. Le mémoire s’intéresse ensuite aux caractéristiques esthétiques du genre hardcore straight edge à travers ses paramètres musicaux et la production et l’utilisation de la voix dans le genre. Il est finalement démontré que la musique hardcore soutien et appuie la résistance sous-culturelle straight edge à travers diverses stratégies d’interprétation, compositionnelles et scéniques, soutenues par les paramètres vocaux et musicaux du genre, les textes des chansons ainsi que le contexte du concert live. / This thesis examines the notion of resistance in the straight edge subculture in the context of Quebec, focusing on the place and role of hardcore music through this resistance. It is part of a sociomusicology field study consisting in interviews with participants in the Quebec straight edge subculture. It is interested in the development of straight edge culture in the context of Quebec and its organization on the margins of the mainstream cultural industry. It also explores the relationship of this subculture with the Quebec hardcore scene. This thesis examines the perception of subcultural identity and the representation of the straight edge value system amongst subcultural participants. It also explores, through the analysis of the participants' discourses, their conception of mainstream society, power structures and dominant ideologies in order to understand their conceptions of resistance. The thesis then looks at the aesthetic characteristics of the straight edge hardcore genre through its musical parameters and the production and use of the voice in this genre. Finally, it is shown that hardcore music supports and sustains straight edge subcultural resistance through various performances, compositional and scenic strategies, supported by the vocal and musical parameters of the genre, lyrics, as well as the context of the live concert.

L'analyse de la musique rock pose certains problèmes au plan méthodologique, particulièrement à l'égard des paramètres musicaux qui doivent être pris en compte. Ce travail vise à rendre compte de la chanson «Digging in the Dirt» de Peter Gabriel, d'abord à travers une analyse systématique du texte, des paramètres musicaux traditionnels et des paramètres musicaux technologiques. Plusieurs rapports texte-musique sont ensuite relevés, de façon à montrer comment les différents éléments musicaux (traditionnels et technologiques) interagissent pour soutenir le texte. Les interprétations issues de 1'analyse de ces rapports sont corroborées par des données externes à l'oeuvre (poïétiques et esthésiques). Le travail propose donc une méthode systématique d'analyse d'une oeuvre rock, méthode qui parvient à rendre compte des particularités de ce style musical, tout en confirmant l'intérêt que la musique populaire peut présenter du point de vue musicologique. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2014

Notre mémoire porte sur le phénomène de l'engagement dans la chanson québécoise qui s'observe à nouveau dans les années 1990 et qui diffère de celui associé aux chansonniers nationalistes de la Révolution tranquille. Réuni en 1990, le groupe Les Colocs propose pour sa part une œuvre qui a prise sur le réel et qui instaure avec la société extérieure un dialogue témoignant d'un engagement social particulier. Afin de caractériser celui-ci, nous nous intéressons au parcours du groupe, jalonné de trois albums (Les Colocs en 1993, Atrocetomique en 1995 et Dehors novembre en 1998) qui sont autant de lieux où redéfinir cet engagement. Il s'agit, en posant un regard sociocritique sur chacun d'eux, de dégager les possibles, les moyens et les difficultés de la chanson engagée dans le contexte des années 1990. Nous observons ainsi que cette décennie n'est pas homogène du point de vue de l'engagement, mais plutôt qu'elle est divisée par deux mouvements, d'abord un élan puis une retombée. Notre étude présente une analyse en quatre temps. Elle dresse d'abord un portrait identitaire des Colocs qui tient compte de leur métissage culturel, de leurs prises de position et de leurs postures. Puis, elle procède à l'analyse chronologique des trois albums du groupe, s'attachant à ce qui les caractérise sur le plan de l'engagement social. Une attention soutenue est portée à la dimension musicale de l'œuvre à étude, mais la sociocritique demeure l'assise méthodologique principale de notre mémoire.

Ce mémoire étudie la relation entretenue entre une création musicale et son environnement géographique. Le champ de recherche de la géographie musicale est riche de nombreuses études, pourtant peu d’entre elles proposent un modèle d’analyse précis regroupant les diverses thématiques impliquées dans cette relation. En utilisant le domaine de la cartographie, ce mémoire offre les bases d’un modèle méthodologique pour l’analyse géographique d’une création musicale. Ce modèle est mis en application avec le morceau «The Ghetto» de Donny Hathaway, produit en 1970 par la compagnie Atlantic Records.Dès sa première diffusion, «The Ghetto» est un véritable succès. Dans le cadre de cette recherche, ce morceau est associé à son homonyme urbain. Lors d’une interview en 2008, la journaliste Dyana Williams mentionna qu’Hathaway embellit le ghetto grâce à ce morceau (Payne 2008). La relation qu’entretient le morceau avec le ghetto est singulière et multidirectionnelle, depuis cet objectif d’embellissement jusqu’à ses effets commerciaux. Le modèle proposé possède de nombreuses caractéristiques et établit une taxinomie de la carte. À travers cette mise en relation théorique de la carte à l’objet culturel, la définitionde celle-ci se voit modifiée. Ce modèle souligne plusieurs indices dans la création musicale qui solidifient sa relation topographique. Ces éléments permettent d’établir une cartographie d’un morceau de musique.Dès lors, ce mémoire offre les bases du modèle méthodologique, développe ses caractéristiques et analyse son application sur «The Ghetto». À travers cette étude, sont abordés les conflits idéologiques et politiques qui animent la pensée noire américaine de l’époque, les techniques d’intégration musicales, les créations identitaires par la culture et l’historique de l’urbanisme ghettoïsé. Ces éléments transparaissent dans«The Ghetto» et solidifient la relation que ce morceau entretient avec son environnement géographique. / This memoir studies the interactive relation between a musical creation and its geographic environment. The musicgeography field of research is rich however very few studies offer aspecific analytic modelthat would gather every thematic concerned inthis relation. Using the field of cartography, this memoir offers the foundation for a methodological model in orderto analysethe geography of a musical creation. After establishing the model’s basics, the later will be illustrated with Donny Hathaway’s “The Ghetto” (1970, Atlantic Records).As soon as it wasfirst broadcast, “The Ghetto” wasa big success. In this study, the trackis associated with its urban homonym. During an interview in 2008, the journalist Dyana Williams mentioned that Hathaway “glamorized” the ghetto thanks to this track (Payne 2008). This relation between “The Ghetto” with the actual ghetto is particular and multidirectional, from that “glamorization” goalto its commercial effects. The methodological model possesses many characteristics and builds a taxonomy of the map itself. Through this theoretical link from the map to the cultural object, the very definition of the map is being transformed. This model underlines specific clues in the musical creation that solidify its topographical bond. These clues allow us to draw a musical creation’s cartography.Therefore, this memoir offers the foundation for the methodological model, developsits characteristics and analysesits application on “The Ghetto”. This study addresses many subjects such as the ideological and political conflicts that animate the American black reflexionat that time, the musical integration techniques, the cultural identity creation and a ghettoized urbanism’s history.

L’objectif général de cette thèse est de contribuer à l’enrichissement des connaissances sur la vie culturelle et musicale des années 1920. En s’appuyant sur l’œuvre de Roméo Beaudry, il s’avère qu’un corpus typiquement associé à la culture anglophone états-unienne peut constituer un jalon déterminant de l’histoire de la chanson populaire canadienne-française. Pour rendre possible une telle équation, les deux premiers chapitres dressent le portrait des lieux de productions et de réception en insistant sur la place octroyée à la diffusion de la chanson. Certaines habitudes et conventions, bousculées au début du XXe siècle, allaient avoir un impact significatif sur le développement des rapports entre les auditeurs, les œuvres, les lieux de réception et les médias. Le chapitre 1 décrit la façon dont ces rapports ont ébranlé les frontières géographiques, langagières et génériques tout en multipliant la diversité musicale et en offrant une plus grande diffusion. Le chapitre 2 suggère que des facteurs dynamiques et complexes tels que les temps de loisirs et les modalités de l’écoute ont pu modifier la réception des œuvres. La pluralité des lieux et des médias contribuait alors à la constitution d’un public hétérogène du point de vue de sa condition sociale et de son mode d’écoute de la chanson. En prenant acte de l’abondance de la musique états-unienne et des chansons traduites en français, la deuxième partie de la thèse démontre que cet imposant répertoire peut signifier autre chose qu’une américanisation, autre chose qu’une forme d’assimilation. Au chapitre 3, j’emprunte à la traductologie, à la littérature et à la musicologie des modèles d’analyse qui permettent l’identification des processus de transformation menant à la traduction d’une chanson. L’adaptation ciblée de la transtextualité de Gérard Genette montre que la transposition d’un texte et la transcription d’une mélodie peuvent maintenir ou modifier radicalement le sens d’une chanson. L’élaboration du modèle et l’analyse spécifique de trois œuvres de Beaudry au chapitre 4 présentent un acteur important du monde de la chanson populaire canadienne-française et font voir comment la traduction et l’imitation peuvent mener à l’appropriation créative d’une œuvre reflétant à la fois une culture locale et continentale. / The overall objective of this thesis is to contribute to the development of knowledge on cultural and musical life in the 1920s. Based on the work of Roméo Beaudry, a repertoire of songs typically associated with the culture of the United States can serve as a milestone in the history of the French-Canadian popular song. In this regard, the first two chapters describe the locations of song production and reception with a focus on the role of music distribution. Habit changes at the beginning of the twentieth century would have a significant impact on the development of relations between auditors, works, reception venues and media. Chapter 1 describes how these relations have shaken geographical, language and generic boundaries while increasing musical diversity and offering a wider music circulation. Chapter 2 suggests that dynamic and complex factors such as leisure time and listening habits may have altered the reception of popular songs. The plurality of locations and medias also contributed to the formation of a heterogeneous public. Noting the abundance of popular music in the United States and the numerous songs translated into French, the second part of the thesis shows that this imposing repertoire can mean something other than Americanization, something other than a form of assimilation. In Chapter 3, translation, literature and musicology studies provide analysis models that allow the identification of the transformation process leading to a song’s translation. The adaptation of Gérard Genette’s transtextuality shows that the transposition of a text and the transcription of a melody may maintain or radically change the meaning of a song. In Chapter 4, the model is applied on three specific songs. At the outcome, Beaudry is defined as an important player in the world of French-Canadian popular songs and it is shown how translation and imitation can lead to a creative appropriation of a work reflecting both local and continental cultures.

Globalement, ce mémoire de maîtrise cherche à redéfinir le style du chansonnier québécois Félix Leclerc (1914-1988). Plus concrètement, la recherche vise à mettre en évidence une trajectoire commune qui serait suivie autant par les textes que par les accompagnements de guitare des enregistrements sonores de chansons. Pour ce faire, le travail s'articule en trois grandes étapes. La première partie est entièrement consacrée à l'étude des textes de chansons de Leclerc. On y trouve la description des caractéristiques du thème du pays à chaque moment de la carrière du chansonnier. Inspiré par les travaux sur le nationalisme de Louis Balthazar (1986) et par des synthèses sociohistoriques de l'évolution des idéologies au Québec de Denis Monière (1977), de Fernand Dumont (1996), d'Yvan Lamonde (2004) et d'autres chercheurs, le premier chapitre commence par retracer les origines du nationalisme au Québec. 11 est par la suite question d'effectuer des liens entre des extraits de textes de chansons de Leclerc et les idées de quelques-uns des principaux penseurs nationalistes canadiens-français et québécois des XIXe et XXe siècles. La deuxième partie du mémoire s'intéresse uniquement à l'analyse musicale des chansons enregistrées de Leclerc. Plus spécifiquement, le corps du texte s'attarde aux relations entre les influences musicales connues du chansonnier et les techniques de guitares observées dans le corpus. Guidé par la méthode d'apprentissage des musiciens populaires telle qu'étudiée par Lucy Green (2001), le deuxième chapitre recueille d'abord tout ce que les sources biographiques consacrées à Leclerc dévoilent au sujet de ses influences musicales. Une fois cette étape réalisée, la recherche recourt ensuite au concept de Song familles (« Familles de chansons ») de Hatch et Millward (1987) ainsi qu'à un outil de la méthode d'analyse des musiques populaires de grande consommation de Philip Tagg ([1979] 2000; 1982). Au moyen d'enregistrements sonores et de documents audiovisuels où le chansonnier se livre à des prestations, l'analyse permet une description détaillée de l'ensemble des particularités du style d'accompagnement à la guitare. Puis, grâce à des comparaisons avec des extraits sonores variés, elle tente de montrer en quoi chacune des techniques d'accompagnement de guitare employées relève des différentes influences musicales identifiées. Dans le troisième et dernier chapitre du mémoire, la recherche reprend les conclusions des analyses textuelle et musicale. En étudiant conjointement le traitement du thème du pays et la technique de guitare, elle parvient à isoler des changements clés qui interviennent à des moments précis. Elle fonde cette dernière démonstration sur l'étude des relations texte-guitare qui, tant pour l'ensemble du corpus que dans des exemples très concrets de chansons, tend à justifier l'existence d'au moins trois périodes dans la carrière de Leclerc. Ce faisant, le mémoire explique pour quelles raisons il est souhaitable de nuancer la croyance répandue qui veut que le style du chansonnier se divise uniquement en deux périodes : avant et après la crise d'Octobre 1970. / Ail in ail, this master's thesis aims at redefïning style in the songs of Québec singers-ongwriter Félix Leclerc (1914-1988). More specifically, the research points out at a trajectory followed both by text and guitar accompaniment. The work articulates in three parts. The first part is fully dedicated to Leclerc's lyrics. Ail along the chansonnier's career, the research intends to describe the characteristics of nationalism involved with the use of the word "pays" ("country" or "region", depending on context). The textual analysis is based on a study of nationalism by Louis Balthazar (1986) as well as on socio-historical researches about Québec such as those by Denis Monière (1977), Fernand Dumont (1996) and Yvan Lamonde (2004). After providing an overview of Québec nationalism in history, the work makes connections between Leclerc's lyrics and ideas by French Canadian as well as Québécois nationalist thinkers of the twentieth century. The second part focuses on a musical analysis of Leclerc's recorded chansons. In short, the work relates the musical influences as documented in biographical sources and the peculiarity of the guitar technique as observed on recordings and audiovisual documents. To do so, the analysis borrows from the learning process of popular music musicians as studied by Lucy Green (2001), from the Song families concept developed by Hatch and Millward (1987) and from the semiotics of mass media music, studied by Philip Tagg ([1979] 2000; 1982). The third part uses the conclusions of textual and musical analyses to show that key changes occur at very specific moments of Leclerc's career. The demonstration is founded on text-guitar relationships at two levels : in a few isolated chansons and on the global scale of the whole repertoire. In the end, the analysis tends toward the identification of three different periods in Leclerc's style and the conclusions allow to nuance the widespread idea that the chansonnier's style is only divided in two periods : before and after the Québec political crisis of October 1970.

Ce mémoire a pour objet la facture harmonique de Gaston Ronchon. Rochon, qui est connu principalement pour son travail avec Gilles Vigneault de 1958 à 1978, est parmi les musiciens qui ont le plus marqué la musique populaire au Québec. Outre son travail de musicien, il a consacré plusieurs années de sa vie à la pédagogie. Il a exercé son travail de pédagogue principalement à l'UQAM où il a mis sur pied le premier programme de baccalauréat en interprétation de la musique populaire au Québec. En premier lieu, ce travail présente une démonstration de la méthode d'harmonisation conçue par Rochon. Le deuxième chapitre présente, par le biais de sa méthode, l'analyse harmonique de quatre chansons du répertoire Vigneault/Rochon et de deux chansons issues de sa période après-Vigneault, et ce, dans le dessein de dégager les particularités du « son » Rochon et de mieux comprendre l'évolution de sa facture harmonique.